Siente la unidad del punk con The Crew y su tema “One Voice”

El colectivo que conjunta la cultura punk y apoya a la comunidad musical.

De la naciente ola punk perdura una gran comunidad que hasta la fecha permanece de pie. Pese a los estragos del confinamiento y las medidas sanitarias que indujeron a todo el colectivo musical, la unidad prevalece y hoy eleva su estandarte con un nuevo proyecto: The Crew y su single debut “One Voice”, una oda a la inclusividad en la cultura punk. 

Esta banda libera este primer track y un material en físico que comprende de un vinilo, ya disponible, que con su ventas beneficiará a Musack, un programa que provee instrumentos musicales a niños y educadores. 

Directamente de la Costa Este en California, EE. UU., este conjunto está conformado por el vocalista Tim Armstrong y el bajista Matt Freeman (provenientes de Rancid); el guitarrista Fletcher Dragge y el baterista Byron McMackin (Pennywise); además de el vocalista Mike Muir de la agrupación Suicidal Tendencies

De esta manera, los músicos decidieron unir fuerzas y colaborar en este proyecto titulado The Crew, en honor a una producción discográfica lanzada en 1984 de la banda californiana de hardcore punk, 7 Seconds.  

Fue así, como el quinteto decidió incursionar con un tema escrito hace algún tiempo y extraído de un demo perteneciente a los miembros de Pennywise, quienes decidieron invitar al resto de colaboradores y “traer más vida” a la canción. 

Colaborar con Tim Armstrong, Mike Muir y Matt Freeman ha sido una experiencia increíble; obviamente, Byron McMackin y yo nos remontamos" menciona Dragge y agrega:

"...¡Ver a estos chicos dejar su propio estilo y marca personal en esta canción fue nada menos que increíble! Creo que es seguro decir que todos estamos jodidamente entusiasmados con el producto final, y poder donar las ganancias a Musack también se siente increíble. ¡Encuéntrelo, póngalo en marcha y disfrútelo!”.

Multiforo Alicia presenta el libro ‘El rock también se escribe’

Las paredes de un recinto hablan y cuentan la historia del rock.

El 2020 fue sin duda, un año difícil para el mundo, ya que absolutamente todo se paralizó por temas de salubridad. El entretenimiento se vio afectado, y no solo el talento sufrió carencias, sino que el staff y los respectivos venues tuvieron que enfrentarse a percances relacionados sobre todo con el tema de resistencia. Dentro de la CDMX, el Multiforo Alicia fue uno de los centros que más solicitó la ayuda de su público para continuar a flote. Hoy, a un año de pandemia el lugar presenta "un libro nacido en el Alicia": El rock también se escribe.

La llegada de este material se anunció a través de las redes sociales del venue. El libro, tal cual comentan, se trata de la selección histórica que se ha logrado compilar a lo largo de los años el recinto de la Benito Juárez.

el rock también se escribe

¿Alguna vez presenciaste un show en el Alicia? ¡Cuéntanos tu experiencia! Sino, te invitamos a leer este libro para conocer más sobre la historia del rock que ha sido presente entre las paredes de uno de los lugares más intrépidos de la CDMX.

El rock también se escribe será presentado por Arturo. J. Flores, Iván Nieblas, Alejandro González Castillo y David Cortés el próximo 26 de mayo. ¡No te lo pierdas!

Entrevista con Dinosaur Jr.

Reparar ciclos para llegar hasta el final.

Infinitas variables pueden terminar con una banda, hay relatos al respecto del cansancio físico y mental como resultado de extensas giras, o el eterno forcejeo entre los egos, las adicciones, las discrepancias creativas o incluso dinámicas amorosas que terminan por arruinar un legado musical, aunque la gran mayoría de la última razón señalada resulta ser un mito. “Lou ha mencionado que nos mantendremos hasta que ya no podamos más, J que seguirá tocando hasta que tengan que llevarlo al escenario en silla de ruedas, si Dinosaur Jr. tiene una motivación para seguir es llegar hasta el final”.

 

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Después de un largo día de entrevistas vía Zoom, soy el segundo o tercer Alejandro que tiene el honor de charlar con Murph, quien debido a esta curiosa coincidencia, ríe discretamente y con un aura positiva describe la actual relación entre los integrantes de la banda: “Fuimos muy tóxicos en los inicios, después tuvimos que mejorar nuestra relación por el bien de la banda, fue como tener 2 vidas diferentes”.

La pandemia no detuvo el accionar pero cambió el proceso creativo del power trío insignia del grunge: “para bien o para mal nuestra dinámica no cambió para nada, todos somos muy cerebrales para hacer las cosas, a pesar de vivir en la misma zona no nos frecuentamos mucho, solo para trabajar, convivimos mucho más estando de gira, y hemos tomado estos meses como unas vacaciones, cuando estábamos de tour también tomábamos algunos lapsos de tiempo para descansar y estar en familia”.

Lo más difícil de la situación actual es extrañar el camino, los itinerarios, los largos viajes: “En cuanto a la salud mental ha sido difícil, ya que a J y a mí nos encanta estar de gira, siento que cortaron nuestra libertad de tomar un avión, e ir a lugares diferentes y lejanos, probar comida diferente, conocer gente nueva. Te vuelves adicto a estar de gira, y cuando te quitan eso te sientes perdido, no sabes qué hacer y solo piensas que no estás haciendo lo que quieres”.

 

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Ahora solo recuerdos quedan de grandes momentos, conciertos memorables e incluso detalles que refieren en su memoria a lugares en específico: “De México recuerdo mucho el tráfico, donde sea que fuéramos todo era frenético y caótico, nuestra última visita fue muy breve, pero espero regresar pronto”.

Grabado en otoño de 2019 y después completado durante los meses de encierro por J Mascis, Sweep It Into Space cuenta con la coproducción de Kurt Vile, a quien Murph le da el crédito de crear un disco muy melódico gracias a su influencia: “fue una gran experiencia trabajar con Kurt, somos una banda muy privada, y tener a alguien que llegara a formar parte de nuestro espacio es algo que nunca habíamos hecho, habíamos estado de tour con él y nos sentimos cómodos de trabajar a su lado, fue un periodo corto y estuvo pocas veces presente en el estudio”.

“I Ain’t”, tema que da inicio a este quinto álbum después de la reunión de la banda en el año 2005 es, por el momento, el tema favorito de Murph: “comenzamos a tocar esta canción en algunos shows y me parecía bastante cool, ya después de algunos meses sin duda cambiaré de opinión, a veces te emocionas mucho con una canción y luego te cansa, descubres otra y tu opinión cambia”.

Recientemente Gene Simmons mencionó que el rock and roll está muerto, Greta Van Fleet contrarrestó esta declaración refiriendo que el rock como lo conocía el bajista de Kiss es el que tal vez está muerto. Diferentes enfoques entre artífices y nuevos talentos del género que Murph complementa: “El rock sigue siendo muy relevante, como el pop, el country, todos son géneros relevantes, incluso el grunge está mutando en una especie rara de pop grunge alternativo, como si pareciera que es la música que todos quieren hacer. Es como si la historia se repitiera, la música siempre renueva ciclos y escuchas cosas que regresan”.

Una constante para muchos amantes de la música durante estos meses de encierro ha sido refugiarse en sus discos o plataformas de streaming, en el caso de Murph, ha sido la oportunidad para reencontrarse con discos que escuchaba en sus tiempos escolares o aquellos que recuerda haber comprado por primera vez y que definieron su estilo para tocar la batería: Who Do We Think We Are de Deep Purple, Master of Reality de Black Sabbath y Romantic Warrior de Return to Forever. “Soy un tipo que le gusta el rock clásico, me gusta mucho Jimi Hendrix, solía imitar la batería del disco Axis: Bold as Love. A tal grado que le gustaría que el tema “Castles Made of Sand” suene en su funeral.

 

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“La radio, mis hermanas cantaban canciones que escuchaban, y ellas me llevaron a mi primer concierto, Crosby, Stills, Nash and Young en el Madison Square Garden, tenía 13 años y me voló la cabeza, esos son mis primeros recuerdos musicales”, mismos que crearon su esencia y trazaron la dirección musical de Murph que a la par de Dinosaur Jr., se ha dado tiempo para colaborar en otros proyectos: “recientemente trabajé con Adam Harding en Dumb Numbers, en tracks que grabamos hace tiempo, el año pasado grabamos algo de música nueva, sobre otros proyectos no he tenido oportunidad de hacer cosas. Hay gente que produce música a través de internet incluso estando en diferentes países, eso me parece cool, estaría dispuesto a hacer algo así pero no hay planes por el momento”.

“Digamos que en 8 meses”, refiere un entusiasta Murph como respuesta ante la esperanza y el deseo de volver a ver a Dinosaur Jr. de regreso en México, pero como desde el año pasado, los meses subsecuentes y hasta hoy, seguimos esperando que los astros, las cifras, las fases de vacunación y diferentes variables se acomoden a nuestro favor. Mientras podemos seguir flotando en el espacio, resistiendo, esperando, y sobre todo siendo felices y teniendo una buena actitud, a pesar de largas jornadas de home office, de esperanza por buenas noticias, o un día de entrevistas que parecen eternas y se vuelven inolvidables.

Dayglow — Harmony House

Encapsula los malos sucesos. ¡Libérate, sé feliz!

 

“If you wanna keep on growing,

you gotta leave some things behind.

You gotta step out of that mind”.

 

Sloan Struble lanzó en 2018 su álbum debut Fuzzybrain con el único objetivo de compartir música que hiciera feliz a la gente, una premisa un tanto ambiciosa porque ¿qué es la felicidad? Sí, es la emoción que llega en un momento de bienestar pero, ¿todos la interpretan de la misma manera? Si tuviera que describir la música de Dayglow sería refiriéndome a una frase común como “menos es más” y en mis propias palabras sería como la elocuente combinación de colores que fluyen entre tranquilas secuencias; la simplicidad a veces es magia pura que corre por las venas a una velocidad deslumbrante que se apodera de tu ser. 

Las buenas vibras, las energías positivas, la magia y la felicidad siguen siendo parte del objetivo principal de Harmony House, el nuevo álbum del texano que llega vía Very Nice Records en colaboración con AWAL. Las pistas que lo componen alientan a una superación, te cuestionan situaciones chistosas y, principalmente, te convencen de que no todo tiene porque ser necesariamente abrumador. 

Dayglow presenta el soundtrack ideal para una película de finales de los 70 y principios de los 80, en donde la trama se centra en el roller coaster de una relación juvenil o bien, en la superación de una persona a la que con frecuencia la vida la golpea duramente. Harmony House abre con “Something” y las palabras faltan para describir lo divertido que es el sonido que compone a esta melodía en donde los sintetizadores a juego con la batería te instalan en una juguetona galaxia. La vida es angustiante pero hay que encontrarle el lado positivo para continuar. 

El inicio fácilmente nos hace recordar a “Can I Call You Tonight?”, uno de los singles del álbum debut que mantiene un espíritu enérgico, cursi y carismático. El resto de las melodías guardan una similitud, pero no son necesariamente idénticas. Desde el primer segundo sabes que “Medicine” será una gran y cósmica canción. Un brillante solo de guitarra te eriza la piel, te inyecta romanticismo y te cuestiona ¿Quién es tu medicina? 

La onda ochentera del new wave alimenta a “Balcony” para poder lidiar con el cambio y que el escucha se de cuenta de que no todo tiene que ser necesariamente fatigoso. Según explicó Dayglow, quería que la pista sonara algo parecido a The Cure y de alguna u otra manera lo logró.

Tanto como “December” como “Close to You” son pistas que vibran alto con su coquetería. El saxofón hace una labor importante y se apodera de todo. Respecto a esta última pista, Sloan comentó en un comunicado de prensa que para él, la canción “se reproduce dentro del cerebro de alguien”, ¿La razón? Relata un encuentro que nunca fue posible entre dos personas. Los nervios suelen jugar en contra. ¡No lo olvides!

“What good is love?”

Harmony House se compone por dos momentos que se entremezclan para que el disco no sea necesariamente “divertido”, ni lo suficientemente “melancólico”.  A diferencia de lo anteriormente presentado, “Crying On The Dancefloor” es una canción extrañamente acogedora. Tiene toques disco pop que se conjugan con el saxofón provocando una sensación de alivio. Es como un abrazo. Un cálido y necesario abrazo. Inmediatamente “Into Blue” da en el gancho y se complementa a la perfección con la atmósfera; las lágrimas corren por las mejillas, ¡Es inevitable!

“Movin Out” retoma la buena energía pero el gozo termina pronto. "Woah Man", una de las canciones favoritas de Dayglow, entra a juego con unas guitarras acústicas para presentar lo que sería un nostálgico downtempo que al intérprete le ha ayudado en sus diferentes etapas de crecimiento. “Inicialmente lo escribí para un amigo que estaba pasando por un momento difícil, pero luego me di cuenta de que realmente estaba escribiendo sobre mí. En medio de tanto cambio, crecimiento y responsabilidad, me encontré sintiendo mucha presión. Después de meses de sentir que tenía el mundo sobre mis hombros y que estaba creciendo demasiado rápido, me di cuenta de que para crecer, a veces tienes que seguir adelante. Tienes que dejar pasar algunas cosas. Y para mí, lo que necesitaba dejar era la sensación de tener el control de todo. Tuve que dejar de aferrarme”, declaró.

“Strangers” y “Like Ivy” cierran esta producción entre brutales tintineos que no hacen más que acogerte entre sus líneas para animarte a ser feliz, lo suficientemente feliz para soportar lo que se avecina. ¡Mira el mundo del color que tu desees! Hoy mi mundo es naranja y, ¿El tuyo?

Squid estrena videoclip animado para “Pamphlets”

Frescura eléctrica directo desde Inglaterra.

A mediados de los años 60 el mundo musical fue sacudido por uno de los movimientos que más repercutieron en el sonido de la época, marcando para siempre la memoria histórica sonora de generaciones futuras; la invasión británica. A más de medio medio siglo de este punto rojo cultural, vivimos una revolución contemporánea en los sonidos del rock, punk y música alternativa, comandada por agrupaciones inglesas entre las que destacan bandas como Squid.

Squid (2)

Louis Borlase y Anthon Pierson en las guitarras, Ollie Judge en la batería, Laurie Nankivell en el bajo y metales junto a Arthur Leadbetter en los sintetizadores y cello conforman al quinteto firmado por la Warp Records, originarios de Brighton, Inglaterra.  Podemos situar a Squid en un territorio de hard experimental con pasajes eléctricos de caos sonoro, encajando en la línea de compatriotas como IDLES, black midi o shame, además de bandas como Girl Band, Iceage y Protomartyr.

 

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Liberando Lino en 2017 seguido de Town Centre en 2019 la banda ha sabido madurar a través del lanzamiento de estos dos primeros EPs, sirviéndoles como preparación rumbo a su debut oficial con Bright Green Field, álbum ya aclamado por distintos medios que viera la luz hace a penas algunas semanas, en mayo de este año. Sonidos estridentes que logran hipnotizar a partir de chispazos de instrumentación poco convencional y progresiones de melodías salvajes, desenvolviéndose a lo largo 11 tracks que posicionan al proyecto como una de las promesas europeas más interesantes de la actualidad.

2021-05-18

Squid vuelve a dar de que hablar con el estreno del video oficial para “Pamphlets”, colaborando en esta ocasión con el animador Barney Abrahams y el artista Raman Djafari, quien también dirigiese el videoclip. Tocando temas de lejanía intrapersonal y la transición a ese nuevo paradigma de abrazar aquello que es distinto.

[…] un desaprendizaje de las falsas verdades que han sido infundadas en nuestras mentes y corazones”, Comparte Djafari sobre la animación.

Quedan además reagendadas las fechas de la banda para el tour a lo largo y ancho de Reino Unido junto a su primer gira estadounidense para finales de 2021.

 

Faye Webster estrena video para “I Know I’m Funny haha”

El nuevo sencillo sigue a “Cheers”, primer adelanto de su nuevo álbum.

Una vez más, nos deleitaremos con la voz y guitarra de Faye Webster, pues la cantante estadounidense de folk acaba de estrenar su sencillo “I Know I’m Funny haha”. Éste es el segundo adelanto de su próximo álbum, que llevará el mismo nombre y verá la luz el 25 de junio vía Secretly Canadian.

Sentémonos y bebamos un poco de sake mientras dialogamos sobre las mismas cosas”. Con esta línea, Faye Webster introduce su nueva canción, la cual nos lleva por sus recuerdos a través de una charla cotidiana y agridulce. El video, filmado por la propia Faye, es una recopilación de memorias que atestiguan momentos divertidos de su día a día. Dale play a continuación.

'I Know I’m Funny haha’ pasó de ser un pensamiento, a una letra, al título de una canción, al título de un álbum. (…) Es una canción muy sentimental pero, al mismo tiempo, cuenta una historia muy simple: no me devuelven el depósito de seguridad de mi arrendador y la familia de mi pareja olvidó quién soy porque estaban borrachos… casi suena como una locura, pero simplemente funciona”, comenta Faye.

Ya puedes apartar I Know I’m Funny haha en este enlace. Mientras tanto, no te pierdas la presentación en KEXP de Faye Webster, donde estrenó este tema por primera vez.

Linkin Park comparte documental ‘The Making of Minutes to Midnight’

Un visual que retrata la realización de uno de los discos más representativos de la banda californiana.

La ya desintegrada agrupación norteamericana de nu metal y rock alternativo, Linkin Park, ha liberado el documental The Making of Minutes to Midnight, esto en celebración del 14 aniversario del lanzamiento de su álbum de estudio Minutes to Midnight, publicado en mayo 2007. 

El largometraje fue lanzado dentro de una edición especial en formato DVD con una extensa colección videográfica de la banda durante la grabación de este tercer larga duración. Dirigido por Mark Fiore, este visual de 30 minutos cuenta con la participación del ya difunto Chester Bennington, Mike Shinoda, Dave Farrell, Joe Hahn, Brad Delson y Rob Bourdon, con una perspectiva que muestra el proceso creativo de este álbum, del que provienen éxitos como “What I've Done” y “Bleed It Out”

Para lo que nos estábamos preparando era para tratar de volver a desarrollar el sonido de la banda desde todos los aspectos, lo cual es un pensamiento aterrador". agrega Chester al inicio del metraje

Y añade: “No queríamos perder nada que la gente pudiera disfrutar de la banda, pero tampoco queríamos hacer una trilogía; no queríamos hacer otro álbum que sonara como lo que la gente esperaría". 

Invierte 30 minutos en el documental The Making of Minutes to Midnight de Linkin Park, por el 14 aniversario de su álbum Minutes to Midnight

¡Celebremos con Cucapá y Enjambre el Día de la abeja!

¡Hagamos el cambio y ayudemos a las abejas!

La Organización de las Naciones Unidas declaró que cada 20 de mayo se festejaría el Día Mundial de la Abeja; el agente polinizador más importante de la Tierra. Actualmente estos pequeños insectos se encuentran en crisis debido a la perdida de su hábitat y el uso excesivo de pesticidas y plaguicidas. El mundo necesita generar consciencia sobre el valor de estos seres de los cuales prescindimos. Por ello es que Cucapá se une a Enjambre para celebrar y generar un cambio en favor de las abejas.

La marca cervecera lanzó una edición especial de su cerveza con el nombre de la agrupación zacatecana la cual se caracteriza por ser de cuerpo ligero con toques de miel de abeja y lúpulos cítricos, y de la misma manera agendó fecha para ofrecer un concierto en streaming. Este evento estará especialmente dedicado a recaudar fondos para la Asociación Civil Efecto Colmena, la cual busca "sanar la relación entre los humanos y las abejas", fomentando el rescate y reubicación de las mismas.

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La transmisión se realizará de manera gratuita el próximo miércoles 2 de junio y para acceder a ella lo único tendrás que hacer es realizar un registro previo a través del sitio viewsforbees.mx, cada view representa una donación de $5 pesos para la asociación y de la misma forma podrás participar para ganarte una guitarra autografiada o un M&G doble presencial con Enjambre.

Recuerda que tú también puedes ayudar a las abejas desde casa. Acondiciona un espacio con flores locales, consume los alimentos que ellas mismas te dan y dales de beber un poco de agua. ¡Te lo agradecerán! Para más información sobre cómo cuidarlas puedes hacerlo aquí.

Terror Cósmico anuncia nuevo material junto a Old Tomb

Sonidos de distorsión profunda reverberando desde distintas latitudes.

La ciudad de México se ha caracterizado siempre por una escena underground efervescente, creando una amplia variedad de sonidos intensos y bandas fuera de la línea que se esperaría para terrenos nacionales. De esta obscuridad subterránea nace Terror Cósmico, que anunció el lanzamiento de un Split vía Ill Will Records, con portada a cargo del artista Peter Olejár.

El nuevo material será una colaboración entre el dúo capitalino y Old Tomb, proyecto eslovaco de stoner doom metal que debutó en febrero de este año con Heir the Cosmic Throne, un mini EP de tres canciones, producido en su totalidad por Jakub Spizsak, que podremos escuchar como parte del compilado.

Por parte de la agrupación nacional podremos encontrar tres tracks dentro del futuro 12’. Con las dos primeras pistas grabadas, mezcladas y masterizadas por Víctor KB Velázquez desde Testa Estudio en León, Guanajuato, así como una versión en vivo de “Agosto del 78”, grabada en un live session desde Vesubio Records por Miguel Fraino.

Te dejamos el tracklist por parte de cada agrupación así como el preorder ya disponible a través de illwillrec@gmail.com, correo del sello.

Split (Terror Cósmico - Oldo Tomb)

Terror Cósmico

  1. “El Enfrentamiento de las Bestias”
  2. “Cámara de Humo”
  3. “Agosto del 78”

Old Tomb

  1. “Destroying of lb”
  2. “A Search and an Invocation”
  3. “I am Providence”

Nile Rodgers, Peter Hook y más en el zine 'Sober 21'

El largo y sinuoso camino de la sobriedad desde la perspectiva de 21 músicos.

El lema "sexo, drogas y rock and roll" ha quedado en el pasado como una frase que, desde los años 60, ha romantizado los excesos en los que han incurrido un gran número de músicos y artistas durante su camino al estrellato. Ahora los tiempos han cambiado y los músicos a quiénes las adicciones les han pasado factura se han unido en el proyecto Sober 21, para hacer conciencia sobre este problema que por tanto tiempo ha estado presente en la industria de la música.

Sober 21 es un zine que recoge ensayos, entrevistas y relatos cortos acerca de la sobriedad, en él participan 21 artistas como Nile Rodgers, Peter Hook de New Order, Patty Schemel de Hole, Darryl McDaniels de Run-DMC, Richard Lloyd de Television, entre otros, para contarnos su experiencia con el lado oscuro de las adicciones, que hace un tiempo había sido difuminado por el glamoroso brillo de la fama. La colección fue encabezada y editada por Elia Einhorn, líder de las agrupaciones Scotland Yard Gospel Choir y Fashion Brigade, quien ha estado sobria durante 24 años. En palabras de Einhorn, Sober 21 es:

Un recurso gratuito para los músicos que quieren comenzar el viaje o son nuevos en el camino de estar limpios y sobrios de las drogas y el alcohol. Nuestro objetivo es ayudar a otros músicos alcohólicos / drogadictos a ver la asombrosa libertad y el beneficio de nuestro arte que encontramos en la sobriedad al compartir nuestras propias experiencias”.

Otros colaboradores de Sober 21 incluyen a Moby, Brad Truax de Interpol, Mix Master Mike de Beastie Boys, Cait O’Riordan de The Pogues, Jay Dee Daugherty de Patti Smith Group, Tyler Pope de LCD Soundsystem, Emily Kempf de Dehd y muchos más.

Sober 21 fue compilado y editado por Talkhouse Radio y publicado a través de The Creative Independent. Ya lo puedes descargar de manera gratuita aquí y próximamente estará disponible en formato físico.

Sigue atento a Indie Rocks! para más novedades.

Sober 21 zine_2021

Sober 21_2021