Entrevista con Peter Bjorn and John

Bailando en la oscuridad.

Se ha dicho comúnmente por viajeros, residentes y eruditos culturales que Suecia es una tierra mágica, de matices y colores más cambiantes que las propias estaciones. Después de todo, es el país que nos dio a Alfred Nobel, Ingmar Bergman y ABBA. Como buen sueco, Peter Morén siente la corriente oscura debajo de la dulzura que a veces se percibe en sus alrededores y la intenta campechanear con sonidos e instrumentos jubilosos. Su octavo disco de estudio, Darker Days, es un reflejo de lo tierno, lo sombrío y todo lo que hay de por medio plasmado con canciones de indie pop alegre y arriesgado. ¿Qué representa esto en este punto de su carrera? Morén nos comparte su perspectiva.

“Acabamos de realizar algunos shows por todo Estocolmo y se está percibiendo una atmósfera incierta”, relató Morén, en entrevista telefónica desde su tierra natal. “Esto también lo notamos cuando terminamos Breakin’ Point, nuestro disco anterior. Así como en los inviernos suecos, en donde luego no sale el sol, la gente anda aún más apagada –quizás por el contexto sociopolítico en el que vivimos–. Quisimos plasmar eso esta vez, no solo con temas profundos que se consumen día a día en las noticias, sino cosas como crisis de mediana edad y qué es lo que le vamos a dejar a nuestros hijos”.

Morén, al igual que Bjorn Yttling y John Eriksson, sus compañeros de banda, es padre de familia, y reconoce el impacto e influencia que ha tenido en su música y presentaciones en vivo, ya sea de forma consciente o inconsciente.

“Ahora hacemos tours menos largos y más llevaderos. En la gira de Breakin’ Point, por ejemplo, trajimos a todas nuestras familias de viaje. Eso incluso nos motiva a hacer música no solo por el factor de sustentar a alguien, sino que nos llena creativamente y hace que todo haga más sentido. Además, ese aspecto deja de alimentar tu ego y hace que cada canción o concierto sepas que lo estás haciendo por alguien más. Esa parte y la edad mediana, todo ha sido muy inspiracional [risas]”, comentó.

Peter Bjorn and John se formó en 1999, después de que Morén e Yttling se juntaran para emular música reminiscente al rock barroco de la década de los 60. Después de la ruptura de su banda anterior, conocieron a Eriksson en Estocolmo y formaron el trío que hasta hoy, casi 20 años después de su gestación, sigue intacto. Esa influencia retro ha permanecido durante todo su devenir musical, especialmente en ese himno indie llamado “Young Folks”, por la cual Morén reconoce serán recordados primordialmente. Pero eso no los detiene al seguir buscando una alquimia musical que viene desde otros lados.

“Para nuestro sonido siempre hemos pensado en la música de otros, como algún grupo de afrobeat o garage rock. En Darker Days, intentamos no escuchar demasiada música ajena y quisimos hacernos referencia propia. Creamos lo que se sintió natural y hasta regresamos un poco en el tiempo a nuestras viejas canciones. Al final, todo salió muy diverso, tanto en temática como en composición. Hay canciones que se van desde la añoranza, como ‘One for the Team’, hasta la incertidumbre, como en ‘Gut Feeling’. Estos temas se pueden aplicar a cualquier cosa, llámese lo que esté pasando en el mundo como en las relaciones o el existencialismo. Solo nos fuimos con la corriente esta vez”, afirmó.

A pesar del lúgubre título, Morén afirma que aún hay luz al final del túnel, y después de estar casi 20 años juntos como banda, el optimismo puede parecer algo impensable para cualquier banda, pero no para Peter Bjorn and John.

“Nuestra dinámica cambia todo el tiempo. Ése es el problema con las relaciones largas y a veces luchamos con eso. Supongo que cuando haces música por mucho tiempo con alguien entras a una zona de confort y cuando entras al estudio e improvisas con alguien ajeno, te sientes revitalizado, pero a veces no puedes llevarte bien con una persona nueva en tu vida así como así. En nuestro caso hablamos entre nosotros un poco más y nos abrimos con nuestros problemas antes de que exploten. Y con tanto tiempo no nos hemos convertido en mejores amigos ni nada de eso. Somos hermanos. Y ese factor es tanto nuestra fortaleza como nuestra debilidad,” dijo con afecto.

'Different Class' de Pulp cumple 23 años

Different Class – Same Generation.

30 de octubre de 1995, la banda originaria de Sheffield, Pulp publicó uno de los discos más icónicos del britpop. Con Different Class, el quinteto estableció un duro estatement sobre la juventud y su confrontación con los problemas sociales, económicos y, principalmente, políticos que acontecían en el Reino Unido después de la era de Margaret Thatcher.

Comprender el contexto de la sociedad inglesa de los noventa no es sencillo, pues todo inicia con el descubrimiento de un mundo adverso donde el ser joven en automático te colocaba en una posición de desventaja, fueses o no fueses burgués, pues el punto para el nuevo gobierno conservador, lo importante era mantener el cada vez más débil control sobre las clases obreras y burguesas.

La música no quedó exenta del momento político y se convirtió en un brazo cultural del gobierno, pues ofrecía una salida fácil a la realidad por medio de la popularización de los raves y música dedicada al enaltecimiento del yo por encima de la sociedad y sus problemas. Los tories ingleses buscan crear una cultura juvenil que no denuncie su contexto social para obtener un control implícito sobre las nuevas generaciones.

El britpop surge como discurso musical simultáneo en diferentes regiones inglesas en donde se conectan regiones industriales, universitarias y burguesas que descubren ante sí la posibilidad de crear un sonido que represente el deseo por un cambio sustancial en el trato a la juventud. El foco de atención de la música se mueve de 1992 a1995 del yo, a la relación de ese yo con la sociedad. El verdadero trasfondo de este movimiento es la preocupación por la realidad que se observa en sus regiones y en el país.

Blur, Suede, Pulp y Oasis, cada uno desde sus contextos particulares pero inmersos dentro de la misma época, re-conceptualizan el ser joven en Inglaterra y lo confrontan con un gobierno que prefiere tener a una sociedad ensimismada que no observe la decadencia que se arrastraba desde la época de Thatcher.

Inglaterra, y en general el mundo anglosajón, tiene la particularidad de crear comunidades y ciudades que se dediquen a una sola actividad industrial, lo cual resultaba práctico en la post-guerra y hasta la mitad de los años 70. Posteriormente la crisis económica provoca que estas ciudades y sus núcleos sociales entraran en una recesión económica.

La política Thatcherista buscó desestabilizar a la clase obrera y clase media para centralizar el poder al destruir cada una de las instituciones que se regían desde la “sociedad civil”.

Different Class es el resultado de la lucha por la juventud. Se considera el disco del britpop porque representa desde diferentes ángulos sociales el descontento con la realidad que se le ofrecía a los jóvenes. Sheffield concentra dos polos sociales importantes, el universitario y el industrial; Jarvis Cocker creció durante la depresión inglesa que provocó el hundimiento de la industria de la ciudad y el surgimiento de una clase universitaria que no aspiraba a un futuro, pues se lo había arrebatado el conservadurismo.

Si bien Pulp inició como banda en los early 80, el éxito fue local y no llegó al ente cultural que es Londres. Existen momentos donde la banda intentó consolidar una identidad propia que rompía con el prototipo de las grandes bandas como Stone Roses, pero sin mucho éxito. Así, la banda se mantuvo en segunda línea hasta el lanzamiento de 1995.

¿Cómo unir a una juventud que a lo largo de Inglaterra pertenecían a realidades diferentes a pesar de tener un mismo contexto histórico? Esa fue la pregunta que Pulp responde en 52 minutos.

Se crea una narrativa donde el colocar a personajes sin rostros, provocaba que todos pudiesen sentirse identificados con esos momentos.

A diferencia del Parklife de Blur o el (What’s the Story) Morning Glory? de Oasis que responden a realidades parciales de la juventud inglesa; Pulp desarrolla un discurso que atañe a problemáticas generales pero que se adaptan a casos particulares de los jóvenes.

La creación musical no solo es cuestión de inspiración por crear una lógica en el sonido de la banda. Todo discurso musical es un discurso político. Pulp al querer romper con el gobierno y su visión de la juventud, desarrolló una propuesta que nos demuestra que cuando los jóvenes se unen pueden re-construir el modelo social para mejorar la realidad y el futuro. El britpop es muestra de que un entorno negativo puede consolidarse como una oportunidad para trascender y provocar un cambio social.

Un género musical o sub-género tiene un inicio y un fin, pues está relacionado con las condiciones de posibilidad de la época en la cual surge. Así como no se tienen dos momentos históricos iguales, no se tienen dos movimientos musicales iguales, pues la época sienta las bases para el desarrollo de una episteme que se relaciona con todas las creaciones humanas.

Hace 23 años el britpop se colocó en su clímax para demostrar que el poder político se puede desestabilizar con el arte. Con Different Class, Pulp consolidó la nueva visión de la juventud; una visión que los establece como factores de cambio, como ciudadanos que buscan ser combativos ante la injusticia social, política y económica. Logrando, así, sepultar el intento del conservadurismo por ensimismar a la población y mantenerla alejada del debate sobre las políticas públicas que los atañen.

La lucha de clases también ocurre dentro de lo musical. Retomemos a Pulp y digamos: “I Want to Live with Common People Like You...”.

Mira un nuevo video de A Perfect Circle

Para el tema titular de su más reciente disco, A Perfect Circle comparte un inquietante visual.

El proyecto de la mente de Billy Howerdel y el líder también de Tool, Maynard James Keenan, presenta su tercer visual en holograma, en esta ocasión se trata del tema “Eat the Elephant”, extracto de su nuevo disco con el mismo título, su regreso tras 14 años de silencio.

El material en cuestión estuvo a cargo de Steven Sebring y nos introduce a oscuras habitaciones con fantasmagóricas imágenes de una niña y unos individuos enmascarados que luchan por escapar de los tentáculos del pulpo que podemos ver en la portada del disco. Mira a continuación

Con el objetivo de brindar una narrativa innovadora a la música del álbum es que A Perfect Circle reclutó a Sebring, quien previamente trabajó en los videos holográficos de “TalkTalk” y “The Contrarian”. La agrupación continúa promocionando su nuevo disco por Estados Unidos.

Esta serie de visuales en 2D son parte de la promoción de una versión deluxe del nuevo disco de A Perfect Circle, la cual entre otras cosas contará con la novedad de incluir un holograma. “Es en gran medida una experiencia combinada de lo táctil y lo visual. Vengo de una época en la que las piezas físicas de música eran amadas… Algo así devuelve esa emoción visual a la gente”, declaró Maynard James Keenan, también integrante de Tool, para Billboard.

Kali Uchis estrena video para “Just a Stranger”

Foto: Luke Gilford

Disfruta de un exótico paseo en yate a través del nuevo video de Kali Uchis.

El pasado mes de abril tuvimos la oportunidad de escuchar Isolation, el ansiado álbum debut de Kali Uchis. Continuando con la promoción de dicho material, la compositora colombiana ha decidido compartir un nuevo y exótico videoclip.

El más reciente estreno corresponde a “Just a Stranger”, tercer corte dentro de la placa, el cual cuenta con la colaboración del músico norteamericano, Steve Lacy. Se trata de un clip de 3:05 minutos, repleto de billetes, bailarinas exóticas y una serie de efectos visuales que nos llevan de viaje a través de un crucero que parte en búsqueda de un tesoro perdido.

Observa a continuación el video correspondiente a “Just a Stranger”.

La realización del metraje estuvo a cargo de BRTHR, un dúo de creadores visuales conformado por Alex Lee y Kyle Wightman, cuyo sello distintivo consiste en un trabajo lleno de efectos y colores intensos.

Mientras tanto, Kali Uchis se mantiene inmersa con la gira promocional de Isolation, un material plagado de influencias tropicales y sonidos R &B, considerado como uno de los mejores lanzamientos de 2018. Revive su más reciente presentación en El Plaza Condesa, a través de nuestra reseña.

 

Amigos Records

Ilustración Chuy @Correoppola

Cuando la nostalgia desplazó al CD a nivel underground.

Los dispositivos para reproducir formatos físicos se han visto desplazados por las tecnologías modernas, al grado de que ya hasta te ven raro si pones un CD en la oficina. Las plataformas tomaron ventaja sobre estos formatos, por todas las facilidades que nos brindan, está de más recapitularlas, nomás chequen si en donde están leyendo esto, pueden reproducir un CD o cualquier otro formato físico.

Sin embargo, no es novedad, que los tapes entraron en tendencia a nivel independiente en un auge que comenzó a finales de 2016. Sellos como Stereochip Records, Cintas, Penélope Records, Light & Noise y Amigos Records, así como un chingo de bandas a nivel nacional, han optado por un objeto del deseo como lo puede ser este pequeño formato.

Tras darnos cuenta que los CDs se volvieron un objeto que ya ni para estante quedan, las bandas y algunas disqueras se empezaron a dar cuenta que maquilar 500 o más copias de un disco que terminarían siendo un fracaso en ventas y además ocupar cajas enormes abajo de la cama o en casa de tus papás, no era rentable.

Fue ahí cuando empezó a entrar el vinilo, que promete una mejor calidad de sonido, un revival de acetatos grandes de muchos diseños y colores, así como un objeto de colección. Sin embargo, para muchas bandas ese formato no es tan accesible, principalmente por los costos elevados y los tiempos de envío.

A pesar de que la calidad sonora de este formato no es la más premium, el hecho de que se esfuercen en crear un objeto más de colección con tapes de colores, cajas con diseños increíbles y diferentes goodies como stickers o pines, así como la opción de descargar ese mismo álbum en digital, hacen de este formato un artículo de merch que cada día se posiciona más entre los diggers coleccionistas, así como una opción más rentable para los talentos independientes.

Hoy nos enfocaremos en Amigos Records, quienes además de entregarnos cassettes de gran calidad de bastantes bandas nacionales, han cuidado su estética con ilustraciones bastante chingonas y objetos de verdadero deseo.

Amigos Records empezó, quizá hasta la fecha aún lo es, como el hobbie de Alex Nava, un joven inquieto de la ciudad de Chihuahua que gusta de Mac DeMarco, jugar clásicos de Game Cube y la pizza. Él junto a un amigo comenzó esta travesía por ahí del 2017, cuando el auge del cassette en el país de junto, ya era toda una tendencia en sellos como Captured Tracks, Burger Records, Lolipop Records, entre otros.

Con una filosofía de los compas pa’los compas y estando en una zona muy alejada de México, pero muy cerca de Estados Unidos, rescataron este formato que pronto empezaron a promover con sus amigos de la localidad. Artistas como Paul y Carlos, Zenith o Dietscha Jung fueron de los primeros en sacar sus cassettes con AR, pero pronto se dieron a conocer en ciudades como Monterrey y Tijuana donde sacaron lanzamientos de Depressiego Loveless, Paisajes, Sailawway y Vinyl Beach.

Pero Amigos Records no se ha conformado con solo sacar álbumes, en su trayectoria ha hecho compilados propios y ajenos, desde sus colaboraciones con Stupid Decisions a Stereochip Records y uno de su autoría para celebrar el Record Store Day 2018.

Tras estas colaboraciones, Amigos Records se ha convertido en un referente para la cultura de los tapes en México y son cada vez más los artistas independientes que se suman a sus filas, tal es el caso de Holbox, Palmarosa, Sentidos Apuestos, Jóvenes Adultos, entre otros.

Ya sea que seas un asiduo a descubrir lo más fresh del under mexa, o quisieras lanzar en tape tu próximo EP, no dudes en seguirles la pista o contactarlos.

The Specials anuncia nuevo disco luego de 20 años

La banda de ska The Specials ha dado a conocer que habrá un nuevo LP junto a su vocalista original.

Buenas noticias para los fieles seguidores de The Specials ya que la agrupación de origen británico ha anunciado su primer LP en 20 años. Pero eso no es todo, ya que también se ha dado a conocer que el vocalista original de la banda Terry Hall formará parte de este proyecto.

El LP estará bajo el nombre de Encore y será lanzado el próximo 1 de febrero de 2019. The Specials también incluirá a otros miembros originales como son Horace Panter (bajista) y Lynval Golding (guitarrista). La placa ya está disponible en pre-orden en CD (la cual será edición doble e incluirá The Best of The Specials Live) y vinilo.

Además de esto, se ha anunciado una gira en Reino Unido que iniciará el próximo año para promocionar dicho material. Esperemos que se anuncien más fechas y país que incluyan a México en su agenda.

Checa la portada y el tracklist a continuación:

Encore
1.-“Black Skinned Blue-Eyed Boys”
2.-“B.L.M.”
3.-“Vote For Me”
4.-“The Lunatics”
5.-“Breaking Point”
6.-“Blam Blam Fever”
7.-“10 Commandments”
8.-“Embarrassed By You”
9.-“The Life And Times (Of A Man Called Depression)”
10.-“We Sell Hope”

Blondie estrena EP

Blondie: Heart of Glass es el nombre del nuevo EP dela banda.

Blondie es una banda que se caracteriza por su versatilidad, ha experimentado con varios géneros a los largo de todos sus años de carrera, prueba de ello es la canción "Heart of Glass". Esta pasó por diversas modificaciones antes de llegar a ser la canción que conocemos ahora, es por eso que la banda neoyorquina ha decidido lanzar un EP narrando la historia del sencillo.

El EP se titula Blondie: Heart of Glass, y en el se habla acerca de la metamorfosis que sufrió esta iconica canción del grupo, pues se sometió desde cambios de nombre como “Once I Had A Love”“The Disco Song”, antes de llegar a ser "Heart of Glass", hasta cambios de ritmos, como la experimentanción con la balada y el reggae, pero ninguna convenció al grupo liderado por Debbie Harry

El EP está disponible desde el 26 de octubre, en formato vinilo de 12 pulgadas y en todas las plataformas digitales. Blondie: Heart of Glass está compuesto por seis canciones, de las cuales una es versión instrumental, una versión extendida, una mezcla hecha por DJ Shep Pettibone y más sorpresas.

Con el estreno de este nuevo material discográfico, Blondie sorprende con un box set BLONDIE: The Complete Studio Recordings 1975-1982, del cual aún no se han dado muchos detalles.

Escucha el nuevo EP de Blondie.

Exploded View — Obey

Obey: Una colección intima de extraños sueños y deliciosas experimentaciones.

En ocasiones omitimos que la música que escuchamos, así como todo lo que hacen las bandas, tiene la mayoría de las veces como principal objetivo la comercialización de lo que producen. Ósea, es un negocio y todo es un medio con el fin de generar dinero. Sin embargo, existen agrupaciones o artistas que verdaderamente ponen el fin económico en segundo plano, y simplemente están en “este camino”, para expresarse y comunicar de la forma más pura como seres humanos.

Tal es el caso de Anika, una periodista y poeta britano-alemana, que en la última década se ha enfocado a la música a través de diferentes identidades, entre las que se encuentra Exploded View, banda conformada por los mexicanos Hugo QuezadaMartin Thulin y Amon Melgarejo. Juntos, lanzaron un intricado álbum homónimo en 2016, y ahora nos deleitan con Obey (2018), material grabado en nuestro país.

Esta producción sobresale, ya que pese a ser una obra de autor y experimental, no raya en lo pretenciosa y se enfoca en verdaderamente componer música del corazón con una base aterrizada. Esta plataforma era el sonido previo de Anika, una exuberante mezcla de post-punk y rock avant garde. Así, este material nos ofrece un recorrido bastante ameno, pero al mismo tiempo que requiere un esfuerzo al oírlo para digerirlo correctamente. Da tanto como uno quiera proporcionar al escucharlo.

Esto lo notamos desde el inicio con “Lullaby”, un interludio misterioso y ambiguo que da paso a “Open Road”, una dulce balada con delicados samples que te ayuda a visualizar corrientes de agua, llenándote de nostalgia. A continuación, sigue “Dark Stains”, una acelerada pieza con vibras techno, oscura e hipnótica. “Gone Tomorrow” es una colección auditiva de ecos disonantes, que se mezclan perfectamente para envolvernos entre claro oscuros. “Obey”, es una epopeya ruidosa y abrumadora pero que de alguna forma nos lleva de la mano hasta el final.

Hasta el momento la producción ofrece suficiente variedad y merece un aplauso, ya cuida tanto forma y fondo en cada una de las canciones. Como se muestra en “Sleepers” que da un giro total para convertirse en una canción pop con puntiagudas armonías. “Letting Go of Childhood Dreams” es minimalista y cautivante. Ya para ir cerrando, tenemos “Raven Raven”, cuyo puente y estructura nos recuerda a la también clásica “Yang Yang” de Anika. El material finaliza fuerte con “Come On Honey” con una explosión en la batería y bajo, así como con “Rant” que regresa a esa intensidad techno para incentivarnos a agitar todo el cuerpo.

En definitiva, Exploded View nos brinda un complejo disco que vale la pena escucharlo varias veces para desentrañar todas las texturas y sonidos. Y lo que es mejor aún, es que se presentará próximamente en un espectáculo en vivo que nos agasajará por completo, el próximo 15 de noviembre en el Foro Indie Rocks!.

HP Envy presenta: Entrevista con Clubz

Descubre los Destellos secretos en esta entrevista con Clubz.

Destellos, el nuevo material discográfico de Clubz tardó cuatro años en concretarse por completo. Durante este tiempo la banda dio a conocer “El Rollo”, “Popscuro” y “Áfrika”, las primeras canciones de este álbum con las que experimentaron y se mantuvieron vigentes en los medios de comunicación, festivales, conciertos y con sus seguidores a nivel internacional.

“Este disco es muy especial porque nos tomó mucho tiempo su realización, fueron muchas experiencias en distintos estudios de grabación que de cierta manera cierran un ciclo con el lanzamiento. Es un peso muy fuerte que traíamos cargando y que ya liberamos, nos pone muy contentos poder crear nueva música, desempolvarnos. Ya estamos empezando a hacer y producir cosas nueva música y a montar un show en vivo diferente a como lo hemos hecho antes”, confesó Coco.

A partir de Texturas (2014) se sintieron libres de componer canciones más rápido, pero no por eso de menor calidad, fue en ese momento donde comenzaron a experimentar en la producción de sus canciones mediante programas de música como GarageBand y Ableton Live para imprimirles su esencia y que el resultado fuera justo lo que ellos tenían en mente.

“Esta nueva manera de componer nos dio la oportunidad de basarnos en nuestras influencias musicales de los años ochenta como Talking Heads, Michael Jackson o Madonna y bandas contemporáneas como Justice, Daft Punk o Usher. Queríamos una mezcla del pasado con el presente y comenzamos a grabar en Los Ángeles pero no quedamos satisfechos así que comenzamos a hacerlas nosotros mismos”, dijo Coco.

Tener la libertad de hacer un disco ellos mismos, a su tiempo, componer y producir sus canciones como ellos lo imaginan les dio una perspectiva diferente a la que estaban acostumbrados con Texturas o Épocas a partir de las cuales dejaron material para lo que ahora es Destellos.

“Me tocó tomar clases de producción con nuestras canciones que eran tarea, así fue como salió 'El Rollo', la primera canción que lanzamos en que la mezcla fue hecha por nosotros. Ese fue un reto, una meta que cumplimos y que nos movió para hacer “Áfrika” y “Popscuro” en las que sí tuvimos ayuda de Erick con el que mezclamos Texturas, todas las demás fueron mezclas de nosotros y estamos muy contentos de que sea un disco transparente en cuanto a lo que somos”, argumentó Coco.

Para Clubz la producción e ingeniería son la base para conservar el sonido que quieren transmitir mediante su arte por lo que dedicaron la mayor parte del tiempo de la realización del disco para aprender y llevar a cabo todas sus ideas creativas de ahora en adelante.

Destellos suena a música hecha por nosotros. Aquí no hay de que alguien más le metió mano al sonido aunque sí hay mucha gente que participó en arreglos o cosas que necesitábamos para abrir nuestra mente o a tener más ideas pero la mezcla es 100% hecha por nosotros”, mencionó Coco.

En esta época digital en donde las plataformas digitales de streaming están a la orden del día muchos nos preguntamos si el lanzamiento de los producciones musicales físicas sigue siendo un negocio para los artistas y las disqueras. Para Clubz es una inversión desinteresada que ayuda a darle un extra a sus seguidores para que le sean fieles al proyecto completo y para que los vinilos pasen a ser una pieza de arte objeto que se pueda conservar a través del tiempo.

Destellos va a salir físicamente en vinilo por nuestra disquera de Francia que ya lo tiene casi listo, solo falta el arte que acabamos de mandar para que lo terminen. Aquí en Latinoamérica lo sacamos con Buen Día Records con quienes sacamos Texturas. Ya lo quiero tener, siento que es un disco que se va a antojar mucho tener”, dijo Coco.

Lo que los inspiró a realizar todas sus canciones fue la pasión y el amor que le tienen a la música, a los recuerdos de sus primeros acercamientos en la infancia, a lo que escuchaban con sus papás o en diferentes épocas de su vida y que al día de hoy recuerdan con emoción y como un motor para crear un sonido propio y fiel a ellos mismos.

“Lo que me inspiró musicalmente hablando fue los discos que escuchaba de pequeño en las tiendas o las canciones que grababa en casetes como “Billie Jean” o “Like A Virgin” de Madonna. Ahora al tener el control de la producción empezamos a retomar estos discos, recuerdo perfecto que cuando escuché “Thriller” en vinilo con oídos de productor y empecé a toparme con sorpresas que me hicieron entender por qué ese disco tuvo ese alcance”, contó Coco.

La realización de Destellos fue un reto superado para Orlando y Coco en el que aprendieron a escuchar con oídos de productores, a diseccionar las canciones y a implementar este conocimiento en sus propias canciones. En conclusión esta producción musical fluyó casi sin esfuerzo junto con las colaboraciones en las que se le dio el lado femenino que se requería para obtener el resultado final.

“Las colaboraciones salieron de manera orgánica, eran parte de la búsqueda para lograr este sonido. Hay canciones que interpretadas por nosotros no se sentían natural así que nos encontramos con distintas artistas como Ela Minus, Buscabulla y Girl Ultra”, comentó Coco.

Para terminar esta entrevista Coco recomendó que cuando escuches Destellos lo reproduzcas completo de principio a fin, con audífonos para que descubran una serie de secretos escondidos y de ser posible que sea en vinilo para que disfrutes de cada arreglo e instrumento, en conclusión para que obtengas por completo la experiencia que envuelve el sonido de Clubz.

Lee este y más contenidos de Indie Rocks! en una Envy x360.

#SeguimosReinventando

Earthless + Mars Red Sky en SALA

Fotos Jaime Fernandez

Un cósmico ritual para celebrar a los muertos.

En ocasiones cuando eres una pequeña productora, que apuesta todo lo que tienes por amor a la música, ciertas complicaciones suelen aparecer: retraso en horarios, logística en general, fallas en el audio y mínimos detalles, casi siempre con solución casi inmediata, que con experiencia van mejorando y previniéndose en cada ocasión. Es aquí donde KILL PILL KLVB entra, un equipo de trabajo que se ha encargado por dos años de ofrecernos shows con música potente. Que no le importa arriesgarse en traer bandas como 1000mods o James Leg. Que le gusta el ruido y quiere traer proyectos que en ocasiones era casi impensable creer que vendrían a México. Uno de esos contados grupos de trabajo que lo da todo para presentarnos una experiencia completa en cada espectáculo. De aplaudir que dejen el corazón en su trabajo.

Y como hay que reconocer y ovacionar su ímpetu, también hay que recalcar algunas mejoras que podrían tomar en cuenta. La primera fueron los 40 minutos de espera para abrir puertas, donde gran parte del público se estaba desesperando y congelando por la fría ráfaga de viento que inundó la ciudad el pasado sábado. La segunda que no entiendo muy bien cómo o por qué pasó, fue la integración de una banda argentina que tocó por 10 minutos y terminó en un parpadeo su presentación. Tal vez otra de sus apuestas, pero el poco público que pudo ver su show nunca conectó con el proyecto, y hasta en algunas pláticas se llegó a escuchar la supuesta cancelación de The Cavernarios para cubrirlos. Aún así, todo seguía su curso y la noche prometía bastante buena música. Y no, por fortuna nadie canceló y todos se presentaron de acuerdo al itinerario.

La noche podría decirse que empezó pasadas las 21 H., momento en la que “El Patas” y “El Warpig” se subieron al escenario para poner música con sus ya clásicos DJ sets. Los afamados locutores de radio son muy conocidos desde hace años por su incursión en Reactor, además de pertenecer a Black Overdrive y Lost Acapulco respectivamente. En las bocinas del lugar sonaron desde “Lay Down” de Priestess hasta clásicos de Deep Purple, mucha música que en ocasiones te transportan a una época de tu vida. Que son un flashback de la música con la cual creciste y forjaste tu gusto musical. Muy buen setlist, aunque faltó un poco más de audio para empezar a calentar al público.

Cuando la música grabada y mezclada dio fin, The Cavernarios tomó por asalto el escenario y los cuatro integrantes comenzaron con una fugaz afinación. Aquí hay que aplaudir otro acierto de los organizadores: cómo decoraron el escenario. Es cierto, así como llaman a su evento “Las noches de Halloween”, no se desapegan de la celebración de Día de Muertos y podías ver en algunos sectores de las tarimas una linda decoración de nuestras tradiciones. Muy ad hoc para proyectar lo que es México y su cultura.

The Cavernarios Kill Pill KLVB Jaime Fernandez

Regresando a la agrupación mexicana, los cuatro neandertales ya son un referente en la escena mexicana. Con su fusión de garage, fuzz y surf el público coreaba sus clásicos que datan desde principios del milenio. “El mono”, “No quiero cambiar” y “Motorama” hacían a todos los asistentes mover el pie, la cabeza o el esqueleto. Ya quedó atrás esa injusta reclusión de Danny Lobo, todo como una mala experiencia y una muestra de nuestro carente sistema judicial. Ahora The Cavernarios demuestra que siguen vivos, que tienen un excelente sonido en directo y que su esencia primitiva tiene muchas ganas de seguir pudriendo cerebros. El bajista, sobrenatural.

Con 40 minutos de música cavernícola que sacaba nuestra alma aborigen a flote, llegaba el turno de uno de los proyectos que más me ha sorprendido en el último año: Mars Red Sky. Aquí hay que recalcar otro punto, en Europa están naciendo bandas de stoner y desert rock que tienen muchísimo potencial. No necesitaron el árido desierto californiano para surgir, alaban esos riffs ralentizados, fuertes y crudos que caracterizan el género. Lo adecuaron y se adueñaron de uno de los sonidos más underground y de culto que han existido.

El trío de Bordeaux lleva 11 años en activo, y ya son conocedores de cómo manejar al público, pero se notaban bastante sorprendidos por el recibimiento de los mexicanos, ya que era su primera visita a nuestro país. Todos son unas bestias, Julien Pras podría parecer todo excepto un brutal guitarrista de stoner, que tiene una melodiosa e hipnótica voz. Mientras que Jimmy Kinast y Mathieu Gazeau sí podrían ubicarse entre el clásico estereotipo. Pero la música no es para etiquetar, ni para saber si tu estilo como persona engancha en un género. Se trata de saber qué puedes hacer con un instrumento en las manos y en el cómo puedes proyectar sentimientos y emociones por medio de música.

Mars Red Sky es intratable. Una colosal y violenta saga de riffs que te volaban el cráneo y te destruían tus oídos. Pero además también son un viaje espacial y psicodélico que te expulsaban de la órbita. Una de las mejores bandas que he podido ver este año. Con un set que recorrió “The Light Beyond”, “Apex III”, “Marble Sky” y “Strong Reflection”, el trío de igual forma presentó una canción inédita. Nada que reclamar, un set perfecto que culminó en una tremenda ovación. Los integrantes celebraban con ademanes de sorpresa, ahora saben que pueden regresar a México en cualquier ocasión. Nos gusta la música distorsionada y entre más alto suene, mejor.

Mars Red Sky Kill Pill KLVB Jaime Fernandez

Y es cierto, las fallas ya habían sido olvidadas y la música de nueva cuenta había curado todo, como debe de hacerlo, ahora solo faltaba el plato fuerte: Earthless. ¿Hubo setlist? Claro, se tocaron seis canciones y se cerró con un cover, pero el ruido nunca terminaba, nunca. Isaiah Mitchell, Mike Eginton y Mario Rubalcaba son algo en verdad muy especial, llevan al público a no dejar de moverse por hora y media sin descanso. Solos de guitarra de 10 minutos, una conexión tremenda como banda e improvisaciones prodigiosas. Ver a Earthless en directo es como estar frente a una banda de jazz. Todos en su propio Universo, tocando como unos locos desenfrenados.

Primero apareció From The Ages con “Uluru Rock”, pero el proyecto californiano se enfocó en su Black Heaven lanzado este año, interpretando el tema que le da título al material, “Volt Rush” y “Electric Flame”, todas extendidas y con más arreglos de los que se pudo escuchar en grabación. Es un poco de la magia que hace a Earthless único, que los integrantes destrozan sus canciones en vivo y las llevan muy lejos. Explotan un minuto para convertirlo en cinco, no les interesa si existe un tiempo límite, les importa crear y crear más. Para cerrar la épica noche, el alma de Jimi Hendrix fue sustraída de entre los muertos y sonó el clásico “Purple Haze”. No puedo imaginar mejor encore ni nadie que podría interpretar el tema con tal maestría como Earthless.

Es bueno asistir a esta clase de eventos y que existan productoras que se interesen por su público. Sabemos que la lucha monopólica es gigantesca, pero siempre que surgen estos grupos de trabajo y amigos que hacen las cosas con amor, se agradece de corazón. Esperemos muchísimo más de KILL PILL KLVB, lo tienen todo para convertirse en un referente de la escena nacional. El sábado celebramos a los muertos prematuramente, pero volvimos a recordar que el rock nunca muere.