CutOut Fest 2018

Posted on noviembre 4, 2018 by -

El Festival de Arte y Animación Digital más importante de México realizó con gran éxito su décima edición.

A lo largo de cuatro días, CutOut Fest 2018 ofreció al público una gran cantidad de propuestas relacionadas con la creatividad tecnológica. Se proyectaron decenas de cortometrajes animados provenientes de distintos puntos del globo; hubo conferencias y charlas con grandes exponentes de la industria a nivel internacional; exhibiciones artísticas; talleres; workshops; arte urbano; y hasta una batalla de GIFs.

 

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El crecimiento de medios y plataformas que hoy son parte de nuestra vida cotidiana se ha dado de manera acelerada. Hace una década no existía la resolución 4k, WhatsApp, Airbnb, Spotify o Uber. Hace 10 años, contra todo pronóstico, nació en Querétaro uno de los proyectos más ambiciosos de la era digital en México. La tarea era difícil, pero no imposible. Afortunadamente, la meta estuvo clara desde el principio: generar un espacio de convivencia directa entre los realizadores del arte electrónico y el público general. Esto con el fin de incentivar el desarrollo y la profesionalización del área.   

CutOut Fest ha mantenido su misión hasta la fecha. Año con año, el festival ha logrado ampliar su oferta de actividades e incrementar su audiencia. Para esta décima edición se estableció el Decálogo sobre las #NuevasFormasDeVer:

1.- Observa hasta deshacerte.
2.- Piensa en lo que nunca piensas.
3.- Ejecuta por instinto.
4.- Ilustra con templanza.
5.- Edita como vampiro hambriento.
6.- Aprópiate del espíritu de las vanguardias.
7.- Lee cine.
8.- Habla con tus amigos.
9.- Diviértete.
10.- Construye templos de inspiración.

 

Día 01

El jueves 1 de noviembre comenzaron las proyecciones de la selección oficial en las categorías de Universitaria, Experimental, Videoclip, y Narrativa. Por la tarde, en la Galería Libertad, fueron inauguradas tres exposiciones: Filo de la Carne, del mexicano Edgar Bacalao; La Joie, gráficos con realidad aumentada de los franceses MNSTR & ART BY FRIENDS; y Les Francs Colleurs del colectivo francés 9ème CONCEPT.

Por la noche, en la Cineteca Rosalío Solano, el director del festival dio por inaugurada formalmente la décima edición del CutOut Fest. Miguel Del Moral agradeció la participación de los colaboradores, patrocinadores, instituciones, medios aliados y talento por el esfuerzo conjunto.  

Día 02

Las proyecciones en el gran Teatro de la Ciudad continuaron de manera fluida. Desde las 11:00 H. y hasta las 20:00 H. fueron exhibidos los trabajos audiovisuales que llegaron de distintas partes del mundo para la competencia. Las cuatro categorías mencionadas se alternaban por períodos de una hora.  

Viernes, en pleno Día de Muertos, comenzaron las charlas con los artistas en la Cineteca Rosalío Solano, un espacio que se encuentra a un lado de la sala principal del Teatro de la Ciudad. La logística de las conferencias es tradicional: el realizador habla sobre su trabajo a lo largo de una hora con el apoyo de algunas proyecciones audiovisuales. En terminando cada presentación, el conferencista se trasladaba a un pequeño stand instalado en el lobby para conversar de con el público interesado de manera más directa; esta dinámica fue nombrada como Hello my name is. Ahí mismo, la gente aprovechaba para tomarse algunas fotos para el recuerdo o pedir autógrafos.    

A las 12:00 H. el mexicano Freddy Chávez habló sobre su reciente incursión como co-escritor y director en un proyecto más personal que llevará por título Duérmete Niño. También compartió algunas de sus experiencias y anécdotas de su trabajo en cintas como Teenage Mutant Ninja Turtles, Sin City 2, Pacific Rim, Tron Legacy, The Dark Knight, Blade Runner 2049, entre otras.

Continuando con las charlas, el colectivo brasileño Bicicleta Sem Freio agradeció la posibilidad de regresar a Querétaro para una edición más del festival. Hace un par de años, sus dos miembros realizaron un mural colaborativo de gran tamaño con la artista francesa Fafi. Para este 2018, se les encomendó toda la imagen gráfica; cosa que lograron de gran manera. Figuras aglomeradas con contornos difusos y los colores contrastantes caracterizan su propuesta visual. Nótense que sus influencias van desde Alfons Mucha hasta James Jean.  

Para cerrar el día de conversaciones, el español Sergio Lara habló sobre la paciencia, dedicación y atención al detalle que requiere trabajar con las técnicas del stop motion. Entre sus colaboraciones más reconocidas se encuentran Anomalisa de Charlie Kaufman e Isle of Dogs de Wes Anderson.

De manera paralela, en el Museo de la Ciudad, los mexicanos Mr. Lemonade y Vago –acompañados del venezolano Chocotoy– ofrecieron una divertida sesión de dibujo con las personas que llegaron para dejar volar su imaginación sobre las hojas en blanco en su modalidades analógicas y digitales.

A las 18:30 H. comenzó la ya tradicional Batalla de GIFs. El Foro del Museo de la Ciudad se llenó totalmente para este encuentro marcado por la creatividad y la intensidad de los participantes. La competencia se desarrolló en dos categorías: Selección Oficial y Público General. Los concursantes debían tener su trabajo montado en alguna plataforma online; dos creadores presentan su propuesta y un jurado elige al mejor. El vencedor se enfrenta a un nuevo retador y así hasta al final. Daniel Hobbit se coronó como el nuevo Gif Master en la primera con su trabajo titulado Bola en la ingle; y Mario Alfonsín se alzó ganador, en la segunda.

 

Día 03

El sábado todo fluyó en la misma lógica del día anterior: proyecciones de la selección oficial; charlas con artistas y su respectiva convivencia. En lugar de la Batalla de GIFs, en el Foro del Museo de la Ciudad se realizó el Maussanwave, una reinterpretación a partir de loops, cutups, mahups y otros recursos multimedia sobre el programa Tercer Milenio. Este montaje multimedia reflexiona sobre la ansiedad que provoca el encuentro con vida extraterrestre; se desarrolla a partir de las ideas cyberpunk sobre el futuro.

Este día, nosotros decidimos concentrarnos en el seguimiento de las actividades de Noah Harris, un diseñador inglés que ha trabajado con Gorillaz. Asistimos a su conferencia, fuimos a la sesión en el Hello my name is y tuvimos la oportunidad de entrevistarlo.

Noah creció en el campo, rodeado de grandes paisajes verdes, vacas y granjeros. En los años 90, la cultura rave en Inglaterra le cambió la vida. Interesado por las dinámicas sociales asociadas a la música electrónica y la juventud, se fue interesando cada vez más en la cultura mediática.

Durante un tiempo siguió los pasos de su madre fotógrafa. Cuando tuvo que elegir una formación profesional, se decantó por el diseño gráfico porque un amigo suyo trabajaba de ello y quiso intentarlo. Descubrió que era algo que realmente le apasionaba y que tenía mucho talento. Cuando terminó la carrera se mudó a Londres en busca de un trabajo.

Su tránsito de diseñador gráfico a director. "Se dio de manera orgánica. Una de las entrevistas laborales que tuve fue con una compañía de publicidad para televisión. Ahí es cuando tuve que comenzar a pensar y desarrollar el movimiento para mis propuestas. Fue un gran paso; aplicar 10 segundos de animación a un logo, por ejemplo, es un reto; pero al final es parte de un proceso creativo más extendido", señaló.

A la par de encargos laborales, también le gusta desarrollar proyectos personales en los cuales puede poner en marcha su imaginación de una manera más libre. Harris confiesa que es un proceso diferenciado. Si se trata de una asignación, parte de la idea o el concepto que la empresa pretende comunicar; a partir de ello genera propuestas visuales que representen de manera clara el mensaje de la pauta. Cuando trabaja por su cuenta, puede comenzar con formas y figuras que van entretejiendo sus propias dinámicas narrativas. Se ha destacado en su campo por una atención al detalle en los valores de producción y por una chispa de sorpresa en cada trabajo.

Una de las grandes pasiones de Noah Harris es la música. Su género favorito es el house y durante 20 años, alternó su profesión con ser DJ. Las responsabilidades laborales y familiares lo han alejado de ello, pero confiesa que es de las cosas que más ama. La cultura rave aún influencia su trabajo. "Tenía 17 años en 1991 cuando todo comenzó, salí de casa para volverme independiente y descubrí este ambiente; en comparación con ello, lo demás me resultaba un tanto aburrido. Pienso que lo que hago ahora se relaciona de algún modo con ello ya que durante cinco años fue una parte muy importante de mi vida. Es una influencia aún; amo su sentido del hedonismo y amo la actitud de hacer lo que quieras", reconoció.

Un día cualquiera recibió un mail de Remi Kabaka, reconocido percusionista. Lo habían recomendado para hacer una colaboración con la banda virtual más famosa del mundo. En 2016, la empresa E.ON lanzó una serie de nuevos productos innovadores. Para millones de usuarios europeos de energía, seguía siendo solo otra empresa de servicios públicos sin rostro. Así que se asoció con Gorillaz para crear un video musical que mostrará un lado divertido y amigable de energía solar. Su tecnología pionera de almacenamiento solar impulsó todo en la pantalla, desde el gato gigante hasta los más de 1000 juguetes robóticos. "Fue una labor titánica de varios meses. Tuvimos que conseguir una gran variedad de juguetes orientales libres de patente, algunos tuvimos que ensamblarlos porque venían empaquetado en partes. Se requirió de mucha inventiva para hacer un montaje atractivo, filmamos por pequeñas secuencias y luego animamos. El resultado fue satisfactorio", apuntó Noah.

Dado el buen trabajo y las múltiples nominaciones a premios de animación, se le encomendó la tarea de realizar la animación para "Garage Palace", un track que se desprende de la edición deluxe de Humanz.

Luego de bocetear algunos trazos decidió que la idea guía de la animación estaría relacionada con los videojuegos clásicos para maquinitas de monedas. "Tuve que vectorizar a Little Simz como un personaje animado. A partir de ahí lo demás fue surgiendo de manera orgánica. Lo siguiente fue acoplar a los personajes de Gorillaz a la estética que estaba buscando; se notan algunas partes que fueron semi pixeleadas de manera deliberada", comentó.

En el video, la rapera inglesa se embarca en una aventura junto a 2-D, Murdoc Niccals, Russel Hobbs y Noodle en una aventura por tierra y cielo. En el camino combaten contra zombies, ninjas, aviones caza y cohetes; el enfrentamiento final es contra una especie de Buda gigante. La propuesta visual "está influenciada por los juegos de rol de los años 90, juegos que yo mismo disfruté, apuntó Noah Harris.

La noche del mismo sábado en la Cineteca Rosalío Solano, se realizó la ceremonia de clausura del CutOut Fest 2018. Varios jurados conformados por tres integrantes del talento invitado calificaron los trabajos que llegaron a competencia en las categorías de Universitaria, Experimental, Videoclip, y Narrativa. Adicionalmente, el SAE Institute otorgó una beca para una realizadora mexicana. De nueva cuenta, e director del festival Miguel Del Moral agradeció la participación de los colaboradores, patrocinadores, instituciones, medios aliados y talento por el esfuerzo conjunto.

¡Hasta el año entrante, CutOut Fest! 

Doom of the Dead en el Foro Indie Rocks!

Posted on noviembre 3, 2018 by -

Fotos Jaime Fernandez

Ayer el diablo caminó entre nosotros y hubo paz.

¿Quieres vivir deliciosamente?

Desde Sinaloa, Chivo Negro, disfrazados como sacerdotes místicos reparte sonidos disonantes y profundos que más que llevarte a la inminente conmoción mental —a la locura— te envuelven en un manto negro y te invitan a vivir deliciosamente, para liberar tu lado oscuro, provocando calma en vez de angustia.

Las sensaciones que Chivo Negro deja escapar desde sus ominosas guitarras son inefables y pueden llevarte a ese punto sin retorno… en el que puedes extraviarte en tu propia conciencia o ir directo al stand de merchandise para comprarte una playera.

La noche inició poderosamente bien, desde los primeros acordes hasta los últimos feedbacks, todo fue nada más que pura satisfacción.

¡Ph'nglui mglw'nafh Cthulhu R'lyeh wgah'nagl fhtagn!

Con sonoridades monstruosas provenientes de antiguos horrores primigenios, el dúo capitalino Terror Cósmico se sube al escenario para liberar la hórrida potencia de sus instrumentos y recordarnos esas insoportables emociones de principio de los tiempos cuando reinaba nada más que oscuridad en el universo.

Sus acordes lentos e hipnóticos que a la vez desesperan por incrementar su ritmo, convierten su presentación en un ritual de invocación perfecto. Cuando por fin logran elevar la velocidad, los que estamos abajo comenzamos a sacudir los cráneos y nos volvemos parte del culto a los viejos dioses.

Aquí, los decibeles aumentan considerablemente en comparación a la primera presentación de la noche.

Terror Cósmico Doom of the Dead Jaime Fernandez

La escalofriante conclusión...

Hablando de decibeles, cuando Thou se apodera del escenario, el alto voltaje de sus acordes empieza a taladrar nuestros sesos y a escarbar en nuestros oídos para contribuir con nuestra sordera por exceso de conciertos. No hay que olvidar que son provenientes de Luisiana, aunque se hayan presentado en un español muy chileno.

Entre oscuridad tocaron “Restless River” y “By Endurance We Conquer”, pero al tratar de rasgar los acordes de una tercera canción tuvieron que gritar que encendieran las luces; porque, aunque su música se escucha aún mejor cuando no ves nada, ellos lucharon demasiado por interpretar sus elaboradas composiciones rítmicas con poca visibilidad.

El concierto de Thou fue rápido y contundente, muy poca plática y mucho sludge. Aunque con muchos silencios entre canciones y desesperación por parte del público, se lograron escuchar con alta nitidez los riffs en guitarras, los motivos del bajo, la potente rítmica en batería y la estridencia de la voz.

A fuera, hubo quienes iban por otra experiencia y no terminaron de conectar con la agresión de Thou, esperando a fuera a que se acabara su cerveza en mano e irse a la siguiente fiesta. El concierto termina poco antes de las 00 H.

Bob Moses en Auditorio BlackBerry

Posted on noviembre 3, 2018 by -

Fotos Jesús Contreras

Bob Moses regresa a la línea de batalla.

24 hours Zombie People, una fiesta de disfraces que tuvo como sede el Auditorio BlackBerry se engalanó con la presencia de Bob Moses, que con motivo al estreno de su segundo álbum, Battle Lines, nos traerían a la CDMX sus nuevos temas montados en su show en vivo.

Previo a que la banda principal se hiciera presente, Wolffer comenzaba a calentar la pista de baile, con un set que conectó rápidamente con los primeros asistentes en tomar su lugar. La pista del Auditorio se veía bastante vacía en ese momento, pues las inclemencias del clima retrasaron a muchísimos de los que ya venían en camino, pero eso no impedía que la fiesta siguiera su curso, ahora con Rocco Desentis en las tornamesas, con un set electrónico industrial que fue bastante bien recibido.

Luego de estos dos breves teloneros, la mayoría del público comenzó a llegar, así que, pese a pensar que la asistencia del público sería algo reducida, de un momento a otro la pista y la barra del auditorio se encontraba bastante concurrida.

La emoción por ver de nuevo a Bob Moses se sentía en el ambiente, pues ante cualquier pausa entre la música que ambientaba la espera, los gritos auguraban su próxima aparición, situación que se repitió varias veces hasta que finalmente, la banda apareció frente a nosotros.

El set comenzó con “Heaven Only Knows”, tema bien ubicado por los fanáticos que inmediatamente comenzaron a cantar. “Battle Lines”, tema homónimo a su nuevo álbum generó una atmósfera densa, que al mezclarse con la penumbra del venue nos puso en un trance suave.

La adrenalina sube cuando suenan los primeros acordes de “Too Much is Never Enough”, donde volvimos a entregarnos a Terpsícore, aquella musa de la danza de la mitología griega que agradecida continuó con nuestro goce al mandarnos “Talk”, uno de los temas que causaron mayor euforia.

El ambiente era de lo mejor, la gente tenía espacio suficiente para bailar libremente, brincar y disfrutar de “Back Down”, “Nothing But You” y bajar un poco las revoluciones con “Enough To Believe” y “Eye for an Eye”, dándole al público capitalino la oportunidad de disfrutar de estos estrenos sus presentaciones en la Ciudad de México.

La conexión que tuvo Bob Moses con nosotros fue increíble, pues la interacción fue constante, entre aplausos a ritmo de “Selling My Sympathy”, las pausas y acentos en “Like It Or Not” y los cantos en “Listen to Me”.

Esta noche cerró de forma agradable, pues su éxito “All I Want” enloqueció a todos en la pista, dejándonos en ascuas tras la pausa que la banda tomó, para que finalmente regresaran al escenario a ofrecernos dos temas más: “Grace” y “Tearing Me Up”, estos temas que fueron los primeros que flecharon nuestro gusto por este proyecto musical.

¡Gran concierto! Una de las cosas más destacables fue el audio, un ambiente grato y una banda entregada en todo momento con su audiencia.

Helloween en la Arena Ciudad de México

Posted on noviembre 3, 2018 by -

Fotos Germán García

El epílogo de la celebración del día de muertos a manos de tres grandes del metal.

La Arena Ciudad de México fue sede de un autentico combo triple, Pumpkins United World Tour a cargo de Helloween ahora contó con la participación en el escenario de otros dos grandes, Arch Enemy y Kreator.

El concierto no pudo haber sido en mejor fecha. El dos de noviembre fue la atmósfera perfecta para este show encabezado por Helloween, banda alemana que es pionera en géneros como el power y el speed metal desde el año 1983.

Al rededor de las 20:00 H, Kreator fue la encargada de dar la bienvenida a la noche. Los asistentes que íbamos entrando al recinto, pudimos escuchar, desde los accesos, una contundente demostración de trash metal alemán, puro y duro.

El slam no tardó en hacerse presente, el cual, traído por canciones como "Enemy of God" y "Phobia" se podía ver en varios círculos de la cancha; los puños se alzaban en el aire y el lugar se llenaba de los coros pertenecientes a la canción "Satan Is Real". Ni la banda ni el público bajó el ritmo durante esta presentación, largas cabelleras se veían agitarse desde la cancha hasta los palcos medio vacíos.Una obertura dinámica y enérgica que tuvo una duración aproximada de una hora con diez minutos.

La banda Arch Enemy fue la siguiente en salir en escena. El público parecía eufórico e hipnotizado por el juego de guitarras de "World is Yours"; y claro, por la belleza y presencia en el escenario de Alissa White-Gluz. Desde distintas partes del lugar se escuchaba el grito de "¡Te amo Alissa!", mientras la vocalista hacía gala de su voz, uno de los guturales más atractivos y brutales en el terreno del metal. "La neta no me gusta mucho el ladrido... pero se oyen con madre", dijo mi amigo George Loaeza.

Un sonido impecable en la voz, la guitarra y la batería. El slam se hizo presente hasta "The Race" y el público mostraba su euforia al ritmo de canciones como "We Will Rise", "Nemesis" y "Eagle Flies Alone".

Es así como el momento que muchos esperaban, llegó. La aparición de Helloween en el escenario fue anticipada por una cortina con el logo de la banda, la cual cubría todo el escenario. Repentinamente, las luces bajaron y un sonido de teclado interrumpió el intermedio musical, "Halloween" fue la encargada de comenzar el show. Mientras la cortina caía al ritmo de la batería, la gente brincaba y gritaba mostrando quienes fueron los protagonistas de la noche.

Ciertamente el tracklist fue el mismo del año pasado, lo cual no demerita la gran presencia en el escenario de Andi Deris y Michael Kiske. Ambos, vocalistas de la banda, interactuaban bastante con el público y platicaban acerca del Día de Muertos, los asistentes se emocionaban cuando Deris hablaba en español: "¡Feliz día de los muertos!...¿Cuántos días?...¿Cuatro días de fiesta tomando en la celebración de los muertos?".

Los grandes éxitos de la banda se hicieron presentes "Are You Metal?", "Eagle Fly Free", "Keeper of The Seven Keys" y "Future World".

El grand finale de la noche llegó musicalizado por "I Want Out", un nostálgico cierre en el que grandes globos con rostro de calabaza rebotaban en toda la cancha. Un show bastante especial que llegó para  cerrar con broche de oro la celebración del Día de Muertos.

Festival Neutral 2018

Posted on noviembre 2, 2018 by -

Fotos Ignacio Hipólito

Con muchos nuevos talentos que descubrir y redescubrir.

El Festival Neutral llegó a México una vez más (después de su ausencia en 2017) con sede en el Foro Indie Rocks! con un cuadro interesante conjugando nombres y talentos nuevos, así como otros ya más consolidados en la hermandad de México y Chile, firmados —la mayoría— por el sello Quemasucabeza Records y, especialmente porque de aquel país sudamericano han estado llegando en los últimos años excelentes nombres como prueba de una escena que está pasando un gran momento.

El cartel aunque modesto, parecía adecuado para un foro ciertamente pequeño pero quizá no apto para colgarle la etiqueta de "Festival", pues no es como aquella versión del 2015 de tres noches o no han incluido un headliner que sencillamente sea capaz de vender todas las entradas y resultar entonces en un lleno garantizado y en atraer gente para los actos menos conocidos; pero vaya, que sin duda la propuesta no es mala para los que están muy al pendiente de los nombres emergentes, para los que sin duda, seudónimos como Armisticio o Fármacos, ya les son familiares en estatus de "promesas" más que cumplidas. Niños Del Cerro son quizá (porque para quien escribe esto lo es) el disco revelación en español del año y quizá el mejor. Pedropiedra un nombre más que consolidado y con cientos de fans mexicanos. Lanza Internacional por su parte, ser secuela espiritual de Los Bunkers con los hermanos Durán al mando no es poca cosa y, Spiral Vortex aunque llevan ya un tiempo sin nuevas cosas, quedaría como ese toque psicodélico al final para los que ya han mezclado el suficiente alcohol y desvelo a altas horas de la noche.

Como lo he dicho, no era un mal cartel, no eran malas bandas, todas traían muchas cosas con qué sorprender, pero muchas cosas jugaron en contra para que esta vez ni el público lo pudiera salvar y dejarlo con una experiencia que a futuro, sí o sí, tendrá que repetirse. Será que faltó difusión general, será que entonces los nombres aún no son tan conocidos en México para causar un grado mayor de revuelo, será que un creciente Alex Anwandter en SALA quizá se llevó más atención de fans que pudieron venir acá... no sabemos, pero el hecho es que muchos pases dobles se comenzaron a regalar desde 72 horas antes por varios lados, e incluso así, el foro, nunca tuvo una asistencia medianamente aceptable (para un festival).

Desde el comienzo los retrasos y problemas afectaron a Armisticio que le puso color a la noche con esa combinación de synths y pop electrónico, minutos muy amenos con una propuesta que aunque desconocida por muchos, fue a los mismos que convenció. Más, después de haber logrado un disco tan homogéneo y cuidado como Superficial 3 del cual se presentaron aquí algunos temas.

Con Fármacos las cosas subieron el nivel, pues, Diego Ridolfi y los suyos ya han cosechado varios fans en tierras aztecas, y entre los presentes en el Foro Indie Rocks! había algunos fans que soltaban gritos de emoción entre canción y canción y además, eran parte de la interacción. Aún para algunos incautos, el proyecto chileno resultó cautivador por la familiaridad que tienen con sonidos de bandas locales que, por si fuera poco, también fue posible constatar que las nuevas canciones de Ridolfi como "Cuando quieras" tendrán un gran potencial de ser reconocidas en México.

Tiempo para que Niños Del Cerro tomaran el escenario y para que sus seguidores —porque los había— se hicieran notar mediante la explosividad que alcanzan algunos de sus temas, el quinteto de Chile que este año estrenó Lance prosiguiendo a Nonato Coo vino a afirmar que son una de las propuestas más fuertes que existen actualmente en todo Latinoamérica y a reafirmarlo con su poderío y ejecución sobre el escenario. Con "Sufre" develando la cadencia y epicidad que pueden contrastar de un segundo a otro. "Contigo" y "Flores, labios, dedos" de lo mejor de toda la noche, momentos enérgicos, donde Simón Campusano no perdía oportunidad para saltar, bailar y por detrás, José Mazurett parecía tener más de dos brazos golpeando con rapidez y destreza su batería. "Lance", y sus casi 10 minutos de ejecución fueron impresionantes y para cerrar, rescatando el tema homónimo de su primer álbum complementaron una actuación donde la intensidad, baile y buena vibra fueron el común denominador.

Vaya Futuro fue llevando la noche hacia sus puntos más altos, aunque hay que decir que había muchos indiferentes, había otros totalmente expectantes a su presentación. Mención especial para el fan que se llevó un saludo por llevar una playera estampada con el single de "Sueco en África" (canción que no tocaron). Desafortunadamente fue la actuación más accidentada por problemas técnicos con los instrumentos, donde prácticamente sobre la marcha, los integrantes tenían que dar indicaciones a los ingenieros de sonido para solicitar o arreglar cosas de audio. Sin embargo, resultó extraordinario omitir del set sus más nuevos singles que poco tienen que ver con el sonido que llevó a Vaya Futuro a la fama. Hubo cortes de su Tips para ir de viaje pero estos fueron desde "Las muertas", "+ y +", "Autostop a Tlaxcala" hasta "Abismo", pero sin duda y a pesar de todos los problemas, el largo trance de "El Hombre sin cabeza y la danza de los resignados" con sus más de 10 minutos, con sus sacudidas, misterio e introspección, fue único, como para enmarcarlo y volverlo a vivir.

El de la noche fue Pedropiedra, por momentos parecía ser un concierto en solitario por los fervientes aplausos y gritos que recibía, porque la mayoría cantaba sus canciones y actuaba con ademanes la letra, saltaban y brincaban. Se trató del momento climax, Pedro salió detrás de su teclado pero con un rollo muy particular para ser frontman; de gafas y bailando de manera escueta cada que la canción o el espacio se lo permitía, pero siempre dirigiendo bien a sus seguidores. "Vacaciones en el más allá", "Pasajero" encendieron el ánimo y las gargantas de todos. "Todos los días", "Lluvia sobre el mar" y "La Balada de J. González" dejaron claro que las canciones de su más reciente Ocho ya son clásicos de su autoría.

A partir de acá las cosas cambian porque literalmente Pedropiedra se robó y se llevó el show. Cuando éste salió del escenario más del 90% de la gente salió de la sala para ir a tomar y seguir con el festival por fuera, de modo que cuando salió Lanza Internacional pocos eran los presentes, con muchos huecos donde se supone debía haber gente. Aunque pocos se dieron cita de vuelta, la banda mostró altura y profesionalismo al salir y emprender un show sin importar el número que poco a poco fue creciendo y que, pudieron presenciar la invitación de la banda para hacer dueto con Pedropiedra. Y era de esperarse, pues si algo tienen los hermanos Durán el curriculum, es: experiencia y siempre le dieron la entrega necesaria a cada canción que tocaron, todas de su álbum homónimo lanzado el año pasado.

Por último Spiral Vortex salió a concluir la noche sin importar el medio o el alrededor, y no era par amenos, pues son capaces de crear su propia atmósfera a pesar de las condiciones, vaya que hasta el eco del vacío en las inmediaciones eran hasta favorables para la resonancia, donde prácticamente la magia de temas como "Primavera" o "There's A Light" era abrasiva y alucinante. ¿No debieron venir a HIPNOSIS?

Es una pena que no se pueda decir con firmeza que el Festival Neutral 2018 en México fue un éxito, no por las bandas, el lugar, o la propuesta, si no porque esta vez la atracción de espectadores se ha quedado corta y habrá que replantearse ¿qué falló? porque todos los actores desde Armisticio hasta Spiral Vortex son nombres que sin duda merecían la respuesta calurosa con un Foro Indie Rocks! mucho más colmado pero que esta vez en el aspecto de "ambiente" flaqueó bastante. Esperemos que las cosas sean mejor para el siguiente año porque se trata de un festival muy particular que borra esa frase que le escuchado a alguno de decir que "No hay talento en Latinoamérica" ¿No? porque no has ido a Festival Neutral.

Alex Anwandter en SALA

Posted on noviembre 2, 2018 by -

Fotos Edwin Lopez

Una noche que, como las canciones de Alex Anwandter, va a ser difícil de olvidar.

Lo primero que uno nota al ver a Alex Anwandter salir al escenario es que es un artista comprometido con su obra. Su manera de acercarse al micrófono es distinta a la de muchos ahí afuera, menos mecánica y mucho más pasional que lo que se ve en cualquier otro concierto de música pop hoy en día. Y una vez que lo toma entre las manos, el espectáculo siguiente es todo menos artificial. Ahí no hay grandes juegos de luces, grupos de bailarines con rebuscadas coreografías o siquiera (porque aquella noche en SALA el audio tenía muchas fallas) un potentísimo equipo de sonido. Es un concierto que brilla por su autenticidad.

Después de seis años de haber visitado la Ciudad de México por última vez, Alex Anwandter regresó a presentar Latinoamericana, su reciente disco que vio la luz hace apenas unos meses. Si en él Alex se escucha como nunca antes, el espectáculo que lo acompaña es similar. Su concierto en SALA no fue solamente una firme exhibición del poder de las nuevas canciones sobre el escenario, sino un recordatorio de por qué su autor es una de las personalidades más valiosas que hay en la música latina actual.

Hace falta recordar algunas cosas para reafirmarlo. Sobre el escenario Alex no es solamente un talentoso músico, sino también un delicado comediante y un performancer disciplinado. Verlo reinterpretar a Christina Rosenvinge con nada más que una guitarra o utilizar el mismo instrumento para deconstruir su clásico “Shanana” y convertirlo en una oda a la desnudez no es poca cosa. Mirarlo reencontrarse con el piano para recordar su “Manifiesto” o bailar como si el mundo se fuera a acabar con “Casa Latina” no es parte de un show. Es la demostración de una pasión.

Alex Anwandter quiere a cada una de sus canciones y aprecia cada uno de sus discos tanto como lo hacen todas las personas que se reunieron a ver su presentación. De clásicos infalibles de Teleradio Donoso como “Bailar y llorar” o la espectacular “Amar en el campo” (con la que cerró el concierto) a vestigios de Odisea y un completo repaso por su carrera en solista, el setlist de la noche no dejó nada fuera y brindó un fiel vistazo a toda una vida dedicada a la música.

Según el reloj, una hora y media bastó para que todo lo anterior se llevara a cabo. Aquella noche en SALA fue la presentación oficial de Latinoamericana sobre los escenarios. “Algo nuevo para ustedes y para nosotros”, como él mismo lo dijo. Pocas veces uno tiene la oportunidad de ver algo por primera vez en estos tiempos. Después de todo lo que pasó, que el audio no haya sido el adecuado es un necio reproche para una noche que, como las canciones de Alex Anwandter, va a ser difícil de olvidar.

Garbage en la Arena Ciudad de México

Posted on noviembre 2, 2018 by -

Celebración y nostalgia en Día de Muertos con Garbage.

Se nota cuando una banda tiene una conexión especial con el público de un país, cuando este es leal, vuelve cada vez y no se cansa de corear canción tras canción. Y es que Garbage ha venido casi cada año a México desde que se reunieron con el Not Your Kind Of People en 2012, ya sea a dar conciertos en solitario o a festivales y saben que sus fieles seguidores siempre estarán ahí.

Con motivo del vigésimo aniversario de su exitoso Version 2.0 y apenas un año después de que se presentaron junto con Blondie en el Palacio de los Deportes, Shirley Manson, Duke Erikson y Steve Marker (Butch Vig se ausentó por una emergencia familiar y fue reemplazado por Eric Gardner en la batería) regresaron a nuestro país en el marco del Día de Muertos. Se presentaron primero en Puebla y luego en Querétaro antes de volver a la capital y dieron un show diferente al que acostumbran, esta vez se trató de un concierto para fans más empedernidos.

Los encargados de calentar el escenario fueron los originarios de Cuernavaca, Valsian. A pesar de ser un dúo, seis músicos tocaron un dream pop suave ante una Arena muy vacía y agradecieron a Garbage por el apoyo y la difusión que les brindaron. Afortunadamente para cuándo salió la banda principal de la noche, el aforo incrementó significativamente y dieron arranque con "Afterglow", lado B de su segundo álbum, en un escenario simple con luces de colores.

La velada fue un amoroso tributo al disco que propulsó su popularidad en ese lejano 1997 con sencillos como "I Think I'm Paranoid", "Push It" y "Special", pero también sonaron deep cuts que hace tiempo que no figuran en sus setlists como "Hammering In My Head", "Medication", "Temptation Waits", "Wicked Ways" o "Dumb". Por si fuera poco, también desempolvaron los lados B y rarezas del disco, cortes que nunca jamás de los jamases volveremos a escuchar en vivo como "Soldier Through This", "Lick The Pavement", "Get Busy With the Fizzy" y el cover al tema "Thirteen" de Big Star.

Entre temas, Manson siempre sonriente y enérgica agradeció a sus fans de antaño y nuevos por el inmenso apoyo a través de los años, se declaró fan de nuestra celebración de Día de Muertos, despotricó contra Trump, elogió a la banda telonera y relató su experiencia con el Version 2.0 hace 20 años.

Una vez que terminamos este viaje de nostalgia por ese segundo disco con las emotivas “You Look So Fine” y “The Trick Is To Keep Breathing”, pasaron por el inescapable sencillo que los dio a conocer al mundo con su primer disco, “Only Happy When It Rains”. “Cherry Lips”, la cual dedicaron a la comunidad LGBT y a todos los “freaks and weirdos”, fue la canción que cerró con broche de oro este concierto.

El ambiente dejó que desear, la Arena con su área pista de asientos asignados que no deja mucho espacio para saltar y bailar no es el espacio ideal para un concierto de rock y la gente sigue teniendo una grave obsesión por documentar todo en sus teléfonos celulares.

El recinto en sí le queda un poco grande a la banda escocesa/estadounidense que apenas vendió poco más de la mitad de su capacidad, pero es un hecho que Garbage tiene una relación especial con el público mexicano, fans que han crecido con ellos a lo largo de más de dos décadas y que los hacen sentir siempre bienvenidos.

Su música suena fresca al día de hoy y siguen ganando adeptos jóvenes (incluyendo a los hijos de sus propios seguidores de antaño). La banda prometió regresar en 2020, año para el cual está contemplado el lanzamiento de su siguiente disco y es una apuesta segura que el público mexicano estará ahí con los brazos abiertos como siempre.

Natalia Clavier — Trans

Posted on noviembre 2, 2018 by -

Trans: un viaje apacible a través de canciones que nos permiten darnos un respiro y poner en perspectiva nuestra propia vida.

A solo unos meses de haber celebrado el 10º aniversario de su álbum debut, Néctar; con un relanzamiento a cargo de Nacional Records, la cantante argentina Natalia Clavier volvió al ataque con Trans, su tercer material como solista.

Nacida en Buenos Aires, desde pequeña siempre estuvo inmersa en el mundo de la música, pero fue hasta que se mudó a Barcelona y se involucró en el circuito del jazz local que llamó la atención de Eric Hilton de Thievery Corporation, quien, precisamente, se encargó de producir y editar Néctar.

Desde entonces y hasta ahora, Natalia ha sido una voz constante en las colaboraciones de la dupla, cantando en español, inglés y hasta portugués, misma temática que maneja en este nuevo disco compuesto por 10 canciones en las que, según sus palabras, buscó fusionar el pop electrónico con alternativa latina y música curativa.

El primer sencillo que escuchamos y que se encarga de abrir el álbum es “This Feeling”, el cual se siente mucho más orientado al pop electrónico, tal como sentenció al momento de lanzarlo, gracias al trabajo del dúo también argentino Polsick en la producción y las mezclas.

A partir de ese momento, las secuencias son la base de canciones que combinan español e inglés sin ningún pudor, lo cual hace aún más especial Trans y a la vez hace más difícil describirlo en simples palabras pues no hay una referencia clara, sino miles de fuentes de inspiración tras la genialidad de Natalia.

Desde su producción pasada, Lumen, quedó claro que no es una artista fácil de clasificar. Temas como “Hotel Lisboa”, cantado en portugués y español, es solo una muestra de su versatilidad y capacidad de tomar elementos muy específicos de géneros que a simple vista pueden parecer muy diferentes entre sí.

“Trans se refiere principalmente a la transición y la transformación; estas canciones retratan un periodo de mi vida de profundos cambios”, comentó Clavier al anunciar el lanzamiento y se encargó de dejarlo claro con canciones introspectivas como “¿Quién soy?”,  que gracias a su particular manera de cantar en inglés y español logra movernos algo más que el cerebro.

Después de “Sirenita”, que cuenta la búsqueda de Natalia por saber qué hay más allá de esta realidad, “Ahora sí” cierra el disco hablándonos de concluir ciclos y dejar atrás todo aquello que nos pesa para comenzar a vivir; viajar a la luna y quedarnos ahí.

Trans es un viaje apacible a través de canciones que nos permiten darnos un respiro y poner en perspectiva nuestra propia vida. Es el soundtrack perfecto para esos momentos de reflexión en medio del tráfico mientras miras la vida pasar por la ventana.

Top 12: Los mejores videos de octubre

Posted on noviembre 2, 2018 by -

Disfruta de este Top 12 con los mejores videos de Nine Inch Nails, Primal Scream, Le Butcherettes y más.

El mes de octubre culminó y hubo muchos estrenos: sencillos, discos y sobretodo videos. Es por eso que, después de una larga discusión editorial con el equipo de Indie Rocks!, te compartimos una selección especial en nuestro #TopIR con los mejores 12 videos del mes.

Aquí verás el video de “(One Less Thing) Before I Die” de las Death Valley Girls que se conforma por metrajes que tomó la directora Kansas Bowling en un desierto de Nevada;  “Chewing Gum” de Blood Orange en donde busca transmitir en sus canciones una sensación de esperanza; “strong/ENOUGH” de Le Butcherettes, grabado en las calles de Los Ángeles y muestra a la vocalista Teresa Suárez Coscío (Teri Gender Bender) caminando, retratando un día común después de dejar a su pareja, con un disfraz de corazón amorfo; “Big Jet Plane” de Primal Scream que es un metraje de su demo, el cual se inclina por el country soul. A diferencia de la original, esta sobresale por elementos como el saxofón y un coro estilo gospel; “Ahead Of Ourselves” de Nine Inch Nails grabado en primera persona, mientras la banda interpreta en vivo este sencillo, durante uno de los conciertos que han dado para el actual Cold Black and Infinite Tour; y muchos más.

Entrevista con Fermín IV

Posted on noviembre 2, 2018 by -

Tan cerca de Dios como del rap.

Hablar de Fermín IV es hablar de historia. Se trata de uno de los pioneros del hip hop en México. Sí, antes de que te prendieras con Lng/SHT o Tino El Pingüino, existía Fermín y su grupo Control Machete.

Su presencia es impactante. Un tipo alto, serio y con cara de pocos amigos. Sin embargo una vez que empieza hablar te das cuenta que antes que rapero, antes que buen escritor, antes de pastor, se trata de un ser humilde, centrado y bueno, con un corazón gigante dispuesto a enseñar al mundo su visión de la vida.

La razón por la que me encuentro sentado en una azotea con él es porque después de más de una década se encuentra de regreso en la música y no hay forma de iniciar la plática más que con un ¿cómo te sientes de regresar?

“Por un lado nervioso porque dependo de mí mismo y emocionado porque cuando compartes escenario con alguien más te limitas. Me tengo que ganar el lugar, el hecho de hayan sido tantos años hacen que me sienta un poco como novato”.

Pues sí, es normal ese sentimiento, a pesar de que no es la primera incursión solista del rapero, su primer disco ya tiene más de una década y Fermín tiene que acostumbrarse a caminar de nuevo por esta industria. De hecho cuando se le pregunta por qué se tardó tanto en regresar a los escenarios te voltea la pregunta.

“Más bien la pregunta es por qué volví a la música. Siempre me ha gustado la música y no había tenido la oportunidad de volverla a hacer, primero porque puse como prioridad la iglesia, y era algo que tenía que hacer y ha sido algo muy fructífero. El problema era que no sabía manejar la industria, no sabía ni a donde subir mi música y fue hasta que Sony llegó que lo pude hacer”.

Y bueno, hasta este punto todo iba bien, sin embargo Fermín tuvo que enfrentar su estatus de leyenda, algo que no fue fácil de hacer. “Lo malo que topé fue que cuando empecé a contactar beatmakers, después de que se les pasaba el shock de que les estaba escribiendo me mandaban bases muy parecidas a las que hacía en Control, parecía que me querían complacer cuando en realidad yo los había contactado por que me gustaba lo que estaban haciendo. Entonces les tuve que explicar que lo que quería era que me retaran, que me sacaran de mi zona de confort. Por ejemplo hice un huapango y me tardé un par de semanas en encontrar el flow adecuado”.

Sin embargo existía un reto más para cumplir. El hecho de enfrentar una escena que no necesariamente es compatible con su creencias y valores. ¿Cómo le puede hacer para llegar a una generación que llegó al rap a través de una temática llena de sexo, drogas y violencia?

“No quiero ser el papá regañón. Pero quisiera poder escuchar un rap nacional que pueda escuchar con mis hijas. Por ejemplo, lo que haría sería retar a un rapero actual a escribir sin groserías, ya que les aseguro que hay un sector que no siempre quiere escuchar cuantas lineas te metes o con cuantas mujeres te acuestas. Por ejemplo con ellas me siento cómodo escuchando a Nach o SFDK e incluso algunos temas de Mike Díaz”.

“Yo creo que mis años como pastor me van a ayudar. Por ejemplo yo vivo mi cristianismo muy real y entiendo que la gente piense que la religión solo quiere dinero. Creo en el cristianismo razonado. Por ejemplo en mi caso no decidí convertirme por un problema de drogas, fue la muerte de mi abuelo la que me hizo preguntarme: ‘¿a dónde fue?’ y después me pregunté: ‘¿A dónde voy yo?’ y eso fue lo que me hizo acercarme, ya que en general tenía todo lo que quería, fama y dinero”.

Sobre Control Machete y su legado, Fermín piensa que aquel clásico Mucho Barato, ya no lo representa. "Personalmente no me siento identificado con el primer disco. El segundo fue más consciente, más maduro. El problema fue que pensé que nadie lo iba a comprar. Si me hubieran dicho que lo que iba a pasar le hubiera puesto más empeño. El segundo disco, por ejemplo, no dice groserías y eso que aún no era cristiano”.

La charla concluye con una declaración certera acerca de un reencuentro con Control. “La música que hacemos es muy distinta y yo apenas estoy empezando, Pato ya tiene cuatro discos, déjenme empezar de nuevo antes de pensar en un reencuentro”.

Por lo pronto Fermín IV se presentó el 28 de octubre en el Lunario, donde adelantó, sonaron un par de canciones de Control Machete.