The Zolas anuncia nuevo álbum y comparte “Yung DiCaprio”

La banda de Vancouver regresa con un álbum lleno de nostalgia noventera.

La agrupación canadiense The Zolas, ha anunciado que está preparando el lanzamiento de su nuevo álbum de estudio Come Back To Life, inspirado en el brit pop. Como adelanto de este nuevo material, The Zolas compartió el video de su sencillo "Yung DiCaprio", que sigue la línea de esta estética noventera con referencias a la película de 1996, Romeo + Juliet, estelarizada por un joven Leonardo DiCaprio.

Sobre la canción, el líder de la banda, Zach Gray comentó vía Instagram que su reciente obsesión con Romeo + Juliet  le sirvió de inspiración para crear música nueva:  

Esta pista trata sobre 2 personas de extremos opuestos del mismo mundo enfermo que encuentran el antídoto entre sí. Me recordó cómo el nuevo amor y la nueva música pueden salvar tu vida de la misma manera. Así es como me hizo sentir esa banda sonora y así es como debes sentirte al escuchar esta canción en un día brillante, así que haz eso. Nadie es tan lindo como Leo del 96, pero todos merecemos sentirlo ".

Disfruta a continuación de "Yung DiCaprio".

Come Back to Life verá la luz el próximo 16 de julio a través del sello discográfico Light Organ Records e incluirá los sencillos "Another Dimension" y "I Feel the Transition", recientemente publicados. Aquí te dejamos el tracklist del álbum.

Come Back to Life Tracklist:

The Zolas_2021

  1. "Violence on This Planet"
  2. "Yung Dicaprio"
  3. "Miles Away"
  4. "Reality Winner"
  5. "Let It Scare You"
  6. "Energy Czar"
  7. "I Feel the Transition"
  8. "Another Dimension" (ft. Cadence Weapon)
  9. "PrEP"
  10. "Wreck Beach/Totem Park"
  11. "Bombs Away" (Bonus Deluxe Edition)
  12. "Ultra Marine" (Bonus Deluxe Edition)
  13.  "Come Back to Life" (Bonus Deluxe Edition)

PREMIERE: Le 1991 presenta el sencillo “Si en tu voz”

Oníricas texturas sonoras que se fusionan con las distorsiones de un incierto porvenir.

Le 1991, dúo de shoegaze y noise pop conformado por Paco Camacho y Moncho Martínez, presenta en exclusiva para Indie Rocks! su más reciente sencillo titulado "Si en tu voz". En esta ocasión, el par de músicos invitó a la cantante jaliciense Lorena Quintanilla (Lorelle Meets The Obsolete), quien a través de su voz, complementa de un espíritu ensoñador a la melodía; asimismo, durante el tema se crea un diálogo muy disfrutable que apela a la ternura y el entendiemiento con el otro.

Descrito como "tormentoso y etéreo", el tema hace referencia a aquellos sentimientos de incertidumbre el experimentar cambios y tranformaciones. ¿Confusión? ¿Miedo? ¿Valentía? El dúo proyecta dichas sensaciones a través de la distorsion de las guitarras que acompañadas del bajo y la batería, nos recuerdan: "Todo estará bien, si en tu voz me encuentro".

Escucha "Si en tu voz", a continuación. ¡Disfrútala!

"Si en tu voz" llega luego del estreno de "Muy Pronto Para Salir"; la pista fue grabada en Testa Studio, y formará parte del álbum debut de Le 1991. Recordemos que el dúo originario de Aguascalientes ha creado música desde 2011, y hasta el momento cuenta con dos epés: Luminol Dancing (2015) y Boko Maru (2017).

Su nueva producción lleva por nombre Pulso y será publicada a mediados de 2021 vía el sello CINTAS. Te recomendamos no perder de vista al proyecto en sus diversas redes sociales; mientras tanto, cuéntanos qué te pareció "Si en tu voz".

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Thom Yorke y Jonny Greenwood debutan su proyecto The Smile

Durante la edición online del festival Glastonbury, los músicos ingleses estrenaron su nuevo proyecto.

El pasado fin de semana se llevó a cabo la edición online 2021 del festival Glastonbury, la cual, además de presentar talento de la talla de IDLES, Haim, Coldplay, Damon Albarn y Wolf Alice, también se sumaron proyectos interesantes durante la transmisión, uno de ellos fue The Smile, la nueva agrupación conformada por Thom Yorke, Jonny Greenwood (Radiohead) y Tom Skinner (Sons of Kemet).

El debut del trío llegó de sorpresa revelando su participación horas antes de su actuación. Según indicó el súper-grupo, el nombre del proyecto proviene de un poema del poeta inglés Ted Hughes y hace referencia a una sonrisa fingida.

"Señoras y señores, nos llamamos The Smile. No la sonrisa como "¡ah!", más bien "la sonrisa" del tipo que miente todos los días", explicó Thom Yorke al inicio de la transmisión.

 

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Y se preguntarán ¿a qué suena The Smile? Bueno, la banda ha tomado como referencia sonidos inclinados por el post punk y el math rock. El setlist de la noche incluyó un clásico reversionado como "Skirting On The Surface", y más de cinco temas inéditos. Te compartimos a continuación un extracto del show.

 

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Estamos realmente honrados de que Thom y Jonny hayan elegido nuestro evento para estrenar su nuevo proyecto, The Smile", expresó en un comunicado de prensa Emily Eavis, co-organizadora de Glastonbury.

Por el momento la banda no ha compartido sus planes a futuro, sin embargo ya puedes seguirlos en sus redes sociales para que no te pierdas ningún detalle.

Black Midi — Cavalcade

Un terremoto llamado Black Midi encarna un caos organizado de proporciones épicas en su segundo registro, Cavalcade.

Cada que viene a mi cabeza el recuerdo de lo que es Black Midi llegan de inmediato términos que me ayudan a entender un poco todo lo que implica esta agrupación. Conflicto, tensión, energía y agresividad son algunas de esas palabras que parecen acercarse en una medida pequeña a todo lo que pueden generar las canciones de esta banda, que parece no tener el deseo de encajar en los parámetros comunes de la música y retar lo establecido con su segundo álbum de estudio Cavalcade.

A través de Rough Trade Records, Cavalcade es el reflejo evolutivo por parte de Black Midi, una banda que sin necesitar de muchos recursos ha dado un paso arriesgado por el camino de la complejidad sonora, así como los ambientes incómodos que invitan al escucha a estar concentrado y ser recompensado con explosiones que llenan de euforia. Distintas atmósferas se pueden ubicar en este álbum, desde los más tranquilos y amenos hasta los más distorsionados y barrocos, sin dejar del lado un acercamiento al jazz y el math rock, que hacen de la oscuridad algo juguetón y al mismo tiempo dinámico.

Cavalcade fue grabado en Hellfire Studios de Dublín en el verano de 2020, de hecho la agrupación no perdió mucho tiempo en comenzar a hacer nueva música tras la salida en 2019 de su debut Schlagenheim. Para esta ocasión el tridente conformado por Geordie Greep, Morgan Simpson y Cameron Picton se unió al productor John "Spud" Murphy, aunque el primer track del álbum de hizo en Inglaterra junto a la afamada productora e ingeniera italiana Marta Salogni, quien ha trabajado junto a artistas como Björk, Dream Wife, Groove Armada, Django Django, Bon Iver, FKA Twigs entre otros.

Recordar que Matt Kwasniewski-Kelvin pidió un tiempo a la banda para tratar su salud mental, aunque estuvo en algunas sesiones de composición. Además, a la grabación se adjuntaron Kaidi Akinnibi en el saxofón y Seth Evans en los teclados, ambos músicos suelen acompañar a la banda en vivo.

Black Midi_2021

Galope de violencia y matemáticas.

Para esta nueva placa, Black Midi cambió la dinámica de composición. Más allá de buscar un resultado de múltiples improvisaciones, el trío liderado por Geordie Greep se enfocó en mostrar un panorama de mayor profundidad gracias a la unión de atmósferas en cada canción. El nivel emocional crece a comparación de su primer registro si tenemos en cuenta que cada uno de los ocho tracks contiene un inicio, desarrollo y cierre que se pueden identificar, y que entre todo lo complejo de lo musical dejan una sensación satisfactoria.

El primer track, "John L", puede ser un resumen de la nueva visión de Black Midi, que con ayuda de arreglos repetitivos y remates inesperados crea una canción caótica, llena de insignias sencillas de distinguir mas disonancias en pianos que aparecen sin pedir permiso. Rumbo a la segunda parte sube la velocidad y la voz, que es hasta cierto punto mesurada, adquiere eco. Pese a lo complejo que puede parecer este ambiente lleno de tensión es un tema bastante digerible. La "L" de John hace referencia al número 50, que es un nombramiento jerárquico que de un hombre que llega a gobernar a un pueblo, y con una serie de eventos negativos la situación se pone complicada, una especie de tragedia política.

A "John L" se le asemejan canciones como "Hogwash And Balderdash" o "Dethroned". Ambas contienen una serie de cambios de ritmo y transiciones interesantes que nos hacen pasar por varios climas sin darnos cuenta. A esto igual señalar la amplitud de la instrumentación con respecto al anterior álbum, ya que la adquisición de nuevas texturas sonoras podría parecer en una primera instancia algo denso, pero esta muy bien aplicado en temas como estos. Otro aspecto importante a señalar es el constante uso de elementos digitales que aparecen de forma espontánea y que ayudan a dar respiro de lo atascados que pueden ser los instrumentos orgánicos.

Black Midi_

 

Frenesí Arquitectónico.

Algo que se puede señalar con toda franqueza es que Black Midi no puede escapar de las estructuras pop en este nuevo disco, pero más allá de intentar trasgredir cualquier parámetro la agrupación parece divertirse con lo ya existente, por eso Cavalcade se siente como un álbum libre, que no pide permisos y que está muy bien planificado, algo así como un edificio futurista de esos que hay en Dubái, pero con el exterior pintado por Picasso.

El segundo tema lleva como nombre "Marlene Dietrich" y es la pieza más tranquila en el álbum. Las disonancias armónicas se encargan de dejar una sensación extraña en el pecho, mientras el factor humano en instrumentos como las guitarras acústicas o las baterías, que suenan fuerte a pesar de ir lento, otorgan un crecimiento dramático rumbo al final.

"Chondromalacia Patella" es otro tema que se desprende de todos los que hay en este nuevo disco. Pese a tener un sentido agresivo que coincide con la noción de algunas otras pistas, este parece ser el más cercano al jazz punk. Los matices pueden tocar lo sublime en espacios lentos o también acercarse a lo rabioso con distorsiones y voces elevadas de tono, que en algún punto están cerca de saturar la mezcla en su poderoso final.

"Slow (Loud)" y "Diamond Stuff" terminan por ofrecer una de las nuevas adquisiciones musicales de la banda, que es un factor de tensión que se acumula durante el desarrollo de las canciones y llegan al punto en el que explotan y dejan una sensación liberadora. Además son reflejo de la maestría para mezclar los sonidos por parte de la banda y de John "Spud" Murphy, ya que podemos percibir las líneas de bajo con mucho ataque al centro de los canales, y mientras sube el volumen genera una experiencia auditiva única. "Slow (Loud)" cuenta con una letra un poco oscura, que habla de un final que se acerca, que no se sabe si se desea o se lamenta, tal vez una especie de incertidumbre rumbo a la muerte.

Finalmente, el punto más interesante de todo el disco es la canción final "Ascending Forth". Durante más de nueve minutos se puede escuchar un tema más emotivo al resto gracias a las baterías y ambientes ilustrados por voces y guitarras que recuerdan a "Tis A Pity She Was A Whore" de David Bowie. Las voces de Greep en esta pista son más pasionales y a pesar de la larga duración es bastante digerible. Tal vez es la obra más completa que Black Midi ha presentado hasta ahora.

Cavalcade es un disco vanguardista, tiene un orden espectacular dentro del desorden que puede generar y por si acaso se vuelve una obra capaz de cautivar a propios y extraños, solo es cuestión de darle un par de minutos a esa avalancha de energía, que es reflejo del caos humano, mismo que está en la arquitectura, la pintura, las ciudades y los enigmas de nuestra existencia. Estará disponible el próximo 28 de mayo y puedes adquirir una copia en este enlace.

Entrevista con Japanese Breakfast

Después de la tormenta.

Bien dicen que después de la tormenta viene la calma. Todo lo malo siempre trae algo bueno, y la luz llega para iluminar la oscuridad. Así ha sido la vida para Michelle Zauner, artista capaz de sentirse cautivada por la belleza de un desayuno japonés, que encuentra inspiración y cura al escribir de sus pérdidas, y lucha ferozmente por experimentar la alegría.  Éste 2021, después de un largo año apocalíptico, Japanese Breakfast regresa con su tercer entrega mucho más radiante y optimista.

A pesar de que su herencia familiar es coreana y no japonesa, Zauner cuenta que en 2013, bautizó a su actual proyecto solista después de muchos desayunos japoneses que publicaba en cuenta de Tumblr: "Pensaba: 'luce tan delicioso y suave, que así quiero que suene mi música", confesó la artista.

Zauner se inició en la música a los 5 años aunque, desde su punto de vista, en aquellos años no se sentía muy entusiasmada tocando el piano, pues lo que más anhelaba era llegar a escribir canciones. "Empecé a tocar piano cuando tenía 5 años y lo odiaba, y mi mamá era muy reacia a dejarme tomar clases de guitarra cuando tenía 15. Pero a los 16 tuve mi primera guitarra, y la verdad no estaba muy interesada en tocar la guitarra, lo que quería era escribir canciones". De acuerdo con la melódica voz detrás de Japanese Breakfast, la composición de canciones sucedió de una manera muy natural. Tocó en bandas en la prepa y en la Universidad, y aunque siempre quiso vivir de la música, lo veía como algo muy lejano.

Aunque Little Big League fue un proyecto al que le dedicó mucho, en 2013 comenzó a explorar componer en solitario. El inicio de este viaje fue un proyecto al que llamó June. En 2014 puso pausa a la banda, se mudó con su familia a Eugene, Oregon después del fallecimiento de su madre, y continúo escribiendo.

Mi banda estaba en una situación rara. El bajista acaba de unirse a otra banda, y el guitarrista y yo teníamos mucha disonancia creativa. Creo que solo quería ser el director del proyecto y no tener que negociar ni comprometer las ideas para ser justos con todos, así que en algunas maneras fue muy emocionante. Pero claro que también me sentía que debía renunciar a la música porque había pasado tantos años construyendo Little Big League que parecía que no iba a poder terminar con eso tan pronto". Sin embargo, no solo pudo cerrar ese ciclo sino que Japanese Breakfast nació y liberó sus sentimientos más oscuros en Psychopomp (2016) y Soft Sounds from Another Planet (2017).

De acuerdo con Zauner, la vida en cuarentena la hizo sentir sin propósito y confundida. Tuvo que retrasar la salida de su tercer disco: Jubilee, el cual estaba programado para salir en junio de 2020. Sin embargo, siente que el 2021 es el año perfecto para el estreno de un disco que marca una etapa mucho más madura y ecuánime de su vida y su carrera: "En Estados Unidos las cosas son un poco más optimistas acerca de la vacuna y creen que los shows estarán de vuelta en verano de este año. Tengo muchas esperanzas. Estoy muy optimista, y me gusta creer que estaremos dando conciertos en verano. Creo que hay una luz al final del túnel, así que creo que es el tiempo perfecto para este álbum".

Aunque Jubilee no es en su totalidad un álbum de alegría, se trata de una entrega dedicada a hablar de las luchas por experimentarla y mantenerla. "Creo que solo estaba cansada de escribir sobre duelo y trauma. Los últimos discos eran muy oscuros y escritos en estos momentos difíciles de mi vida. A los 6 meses de que mi mamá falleció escribí un libro entero, dos disco sobre esa experiencia, así que ya me sentía lista para escribir sobre algo más en mi vida. Creo que fue muy positivo pasar al otro lado del espectro y escribir sobre júbilo. La clave principal fue eso: Ya sea luchando por tener alegría en tu vida o dejando a alguien atrás para preservar la alegría", manifestó Zauner.

Asimismo, Japanese Breakfast cuenta que su ambición era grande para la creación de un tercer disco. Su inspiración era Homogenic de Björk.

Pensaba mucho en el tercer disco y en las carreras de otros artistas. Cuando pienso en tercer álbum siempre pienso en Homogenic de Björk, ¡un álbum muy ambicioso y teatral! Eso es lo que quería lograr".

Además de ser una prolífica compositora, Zauner se ha destacado por ser la directora de sus propios videos colaborando con Adam Kolodny. "Me encanta. Siento que siempre intento superar lo que hice antes. Me siento muy afortunada de haber colaborado con Adam. Los dos hemos crecido mucho y es muy emocionante trabajar en un medio en el que constantemente estás aprendiendo. Los videos musicales para este disco son el mejor trabajo que hemos hecho, y han sido grabados en 16 mm. Son muy cinemáticos y hermosos".

Finalmente, Zauner nos platicó uno de los planes que más le emocionan de Japanese Breakfast éste 2021: regresar a los escenarios, y nos confesó que, siguiendo todos los protocolos de salud, planea ofrecer algunos shows el próximo mes de julio con una banda de seis en la que incluirá saxofón y violín, y de ser posible,  una banda mucho más grande.

Duran Duran y Graham Coxon en los Billboard Music Awards 2021

La banda celebró su 40 aniversario en compañía de Graham Coxon.

Duran Duran está de regreso. La banda anunció su participación en los Billboard Music Awards 2021 con un set que incluía una nueva canción en compañía de Graham Coxon (Blur). Esta fue la primera vez que la agrupación se presentó en la ceremonia que se lleva a cabo anualmente en el Microsoft Theatre de Los Ángeles, California aunque debido a la pandemia, su actuación será transmitida desde Londres.

El primer adelanto del nuevo disco de la agrupación, "Invisible", fue el track que interpretaron en conjunto. Además, se aprovechó la ocasión y terminaron tocando "Notorious" y "Hungry Like the Wolf". Checa a continuación un extracto de la presentación:

La transmisión se llevó a cabo el pasado domingo 23 de mayo a través del canal TNT y contó con la participación de proyectos como The Weekend, Pink y BTS. Cabe mencionar que los premios se otorgaron con base en las preferencias de la audiencia, la venta de álbumes y canciones digitales, la transmisión de radio y la participación social (monitoreada por Billboard, MRC Data y Next Big Sound).

Por su parte, Duran Duran notificó a sus fanáticos que "Invisible" será el primer single de su décimo-quinto álbum de estudio que llegará el próximo 22 de octubre a través de Tape ModernBMG. ¡Ordena el tuyo aquí!

El Sonido de KEXP celebra su aniversario

Festejando 10 Años de Efervescencia Sonora.

Después de un largo e incansable viaje musical el programa radial El Sonido festejó su décimo aniversario en una experiencia íntima con las bandas participantes, sin preocupaciones por el venue o por las inclemencias del clima, la emisora de uno de los programas de mayor audiencia en línea, transmitió vía streaming la actuación de 13 bandas de América Latina y España, la sesión de dos horas fluyó de manera interactiva con entrevistas, conversaciones con artistas, un chat en vivo y mensajes con saludos y felicitaciones por parte de diversos personajes que han sido parte de la historia del programa de la muy conocida estación radiofónica KEXP establecida en Seattle.

La curaduría del line up estuvo a cargo de Albina Cabrera y William Myers aka DJ Chilly hosts del show internacional que en poco tiempo se convirtió en uno de los mayores promotores de la escena de música independiente de Latinoamérica.

Entre colores flourecentes y sonidos industriales mezclados con ritmos caribeños la banda dominicana MULA aperturó esta gran celebración, el trío formado por Rachel Rojas y las hermanas Cristabel y Anabel Acevedo interpretó el tema “Y Ahora”, envuelto en secuencias synth pop, darkwave y beats tropicales pusieron a bailar a más de uno desde sus casas, seguido de “Agua Que Quema” una pieza con mezclas de dubstep, electropop y bachata que eligieron para dar cierre a su breve pero muy energizante presentación que dio paso a una amena conversación con el madrileño C.Tangana quién compartió con la audiencia parte de su  proceso creativo y fuentes de inspiración en un -fast- track by track de su última producción.

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La segunda artista de este memorable festejo fue la multinstrumentalista Francisca Valenzuela quién a capella sentada frente al piano, entre luces tenues con destellos cálidos y un vestido estilo pin up creó una atmósfera de cabaret burlesque para interpretar la fusión de dos sus más conocidos temas "Tómame" y "Buen Soldado", la cantautora​ chilena se despidió de la audiencia dejando un mensaje expresando sus mejores deseos para El Sonido Radio, dando lugar a una profunda charla con la colomboestadunidense Kali Uchis quién platicó sobre sus experencias, dificultades y memorias de los inicios de su carrera en la industria musical.

Envuelta en una nebulosa morada con destellos violetas y láser neón Javiera Mena hizo gala de su virtuosismo en el manejo de los secuenciadores y el sintetizador durante la presentación de uno de sus más reconocidos temas: “Corazón Astral”, entre pulsos electropop y una atmósfera retrofuturística la talentosísima cantante chilena nos invadió con su lírica sensual y upbeats veraniegos; la celebración a penas comenzaba y había una gran diversidad de talento en fila de espera entre ellos el uruguayo Juan Wauters quién interpretó una balada unplugged su rítmica pieza “Locura”.

Al llegar el truno de una de las bandas más esperadas, Los Blenders nos llevó a la intimidad de un departamento en el corazón de la Ciudad de México para presenciar una vibra más decadente de rock lo-fi con el tema  “No sé surfear”, transcurría la tarde y la experiencia nos incitaba a querer más, el talento programado incluía proyectos que consolidaron su fama en otra época como el dúo avantgarde de art-rock  Hidrogenesse con su multiverisionada canción “No hay nada más triste que lo tuyo”, presentada a través de una pieza de videoarte.

Los Blendes_el sonido

Cuando la energía empezaba a disminuir, la banda porteña lidereada por Barbi Recanati se hizo presente para refrescar la tarde en una sesión de buen rock desde su sofá con la canción “Que No” secundada por la banda gallega Triángulo de Amor Bizarro que interpretó “Canción de la Fama” formando un ambiente crudo de rock noise y punk psicodélico, minutos después en una pequeña intervención la pontente voz de la cantante trans mexicana Luisa Almaguer emergió desde la sencillez de su estudio para visibilizar a las disidencias sexogenéricas que están resistiendo en Latinoamérica.

Trazando Puentes Sonoros

10 años no se cuentan fácil y los presentadores del programa se tomaron un momento para compartir las experiencias de su tránsitar en esta travesía musical que les llevó a conocer lugares lejanos en búsqueda de nuevos proyectos músicales como lo hizo DJ Chilly por diversos países de habla hispana o incluso vivir la experienca de tener que dejar su hogar para migrar a un nuevo país como el caso de la argentina Albina Cabrera que ahora reside en Seattle debido a su colaboración en el programa.

En dos fugaces intervenciones Mon Laferte y Natalia Lafourcade conversaron separadamente con los carismáticos hosts de El Sonido sobre las vivencias que en su paso por diversas partes del mundo les permitieron ampliar sus conceptos e influencias musicales y que ahora se ven reflejadas en su creación artística.

El sonido_Mon Laferte

Desde Guatemala, Asimov nos llevó por un ensueño auditivo con "Obelisco", una pieza con vocales meláncolicas y texturas dreampop que fusiona elementos del shoegaze, creando una atmósfera gélida y espacial nos prepararón para recibir entre luces rosas y destellos azules metálicos a la banda brasileña Atalhos colocada en el mismo mood etéreo, sus integrantes tocaron envueltos en jumpsuits plateados las piezas oníricas “Mesmo Coração” y “Te Encontrei Em SP” en colaboración con la cantautora Delfina Campos.

En un giro completo de 180 grados, la rapera queer afroperuana Yanna realizó una presentación digna de ser recordada, rompiendo el silencio para darnos a conocer con su lírica activista las contradicciones del Estado peruano y las violencias estructurales hacia las mujeres y disidencias sexuales.

Todo fue música y diversión hasta que el show tuvo que terminar, el cierre  estuvo a cargo de una colaboración exclusiva de dos bandas locales de Seattle: Terror/Cactus y Tres Leches que se fusionaron por motivo del aniversario de El Sonido para interpretar “La Danza de las Pirañas” y “No Llores”, la celebración virtual llegó a su fin en un ambiente festivo de electrocumbia y riffs psicodélicos, dejando claro que esto solo es el comienzo de nuevas aventuras sonoras.

Por si te perdiste de este gran festejo, podrás verlo de manera gratuita a través de este link. El Sonido se transmite cada lunes a las 19:00 (PST) a través de su canal de oficial de YouTube y por medio de la radio pública KEXP 90.3 FM, cabe destacar que KEXP es también una organización artística antiracista, sin fines de lucro enfocada a promover proyectos musicales por medio de su broadcast en vivo y presentaciones en directo.

A 35 años de 'Llegando Los Monos' de Sumo

Hace 35 años Sumo hizo estallar el océano con Llegando Los Monos, su segundo álbum de estudio.

Luca Prodan es un héroe del rock distinto al resto. No tenía una gran melena y no vestía con esos trapos icónicos de los representantes artísticos de los años 80, todo lo contrario, andaba con la cabeza rapada y en múltiples ocasiones de le veía con un vestuario austero. Aún así, aquel visionario lograba representar mucho más el carácter y la pasión de la Argentina con la que se encontró y que le arropó. Junto a su legendaria banda, Sumo, consolidó hace 35 años una de sus piezas discográficas más importantes, Llegando Los Monos.

La música tiene grandes momentos de importaciones y exportaciones, las transnacionales se encargan de transmitir las nuevas tendencias en cada rincón, como si se tratara de algo industrial. En otros casos, la música llega en un pequeño barco y se expande rápidamente, como si se tratara de una bomba. Ahí es que tenemos a Luca Prodan, quien después de haber nacido en Roma, con un padre italiano nacido en el imperio Astro-Húngaro y una madre china hija de padres escoceses, estudió en Gordonstoun School, la misma escuela a la que asistía el Príncipe Carlos de Inglaterra.

Dejó los estudios y vagó por Europa (de hecho su familia lo buscó con ayuda de la Interpol), para después trabajar y robar discos en la tienda de Virgin en Londres y terminar cerca de la muerte por el uso de heroína. Luego de recolocar su vida, decidió buscar un nuevo camino, y la inspiración vendría de una foto que le había mandado su compañero de escuela Timmy McKern, donde se le veía en las sierras de Córdoba, Argentina. La búsqueda de ese paisaje le hizo cruzar el mundo, y en la valija traía, antes que las transnacionales, toda la influencia del post punk europeo para mezclarla con las influencias del reggae de Jamaica y la potencia del rock argentino generado de la dictadura de Videla, que iba en caída. Así fue que Luca Prodan se convirtió en uno de los principales referentes de la música punk en el cono sur.

Sumo fue una banda de culto en Argentina, aunque el tiempo le supo corresponder. Para el resto de Latinoamérica ha tenido un crecimiento importante en los últimos años gracias al Internet y los servidores de streaming. La agrupación fue consolidada hasta 1983 con la llegada del saxofonista Roberto Pettinato y el lanzamiento de su demo Corpiños en La Madrugada. La llegada de Ricardo Mollo y Alberto Troglio dio paso a la publicación de su debut, Divididos Por La Felicidad (inspirado en "Love Will Tear Us Apart" de Joy Division), aunque el momento mediático más importante para la banda detonaría en Llegando Los Monos.

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"Abajo en la pampa, arriba en la tundra..."

Llegando Los Monos eclipsa muchas de las historias personales más importantes de Luca Prodan dentro de sus canciones. Además parece ser uno de los álbumes más completos debido a la enorme capacidad y libertad creativa de los integrantes, es una obra que mezcla el punk con el rock, el reggae y el new wave de una manera insólita, que sin duda sería el pie inspiracional para bandas que surgían en esos años como Soda Stereo, Los Fabulosos Cadillacs y los proyectos que siguieron los integrantes de Sumo, como Divididos o Las Pelotas. Es el lugar 22 en la lista de Mejores discos del rock argentino por la Rolling Stone y no creo tener que dar otro argumento para señalar su importancia y lo fundamental que es dentro de la historia musical.

Abre y cierra el álbum con "Llegando Los Monos", que es una pista de menos de un minuto con silbidos y un ambiente selvático aunque artificial. El significado de esta pista podría referirse a la vuelta de los militares, a la llegada de la banda, o tal vez a una anécdota que contó Luca alguna ocasión, donde la banda gritaba esa frase en las playas de Villa Gesell para avisar que estaban por ahí, ya que no tenían permitido tocar y necesitaban una manera de generar recursos.

Como una estocada potente aparece "El Ojo Blindado", un tema punk brutal, donde las voces se ponen musculosas y a mitad aparece un solo bestial de guitarra. Las repeticiones en los coros hace que este track de poco más de dos minutos se cante y se grite aún en estos años, ya que es uno de los más covereados, y el título deviene de un regalo que le dio la novia de Luca, Mónica Stromp, este era un dije con forma de monóculo, y seguido lo portaba el vocalista.

Sobre una base de bajo hipnotizante de Diego Arnedo fue que nació "Estallando Desde el Océano", quizás el tema más famoso de la banda con el paso del tiempo. Sobre una base entre pop y post punk ochentera con una batería que obtiene eco en los coros es que Prodan interpreta una de sus letras más complejas, que por un momento reinterpreta el poema Kubla Khan de Samuel Taylor Coleridge hecho en 1797. En otra parte de la canción se usa el mismo recurso que David Bowie en "Queen Bitch", aquel "Bipperty Bipperty Hat". Dale play a continuación.

Llegando Los Monos tiene un inicio muy fuerte, el tema que sigue es "T.V. Caliente", que es una confesión de amor y fascinación de Prodan a la actriz italiana Virna Lisi, quien le enamoró gracias a la película El Secreto de Santa Vittoria. Se dice que fue de las pocas ocasiones en que el cantante confesó abiertamente lo que sentía por una mujer. Una historia en contraparte a este tema es, que el mismo día en que murió Luca, su hermano Andrea Prodan, quien era actor, le llevaba a Argentina como regalo una fotografía autografiada por Virna, quien mandaba un abrazo a "Mio Caro Luca".

Con "Nextweek" llega el álbum a la mitad y se puede sentir una vibra potente de furia por parte de la banda. Específicamente en este tema todo estalla en furia gracias a las distorsiones abiertas, las baterías agresivas de Alberto Troglio y un solo de saxofón brutal encarnado por Pettinato en un momento de éxtasis. De hecho por momentos se creía que la canción decía "Dame Nesquik" gracias a la pronunciación del cantante.

"Cinco Magníficos" y "Rollando" por fin dan un respiro gracias a la ligereza que manejan. La primer canción gracias a un oscuro beat ligero hecho con cajas de ritmo y sintetizadores que asemejan violines. Por su parte, el segundo tema es una explosión reggae casi industrial, con una armónica de fondo bastante peculiar.

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"Lo peor es la libertad..."

La gente de CBS Récords quería un tema que fuera un "hit", a lo que la banda respondió con "Los Viejos Vinagres", que se parecía en lo musical y lírico a "La Rubia Tarada" de su anterior disco. La canción fue construida en su mayoría por Pettinato en compañía de Germán Daffunchio, y su letra encarna una crítica a los sectores mayores de la sociedad, que les cuesta trabajo asimilar los cambios constantes de la juventud.

Rumbo al final de Llegando Los Monos aparecen nuevas estocadas de reggae con "No Good" y su emblemático coro, así como "Que Me Pisen", que termina por ser una canción con ironía patriótica de alto calibre. Señalar que en estos temas se siente una unión espectacular de la banda, donde cada elemento es tan bien ejecutado que la plenitud logra trascender.

"Heroína" es retomada para este álbum de su demo debut Corpiños En La Madrugada. Una pieza bastante suave en su principio, donde una batería fluida y guitarras limpias acompañan la voz de Luca, quien se emociona de a poco hasta llegar a gritos rasposos y pasionales, siendo tal vez el climax de toda la obra. La historia de este tema nos remonta al suicidio de la hermana de Prodan, quien se metió con su novio a un auto e inhalaron monóxido de carbono. La cercanía al consumo de heroína, que de algún modo fue el detonante para que el artista viajara a Argentina, le da un sentido duro, íntimo y nostálgico.

"Juventud, divino tesoro..."

Llegando Los Monos es un disco excepcional, que parece encajar perfecto con una juventud argentina que dentro de la democracia sufría problemas desgastantes. La constante muestra de energía es el sello de este álbum que en ningún momento viene abajo. El día que la Argentina de Maradona quedaba campeona del mundo en el Estadio Azteca, la agrupación de Hurlingham se presentó en el programa de televisión Feliz Domingo, conducido por Silvio Soldán, donde encarnaron una de las mejores versiones de "Los Viejos Vinagres". En agosto de ese año fue presentado el disco en vivo con distintas funciones en el Estadio Obras Sanitarias.

El encargado de grabar Llegando Los Monos desde las instalaciones de los Panda Estudios fue Mario Breuer, quien trabajó también con Andrés Calamaro, Charly García, Fito Páez, Los Fabulosos Cadillacs, Julieta Venegas, Soda Stereo, Luis Alberto Spinetta y Los Tres, por mencionar algunos ejemplos. La portada es una fotografía de una de las obras del artista búlgaro Christo, que llevaba como nombre Package y fue expuesta en 1961. En sí eran cosas envueltas entre lazos y telas, pero a Pettinato le gustaba creer que era como si ahí estuviera envuelta la banda, y que de esa manera "llegaban los monos". Dale play a este disco que cumple 35 años a continuación.

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Package, la obra de Christo que forma parte de la portada en 'Llegando Los Monos'.

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Día Mundial del Goth: Por la recuperación de una agenda política (contra)cultural

¿Por qué es importante pensar lo goth desde la desobediencia civil?

“Miraba las fotos de mis ídolos en Smash Hits y a mis amigos blancos con su estilo pálido y vampiresco. Admitiré que sentía un poco de envidia de lo fácil que les era presentarse como goth. Mark Fisher describió el estilo de Siouxsie como “una máscara cosmética replicable, una forma de tribalismo blanco”. Nunca quise ser blanca. La blanquitud nunca fue algo a lo que aspirara; pero me consideraba parte de esta tribu y esa máscara jamás me ajustaría. Aceptaré que a veces me sentía un poco Blacula-ish: Una versión negra dentro de una historia de blancos”, Leila Taylor (Darkly: Black History and America’s Gothic Soul).

“No es lo suficientemente gótico” fueron las palabras que encabezaron las críticas hacia el álbum debut de Bauhaus. Las y los jóvenes, que negaban la posibilidad de la adultez se encuentran a la mitad de los 40 y cada vez es más difícil adquirir una copia genuina (y a buen precio) de Oh My Goth!

Por desgracia, la hostilidad del “not gothic enough” ha traspasado el archivo hemerográfico de Sounds y NME. Ahora forma parte de los criterios de selección para las revistas y los sitios especializados en moda gótica, complementa las agresiones físicas en clubes nocturnos y sostiene el discurso de quienes en el entorno digital se jactan de ser racistas y solo “aclaran que el goth es para las personas de tez blanca”.

¡Pero no nos enfademos con esta generación de übergoths! Hay reglas. Y, por el bien subversivo y preservación de la esencia subcultural, hay que conservarlas. En sus términos, si somos latinxs, afroamericanxs o asiáticxs tenemos la obligación de recordar que "nuestra piel debería ser más clara" (porque sí, al parecer, la palidez es sinónimo y condición exclusiva de la blanquitud), "nuestro cabello liso y delgado, nuestra complexión corporal acorde a la talla de los corsés de Dolls Kill. “¡Se trata de autenticidad!” justifican.  (What a fucking joke!)

¿En qué momento nuestras estrategias de resistencia comenzaron a funcionar al paralelo de máximas de sistemas xenófobos, sexistas, racistas, clasistas y capacitistas?

Vayamos en contra de lo que sugieren títulos absurdos de videos en YouTube o estrategias mercantiles que dan a entender que “solo las mujeres parecidas a Winona Ryder son las sujetas legítimas —y referenciales— de la participación en la cultura gótica”. Nos guste o no, hablar de lo goth implica retomar y defender una agenda política de desobediencia civil.

¿La razón? Gran parte de la cobertura mediática ha banalizado las expresiones socioculturales que están dentro de esta categoría. El encasillar la cultura gótica en bienes de consumo monetizables ha ocasionado que en los últimos años se haya despojado al humor de su potencial emancipatorio y/o radical. No nos confundamos. El uso de la risa de la que habla Agnes Jasper (2004) no es sinónimo de la mofa con la que —supuestamente— se retrata al ancient vampire o la femme fatale.

La escena gótica no es —ni debería ser— amigable con quienes nos acechan en los venues, clubes de poesía o conciertos. La violencia —física, verbal y simbólica— contra las mujeres es una problemática real en este entorno cultural. Tanto que el Scary Witches surgió de la necesidad de contar con un refugio para quienes queríamos disfrutar de “Cuts You Up”, “Boomerang” o “Die in the Disco” sin tener que lidiar con rancios que —por alguna (¡patriarcal!) razón—encuentran divertido llamarnos “góticas culonas” o preguntarnos el mínimo detalle sobre la trayectoria musical de las bandas que llevamos en nuestras playeras.

¿A ustedes también les preguntaron qué traía puesto Blixa Bargeld cuando conoció a las integrantes de Mania D en la tienda Eisengrau? ¿O les aplicaron la "a ver dime cuál es el apellido del que canta "Three Imaginary Boys"?

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© Joana Shino

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© Joana Shino

La narrativa mercantil, capacitista, misógina, racista, clasista, xenófoba y elitista también ha ayudado a que grupos antiderechos —como lo son las organizaciones antimigrantes o antiaborto — encuentren en las generaciones más jóvenes una oportunidad para generar una espiral en la que se replique el discurso de odio. En el mundo mueren más de 23 000 mujeres por abortos clandestinos. El afirmar que lo goth tiene que ver “con la protección de la familia tradicional y la realización plena de las mujeres” invalida una las premisas que ha mantenido al movimiento gótico como una de las disidencias culturales más estables de los últimos 25 años: la autonomía.

Vampires and witches against the racism!

Recuperar el potencial político y disruptivo de lo goth también es mantener una postura crítica frente a las —supuestas— normas estéticas. No es secreto que con el crecimiento de las comunidades online, la llamada exportación racista (Maisha Wester, 2014) ha facilitado que supremacistas blancos posicionen la idea de que “la raza aria es, por default, la máxima expresión de la unicidad”, pues según ellos “la génesis del movimiento gótico corresponde exclusivamente a la cláusulas del proyecto Our Land del siglo XIX”.

Plantear y defender lo goth como una iniciativa política, disruptiva y emancipatoria es fragmentar y hacer cenizas el discurso criminalizante de las y los outsiders en obras como The Squaw Man (1893) y The Picture in the House (1920). Que no se nos olvide que la adscripción a cualquier tradición sociopolítica y (contra)cultural trae consigo la responsabilidad de denunciar las —posibles— narrativas hegemónicas. Así que más que optar por un tajante kill your idols, podemos empezar por un question your idols.

“El racismo no forma parte de una cultura que proclama la rebelión”, manifiestan activistas que —como la escritora Leila Taylor— han diseñado sus propias estrategias de resistencia. La transgresión de y a través de lo goth se articula con la radicalidad de las diásporas y luchas regionales. No respeta los criterios de propiedad y exclusividad a los que están acostumbrados los colonizadores (de la tierra, el género y la sexualidad). Abracemos las distintas vertientes de la cultura gótica desde la desobediencia civil. En lo goth estamos presentes mujeres (cis y trans), hombres (cis y trans), personas no binarias, afrolatinxs, negrxs,  asiáticxs, con discapacidad(es) y cuerpos diversos.

Quien diga lo contrario no merece más que un sutil y educado: ¡¿tú qué vas a saber de goth chamaco p*****?!.

¡Feliz día querides vampires!

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Señor Kino estrena video para “Aurora Boreal”

El nuevo sencillo del grupo sonorense marca el cuarto adelanto de su próximo álbum.

Señor Kino no para de entusiasmar a sus seguidores con el inminente estreno de su tercer álbum de estudio. Ahora, después de una semana cargada de suspenso y emoción, el grupo ha estrenado su nuevo sencillo y video titulado “Aurora Boreal”, que ya puedes escuchar en todas las plataformas de streaming.

Fuimos a buscar el final del arcoíris y hacer los sueños realidad. Eso es imposible, solo es una ilusión. O eso creía yo”. Con esta frase, Señor Kino consolida un estilo surrealista y onírico. El sonido de esta canción continúa la línea shoegaze y dream pop que ha plasmado en sus últimos estrenos. Dale play a esta aventura de cuento de hadas aquí.

Aún no hay una fecha definida para el lanzamiento del sucesor de Colores (2018). Mientras tanto, no olvides escuchar sus anteriores estrenos, “Estrella Fugaz”, "Me Quedo Aquí" y “Plantita”.

Uno de los momentos más destacados en la carrera de Señor Kino fue su participación del festival Coachella 2018. Hace poco, como una sorpresa para sus seguidores, el grupo compartió un video en su canal de YouTube que revive la interpretación de "Señorita Hernández" y “Mamón” en este evento. Velo a continuación y déjate llevar por la nostalgia.