MØ estrena “Live To Survive” y comparte el video oficial

"Vivo para sobrevivir a otra angustia, vivo para sobrevivir a otro error", canta MØ en su nueva canción. 

Desde la publicación de su propia versión de "Bullet with Butterfly Wings" —pista original de The Smashing Pumpkins no había dado señal alguna de nuevos lanzamientos musicales. Sin embargo, hace un par de semanas, la cantante danesa alegró a sus seguidores en redes sociales con breves adelantos de "Live To Survive", su más reciente composición.

escribió la canción durante el encierro por la pandemia en compañía de las compositoras Caroline Ailin, Karen Marie Ørsted y el músico Sylvester Willy Sivertsen; además, SG Lewis se encargó de la producción correspondiente. El sencillo sale vía Sony Music y ya está disponible en todas las plataformas de servicios streaming.

Pero eso no es todo, pues el tema llega junto con un videoclip dirigido por Joanna Nordahl. Al respecto, MØ mencionó sentirse muy agradecida con todo el equipo de producción y agregó:

Espero que les guste. Espero que bailes sintiéndote empoderado en ti mismo, con toda tu vulnerabilidad, fuerza, belleza y defectos y recuerdes que la vida es un baile constante de altibajos. ¡¡¡No puedo esperar para bailar con todos ustedes !!!".

Dale play, a continuación.

¿Será que "Live To Survive" sea el primer adelanto de un nuevo álbum de ? Recordemos que la cantante realizó su debut en 2014 con No Mythologies to Follow, mientras que su segundo LP llegó en 2018 bajo el nombre Forever Neverland.

Asimismo, la también productora ha realizado algunas colaboraciones con bandas y cantantes como Foster the People y Noah Cyrus.

Mientras la cantante libera más música, te recomendamos seguirla en redes sociales.

 

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Sexy Zebras presenta el sencillo “O Todos o Ninguno”

Un himno al amor y la unidad.

Luego de cuatro años sin música nueva y tras la salida del baterista Samuel Torío, Sexy Zebras regresa este 2021 para compartir su cuarto álbum de estudio titulado Calle Liberación. Como parte de la promoción, Gabriel Montes y los hermanos Jose y Jesús Luna lanzaron el sencillo "Tonterias" hace un par de semanas, y ahora el trío madrileño presenta un segundo adelanto titulado "O Todos o Ninguno".

La pista reinvidinca el amor, el cariño y la amistad; aunque la banda hace hincapié en su relación como músicos y amigos, ha mencionado que la canción también es una respuesta a la confrontación y polarización de nuestros días. Un canto sobre salvarnos entre todos.

Esta canción habla de los que fuimos y de los que somos, de la individualidad de nuestro camino y de que sin los demás nada tendría sentido. Sabemos que donde vamos uno, vamos todos. En esta bandera las estrellas guardan lo que fue, y las manos sostienen lo que es. Nos acordamos de Samu. Donde vamos uno, vamos todos. Donde vamos uno, vamos todos. Donde vamos uno, vamos todos”, expresó Sexy Zebras en un comunicado. 

¡Escúchala, aquí!

Calle Liberación aún no tiene fecha de lanzamiento, pero Sexy Zebras lo ha descrito como su trabajo "más frontal, honesto y reflexivo hasta la fecha". Las pistas están inspiradas en el lugar que vió crecer a la banda en el barrio madrileño de Hortaleza.

Te recomendamos estar pendiente de sus redes sociales, así como de Indie Rocks! para próximos anuncios.

 

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Mira la edición deluxe del soundtrack de 'Almost Famous'

Celebra los 20 años de Almost Famous escuchando la versión extendida del soundtrack.

Como parte de las celebraciones del vigésimo aniversario de Almost Famous, el film semi-autobiográfico de Cameron Crowe, Universal Music anunció que el soundtrack de la película será reeditado en una versión extendida que que incluye canciones de Led Zeppelin, Elton John, Simon & Garfunkel, The Beach Boys, David Bowie, Stevie Wonder, The Stooges, Fleetwood Mac, ¡y muchos más!

Estamos muy orgullosos de volver a visitar Almost Famous con una bondad muy especial. Por primera vez, hemos creado una banda sonora de lujo que presenta casi todas las canciones de la película, junto con la música maravillosamente evocadora de Nancy Wilson. También estamos encantados de finalmente preservar ambas versiones de la película, junto con una colección de características extra nuevas y raras, en estos hermosos lanzamientos nuevos en 4K y Blu-ray como parte de Paramount Presents. ¡Viva los medios físicos!", expresó Crowe en un comunicado de prensa.

El soundtrack extendido estará disponible en una variedad de ediciones que van desde un formato en vinilo de dos discos hasta un set Uber Super Deluxe con seis álbumes de vinilo, cinco CD y un sencillo de 7 " de Stillwater (la banda ficticia de la película). Además esta edición de lujo incluirá la partitura original de Nancy Wilson (compositora de la banda sonora), una réplica del cuaderno de notas de William Miller (el protagonista del filme) con escritos de Cameron Crowe, Nancy Wilson y los miembros del elenco; la primera historia de William Miller sobre Stillwater en forma de una revista de Rolling Stone de 1973; dos copias de talones de boletos de los conciertos de Stillwater en San Diego y Cleveland; un póster de su gira y otro de su concierto en Cleveland; pases para el backstage; seis réplicas de las tarjetas de presentación de Dick Roswell (manager de Stillwater) , Lester Bangs (escritor de la revista Creem) y Ben Fong-Torres (escritor de Rolling Stone); y una serie de fotos de los miembros del elenco. 

Almost Famous_2021

El soundtrack saldrá a la venta a partir del 9 de julio. Aquí puedes checar todas las presentaciones disponibles con sus respectivas tracklist y también encontrarás más mercancía oficial.

El filme también será relanzado por Paramount en un formato Blu-ray 4K Ultra, que incluirá el "Bootleg Cut" extendido de la película y toneladas de extras, algunos de los cuales son nuevos en esta edición que estará disponible a partir del 13 de julio.

Aquí te dejamos el tráiler de la película y si todavía no la has visto ¡¿Qué esperas para hacerlo?!

CNVS comparte su nuevo sencillo “Bugambilia”

Por si fuera poco, el conjunto reúne tres versiones de este mismo tema en un solo lanzamiento.

El quinteto de synth pop CNVS (Canvas) da la bienvenida este año con su single “Bugambilia”: La historia de un amor no correspondido con efectos análogos a los de una planta en proceso de marchitarse. Este lanzamiento presenta tres temas, el primero en su versión original de estudio, el segundo como “Bugambilia en Vivo”, grabado en el Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro, y finalmente “Bugambilia" (PPG Remix) , los cuales ya están disponibles a través de NOMO Records

En palabras de la agrupación, este sencillo “es una historia de amor perdido, las relaciones humanas no correspondidas, y el dolor que deja detrás de un ser querido; que se refleja en una planta, un último recuerdo que va perdiendo el color y la vida conforme pasan las horas de duelo”. 

Producido y mezclado por Pepe García (The Wookies, Andre VII, Moenia), el track en sus primeras dos versiones agrega tintes electrónicos que evocan al dance, con un juego de guitarras alusivas al math rock en ciertos estadios de la canción (especialmente en su versión en directo), que conjugan con su característico synthpop, además de “coros poderosos y beats sólidos”. Mientras que para “Bugambilia" (PPG Remix) se hace presente el disco y el tecno. 

Durante el año pasado, la banda publicó los sencillos “On & On”, “Cámara Lenta” y “404” ft. Valsian. Ahora, con esta nueva producción, CNVS pretende liberar un nuevo álbum para este 2021. 

Escucha “Bugambilia” de CNVS en sus tres versiones:

PREMIERE: Meridian Brothers y Grupo Renacimiento estrenan “Bomba Atómica”

El regreso a las pistas de baile.

Parece justo que después de tantos meses de encierro las ideas comiencen a tomar forma física, que los planes que se quedaron atorados en medio de una crisis global empiecen a encontrar sus caminos hacia la libertad y que todos esos discos que se quedaron en el tintero por fin se encuentren acechando al mundo de la nueva normalidad.

Club Coco es uno de esos proyectos. Producto de una inesperada fusión, es una de las producciones más encantadoras de los últimos meses. Se trata de una compilación curada por Coco María (radiohost de la prestigiosa radio por Internet WorldWide FM, coleccionista de discos y fiel defensora de las viejas y nuevas músicas afrolatinas desde hace años) y editada por Les Disques Bongo Joe, sello discográfico suizo que tiene los ojos puestos en los “subterráneos contemporáneos para desenterrar sonidos extraordinarios de ayer y hoy”. En ella se encuentra una colección de canciones tan necesaria como efectiva de la que hoy Indie Rocks! estrena un nuevo adelanto.

Se trata de “Bomba Atómica”, una poderosa canción de Meridian Brothers en su reencarnación como Grupo Renacimiento, aquel esfuerzo de Eblis Álvarez y compañía por hacer un firme homenaje a la salsa colombiana de los años 70, y que se encuentra al inicio de una compilación que pretende dar visibilidad a varios de los mejores proyectos de música tropical de hoy en día: de Frente Cumbiero a Romperayo y de La Redada a La Perla. La canción, a pesar de haber sido publicada hace unos meses de manera digital, se presenta en una versión mucho más contextualizada y por primera vez en una forma física que vale la pena atesorar.

Club Coco verá la luz muy pronto y, en un año en el que el retorno a la vida normal parece cada vez más cercano, se perfila como el perfecto punto de partida para regresar a las pistas de baile que el mundo no deja de anhelar.

Disfruta de "Bomba Atómica" a continuación:

Café Tacvba festeja 32 años con una transmisión especial

30 + 2 ¡Que siga el taconazo!

Este jueves 27 de mayo toca festejar a una de las bandas más reconocidas de la escena musical de México: Café Tacvba. Los oriundos de Ciudad Satélite, Naucalpan, se encuentran celebrando 32 años de trayectoria y por ello decidieron convocar a sus fanáticos a unirse a #QueSigaElTaconazo una transmisión que sucederá hoy en punto de las 19:00 H.

Rubén, Meme, Quique y Joselo han estado, como quien dice, "echando el taconazo desde 1989" y su entusiasmo prevalece a través de los años y las circunstancias. Recién nos enfrentamos a situaciones difíciles, pero eso no ha impedido que la agrupación tenga intenciones de animar a sus fanáticos con sus canciones, entrevistas y mucho material inédito que prometen presentar en esta noche.

32 años de dar el taconazo. Transmitiremos parte de uno de los conciertos más emblemáticos que hemos tenido, además de unas entrevistas y datos que casi no recordábamos", expresó Café Tacvba a través de sus redes sociales.

La invitación se extiende a todos aquellos que deseen disfrutar de las memorias de aquel show que la banda ofreció en 2019 en el Foro Sol para celebrar su 30 aniversario. La transmisión sucederá a través de su canal oficial de YouTube. Te invitamos a que no te lo pierdas y mientras llega la hora disfruta de sus éxitos:

Easy Life — Life's a Beach

Divertido álbum debut que también invita a la reflexión.

Parece que nunca llegaría, pero el encierro está cada vez más cerca de llegar a su fin, las fiestas volverán, los conciertos, las salidas en general y para el quinteto de Leicester, Easy Life, significa una nueva oportunidad para llevar su música a las masas. Lo cierto es que esta vez es diferente, lo hacen con lo que para cualquier proyecto representa una oportunidad única: su álbum debut. Life’s a Beach es ese lugar al que muchos esperan llegar una vez que no sea un peligro salir de casa, pero también es ese espacio mental dónde se pueden replantear las cosas antes de empezar de nuevo.

Si después de esto piensas que es un disco “serio y maduro” la respuesta es no, al menos no como la conocemos. Aquí hay ciertos guiños a sus pasados mixtapes, pero también hay ritmos que navegan entre la electrónica más pueril y lo-fi, beats que beben del hip hop inglés, hasta unas programaciones que navegan entre el pop experimental, todo esto en una fiesta que mantiene el ritmo constante. La peculiaridad de este álbum viene con el trabajo de composición, dónde las letras se apoyan de una voz que cuando quiere suena a crooner juvenil o a alguien que tiene claro dónde colocar sus rimas dentro de la música.

“A message to myself” es el tema que da inicio a este disco, una base muy sencilla y algunos toques en las percusiones, pero es en la voz, tanto de su protagonista como por la de los coros que sutilmente lo acompañan en una canción diseñada para estadios para todos aquellos que aprendieron la “lección” de amarse a sí mismos.

Los puntos altos vienen en la mayoría de las canciones dónde la velocidad del beat aumenta, “Skeletons” es el mejor tema de este disco, una base electrónica dura, que invita al baile mientras descubres que lo terrible que resulta a veces mirar al pasado y como todos tienen algo que esconder. También hay pistas diseñadas para las playlist de estudio como “Daydream” que parece sacada de un manual de hip-hop/lo-fi y que podría convertirse en un grower en poco tiempo; lo mismo sucede en “Ocean View” con su sencillo truco que acompaña al coro y lo eleva por las nubes.

“Nightmares” es ya uno de los principales éxitos del disco y de su carrera, la canción tiene un sample que utiliza una discreta sección de vientos que se quedan en la cabeza de cualquiera. La canción evoca a una persona que se encuentra sumergida en su dolor, hasta que se da cuenta de que no es el único que tiene salir adelante por sus propios miedos “¿a quién le importan mis pesadillas?”.

El disco cierra con “Music to walk home” en una invitación a volver a casa, sin embargo, en un disco como Life’s a Beach, Matravers y compañía te invitan a reflexionar que, mientras estés con los pies en la tierra, no importa el lugar ni las circunstancias, el hogar está dónde este tu paz mental. Divertido, reflexivo y con el potencial de salir de la Isla, este es sólo el comienzo para una banda que está a punto de ser descubierta por el resto del mundo.

A 10 años de ‘Conejo en el Sombrero’ de La Gusana Ciega

La incertidumbre de estar enamorado y la fortuna de luchar por lo que más quieres. 

La carta de amor llega a su fin.

Durante la década de los 90, unos amigos decidieron juntarse para armar un animoso proyecto con tintes de surf rock que respondía bajo el nombre de La Gusana Ciega. Sus atropelladas composiciones eran un retrato de su espontaneidad y divagación inspirada principalmente en viajes interestelares. Su música respondía a momentos de diversión que sin intención alguna pretendían simpatizar con sus fanáticos. 

A inicios de la década de los 2000, la banda atravesó por un infortunio que, forzosamente, exigió una separación momentánea. No obstante el tiempo y la fortuna permitió que los integrantes retomaran su camino dentro de la industria. El reencuentro puede definirse como un momento de motivación que dio pie a la nueva etapa de los mexicanos. Por años, hubo composiciones alineadas, covers a músicos que fungieron como inspiración y melodías fuera de la galaxia, pero no fue hasta 15 años después del lanzamiento de su álbum debut, cuando la banda decidió emprender algo distinto, algo que por primera vez definía un concepto musicalizado al ritmo de baladas rock que hablaban del amor. Así surgió Conejo en el Sombrero

El disco llegó a finales de mayo a través de Naranjada Records, el sello discográfico de La Gusana Ciega que se estrenó con la presentación de su álbum más ambicioso y favorito hasta el momento. Daniel Gutiérrez, Luis Ernesto Martínez, Germán Arroyo y Jorge Vilchis se involucraron de lleno en la composición y producción del mismo, logrando capturar el sonido individualmente. La confianza fue una de las bases de este LP. 

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El amor y la dicha de tener a una persona con la cual compartir aventuras resuena entre las líneas de las nueve canciones que componen a Conejo en el sombrero. Principalmente, cae en la premisa de una historia donde los personajes relatan la incertidumbre de estar enamorados y no saber si ese amor será correspondido. Asimismo, cada una de las pistas conmociona al escucha por sus características notas con colores seleccionados, una fina relación a su rueda de color. 

Daniel Gutiérrez logró proyectar sorpresas y sentimientos sinceros en una vasta selección de sonidos y texturas que se viven y, en palabras del mismo vocalista, “saben a una noche calurosa, sabe sensual, habla de distintos momentos entre un hombre y una mujer con planteamiento desde ciertos puntos de vista”.

La nueva era arranca con “Entra en el Agua”, una melodía en la que prevalece su tradicional surf rock que se alinea con divertidas notas y explota en una dosis de energía; un track sin limitaciones que te invita a arriesgarte y darlo todo por aquella persona. No obstante, al poco tiempo llega un excepcional contraste; la pista que da nombre al álbum interfiere en forma de una cabizbaja balada que se apodera del corazón de las personas. De esta manera se empieza a definir la línea que tomará la producción la cual se asimila a un acto de magia, en donde los sentimientos cambian instantáneamente al ritmo de efusivas guitarras eléctricas y acústicas. 

Conejo en el Sombrero sí tiene mucho romanticismo y nostalgia, pero también cuenta con un momento de mucha lucidez y enfrentamiento en "Dolor de Huevos", el único tema colaborativo en el que Jessy Bulbo se afilia y aporta su carisma en un dueto poco convencional en el que se escuchan circunstancias con justificaciones innecesarias; todo al compás de agradables notas que pronto recaen en el solo de un saxofón por parte de Lu; un toque único y divertido a la producción. 

Después de 10 años de su lanzamiento, se agradece el atrevimiento por parte de la agrupación, quien logró presentar algo totalmente diferente que sirvió de refugio para los días más desolados de las almas perdidas y corazones rotos. El disco marcó un antes y un después en sus producciones. Sin su lanzamiento hubiese sido casi imposible escuchar Monarca o bien, Borregos en la Niebla, producciones cercanas de La Gusana Ciega

Su convencional discurso conmovió a un público particularmente adolescente que aún disfruta escuchar y dedicar temas como "Conejo en el Sombrero", "Ella Estrella" y "Castillo en la Luna"; sus composiciones cercanas a los sentimientos de los terricolas serán recordadas hoy y siempre. Tienes el poder de cambiar el color de la rueda. Hoy, ¿A qué te suena Conejo en el sombrero? A mí a nostalgia, una nostalgia profundamente en tintes morados.

BRATTY — tdbn

Observa dentro de ti y busca esa paz que tanto necesitas.

“Sé que me quieres y te quiero”

¿Alguna vez has expresado tus sentimientos a través de una carta? Bueno, te animo a que esta sea tu primera vez. Toma un boli y una hoja y comencemos. Primero que nada ¿cómo te sientes? Si no estás bien, no te preocupes, ¡vamos a expresarlo!

La simulación de redactar una misiva es una buena opción para comprender tdbn, el nuevo álbum de Jenny Juárez, quien desde hace poco más de tres años comenzó su proyecto bajo el nombre de BRATTY. La jovialidad de Jenny no solo ha motivado a que su sonido mantenga una frescura melancólica al ritmo del bedroom pop, sino que ha permitido que los escuchas se sientan identificados con sus líricas sencillas que hablan de los sentimientos más sinceros de una persona. La estabilidad emocional y el amor son los temas que conducen la línea de este LP.

El material inicia con “epílogo”, una melodía corta marcada por el sutil sonido de la guitarra eléctrica que coloca al público en un escenario blanquecino lleno de nebulosa y en el que apenas se alcanza a percibir una luz de esperanza que se abraza del mensaje “el mañana será mejor”. Inmediatamente en “tdbn” la intérprete habla con el corazón en la mano e indica que efectivamente así como hay días buenos, hay días malos y también es válido decir que no te encuentras en un buen momento. Fingir felicidad con el resto solo es hacerte daño. Las juguetonas y dulces guitarras te animan a ser sincero contigo mismo. La complicidad de la guitarra y la batería generan tranquilidad para “tarde” y te recuerdan que en esta vida ¡no hay que buscar culpables!

“¿Para qué me dejaste enamorarme de ti?”

¿Tu amor ha sido correspondido? En “tuviste” BRATTY se unió a Santiago Casillas (Little Jesus) para producir un tema que habla de una experiencia desagradablemente dolorosa de una relación en la que uno de los personajes jugó con sentimientos del otro. Particularmente para esta melodía la intérprete implementa el sonido de un saxofón que no solo conmociona al escucha, sino que le ofrece la fuerza necesaria para afrontar este doloroso encuentro. Pese al daño, ¿tú le desearías lo mejor a esa persona? 

Llega “tú” y comprendes el concepto de tdbn; identificas que el material está dividido por etapas que conducen a un final ¿doloroso? Quizá. El sonido de los destellos solo representa que esa luz al final del túnel está cada vez más cerca. La pista se interpreta como un cambio de estación. 

Desde el inicio, “jules” se siente como una melodía tierna de amor sincero. Las guitarras flotantes abrazan la historia de amor entre dos chicas; su primer tema LGBT de BRATTY. Posteriormente entra “contigo”, una pista más lenta que de igual forma se construye bajo el sentimiento del amor.

La importancia de los colores.

En “lejos”, la guitarra juega un papel súper importante para construir una atmósfera llena de melancolía en la que solo se escuchan líneas de despedidas. La carta empieza a llegar a su fin y se siente, solo basta con escuchar “friend” para comprender que todo se ha acabado. Esta última parte de tdbn se siente triste pero de igual forma mantiene un aire de esperanza. 

El cierre del disco llega con “virgo”, una canción hecha a piano que cuestiona tus miedos y lo que has aprendido de ellos. El tema se construye en dos partes. La nebulosa se empieza a dispersar y todo comienza a ceder. Finalmente la sinceridad es esa luz al final del túnel que ayuda a nuestra intérprete a salir de ese abismo. El tema crece al compás de cuerdas y la banda completa. Es un cierre que permite decir adiós y es normal terminar desolado y con una interpretación similar a la que BRATTY mantiene en la fotografía del álbum -realizada por la fotógrafa Krishna VR-. Esta puerta se cierra para abrir otra ¿estás preparado para intentarlo? 

Entrevista con Tokyo Ska Paradise Orchestra

Bailando ska por 36 años y 25 discos con la SKAPARA.

Desde Japón, Tokyo Ska Paradise Orchestra -o la SKAPARA para los más ultra valedores buena onda- vienen estrenando disco nuevo, su disco #25... ¡¿25?! ¡¿Qué demonios?! Y aprovechando la promoción nos contactamos con ellos para entrevistarnos por trillonésima vez porque son re súper cábulas y los amamos.

SKA=ALMIGHTY, es su disco #25 y eso evidencia un poco su larga vida, pues al día de hoy la SKAPARA tiene 36 años de sudar ska dentro y fuera del estudio de grabación, arriba o abajo del escenario.

Cuando empezamos, básicamente no había ska en la escena musical de Japón y el J-rock apenas comenzaba. No había festivales de rock y solo algunos pocos festivales de reggae y festivales de jazz. Los festivales fueron creciendo poco a poco y con eso la SKAPARA empezó a tener reconocimiento”, comparte el buen compa Yanaka, saxofón barítono de está fina agrupación nipona.

En la segunda mitad de los 80, en sus meros inicios, la SKAPARA se refinaba conciertos en pequeños lugares, pero después de bastante tiempo picando piedra comenzaron a tocar en escenarios cada vez más grandes hasta llegar al tamaño de estadios.

“Estoy muy feliz, de poder tener la sensación de unidad tocando en estadios o arenas. Creo que uno de nuestros mejores conciertos fue durante nuestra gira por México en 2011, el Vive Latino en Foro Sol. Todavía me gusta tocar en pequeños lugares porque hay una sensación de emoción diferente en comparación con los estadios”, nos dice el más cábula de todos cábulas de la SKAPARA, Kato el guitarrista de la banda.

Es cierto, ese concierto en el Vive Latino del 2011 estuvo increíble, yo estuve cuando todo ser vivo en el escenario principal bailaba ska como un solo ente moviéndose frenéticamente de lado a lado. Previo a vivir la máxima experiencia de su vida, Kato vivió otra no tan satisfactoria, la famosa revancha de Moctezuma.

Estar hospitalizado en México fue una situación muy dura, pero también fue una experiencia valiosa. Me sentí muy solo durante mi primera hospitalización fuera de casa, pero pude regresar al escenario gracias al buen tratamiento del equipo médico. Desde entonces, soy muy cuidadoso con la comida cruda mientras disfruto las giras en Sudamérica”.

La SKAPARA se crea con toda la energía de la buena onda y la ultra diversión en 1985, pero antes de que existiera siquiera la idea de crear una banda de ska tenían otra vida un poco distinta a la que tienen ahora.

“Yo estudiaba Psicología en la Universidad, aún seguía estudiando cuando debutó la SKAPARA”, es la historia pre-SKAPARA de Yanaka. Por otro lado, Kato dice que “Tocaba la guitarra en mi propia banda de rock. Después de encontrar a la SKAPARA, descubrí el ska y me puse a estudiar muy duro. Incluso ahora, me gusta escuchar no solo ska, también me gusta escuchar música rock”.

Después de tantos años, tantos conciertos, tantos discos, el disco #25 podría ser solo un tramite más en la carrera de un artista, pero en el caso de la SKAPARA no es tanto así. Para ellos todavía hay mucha alma y buena vibra que compartir con el mundo.

“Creo que la fuerza de esta banda es que podemos decir con orgullo que el álbum más nuevo es el mejor. En los últimos años, no por nuestro egoísmo, pero estoy realmente sorprendido conmigo mismo porque siento que mi diversión proviene de la diversión del cliente”, Yanaka nos comparte uno de los mejores pensamientos de parte del músico directo a su público.

La SKAPARA ha colaborado con montón de músicos alrededor del mundo y muchos músicos de diferentes latitudes han colaborado con ellos. En SKA=ALMIGHTY no cabe la excepción, también hay un montón de artistas que untan algo de su magia en las canciones de la SKAPARA.

“Estoy muy agradecido de haber conocido a tantos músicos maravillosos mientras recorría América Latina. Estoy muy feliz de poder presentar a los oyentes en Japón músicos maravillosos de diferentes países como iLe, Monsieur Periné, LAD, Moral Distraída y Emicida. Siento que SKAPARA tiene un papel importante en conectar la escena de la música latina con la escena musical japonesa” palabras de amor a Latinoamérica del buen Kato.

La SKAPARA siempre ha divulgado que su actitud más revolucionaria es compartir energía positiva a través de su música y letras. Según el buen Yanaka las 5 canciones de la SKAPARA que transmiten al 1000% el mensaje de energía positiva son: “Down Beat Stomp”, “Paradise Has No Borders”, “Pride of Lions”, “Glorious” y “Five Days of Tequila”.

Una lista breve de rolas buena onda recomendada directamente por la misma SKAPARA para ir a escuchar de inmediato.

En estos 36 años de vida, la SKAPARA, definitivamente, ha formado parte del soundtrack en la vida de diferentes generaciones y aun continúan atrayendo nuevos fanáticos de generaciones más frescas.

“El ska se puede fusionar con varios géneros y creo que es un tipo de música muy conveniente para tener sesiones con músicos de diferentes generaciones. Creo que el poder positivo del ska y su sincopa que hacen que todos quieran bailar seguirán influyendo en la música para que varios géneros trasciendan generaciones”, esas fueron las palabras finales del buen Kato para ponerle fin a la entrevista.