L.A. Witch — Octubre EP

Octubre y su invitación a aceptar la oscuridad personal.

Sade, Irita y Ellie demuestran su amor por la oscuridad, eligiendo el 2 de noviembre para lanzar un EP secreto que lleva por título Octubre. El mes de las fiestas de Halloween, de las múltiples oportunidades para disfrazarte y sacar tu lado creativo y despiadado al mismo tiempo. El trío de garage rock de Los Ángeles editó apenas el año pasado su primer LP homónimo en forma y de la mano de Suicide Squeeze Records; sin embargo ellas ya llevaban algunos años atrás girando y tocando su música en varios sitios, tratando de encontrar su propio estilo. Esa no ha sido tarea difícil, ellas tienen una personalidad fuerte, establecida en el glamour del rock para noctámbulos empedernidos. ¿Te identificaste? Entonces su música está hecha para tus oídos.

Es difícil, todavía lo sigo pensando, ser mujeres en pleno siglo XXI y atreverse a hacer lo que a una le nace en el corazón. Para las americanas L.A. Witch, hacer música con un toque de encanto, sensualidad e inteligencia no es más un reto. En su nuevo EP comienzan con un reverb de platillos y efectos de distorsión que elevan su volumen para gritarle al mundo que, aunque sea una pesadilla vivir en él, vale la pena seguir con vida cuando haces lo que te guste sin importar nada. “Haunting”, un inmejorable track para iniciar el ritual de Octubre.

Con tintes de space y country rock, continúa “Sleep” que, recuerda un poco a ese sonido particular y rasposo que traen bandas de Los Ángeles.

Ya agitando la cabellera y contorsionando un poco el cuerpo, es que vamos adentrándonos a un hechizo. “BB’s Momma” es la siguiente pieza, misma que inicia con una guitarra simple que de a poco va madurando. Llega un momento de sorpresa cuando escuchamos unos teclados enfurecidos que dan un cierre caótico.

Recomiendo (de nueva cuenta) escuchar a este EP de noche, con las luces apagadas en un departamento, dejando la ventana abierta para que entren los sonidos de la ciudad como: helicópteros, voces, uno que otro claxon, el aire frío de noviembre, etc. Te tires en el sofá o en el suelo y dejes que “Heart of Darkness” te libere de toda la presión social, el estrés laboral, las relaciones y el cansancio. Ábrete, sin miedo, a la oscuridad que hay en ti.

El sonido del bombo, los rasguños de una guitarra y efectos de rechinidos están dispuestos a quedarse en nuestra mente con “Outro”, el quinto y último extracto de Octubre, el cual es instrumental, dejando toda voz de lado. Simple y conciso, así es el EP sorpresa de L.A. Witch, que nos ha hechizado una vez más, y nosotros no podemos quejarnos.

"Presta atención", es lo que dice Rammstein en un teaser

Con el "#gebtfeinachtm" (Presta atención) Rammstein anuncia su regreso.

La banda alemana Rammstein tiene preparado un nuevo álbum que llegará en 2019, mientras tanto ha estado jugando con sus fans por Europa, pues en las calles de distintas ciudades se han descubiertos proyecciones en las que aparece el logotipo del grupo, acompañado de la frase alemana "#gebtfeinachtm" que significa presta atención.

Algunas de las proyecciones, también muestran fechas y lugares específicos, lo que se puede interpretar como la publicidad de su próxima gira por Europa. Sus fans se encuentran emocionados con este juego entre Rammstein y ellos, a través de redes sociales han compartido las proyecciones que han encontrado por su camino.

 

Recordemos que la banda de metal no ha lanzado ningún material discográfico en casi nueve años, Liebe ist für alle da fue su último álbum. Por ello los seguidores de la agrupación se emocionaron cuando, a través de su cuenta oficial de TwitterRammstein anunció que se encontraban afinando los últimos detalles de su siguiente disco.

La banda posteo unas fotos en las que se observa a Till Lindemann frente a una orquesta filarmónica, acompañadas por la siguiente descripción: “¡Casi listos! ¡Grabaciones de coros y orquesta en Minsk para el álbum No. 7!".

 

Parazit — Aural Coincidence

Engranaje sincopado de calidad exportable a cargo de Parazit.

Parazit es una agrupación depurada cuyo estilo no pasa desapercibido. Varios elementos de su música permiten que sea una de esas bandas que llaman la atención de los oídos rigurosos. Metal progresivo, jazz fusión, funk metal y otros componentes que hacen de esta propuesta una digna de seguir. En resumen, djent mexicano que le compite dignamente a cualquiera del mundo.

Tras poco más de un año de lanzar su álbum Paradigm ParalysisParazit estrena su cuarto LP: Aural Coincidence; material de 10 canciones que de principio a fin nos muestra las facultades en composición, ejecución y acoplamiento de los tres músicos tapatíos; un engranaje complejo que sus integrantes denominan instru-mental.

“Tokamak” es la pista que da apertura al nuevo material. Guitarras en armonía y fade in dan inicio al tema. De inmediato, explota el metal sincopado. Tokamak también es el nombre de un aparato diseñado para fusionar partículas de plasma y así generar grandes cantidades de energía. Si éste primer track alude a lo dicho, fue un nombre acertado.

“DMNT” nos deja escuchar, tras un breve inicio de guitarra acústica, más poder para después llevarnos por pasajes tranquilos, guiados por interesantes riffs. José Macario plasma sus capacidades y recursos técnicos, con o sin distorsión, en este segundo corte y demuestra que es parte de una generación de guitarristas jóvenes, innovadores y virtuosos que están revitalizando su instrumento. Los amantes de éste, lo agradecemos y admiramos. La pieza termina en fade out y nos deja con ganas de más.

“The Ghost in The Machine” continúa el viaje. La maquinaria disonante sigue con su complejidad sonora. Más poliritmos de Christian Gómez, más efectos y densidad de Kello González. Un cierto tono siniestro suena y da congruencia al título.

Sigue “Kaosusoak”, elegido como el primer adelanto de Aural Coincidence. El tema que se compartió hace poco más de un mes es un buen ejemplo de la magia del progresivo y su orden del caos. Líneas sonoras divergentes que vuelven a encontrarse y se vuelven escindir una y otra vez. Gran tema.

Llega “Quark Soup”, una nueva colaboración de Adrian Terrazas-Gonzalez, saxofonista que ha acompañado a Parazit en discos anteriores y que pudimos apreciar en vivo en la presentación que Parazit tuvo en la edición del Knot Fest México 2017 . Llega aquí también el jazz fusión. González muestra sus dotes técnicos con slaps, pops y solos. La influencia de Primus en este track es marcada. No solo la destreza del bajista mexicano nos evoca a Claypool y compañía; González hace uso del mismo instrumento que caracteriza al músico californiano, creado por el legendario luthier Carl Thompson, cuyo sonido es inconfundible. Uno de los mejores temas del nuevo LP, aún con su final un tanto apresurado.

La nueva entrega sigue con “Summum (Ruinae)”, (con un muy buen riff de bajo que pronto es acompañado por los otros instrumentos). Siguen también la calidad, la creatividad y la habilidad en un tema de pura distorsión.

De nuevo Adrian Terrazas-Gonzalez colabora y, sobre todo, aporta en "Acerbic Wit". Aquel grandioso proyecto del virtuoso Luke Jaeger, Sleep Terror, viene a la mente con esta canción.

Otras dos contribuciones siguen en Aural Coincidence: “Sinousend” junto al proyecto de música de cámara electrónica y ambient cello Violoncheloops, también de Guadalajara y “Uhørligathirst”, en donde otro virtuoso, Tonio Ruiz (Coda, QBO) aparece, dejándonos uno de los temas destacados de la nueva placa.

El corte final llega con “Ha'aha'a Halk”, congruente al criterio de este nuevo material de estudio que nos demuestra que Parazit tiene los ingredientes y las capacidades para llegar lejos y sorprender a propios y extraños —en estudio y en vivo—. Así, la banda regresa después de una corta ausencia con un muy buen disco lleno de oscilaciones ejecutadas con autoridad. Esperamos más de ellos, sin duda.

Entrevista con Ilan Rubin (NIN)

Foto Tamar Levine

El baterista de Nine Inch Nails habla sobre su gira actual.

El grito de guerra que exclama Trent Reznor antes de "March of the Pigs" es una orden. ¡Oigan putos puercos! ¡Marchen! Él es comandante. En seguida un galopante sonido guía a los puercos, la señal es la batería. Golpes macizos. El dolor transformado en sadismo, el goce por la expulsión de aquellas emociones que llevan acumulándose un largo tiempo, particularmente desde los primeros álbumes de Nine Inch Nails cuando el personaje que habla describe sentimientos agresivos. La batería es energía que mueve a este individuo sádico. Una bonita máquina de odio. Lo mismo sucede con otras canciones en donde los golpes sobre las tarolas y los platillos conducen el acto como en "Wish", "Sin"y "Gave Up". Durante la actual gira de Nine Inch Nails quien está a cargo de las percusiones es Ilan Rubin, un joven de 30 años que tenía solo seis cuando Reznor bañado en lodo daba su mítica presentación en Woodstock 94.

“Soy el más joven de la banda, me uní a los 20, es loco pero he estado una tercera parte de la historia de Nine Inch Nails”. La voz de Ilan Rubin es suave, contrasta con la impresión que genera la presencia del baterista que estrella las baquetas con fuerza en temas como "Starfuckers, inc." Habla con mesura y de manera ordenada, parece que lo tiene claro a su corta edad, como esas personas que tienen siempre una respuesta correcta para cada ocasión. “(Esta gira) ha sido más relajada porque no ha habido muchos cambios en la alineación, salvo porque Atticus Ross se agregó al ensamble en vivo. Cada quien sabe qué hacer, Trent confía en todas las partes. Cuando queremos tocar una canción que no hemos tocado en un tiempo o que nunca hemos tocado, nos sentamos y vemos qué instrumento puede tocar cada quien, usualmente yo toco la batería, pero a veces tengo la oportunidad de tocar otros instrumentos. Ahora hago la guitarra, el bajo y el piano en dos o tres canciones. No sabía tocar cello pero lo aprendí para la banda, Trent me preguntó si quería ejecutarlo y acepté el reto. No he tenido con otra banda una oportunidad como la que tengo aquí de hacer tantas cosas que me encantan. Me gusta ser una parte del todo y no la pintura completa, NIN me permite eso, ser un activo dentro de un grupo”.

Rubin comenzó con la batería muy joven, a los siete años. Su padre fue baterista durante la preparatoria y reconoció en él talento y potencial. “Ha sido más fácil hacer lo que hago porque desde niño supe que no iba a jugar béisbol y que iba a dedicarme a esto”, señala durante su vista a México un mes antes de que su banda –en la cual es guitarrista y cantante– The New Regime, abra el escenario que NIN cerrará más tarde en el festival Corona Capital de 2018. Su estancia en este país es porque dio una master class de batería como parte de las actividades que realiza Avalon. Un día después de la esperada visita de Trent y su equipo, ambas bandas repetirán dosis en un show en El Plaza.

“Cuando fui invitado a formar parte de NIN lo sentí muy surreal, un día al despertar tenía un correo de Trent preguntándome si estaba interesado en hacer una audición, me dio una lista de ocho canciones y me citaron en un lugar de la costa este. No estaba listo para dar giras o tocar en lugares grandes, pero estaba muy cómodo de hacerlo. Es como con esta master class, es la primera que daré y estoy ansioso porque suceda”. Ilan Rubin narra a Indie Rocks! cómo funciona la idea que lleva años perfeccionando Trent Reznor en su mente... pero antes hay que hacer un pequeño espacio para aclarar que la banda es conducida únicamente por éste y por el recientemente incluido Atticus Ross como miembro oficial. El sonido industrial de contenido autodestructivo, sadomasoquista y misántropo ha ido y venido hacia un urgente rock, el drone y una electrónica oscura que hace crítica de los agujeros en la existencia contemporánea.

“Cada que sale nueva música de NIN es un misterio para el resto de la alineación porque no sabemos de qué se tratará o cuándo será la gira. La última vez que estuve en el estudio fue en un par de tracks de Hesitation Marks. Creo que fue la última vez que Trent uso baterías en vivo durante una grabación, hay una pista en Not The Actual Events pero es un tema de las sesiones de With Teeth al que le hicieron algunos ajustes. Fue muy interesante participar en esa sesión porque utilizamos una técnica que se llama loop-record que consiste en que mientras interpretas se va grabando y después esa grabación se repite y sigues tocando. Trent utiliza esa técnica porque puede escoger las mejores ejecuciones y porque él te habla mientras estás tocando, a mí me guiaba, me decía que tocará más fuerte o más lento, si golpeaba del lado derecho o izquierdo y yo seguía tocando, no me detenía, era su drum machine en vivo”.

Para la gira actual la banda tiene un catálogo de por lo menos 60 canciones de donde escoger. Rubin explica que esto es porque en muchas ciudades tocan dos o tres ocasiones y les gusta presentar setlists diferentes. Así que el paso por el catálogo seguramente incluirá la orden para abrir el establo y dejar que los puercos corran enlodados como en 1994.

IR! ¿Cuál crees que sea la lección más importante que has aprendido en tu carrera?

No creo que haya una sola lección, puedo decirte que hay que saber escuchar, eso parece un concepto sencillo, pero cuando comienzas a tocar te concentras en la técnica, a medida que progresas y maduras, comienzas a darte cuenta de otras cosas más importantes como saber tocar con otros músicos, saber como encaja el sonido de la batería con otros instrumentos, saber como guiar una banda, como ayudar a la gente dentro del grupo. Hay gente muy talentosa y con un don para la técnica brillante, pero puede que eso no te mueva a ti o a mí como lo puede hacer para otras personas. Nosotros preferimos una batería más sencilla que dentro de una canción sea más potente a una batería muy técnica y muy impresionante a la hora de verla, pero que no te hace sentir nada.

¡Marchen puercos!

Escucha la colaboración de Poppy + Grimes

Poppy y Grimes deciden que el mejor día para morir es el 31 de octubre.

Como parte de la celebración de Halloween, la intérprete de "Software Upgrade" optó por sacrificar su tradición de lanzar música los días viernes y en lugar de eso eligió que el estreno de Am I a Girl? coincidiera con su fecha favorita en el año. "La gente hace un esfuerzo en disfrazarse, debería hacer lo mismo con el álbum", declaró para NME el pasado 26 de octubre.

Con el fin de recompensar el esmero de quienes se visten como David Bowie o Nancy Spungen y de agregar más acción a una de las noches más esperadas, Poppy y Grimes decidieron dar a conocer el 50% de su trabajo colaborativo. Los 3:06 minutos de "Play Destroy" se distinguen por versos como "manipula a las chicas y adoctrina a los chicos" y por mantener un equilibrio entre riffs industriales y sonidos dance pop. La narrativa expone la destrucción de corporaciones transnacionales –algo muy Grimes– y el tono exclamativo de "Altar": ¡Soy Grimes!, ¡Soy Poppy! ¡Es un momento de Hollywood!, ¡Exploten las piscinas de sus vecinos!  Ante esta armonía 50/50, Moriah Rose Pereira reconoció que la influencia de Claire Boucher en Am I A Girl? se resume en su talento para la producción –en especial cuando se trata de sintetizadores– y la composición lírica.

Al ser la pista número 13 de Am I A Girl? y al aludir a la muerte en sus últimas líneas, "Play Destroy" reafirma la dirección del nuevo material discográfico de Poppy y cataliza el malestar de Grimes respecto a su sello discográfico (4AD). La incorporación de tonos del metal fue una vía por las artistas encontraron la forma de expresar que las personas son capaces de asumir riesgos y que entonces deberían cuestionarse más sobre temas como la moda, el consumo y la relación entre mujeres y hombres.

A su vez, "Play Destroy" simboliza una de las formas en la que las y los cantantes contemporáneos crean dentro de la industria musical: Las redes socio-digitales como mediación. La colaboración entre Grimes y Poppy es el resultado final de una reunión acordada vía DM en Twitter. "Play Destroy" comenzó con un mensaje de "Me agradas, deberíamos hacer una canción juntas" y terminó con la atracción que es morir el 31 de octubre.

Ty Segall anuncia nuevo álbum

Conoce todos los detalles acerca de The C.I.A., el nuevo proyecto musical de Ty Segall.

2018 ha sido un periodo bastante productivo para Ty Segall. Apenas una semana atrás, el músico californiano publicó su quinta placa en lo que va del año, bajo el nombre de Fudge Sandwich y ahora ha confirmado la llegada de un sexto material, a lado de su esposa, Denée Segall.

Por si esto fuera poco, la pareja estará acompañada de Emmett Kelly, vocalista de The Cairo Gang, que en conjunto, trabajaran bajo el nombre de The C.I.A. El álbum del trío contará con el mismo título y estará disponible el próximo mes de diciembre, a través del sello In The Red.

El anuncio de esta nueva entrega llega junto al primer corte promocional, “Pleasure Seeker”, que a su vez, es acompañado de un provocativo trabajo visual que encapsula el lado más salvaje de la banda. Obsérvalo a continuación.

The C.I.A. se une a la larga lista de lanzamientos que Ty Segall ha estrenado a lo largo de este año: Freedom's GoblinJoyPre Strike Sweep, Orange Rainbow y Fudge Sandwich; un álbum de covers que rinde homenaje a artistas como John Lennon, Neil Young y Sparks.

Entrevista con Cults

Cults será la mejor fiesta del año.

Brian Oblivion y Madeline Follin, mejor conocidos por formar parte de Cults, están de regreso en la ciudad, emocionados de lanzar un íntimo concierto para compartir su reciente entrega: Offering (2017), y por supuesto, celebrar el cumpleaños de Madeline en el Foro Indie Rocks!.

Los neoyorkinos llegarán el próximo 7 de noviembre acompañados de su banda para contagiar al público con su buena vibra y, según nos confesaron, festejar a lo grande en una de las ciudades que más los vuelven locos. "Siempre le decimos a la gente que agenda nuestros conciertos: '¡llévanos a México, llévanos a México!', hasta que por fin se nos hizo", dijo Oblivion, a lo que Follin agregó. "Estamos muy emocionados, será el mismo día que mi cumpleaños, así que será la mejor fiesta del año".

Trabajar sin preocupaciones por cumplir con tiempos o encajar en el mercado es la fórmula –no fórmula– que mejor le ha funcionado a Cults. De acuerdo con la banda, ellos fueron uno de los últimos grupos beneficiados por los blogs de música, y aunque la industria musical se encuentra en constante evolución, no se sienten presionados por tener que encajar con el mercado. "Probablemente fuimos una de las últimas bandas en beneficiarnos de los blogs, y de gente escribiendo de música en el internet. Nos sentimos muy afortunados, porque las publicaciones de ahora están hablando de gente que ya es famosa. Ya no está el deseo de encontrar la 'nueva banda interesante'".

Sobre Offering (2017), Follin nos comentó que es un disco que nació sin prisas. "Empezamos a trabajar tan pronto como acabamos la gira, pero sin presiones. No nos preocupamos por el tiempo, dejamos que lo que queríamos hacer fluyera naturalmente. Trabajar desde lo que sentimos es lo que parece más correcto para nosotros".

Por otro lado, con la oportunidad de lanzar un disco de covers de la banda que ellos quisieran, Cults escogió el homónimo (1971) de The Motels. "Ellos han sido una gran influencia para nosotros. Motels (2018) fue un gran reto, pues fue reimaginar algo, en vez de solo imaginarlo. Después supimos que The Motels lo escuchó, ¡y les gustó!, lo cual nos hizo muy felices", compartió Oblivion.

Cuando comentamos con la banda que géneros como el reggaeton sobrepasaron al rock y el pop, en términos de popularidad, Oblivion nos compartió su postura. "Creo que el reggaeton prevalecerá. La música siempre está cambiando. Sin embargo, la manera en la que nosotros lo vemos es que somos el producto de nuestras influencias, y nuestro mundo, y solo tratamos de mantenernos fieles a nuestra propia visión. Fue así como el mundo se fijó en nosotros, así que con esas personas que están en nuestra misma línea es suficiente. No necesitamos dominar el mundo".

No obstante, Cults está consciente de que su música impacta la vida de sus seguidores. "Más allá del impacto cultural que puede hacer una banda, está el impacto personal. Tenemos muchas historias increíbles sobre las personas y nuestra música. Recientemente una mujer nos dijo que su hija era autista y no se comunicaba de manera verbal, pero un día comenzó a cantar "Go Outside", y muchas más historias como esta, de cómo nuestra música ha afectado sus vidas, creo que ese es el impacto del que podemos hablar", manifestó Oblivion. "Para nosotros, bandas con las que crecimos como The Cure y Pixies, representan una realidad diferente. Yo escuchaba esos discos cuando era adolescente y sentía que podía ser una persona distinta, que existía alguien que entendía esa parte de mí. La música se volvió para nosotros algo muy personal. Así que la idea de hacer algo vulnerable con lo que la gente pueda conectarse, creo que es la meta más grande que podremos alcanzar", agregó el compositor.

El mes pasado, Follin motivó a sus seguidores a registrarse para las votaciones de su país a través de la cuenta de Instagram de Cults, lo que nos llevó a preguntarles sobre la manera en la que desean utilizar su proyección musical en temas políticos y sociales. "Si podemos influenciar en una pequeña manera como en motivar a las votaciones lo haremos", dijo la cantante. Sin embargo, Oblivion comentó que no cree en que los artistas puedan ser fuertes influencias políticas. "Siempre hemos hecho lo mejor que podemos, pero no creo que un artista pueda impactar realmente en la política. Estamos muy tristes de lo dividido que está nuestro país. Esperamos que la gente vote en noviembre y tengamos un gobierno más equilibrado, que pueda trabajar en conjunto por un mejor porvenir".

Sunflower Bean tiene nuevo EP

Foto: Andy DeLuca

Se confirman los detalles de King of Dudes, el próximo EP de Sunflower Bean.

Este año la banda neoyorquina publicó su segundo álbum de estudio, Twentytwo in Blue, el cual obtuvo muy buenas críticas y superó en todo aspecto a su álbum debut, Human Ceremony. Pero los estadounidenses no tienen planeado parar, ya que han revelado que entre sus planes está publicar un EP para principios del próximo año.

Lo nuevo de Sunflower Bean llevará el nombre de King of Dudes y saldrá el 25 de enero a través del sello discográfico Mom+Pop Music. Este incluirá cuatro canciones que, según los comentarios de sus integrantes, son una reacción y respuesta ante los tiempos que vivimos.

El primer adelanto de este material es "Come For Me", un single que se inclina por un estilo rock del pasado, casi tradicional, pero con algunos detalles que los mantienen en el sonido actual.

Esto fue lo que dijo Julia Cumming, integrante de Sunflower Bean, sobre el track. "Esta canción fue inspirada por la fuerza interior, el poder y la libertad sexual. En 2018 no hay tiempo que perder, ni tiempo para la vergüenza. Este tema es una declaración de eso. ¿De verdad quieres venir por mí? ¿De verdad quieres perder mi tiempo? El sencillo es un desafío, una amenaza y un llamado para todos".

Puedes escuchar "Come For Me" justo aquí:

Tracklist de King of the Dudes:

  1. "King of the Dudes"
  2. "Come For Me"
  3. "Fear City"
  4. "The Big One"

Low estrena video

Simbolismos y luces neón en el nuevo video de Low.

Continuando con la promoción de su más reciente álbum de estudio, el trío de Minnesota, Low, ha compartido un nuevo videoclip, correspondiente al tema “Always Trying To Work It Out”.

Se trata de un visual lleno de simbolismos y luces neón, co-dirigido y protagonizado por el vocalista de la banda, Alan Sparhawk, quien a través de un comunicado se refiere a este trabajo como un “ligeramente temático video de Halloween, en el que amigos y familiares protagonizan un paseo por el supermercado. Aparecen fragmentos de recuerdos, las máscaras filtran la luz… está dedicado a nuestra ciudad de Duluth”.

El metraje da inicio con un intenso juego de luces, en color azul. Posteriormente llegamos a un supermercado en el que la visión de la gente está limitada a través de unas mascarillas y la única esperanza parece ser la música. Observa a continuación este nuevo video.

Double Negative, es el nombre que da vida al décimo segundo álbum de estudio de Low, estrenado el pasado mes de septiembre a través del sello Sub Pop. Como parte de la promoción, la banda llegará a nuestro país para ofrecer una presentación en la ciudad de Tijuana el próximo 13 de marzo.

TOP: Las brujas del rock

Magia, desolación y terror en este top dedicado a las brujas del rock.

De la misma forma en que la luz es opuesta a la oscuridad, las pop stars necesitan de figuras antitéticas. Este #ToIR está dedicado a ellas, mujeres valientes que han decidido ser portavoz de sentimientos que habitan entre las sombras: melancolía, desolación, terror.

No se nos malinterprete, no se trata de una categorización moral del tipo: bueno-malo o correcto-incorrecto. Nuestra intención es reconocer y destacar las capacidades expresivas de artistas que, a través de la música, nos describen el lado oscuro de la luna.

Desde la mismísima "Bruja cósmica", Janis Joplin, que rompió los paradigmas de una época con sus letras y sus acciones hasta Zola Jesus que sincretiza manifestaciones culturales de distintas latitudes en forma de música hipnagógica. Esperamos que disfruten de este listado. Sus aportaciones, comentarios y sugerencias son bien recibidas en nuestras redes sociales.

 

Chelsea Wolfe

Desde su aparición artística en 2010 con su material debut The Grime and The Glow, hemos notado una tremenda evolución en su sonido y presencia –tanto en los escenarios como en su estética–. Siempre en búsqueda de una experimentación visual y sonora que ha estrechado lazos con la oscuridad y el misticismo que posee naturalmente el género femenino.

Su sensibilidad sonora se ha permeado desde la infancia pues su padre tenía una banda country. Chelsea ha sido una figura constante que hoy en día logra un camino que la posiciona como uno de los pocos íconos femeninos en el doom –más popular– tomando escenarios a lado de Mastodon, A Perfect Circle y más.

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Fever Ray

Aunque en su más reciente material Karin Dreijer pareciera personificar a una líder feminista cargada de ira hacia los sistemas políticos que buscan oprimir a la sociedad, Fever Ray canalizó los pasajes oscuros y texturas tétricas plasmadas en Silent Shout de The Knife y las llevó a un nuevo nivel en su debut como solista, en el cual proyectaba más la imagen de un ente misterioso e impío.

Videos musicales, sesiones fotográficas y la música per se estaban cargadas de una energía plagada de misterio, tétrica en momentos, digna de una bruja chamánica, lista para dar inicio a un antiguo ritual con el cual pondría fin deshumanización.

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Ibeyi

Si bien estas hermanas no tienen un solo pelo de maldad, la religión yoruba tiene un enorme peso en la música de Ibeyi. Elegua, Oshun, Shangó y Yemayá son solo algunas de las deidades en las canciones de Lisa y Naomi. Digamos que Ibeyi son como esas brujas blancas, que más allá de exudar oscuridad, buscan crear conexiones espirituales con la naturaleza y con los seres humanos que las rodean.

Purificar el alma, ser uno con nuestros propios fantasmas, cartas directas a aquellos que ya no están con nosotros, manifiestos de orgullo, esos son los ingredientes de la magia de Ibeyi.

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Janis Joplin

Criticada y rechazada por los habitantes de Port Arthur, Texas, Janis Lyn Joplin abandonó –a muy temprana edad– su ciudad natal sin saber que poseía un gran poder. Refugiada en el blues e influenciada por Ma Rainey, Bessie Smith, Big Mama Thornton, Odetta y Billie Holiday, comenzó a practicar su magia hasta convertirse en la “Bruja cósmica”. Su intensidad de interpretación, su voz de mezzosoprano y su poder en el escenario le permitieron lograr su mayor hechizo en el Festival de Woodstock en 1969 ante más de 400 000 personas. “Cuando canto, me siento como enamorada. Es más que sexo, es el punto en que dos personas llegan a eso que llaman amor por primera vez, multiplicado por todo el público. Es gigantesco”.

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Marianne Faithfull

Se decía que Marianne Faithfull hechizaba a los hombres, pero la gente lo llevó demasiado lejos cuando creó conflictos entre Mick Jagger y Keith Richards. Luego en 1979 le echó leña al fuego con el tema “Witches’ Song”, pero la cantante siempre ha negado ser una bruja o creer en la magia negra ¿o tal vez es una pantalla?

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Stevie Nicks

La cantante de Fleetwood Mac siempre ha tenido una mística atrayente, aunque podría ser simplemente encanto, voz y la forma en la que se movía en el escenario. Pero aquella inexplicable fascinación que provocó en los años setenta y su gusto por el ocultismo le valieron el nombre de "La bruja blanca", título que ha tratado de mantener hasta nuestros días.

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The Black Belles

Si hablamos de oscuridad una de las agrupaciones que representan fielmente esta palabra es The Black Belles, proyecto creado en 2009 y avalado por Jack White. Su estilo garage goth directo de Nashville logró que con un solo LP homónimo fuera punto de referencia en cuanto sonido y girl power. Otra de las características de este grupo compuesto actualmente por Olivia Jean, Shelby Lynne y Ruby Rogers es su vestimenta que, literalmente, representa a las brujas victorianas del siglo XIX.

Sus divertidas biografías en su página web hablan de las personalidades de estas chicas, destacan exorcismos, misticismo, oscuridad y vudú. Déjate llevar por sus sonidos que mezclan rock, sintetizadores y letras que tocan tópicos como el desamor, seducción y hasta mentiras.

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Zola Jesus

Nika Roza Danilova, mejor conocida como Zola Jesus, pasa mucho tiempo en las cercanías del bosque. Apartada del tumulto de las grandes ciudades, conjura a los espíritus de la noche. A los siete años se enamoró de la ópera y desde entonces ha explorado las cualidades dramáticas de la voz. Sus influencias más claras: Ian Curtis y Diamanda Galás, seres de perpetua oscuridad. A través de su dark wave, sentimientos como la desolación y abatimiento se manifiestan con una claridad ensordecedora. En todo recinto en el que se presenta, la gente cae en un estado hipnagógico. Sus escuchas quedan atrapados en un limbo en el que la vigilia y el sueño lúcido se entremezclan. Así quedó demostrado en la última fecha de la Semana IR! 2018.