El universo catártico y espacial de Céres

La banda mexiquense arriba con una nueva producción que postula experimentación y “evolución constante”.

“Darle paso a los nuevos inicios, alejado de miedos y pensamientos existenciales”: El cuarteto oriundo de Toluca, Estado de México, presenta su tercer single “Frío”, extracto de su primer álbum de corta duración, producido por el vocalista de Reyno, Christian Jean, desde los estudios Rancho Sound Lab. 

Bajo un estandarte de synth y rock alternativo, Carlos Lucian, Omar Diaz, Alejandro Alvarez y Sergio Alcántara, fusionan sonidos sintéticos que fluyen entre vibraciones catárticas y colores nostálgicos. En este tema la banda ahonda en dudas existenciales y las penumbras mentales ocasionadas por los nuevos comienzos. 

Céres conjunta sintetizadores abrasadores, abiertos, reverberaciones espaciales, secuencias, guitarras acústicas y eléctricas que con sutileza embadurnan partes clave de la pista, además de una voz relajada y suave, que prosigue de una melodía pegadiza. Esto aunado a una estética vaporwave, con referencias sonoras de reconocidas agrupaciones como Zoé, Reyno, Rubytates, entre otros. 

Para este lanzamiento, la banda liberó un videoclip oficial dirigido por Pénelope Flores, bajo la producción de Rumorosa, en el que se retrata un viaje a la liberación emocional, con el protagonismo de una mujer que conduce de la ciudad a campo abierto.  

Previo a este sencillo, la agrupación compartió principios de abril, el track “Borde”, mismo que postula sintetizadores como una línea esencial dentro del universo sonoro de Céres, pues aborda elementos electrónicos que se funden junto a sus beats, guitarras y bajos; Además de su tema debut, “Visiones”, publicado en 2018. 

Desde inicios de su carrera, este conjunto ha colaborado con cineastas como Marcelo Quiñones (quien realizó la producción visual de su primer canción), y participado en eventos junto al chileno, Fármacos

Escucha lo nuevo de “Frío”, lo nuevo de Céres: 

The Killers y Bruce Springsteen liberan “Dustland”

Ya puedes escuchar en loop la colaboración que este par trajo para mejorarte la vida.

Bruce Springsteen aprovechó el confinamiento para trabajar con The Killers y recientemente anunció su colaboración bajo las siguientes palabras: "Somos Brandon y yo con la banda. Hemos hecho algo que saldrá pronto, en una semana más o menos", expresó Bruce Springsteen. Esos siete días quedaron atrás y ya puedes disfrutar de la creación.

"Dustland" es el nombre del tema que originalmente conoces como "A Dustland Fairytale", canción que se encuentra dentro de Day & Age (2008), un álbum que la banda oriunda de Las Vegas se ha encargado de hacer sonar una y otra vez dentro de nuestros oídos, pero esta vez le impregna un toque distinto y acogedor donde las voces de Brandon Flowers y Brice Springsteen se intercalan hasta convertirse en una sola.

Aquí puedes escucharla, solo dale play:

En la portada del nuevo sencillo podemos ver a ambos vocalistas entre tonos rojizos haciendo alusión a su estancia sobre un escenario, algo que en esta nueva normalidad donde los conciertos comienzan a regresar, es probable que veamos con nuestros propios ojos.

"Dustland" fue grabado por Ryan Kingmixeado por Ariel Rechtshaid, dándonos así un resultado bastante agradable que hasta ahora tiene a los escuchas divididos. Pero para nosotros la opinión más importante es la tuya, ¡cuéntanos qué te pareció!

The- Killers-2021

A 35 años del 'The Queen Is Dead' de The Smiths

Un vistazo merecido del caótico e insuperable disco de The Smiths.

Entre el ambicioso disco Eaten Alive de Diana Ross y el escandaloso True Blue de Madonna, un grupo de Manchester se levantó y sacudió las cosas en el Reino Unido y el resto de Europa. Celebramos los 35 años de The Queen Is Dead, un disco que marcó una década.

Cuando hablamos del mejor disco de The Smiths, sólo hay una respuesta correcta: The Queen Is Dead. Para la gran mayoría, el tercer álbum del grupo es el más destacado sencillamente porque presenta la combinación más elaborada y pulcra del enérgico sonido de Johnny Marr y el ingenio emotivo en las letras de Mozz. Sin embargo, este material es más que un conjunto de buenas canciones, es la unión de dos universos: el mundo que los rodeaba; y el mundo que cultivaron dentro.

El álbum, publicado en 1986, es en buena medida un retrato nebuloso del contexto político y social del Reino Unido, pues el lúgubre sonido se desenvolvió en un tiempo en el que las fábricas teñían de gris el cielo, el desempleo subía, había un ataque terrorista tras otro, y las políticas conservadoras de Margaret Thatcher solo alimentaban la rabia de los jóvenes. No obstante, eso no impidió que el disco también fuera el buzón de quejas y miserias de Morrissey, una contenedor obscuro donde guardó los recuerdos de la etapa más intensa de la banda.

Durante la creación del disco, la balsa de The Smiths se iba llenando de fisuras, al grado de no saber si llegarían a la otra orilla. El grupo hacía lo posible por funcionar sin su manager, Andy Rourke había sido brevemente despedido por sus problemas con las drogas, Morrissey vivía para pelearse con sus críticos y un Johnny Marr recién casado casi se mata por conducir en mal estado. Si eso no fuera suficiente, la banda se había involucrado en una disputa legal con Rough Trade, sello del que eran pilar y bastión.

Luego de retrasar por varios meses la grabación por problemas legales, Morrissey y compañía tomaron todos esos ingredientes: el dolor, la desilusión, la violencia y la impotencia, para convertirlo en un reclamo ácido y un contraataque fulminante.

Solo es cuestión de ver las 10 canciones del álbum: “Frankly Mr. Shankly” es un ataque a Geoff Travis, el dueño de Rough Trade; “Cemetary Gates” es la respuesta de Morrissey a todos los que criticaban su uso de citas literarias; y, “The Queen Is Dead” tiene como evidente objetivo a la monarquía británica, pero también a sus instituciones y dirigentes. Por otro lado, “Bigmouth Strike Again” completa la actitud abrasiva de The Smiths con frases como “I was only joking when I said I'd like to smash every tooth in your head”.

La otra cara de la moneda, el universo interno del grupo, es la entrega total a los dilemas emocionales, pues tenemos a Morrissey hundiéndose en el abismo de la soledad con “I Know It’s Over” o “Never Had No One Ever”. También, en esta parte del disco nos encontramos con los ejemplos de lo agridulce que puede ser la búsqueda del amor con “The Boy With The Thorn In His Side” y, por supuesto, “There is a Light That Never Goes Out”.

Si este es considerado el mejor disco de The Smiths, es porque es un material que abarca todo y retrata todo, como si fuera mural mexicano. La banda en un rincón se da gusto con venganzas personales y críticas mordaces, y en el centro hace un collage de emociones, relatos y personajes, que van desde la Reina de Inglaterra puesta en una guillotina, hasta una mujer grande abriendo los ojos de Morrissey. Es extraño, es confuso, pero a la vez, genial.

Tim Ayre — Modern Life

¿Viajes frustrados al ritmo de dream pop psicodélico?

La pandemia del COVID-19 vino a cambiar los planes de todos. Las industrias se paralizaron y tuvimos que permanecer en casa. La frustración y el agotamiento de estar confinados llegó más pronto de lo que esperábamos y hacer algo al respecto sonaba un poco complicado. Durante estos tiempos difíciles del otro lado del mundo, en Sidney, Australia, Tim Ayre empezó a trabajar sonidos que exploraran nuevos paisajes; el músico quería salir de su hogar y las circunstancias lo impedían pero la música le fue de gran ayuda.

Al finalizar su periodo con Tim & Jean -agrupación australiana con auge en 2008-, el músico emprendió su proyecto en solitario y desde hace un par de años ha estado experimentando con diferentes texturas y vibraciones producidas por los sintetizadores, las guitarras y la batería, mismos que implementa en Modern Life, su EP que llega vía Kitsuné Musique. Para este material el compositor se va de viaje en ondas dream pop con toques de psicodelia.

"Mexican Holiday" abre esta travesía musical. Es una pista que desde los primeros segundos te dice que será divertida y por supuesto, le hace honor a su nombre. Su colorida vibra hace referencia a la esencia de México y simula un trip muy psicodélico digno para relajarse y entender que no hay gravedad. Los sintetizadores hacen su función mientras la voz de Tim Ayre se funde entre el sonido de la batería y un solo de guitarra te hace latir con fuerza el corazón.

Posteriormente "Miami Drive" llega con un sonido mucho más calmo para contar la premisa de este material: viajar a distintos lugares a través de la música. A diferencia de México, la ciudad de Miami tiene una vibra totalmente diferente y el músico australiano lo traduce entre ondas cósmicas setenteras, con seductores solos y riffs suaves y fresquitos. Sobre el tema el intérprete comentó: “con la reciente falta de viajes, estuve escribiendo canciones que me hicieran pensar en estar en algún otro lugar".

Modern Life no solo se cuenta a través de las canciones, sino que refuerza su intención a través de los metrajes que realizó en colaboración con Ollie Birt, director visual de esta historia. El artista se las ingenió para que el cantante lograra viajar a distintas ciudades sin necesidad de salir de Australia.

A la mitad del EP aparece "So Long", un track brillante que aporta vida al alma y al corazón. Su carisma poco convencional convence al escucha de que siempre hay que ofrecerle una buena cara a la vida y permitir que esta fluya libremente. "La letra es una despedida a mi yo más joven y a las cosas del pasado que ya no tienen peso en mi vida”, explica Tim Ayre. Las influencias del cantante son vastas, van desde The Beatles, pasando por The Flaming Lips, hasta un The Beach Boys, agrupación de la cual tomó como referencia “Surf's Up”, para armar esta canción.

El final del disco se traduce como una parada pasajera que continuará con un divertido viaje repleto de miles de anécdotas. "Modern Life" tiene bases de música ambiental y aporta frescura con su carismático dream pop. Por su parte "California Dreamin'" muestra un destino lleno de misterio rompiendo un poco con los ritmos anteriormente presentados y aunque es diferente logra generar un final abierto.

En Modern Life, Tim Ayre te invita a pasear por distintos lugares con atmósferas particulares que no literalmente narran cómo son las ciudades anteriormente nombradas, sino que también juega con la metáfora de enfrentar distintas situaciones de la vida: dejar atrás el pasado, el inicio de algo nuevo y de los posibles caminos que pueden traer tus desiciones; todo narrado entre divertidas y animadas secuencias de dream pop, electrónica y toques de psicodelia.

Entrevista con Señor Kino

Una vorágine sonora.

Tras lanzar su tercer larga duración, Aurora Boreal, Señor Kino observa cada vez más cerca su momento para volver a pisar los escenarios. Al tiempo que la pandemia de la COVID-19 parece comenzar a desaparecer, la banda originaria de Hermosillo, Sonora se siente satisfecha de que su nuevo material por fin vea la luz.

Esta entrega muestra a una agrupación clavada con cada capa y mood que llega a explorar. Adoptando la situación global como una oportunidad para hacer las cosas de forma diferente, la agrupación le sacó jugo al tiempo en aislamiento, pese a verse obligados a posponer la fecha de estreno.

Este disco nosotros planeábamos lanzarlo en 2020, pero nos salimos corriendo del estudio, o sea, literal, nos dijeron que ya nos teníamos que ir y no pudimos terminar de grabarlo. Lo terminamos de grabar en contingencia, pues, estando ya encerrados en nuestras casas, entonces decidimos que saliera en 2021. Eso sirvió porque pudimos explorar las canciones más y escucharlas para ver qué queríamos meterles o cómo queríamos producirlas”, nos platicó Carolina Enríquez, bajista y corista del grupo.

El estreno del álbum vino acompañado del anuncio de su participación en Riot Fest 2021, festival a celebrarse en la ciudad de Chicago en septiembre. Aunque la noticia de compartir escenario con bandas como The Smashing Pumpkins, Pixies o Nine Inch Nails ha provocado entusiasmo en la banda, la sensación de que la pandemia llegue a su fin aún no logra digerirse.

“Se siente bien loco después de haber estado sentados todo un año en nuestro cuarto y después tocar al lado de The Smashing, Pixies, no sé, está bien loco. Aunque yo, en lo personal, no me siento que pueda agarrar mi bajo y subir a un escenario. Después de tanto tiempo, lo siento bien raro. Siento que la próxima vez que nos subamos a tocar, voy a estar conectando mi bajo pensando ‘¿en serio voy a tocar”’, admitió Caro.

Señor Kino es una banda que nació en los tiempos donde el Internet ya había establecido una plataforma solida para nuevos proyectos, la banda utilizó el medio de una forma emocionante, convirtiéndolo en una salida para su propuesta estética y mensaje visual, mientras lo aprovechaban para tener un canal directo con sus seguidores. Por otro lado, admiten que el Internet también ha provocado patrones negativos en la audiencia.

“El Internet siempre nos ha acompañado como banda. Empezamos haciéndonos un Bandcamp, después YouTube y así. Yo diría que es el espacio más importante para Señor Kino. Siento que nos ayudó mucho y ahora, después de la pandemia está como muy saturado y también ha hecho un poco de mal. La gente ahora espera una canción cada semana y se aburren muy rápido”, platicó Carolina.

Aurora Boreal es una travesía volátil que en el curso de 33 minutos explora capas, melodías disonantes, reverberaciones y sintetizadores alienados. La banda recordó que el tema principal detrás de las canciones es el caos y cómo se puede encontrar una luz al final del túnel.

Es justo la canción que da título a la placa que cierra la vorágine sonora del material. El track, lanzado como el último adelanto antes de la develación del LP, busca cerrar la historia de forma luminosa.

Quise hacer una canción que tuviera un lado más positivo, que justo no hablara solo de positividad, sino este lado bonito de ‘las cosas pueden solucionarse, las cosas pueden estar mejor”’, comentó Karl Neudert vocalista y escritor de la banda.

Casi como analogía a la situación mundial del 2021, la nueva entrega de Señor Kino funciona como un rayo de esperanza, que apunta a un mejor porvenir y, si todo sale bien, al regreso de la música en vivo como la conocíamos.

“Y justo esta canción ('Aurora Boreal') salió cuando se terminó el 2020 y ya estábamos un poco más tranquilos. Se sentía que ya se estaba terminando el desmadre del año pasado y sí, como dice Karl, las canciones del disco hablan de caos y ésta, que es el último track, de hecho habla de una esperanza, de encontrar el final del arcoíris”, añadió Carolina.

Yves Tumor está de regreso con “Jackie”

El sencillo llegó acompañado por una colaboración con un reconocido colectivo artístico.

Apenas se cumplió un año de Heaven to a Tortured Mind (Warp Records, 2020), último álbum de Yves Tumor, y ya hay nueva música del productor estadounidense. Se trata de “Jackie”, sencillo que llegó acompañado de un alucinante y psicodélico visual dirigido por el colectivo de arte Actual Objects. Prepárate para el viaje y dale play a continuación.

Nos encantó colaborar con Yves Tumor en ‘Jackie’, pues hemos sido grandes seguidores por años. Su trabajo siempre es muy adelantado y ha sido una gran inspiración para nosotros. ‘Jackie’ fue una oportunidad para nosotros de indagar en nuestra caja de herramientas y trabajar con nuestras técnicas más experimentales”, comenta Actual Objects.

Aún es muy pronto para saber si “Jackie” formará parte de un nuevo álbum o EP de Yves Tumor. Sin embargo, el productor ya ha confirmado su regreso a los escenarios con una gira en Estados Unidos, Reino Unido y Europa que iniciará en septiembre de 2021 y se extenderá hasta 2022. Más información en su sitio web.

Adicionalmente, Yves Tumor lanzó una nueva pieza de mercancía alusiva a “Jackie”. Se trata de una playera negra con el cuerpo de uno de los personajes protagonistas en el video. Adquiérela a través de Bandcamp.

YvesTumor_Jackie

.documento estrena “El Robot de Ayer”

Si lo tuyo es María Daniela y su Sonido Lasser, Titán o bandas similares, quizá esto te agrade.

“Soledad, caricaturas japonesas, nostalgia y la sensación de no pertenecer a ningún lado”: Este es “El Robot de Ayer”, el nuevo sencillo de la triada mexicana .documento, que fusiona el tecno-pop, new wave y noise pop en un aura electrónica, sintética y precisa, perteneciente a su próximo larga duración La Soledad de la Chica Cometa, disponible a través de Molécula Records.

Para esta ocasión, Leticia Toussaint (voz), Alejandro Mancilla (sintetizadores) y Jorge Sandoval (guitarra), conjuntan una esencia pop muy característica, la cual, entre sintetizadores y baterías programadas, se expande entre riffs pegadizos y una voz suave y sutil. En adhesión, para esta canción el conjunto agrega un sample de la película Días de Otoño (cinta mexicana de 1963).

Según la agrupación, el tema posee influencias provenientes del primer disco de Fobia, mismo que cuenta con la producción de Iñaki Vázquez (tecladista de la banda ya mencionada); junto a un videoclip oficial dirigido por el cineasta mexicano Andrés Klimek

Este single se acompaña de un remix realizado por Kozmik Café, proyecto de synth pop oriundo de Lima, Perú, el cual baja las frecuencias de este track a una más relajada, con ciertos elementos pertenecientes al tema original. 

Escucha “El Robot de Ayer” por .documento:

Liily, música para prenderle fuego a tus oídos

Conoce a Liily previo a su nuevo lanzamiento.

El ruido prístino del rock n’ roll ha evolucionado hasta la extinción entre el mar de influencias contemporáneas; ya no hay etiquetas en las que podamos encasillar cada sonido, la presión sobre nuestros tímpanos pierde cada vez más nombres, nada pertenece a ningún lugar. Liily nace de ahí, “ningún lugar”.

 

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Charlie Anastasis en el bajo, Maxx Morando en la batería, Sam De la Torre en la guitarra y Dylan Nash en los vocales forman a la banda originaria de San Fernando Valley en Los Ángeles, logrando posicionarse rápidamente como uno de los proyectos emergentes más prometedores de la escena underground californiana. Apoyados en sus salvajes presentaciones en vivo, Liily ha recorrido desde escenarios locales con la bandera do it yourself, como el Brekfest Festival organizado por los integrantes, hasta eventos de la talla del Bonnaroo o Lollapalooza en años recientes.

Las intenciones abrasivas de la banda han sido claras desde el inicio, lanzando I Can Fool Anybody in this Town vía Flush Records en 2019 llegaba el primer impacto sonoro. Arpegios vibrantes, riffs ahogados, percusiones imparables y la tersa voz de Nash desgarrándose justo cuando la canción lo requiere nos permiten ubicarlos sónicamente entre bandas como Pretty Vicious, Himalayas, Starcrawler o Deap Vally.

Después de casi dos años desde ese primer material Liily regresa con la intención de nueva música y energía, próximos a presentar lo que han estado elaborando para esta nueva etapa del proyecto.

La intensidad es muy distinta pero creo que hemos mantenida la misma intención; arrasar los oídos de la gente. Eso es lo que tienen en común”, compartió el frontman sobre el nuevo sonido.

“I am who I think you think I am” llegará como primer adelanto de un posible larga duración el próximo 25 de junio, acompañado de un videoclip dirigido por De la Torre y cover art por Glen Erler en colaboración con Owen Kemp.

Liily (I am who I think you think I am)

Antiguo Autómata Mexicano anuncia ‘20+ Piano Improvisations’

El filósofo y músico regiomontano regresa con una exploración minimalista sobre el concepto de “contemporáneo”.

Seis años después de su álbum Microhate (2015) y tras una recordada presentación en el festival Mutek de 2012, Antiguo Autómata Mexicano está de regreso. Ahora, el proyecto del regiomontano Ángel Sánchez Borges anunció un nuevo álbum titulado 20+ Piano Improvisations (2021), cuyo primer adelanto es el track “Piano Improvisation No. 7” que puedes escuchar aquí.

‘Piano Improvisation No. 7’ no es tan lejana de los silenciosos interludios de Drukqs, de Aphex Twin. Es cercana a las silenciosas reinterpretaciones de Murcof y a la pianista francesa Vanessa Wagner. Es heredera de las Trois Gymnopédies de Satie y de un Brian Eno que ya no sueña con aeropuertos vacíos”, narra el sitio en Bandcamp del músico.

Por su parte, 20+ Piano Improvisations será un álbum donde Antiguo Autómata Mexicano experimentará con formas diferentes de tocar el piano. Aquí, el músico ampliará la experiencia de este instrumento con tecnología MIDI, pasajes de glitch y música generativa que seguirá patrones tonales. La intención, según Ángel Sánchez, es reestablecer el sentido de la música contemporánea, “no como un género, sino como la música hecha en el presente”.

20+ Piano Improvisations verá la luz el próximo 2 de julio a través de Static Discos. No olvides seguir el Bandcamp, Spotify y redes sociales de Antiguo Autómata Mexicano para estar pendiente de más información sobre este material.

AntiguoAutomataMexicano_PianoImprovisations

Parcels comparte su nuevo track, “Free”

Porque era justo y necesario. Los australianos convidan júbilo y esperanza en su nuevo sencillo.

El quinteto australiano de Byron Bay, Parcels, regresa a tu playlist con su primer tema en tres años, un llamado esperanzador por todo el mundo “a la vulnerabilidad y la realidad”: “Free”, la eufórica fusión que derrama felicidad y amalgama el clásico electro pop setentero de la banda.  

Dicha canción fue escrita durante el año pasado en el confinamiento, y retrata el distanciamiento forzado entre los miembros o las complicaciones de una relación a larga distancia. Sobre ello la agrupación apunta:  “Jules escribió la canción una mañana durante el confinamiento, estando cada miembro de la banda en distintos lados del mundo. Si bien la letra parecía lidiar con complicaciones en sus relaciones a larga distancia, no pudo evitar sentirse como una carta para el resto de la banda al mismo tiempo. (...)”.

Expresarse abierta y verdaderamente sin miedo es una libertad que muchos de nosotros ni siquiera nos damos cuenta que no tenemos. Reconocerlo es algo edificante porque podemos empezar a trabajar en ello. En el caso de Jules, esto se manifestó en ‘Free’”.

Para este lanzamiento, la agrupación liberó un videoclip oficial dirigido por Carmen Crommelin, hermana de Jules Crommelin (vocalista), grabado entre París, Francia y su natal Australia. El visual retrata un viaje retrospectivo en automóvil, una pareja y las calles de la capital francesa.

Por otra parte, la banda contó con la participación en mezcla del músico y productor James Ford (Arctic Monkeys, Depeche Mode, The Last Shadow Puppets y Florence and The Machine). 

Previo a este single, el conjunto publicó el año pasado Live Vol.1, un compilado que recorre su discografía con fusiones en vivo, además de su álbum debut y homónimo de 2018, Parcels