Cults en el Foro Indie Rocks!

Una noche mágica con la suavidad y dulzura de Cults.

Las buenas presentaciones de música siguen aferrándose a este 2018. Como ya es costumbre, tuvimos una vez más en el Foro Indie Rocks! a una banda que pese a tener una trayectoria modesta, emana en cada nota pasión y amor por lo que hacen. Cults, formada por Brian Oblivion y Madeline Follin, que con casi 10 años en activo, han publicado dos discos de larga duración de excelente calidad. La última vez que los vimos en la CDMX, fue en aquel Corona Capital del 2014 que destacó por un sensacional lineup así como por la lluvia.

Con un excelente aforo, nos reunimos a disfrutar de este dúo californiano que tiene una característica mezcla de synth pop con una pizca de estética retro, que va desde la década de los años 60 hasta los 80. Algo que cabe destacar, que además es un sello del Foro Indie Rocks!, es el encontrarse al talento nacional o regional de la escena indie. En esta ocasión, pudimos ver a músicos como Renee Mooi y Algodón Egipcio, entre los presentes.

Para la velada contamos como telonero a La Chica, proyecto concebido por la cantante Sophie Fustec de origen franco-venezolano, que nos deleitó por casi una hora con un live act repleto de buenas vibras. Una mezcla de ritmos latinos con world music, cautivó a los presentes, que prefirieron no despegarse del escenario y disfrutar de la buena música. Al terminar su presentación, salió alabada por todos.

Después de unos minutos de espera, empezaron a salir entre aplausos los integrantes de la banda cuando tocan en vivo, hasta que apareció Madeline que hizo que explotara el venue en gritos. Casi de inmediato, empezaron a tocar “Offering”, pieza homónima de su más reciente disco publicado el año pasado, que logra mover fibras en nosotros tanto de felicidad como tristeza. Siguió la delicada “I Took Your Picture”, que dio paso a la acelerada “Abducted”, para llegar a una de las piezas más queridas de la banda: “Always Forever”, romántica y tierna, que nos arrulla con la dulce voz de la cantante

Hasta el momento, entre las canciones, gran parte de los presentes había querido propiamente cantarle las mañanitas a Madeline debido a era su cumpleaños. Sin embargo, no lo habían podido lograr ya que eran interrumpidos. Pero no hay intento en vano, y por fin las voces de todo el foro se sumaron al unísono con las mañanitas en inglés. Esto causó un gran momento que seguro será recordado para siempre por la banda.

La noche continuó sin muchas interrupciones, con algunos comentarios por parte de Madeline o Brian, como cuando éste comentó que su pieza favorita de Offering (2017), era "Gilded Lily", después de tocarla. El show fue acompañado por agradables visuales que eran proyectados en unas mamparas y sobre la pared del escenario.

El setlist se compuso de piezas de sus dos discos, disfrutando de nuevas canciones como la hipnótica “Talk in Circles” o la agridulce “Right Words”. Así, como de clásicos del álbum Static (2013), como la psicodélica “High Road”, “Keep Your Head Up” con sus hermosas distorsiones y la divertida “I Can Hardly Make You Mine” con su coro pegajoso. En cierto momento, Brian comentó que este era el setlist más largo que habían tocado y no mentía, ya que incluso agregaron dos piezas de su más reciente EP, Motels (2018): el cover “Total Control” de la banda The Motels y la oscura pero encantadora “Celia”.

El clásico encore estuvo compuesto de dos piezas, que, si bien son clásicas, a lo mejor podría encontrarse en otra parte del setlist ya que no despliegan la suficiente energía: la positiva “Good Days” y la encantadora “Go Outside”. Al terminar, todos fueron despedidos entre gritos y recuerdos que perdurarán por mucho tiempo.

Así fue esta increíble presentación de Cults en el Foro Indie Rocks!, a la que les auguramos una larga carrera y que solo nos queda esperar volverlos a disfrutar una vez más en nuestro país.

Michael Jackson en México

Do you remember the time?

Oh fortuna, cuál la luna y su estado variable, el macabro tono de Carl Orff y su inmortal "Carmina Burana", un destello de luces como preludio a la sorpresa, Michael Jackson emergiendo de un salto al escenario para permanecer inmóvil. En una edad en la que no sabes nada y crees saberlo todo es difícil enfrentarte a un espectáculo de tal magnitud, tan solo disfrutas, no analizas hasta mucho tiempo después, tan solo te queda el recuerdo, y escuchar la música te arrastra hasta aquella noche del 29 de octubre de 1993 en la cancha del Estadio Azteca.

Michael la efigie, cual estatua de Horus o un monumento al héroe de una guerrilla emocional y generacional. Impávido ante los gritos de miles, devorado por los ojos ansiosos que ante cada movimiento desangran. “Jam” y sus destellos, los pasos de baile precisos, las explosiones, el interludio cual marcha de un ejercito y la dominación absoluta del pop en nuestras neuronas, estábamos inertes ante el rey.

“I said you wanna be startin' somethin', you got to be startin' somethin'”, años de distancia para figurar la evolución del sonido Motown, el pináculo de un genero que a la par de vender experiencias explota la demanda por latas de refresco, la memorabilia que se convertirá en coleccionables, ítems mint condition que ya no tienes para vender porque se perdieron en una mudanza, en una caja, en una venta de garaje. “Smooth Criminal” y la evolución del baile, el cuerpo como instrumento perfecto, las adecuaciones escénicas sorprendentes, antes de cisnes negros y musicales insulsos con coreografías predecibles teníamos estos precedentes: los trajes de gangster, el ángulo de 45 grados en un arqueo que desafiaba la gravedad, trucos teatrales que nos parecían algo de otro mundo.

Recuerdo aún más joven cuando salió el video de “Espeluznante” (así se refería la televisión mexicana a "Thriller") y el temor que me evocaba la figura de Michael rodeado de espectros de ultratumba, sus ojos amarillos brillantes al final de aquella risa macabra que año de distancia cambió del miedo a la apreciación. Si fuiste un niño a mediados de los años 80 y principios de los 90, Michael Jackson tenía un altar permanente en tu descubrimiento musical, y fue desde su gloria hasta su ocaso que aprendimos de su genialidad y nos atuvimos a sus escándalos, su estrafalario modo de vida, su rara vestimenta, su actitud extraña ante el mundo que eufórico lo seguía a todas partes. Sentíamos cierta empatía por aquel niño que nunca tuvo una vida normal y cuyo síndrome de Peter Pan hacía que la prensa imaginara lo peor y que los mitos urbanos alimentaran el misterio: confeti hecho con billetes de 100 dólares, la adquisición del cerebro congelado de Walt Disney, el séquito de niños que habitaba permanentemente el rancho Neverland, la operación a la que se había sometido para cambiar el tono de su piel, o el primer reptiliano del cual se tenía registro en las columnas sensacionalistas.

El hombre, la leyenda, las falacias, las figuraciones, lo que no podías creer se disipaba ante el indeleble tono del inicio de “Billie Jean”, emular el moonwalk en el salón de clases, tocar una y otra vez la cinta del Dangerous, saber que Slash era el creador del riff de “Black or White”, emulando la gloria anterior de la colaboración de Michael con Van Halen, cosas que vas aprendiendo sobre la marcha de la música que siempre te acompaña.

Michael el salvador haciendo cantar a coro el final de “Heal the World” por tiempo indefinido, cual coro de “Life is Life” de Opus, aún en los túneles del estadio a la salida la gente seguía repitiéndolo. Su llanto tal vez fingido y persistente, la delgada línea entre el performance y la complacencia, pocas palabras ante la euforia, afortunado aquel que logró agarrar el sombrero que lanzó y que ahora debe ser una especie de santo grial. Familias enteras que consiguieron entradas a la vieja usanza, sin intermediarios, sin preventas, las computadoras apenas comenzaban a ocupar las oficinas, no nuestras manos, me pregunto si habrá recuerdos fotográficos en algún cajón, ya que es difícil encontrar testimonios gráficos en Google. Años de distancia y el mundo sigue sin curarse, cada vez se pone peor, y ni las canciones ni las buenas intenciones lo pueden salvar. Parecía tan distante esa realidad destructiva reflejada en enormes pantallas.

Recuerdo que al final del concierto Michael enfundado en un jetpack voló sobre nuestras cabezas que por ciertos momentos como espectador tenían que esquivar basura y hasta monedas ante el reclamo de la gente de atrás que pedía que nadie se parara sobre las sillas. Un enorme tour book con fotografías que se perdió, un vaso de plástico que soportó el paso del tiempo, el boleto como testimonio fiel de mi asistencia, los recuerdos difusos pero entrañables de una noche que cambió mi visión al respecto de los conciertos y la ansiedad por el próximo show que vendría tiempo después ya que en aquellos días, México apenas comenzaría a ser un sitio estratégico para las grandes giras. Por aquellas fechas hace 25 años, que incluso Madonna estuvo la misma semana en la ciudad y Metallica y Paul McCartney el mismo año,  todo cambió para bien, y al día de hoy, le debemos al "Rey del pop" una nueva etapa para los conciertos en nuestro país.

 

Mira el nuevo video de A Perfect Circle

Visuales apocalípticos en el video de “So Long and Thanks For All The Fish” de A Perfect Circle.

El título del reciente sencillo del proyecto alterno de Maynard James Keenan es una referencia a The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy y su letra, junto con el aparente sonido optimista de este tema extraído de su disco Eat the Elephant, tiene una carga de sarcasmo.

El video para “So Long and Thanks For All the Fish” inicia con el concepto de un mundo idílico que nos remonta a los años 50, pero muy pronto nos damos cuenta de que detrás de toda esa gente sonriente con la vida perfecta se esconde la lujuria descontrolada, la avaricia y la violencia que el propio Keenan define como “la nueva normalidad”.

Keenan concibió el bizarro video junto con Kyle Cogan, quien ha trabajado con artistas como Death Cab For Cutie, The Virginmarys y First Aid Kit. Mira a continuación el visual de “So Long and Thanks For All the Fish”.

Una versión deluxe del nuevo disco de A Perfect Circle fue anunciada recientemente, la cual –entre otras cosas– contará con la novedad de incluir un holograma. “Es en gran medida una experiencia combinada de lo táctil y lo visual. Vengo de una época en la que las piezas físicas de música eran amadas… Algo así devuelve esa emoción visual a la gente”, declaró Maynard James Keenan, también integrante de Tool, para BillboardActualmente la agrupación se encuentra en medio de una gira donde serán acompañados próximamente por Chelsea Wolfe.

PREMIERE: Elis Paprika & The Black Pilgrims presenta "Mi corazón"

Foto: Pablo Camarena

En exclusiva para Indie Rocks!, Elis Paprika comparte el nuevo sencillo de su próxima placa que verá la luz en 2019.

Todos hemos sufrido en algún momento de nuestras vidas por alguien al que le dimos todo, pero al final no es lo que esperábamos. Si aún no has podido superar esta situación, te presentamos la canción ideal para decirle lo que sientes. Se trata de "Mi corazón", el nuevo sencillo de Elis Paprika a lado de su banda The Black Pilgrims.

El track formará parte de Venganza, su próximo LP que se lanzará en febrero de 2019 y habla sobre una decepción amorosa en donde Elis desea que el karma se cobre todo lo que le hicieron.

"'Mi corazón' es una rola que hice hace un par de meses, pensando cómo me sentía cuando me rompieron el corazón súper fuerte. Yo solo quería que me regresara todo ese amor que yo le di, porque lo que me había dado fue pura pedacería y ese sentimiento se me quedó en el fondo de mi ser. Esta persona quería seguir sacando provecho y es una advertencia ya que si no se alejaba le haría mucho daño", compartió la cantante sobre este tema.

Parte de la letra menciona. “Yo ya sé muy bien, todo lo que dijiste tú de mi, no quiero perdonar, quiero que sufras lo que me hiciste sufrir”. Dale play a continuación:

La cantante iniciará una gira por México y algunos países para promocionar Venganza. Algunos en la lista son Mongolia, Indonesia, China, India e Inglaterra.

Sigue a Elis Paprika en sus redes sociales para estar al pendiente de sus próximos shows.
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URSS Bajo el Árbol estrena video de "Niño atrapado"

La canción "Niño atrapado" es un homenaje a los héroes, heroínas y víctimas del 19S.

En septiembre la banda mexicana URSS Bajo el Árbol publicó el single llamado "Niño atrapado", el cual es un homenaje para todas las personas que murieron y para las que prestaron ayuda en el sismo que sacudió a México el pasado 19 de septiembre de 2017.

Ahora el grupo compartió el audiovisual de "Niño atrapado", donde hacen referencia a la niña "Frida Sofia", quien se creía que se encontraba atrapada en los escombros de la escuela Rébsamen, pero, que en realidad nunca existió. El audiovisual fue dirigido por Luis Meixueiro e incluye fotografías que fueron tomadas en los días siguientes del desastre natural.

En un comunicado de prensa Mauricio Solo dijo. “Nosotros siempre nos hemos sentido muy orgullosos de llevar la identidad de nuestro país como bandera y preservar nuestras tradiciones, pero también queremos hacerle saber a la gente que a la par, ser mexicano significa arriesgar, siempre buscar algo nuevo para seguir creciendo”.

No olvides que también puedes disfrutarlos en La Semana de las Juventudes este sábado 10 de noviembre, mientras tanto no te pierdas de su nuevo video "Niño atrapado".

La banda originaria de Ciudad de México ha tenido un año bastante ocupado, recordemos la colaboración que tuvo con  The Boxer Rebellion para la canción “Here I Am”, y el resultado fue impresionante, la melodía, aunque suave, va subiendo el nivel de intensidad, te lleva a pensar en un lugar seguro y tranquilo, podría ser una experiencia casi mágica, guiada por las guitarras y las voces de los colaboradores. La interpretación de este sencillo cambia drásticamente cuando el idioma español se apodera de ella.

 

Panda Bear anuncia nuevo disco

Panda Bear lanzará Buoys en febrero de 2019.

A través de su cuenta de Twitter Noah Lennox, también conocido como Panda Bear, anunció que el febrero próximo publicará su nuevo disco titulado Buoys, en el cual ha buscado crear sonidos que "se sintieran familiares a los oídos de una persona joven ".

 


Buoys será el primer disco en solitario, después de cuatro años, del integrante de Animal Collective. Antes de la llegada del tan esperado álbum, se compartió el primer single "Dolphin", en el que se hace gala del minimalismo que Noah desprende cada que toca su guitarra y su voz, pero rodeado por la mezclas de arreglos que llegan a lo psicodélico.

Esta es la segunda vez que Noah Lennox colabora con Rusty Santos, la primera tuvo lugar con la creación del disco Person Pitch. Otras colaboraciones que destacan en el disco son con el DJ chileno Lizz y el músico Dino D'Santiago.

Buoys llega a través de Domino Records el 9 de febrero del próximo año, sin embargo, el disco está disponible en preventa, y cuenta con diversos formatos que también incluyen un vinilo de edición limitada combinado con una camiseta y en todas las plataformas digitales. Puedes comprarlo aquí.

Este es el tracklist de Buoys:

01 "Dolphin"
02 "Cranked"
03 "Token"
04 "I Know I Don’t Know"
05 "Master"
06 "Buoys"
07 "Inner Monologue"
08 "Crescendo"
09 "Home Free"

 

Conor Oberst lanza dos nuevos temas

"No One Changes" y "The Rockaways" son lo nuevo de Conor Oberst.

A pesar de que el año pasado lanzó Salutations, el músico estadounidense ha estado muy activo recientemente. Colaboró en el nuevo disco de Phoebe Bridgers, en el soundtrack de Juliet, Naked y ahora está por sacar un disco de siete pulgadas con dos temas completamente nuevos.

Los tracks que acaba de compartir Conor Oberst se llaman "No One Changes" y "The Rockaways". Estos llegarán en formato físico el primer día de febrero, aunque ya están disponibles a través de bandcamp.

Ambos temas contaron con Bryce Gonzales en la producción, quien ha trabajado con Conor en múltiples ocasiones, así como con Kim Deal y Kurt Vile. Otro de los que participó en estos tracks fue el compositor Nate Walcott, quien toca el teclado en "The Rockaways".

Con sus recientes estrenos, Conor Oberst muestra su lado más sombrío y opta por la introspección. Ambas resultan deprimentes, pues "No One Changes" mira desde una perspectiva pesimista a las personas y el otro aborda el final de una relación.

Puedes escuchar "No One Changes" y "The Rockaways" justo aquí:

Nueva colección de ropa inspirada en Queen

Wrangler creó la colección Bohemian Rhapsody, basada en Queen.

Para el gran Freddie Mercury un concierto debía ser algo más que la interpretación en vivo de su música, debía convertirse en un espectáculo que cautivara a los asistentes, poniendo atención en el más mínimo detalle. Es por eso que en cada show sus estilo siempre fue glam, teatral y en muchas ocasiones disruptivo.

En la extinta revista Circus, el líder de Queen declaró. "Creemos que un show debería ser un espectáculo. Un concierto no es una interpretación en vivo de nuestro álbum. Es un evento teatral ... es un desfile de modas. Me visto para matar, pero con buen gusto". Inspirados en estas declaraciones y en el inigualable estilo del icono del rock, Wrangler en colaboración con la marca musical Lyric Culture lanzaron una linea de ropa llamada BOHEMIAN RHAPSODY. 

La colección también se inspiró en el biopic de la nueva película acerca de la legendaria banda de rock Queen, llamada Bohemian Rhapsody. Se trata acerca de una linea de camisetas, chaquetas y jeans, que están decorados con letras de éxitos como "Killer Queen" y "Don't Stop Me Now". Puedes comprarlos aquí.

El estilo de Freddie Mercury se manifestaba en cada presentación, usando ajustadas mallas, arlequines, coronas, shorts cortos y ajustados, pantalones de cuero o de mezclilla, incluso vistiendo completamente de mujer para su video "I Want To Break Free", el líder de Queen ha sido referencia para importantes casas de moda como Balmain,entre otras, además de ser admirado por artistas de la talla de David Bowie, quien una vez dijo. "Llevó (Freddie Mercury) el concepto de rock melodramático más lejos que ningún otro intérprete".

 

 

Tropicalia Music & Taco Festival 2018

Fotos cortesía Tropicalia Music & Taco Festival

Abrazo multicultural.

El 6 de noviembre se celebraron elecciones políticas en California. El Golden State se enfrentó a la contienda política con amplia participación, con la esperanza de anular la voluntad de Trump, apoyar la causa latina y continuar su esencia plural.

En la costa oeste, a una hora de Los Ángeles se encuentra Long Beach; una pequeña ciudad de 470 mil habitantes. En lo más profundo del downtown, a un costado del trasatlántico Queen Mary, el Tropicalia Music & Taco Festival vivió su segunda edición.

Día 1: Mexicool

Entre las calles 3rd & Pine, el autobús Passport pasa en intervalos de 10 a 20 minutos.

Por la 3rd grupos de jóvenes –que en su mayoría no superan los 30 años– caminan ignorando la parada. "Creo que tomaré el shuttle", me dice una chica vistiendo una playera con la leyenda “Como La Flor”, refiriéndose al transporte proveído por el festival, mismo que salía a unas cuantas cuadras. Tras una aparatosa demora de dos minutos, el vehículo rojo que provee servicio gratuito llegó por los pocos que decidimos esperar.

Nos dirigimos hacia la bahía mientras observaba el Acuario y el Long Beach Convention Center. Después de 10 minutos estaba en el Harry Bridges Memorial Park. Caminé por la costa sin perder de vista el imponente barco blanco, dentro encontré tres escenarios. Dos en un costado y uno enorme para recibir a los headliners, ambos divididos por una calle, misma que podías cruzar vía puente o túnel; todo sin salir del festival.

El majestuoso Chalino Stage fungió como el punto central, donde miles de asistentes de diferente color, edad y lengua bailaron "17 años" de Los Ángeles Azules y romancearon con “Amor Divino" de Leo Dan. El escenario, presa por momentos de la fiesta latina, era contrastado por lo que sucedía "al otro lado", donde Gus Dapperton y Jasper Bones creaban un espacio más nichado, con público, en su mayoría, local y joven.

Jurassic Shark fue la primera banda que me arrancó una sonrisa y una inmediata admiración con su mezcla de garage y post punk que definen como plank-punk. Me dejé llevar por el ping pong de los escenarios Juanga y Chavela, quedando anonadado con Still Woozy y su pop raro, para después presenciar a Phum Viphurit, que apenas alcanzó a tocar cuatro canciones, debido a fallas con su guitarra, situación que su bajista solucionó categóricamente con un show de beatbox.

Omar Apollo alzó la vara con uno de mis sets favoritos del día. El mexico-americano tomó su lugar como uno de los mejores exponentes del dream pop indie chicano, con una ridícula cantidad de energía en el stage y una natural conexión con el publico.

Bajé el túnel y me dirigí al Chalino para ver a Toro y Moi, sacudido por los sets y los dos prerolls de Sativa que mi psique intentaba controlar. ¡Caray!, la weed californiana no es ninguna broma –aconsejo ir despacio con esa cosa–. Chaz Bundick hizo sonar el sintetizador más funky que mis oídos habían tenido el honor de atestiguar.

Decidí regresar al "otro lado" donde se encontraba la verdadera carnita. Y no hablo de los Carnitas Tacos de 12 dólares que burdamente americanizaban el sabor de Michoacán, sino de la propuesta musical. Vistiendo un mandil con la leyenda; “Sin fronteras, sin muros, solo amor”, el californiano radicado en la Ciudad de México, Speak, se lanzó al escenario con su trap chicano y una actitud desenfadada, buscando provocar y cautivar al público que le daba una oportunidad a su número.

El hispano invitó al público a votar y dejó todo en el stage, tanto que excedió por algunos minutos su tiempo de set, siendo abruptamente silenciado por el inicio de Frankie Cosmos.

El sol cayó y dio paso a héroes locales como Mild High Club, Albert Hammond Jr. y Empress Of, campechaneados con el lado latino, representado por Inspector y Bronco.

Del lado del Chalino, el show culminó con un set melancólico de Mazzy Star, una Kali Uchis compartiendo buena vibra y un Morrissey que parecía disfrutar mucho su acto. Cerré la noche con un jocho de 5 dls que una señora hispana me vendió a la salida del venue.

Día 2: Abrazo Multicultural

La experiencia me ha enseñado que los conciertos más memorables son aquellos de los cuales no tienes expectativas. El domingo 4 de noviembre me encontré cantando "¡Y yo que te deseo a morir!" mientras bebía una IPA de 12$ y hangueaba con Luis, un californiano de padres mexicanos ansioso por escuchar los clásicos de sus orígenes. Los de Colombia crearon un momento sublime que detonó en gritos de "Vote down for Trump" en el túnel que conectaba los escenarios, como una especie de abrazo multicultural logrado gracias a la música.

La oferta artística fue vasta en cada rincón; en el Chalino con Homeshake y Yellow Days, dos de los consolidados en el underground estadounidense. Del "otro lado" The Marias atenuaba el atardecer, mientras un crowd ya esperaba en el Chavela. "¿Neta falta media hora para Boy Pablo? Hay ya mucha gente" le expresé a una chica a mí izquierda, quién obvió su respuesta con una mirada desganada.

El noruego dio uno de los sets del festival con su enérgica banda y sus dulces temas. Mucho ojo con ese dude. A las 17:30 ya era de noche, intenté no tripearme y le entré gozoso a los madrazos con SWMRS. El frontman sentenció: "el rock & roll no va a resolver tus problemas, pero te va ayudar a descifrarlo", dando paso a “Figuring Out”, abriendo el mosh pit. La liberadora fuerza del set me llevó a comprar un sundae and donut de 14dls para ver a Clairo.

La veinteañera homenajeó a Cuco, quien debido a un accidente tuvo que cancelar su participación. Los hits “Pretty Girl” y “Flaming Hot Cheetos” sonaron, sin embargo el set fue llevado con guitarras y canciones a la Mazzy Star.

Michael Seyer y Surf Curse comenzaron a despedir la ola de propuestas, mientras en el Chalino, Mac DeMarco aparecía sin banda, usando un disfraz verde, a cantar con pista de fondo. El formato permitió al canadiense mostrarse en otra faceta y cantar canciones que pocas veces toca como "My Kind of Woman". SZA cerró, compensando con creces la ausencia de Cardi B.

Tropicalia sacudió Long Beach y demostró lo rica y necesaria que es la cultura latina en la costa oeste, en un estado donde puedes hablar español, inglés, espanglish o lo que se te dé la gana. Donde no importa tú color, de dónde vengas o tu preferencia sexual, donde comprar marihuana es tan fácil como adquirir una botella de vino. Aquel lugar donde la libertad es un derecho, pero también una responsabilidad. Gracias Long Beach. Gracias California. Gracias Tropicalia.

 

 

 

Crystal Fighters estrena “Goin' Harder”

Escucha el nuevo tema de Crystal Fighters, en colaboración con Bomba Estéreo.

Bomba Estéreo continúa compartiendo nueva música. Tras su reciente presentación en la capital mexicana el pasado mes de octubre, el dúo colombiano se encuentra de estreno junto a Crystal Fighters, con el tema “Goin' Harder”.

Se trata del segundo sencillo de la banda inglesa, estrenado durante 2018. Un corte de 3 minutos y medio que intercala versos en español e inglés y sonidos con tintes latinos.

'Goin' Harder' es una canción sobre cómo sentir las ansias por romperla, tanto, que estás dispuesto a sacrificar cualquier cosa en el momento. La vida es demasiado corta para no ir lo más duro posible, así que este es un himno para aquellos que destruyen la vida al máximo”, comentó Crystal Figters.

A continuación puedes escuchar “Goin' Harder”.

“Goin' Harder” se une al sencillo previo "Boomin' In Your Jeep", estrenado el pasado mes de mayo como parte de la nueva etapa de Crystal Fighters en el sello Warner.

Han pasado dos años desde que pudimos escuchar la última placa de la banda inglesa, sin embargo la espera ha terminado y promete más novedades en las próximas semanas. Mientras conocemos más detalles, la agrupación ha compartido sus primeras presentaciones programadas para 2019.

Crystal Fighters_2019 tour