Agar Agar — The Dog and the Future

Una imaginativa evolución del bailable electropop francés.

Dentro de la escena indie, existen cientos de bandas que inician desde cero tratando de hacerse un espacio en la competida escena musical. Y para muchos de estos artistas, su trayectoria es de “uno contra el mundo”. Tal como fue el caso de Grimes, nombre artístico de la canadiense Claire Elise Boucher, que ahora ya alcanzó notoriedad internacional pero que en 2012 con su álbum Visions, era un grato descubrimiento para aquellos que apenas la conocían.

Bajo este panorama, es agradable encontrar estas bandas que denotan calidad, y ver, si con el paso del tiempo logran romper esta barrera del anonimato. Una agrupación que recientemente encontré es Agar Agar, un dueto francés, nacido de la escena underground y con apenas un álbum de larga duración, Cardan (2016). Clavados en el electropop, su estilo es relajado e hipnótico, con interesantes presentaciones live del dueto conformado por Clara Cappagli y Armand Bultheel.

Sorprendentemente, en su nuevo disco: The Dog and the Future (2018) deciden dar un salto sin paracaídas, ya que empujan fuertemente por romper su estereotipo y experimentan sin miedo alguno para buscar nuevos sonidos. Esto se nota desde la evocativa “Made”, que sirve como introducción con unos claros acordes y coros que se pierden en la lejanía. Sigue “Lost Dog”, juguetona y con unos bongos que hacen un extraño contrapunto, para transitar a la pesada y oscura “Sorry About the Carpet”.

Hasta aquí precisamente podemos observar la variedad que Agar Agar trata de lograr en canciones que, si bien son placenteras, no logran cuajar por completo. Sin embargo, este nuevo estilo se siente consolidado con “Fangs Out”, track con ecos de música disco noventera y unos versos pegajosos. Continua “Gigi Song”, un intermezzo que sirve como descanso, para llegar a “Shivers” otro ensayo lo-fi repleto secciones donde Clara vocaliza palabras aleatorias. Siguen otros altibajos como los que vemos al pasar por “Lunatic Fight Jungle”, pieza bailable que nos zambulle en un rio de beats y samples electrónicos, para después ponernos a secar con otra canción calmada llamada “Duke” con intensos pasajes.

Así llegamos al final con dos composiciones prácticamente instrumentales que parecen haber salido de una banda sonora ochentera de cine B: “Requiem” y “Schlaflied fur Gestern”, que su traducción al español es “canción de cuna para ayer”. El nombre de la pieza representa precisamente la estética surrealista de este álbum, en donde el dueto decide retomar sus raíces de arte experimental, ya que los integrantes se conocieron en la academia de bellas artes de su país.

Y aunque The Dog and the Future no logra consolidar un sonido, se agradece que la banda busque este estilo propio que mezcle el electropop bailable con bellas y oscuras melodías. Esperemos que este grupo continúe desarrollando su propio sonido y nos brinde otras joyas como su emotiva canción: “You’re High”.

Entrevista con Niños del Cerro

 “Ser auténticos y fijar nuestras raices”.

Tras un año de ausencia, Festival Neutral regresó a México para festejar el 20 aniversario de Quemasucabeza, uno de los sellos independientes con mayor reconocimiento en Chile.

Aprovechando su participación en el festival, tuvimos la oportunidad de charlar con Simón Campusano y José Mazurett, vocalista y baterista de Niños del Cerro, que recientemente lanzó su segunda placa de estudio a través del sello y formará parte de esta celebración.

“Hemos participado dos veces en el Festival Neutral en Chile. En 2016 y ahora en 2018 y se siente muy bacán esa conexión. Quemasucabeza es el sello independiente más grande de Chile y es tan lindo ser parte de esa historia. Para nosotros ser parte de ese catálogo y poder sacar nuestro segundo disco con ellos es un orgullo”.

Lance es el nombre que da vida al segundo larga duración de Niños del Cerro, tras la publicación de Nonato Coo. Tres años han pasado desde aquel debut y la banda continúa experimentando a través de cada entrega. En esta ocasión, optó por grabar el álbum en directo. “Para hacer este disco grabamos varias canciones en vivo. Por ejemplo, canciones como ‘Lance’ no se podrían haber grabado de otra forma, esa canción no se pude grabar por pistas, tiene 5 minutos de noise, que es imposible replicar tocando por separado”.

Pese a ser una agrupación catalogada en el género shoegaze, sus integrantes confiesan que prefieren ser reconocidos como un proyecto latino, que busca conservar sus raíces. “Me aburre un poco el shoegaze. Pasó que en Chile hace un par de años hubo un boom y eso me tenía bastante aburrido. Nosotros nos sentimos una banda latinoamericana, más que cualquier cosa. Uno tiende a dejarse llevar por los referentes del momento, como MTV y el indie que nos influenció a principios de los años 2000, pero después nos hicimos viejos, empezamos a rescatar y darle el mismo valor que le dábamos a estos referentes de afuera a nuestros referentes chilenos o latinoamericanos".

A pesar de ser una banda independiente y enfrentarse a todos los retos que ello implica, Niños del Cerro ha logrado abrirse paso en la escena independiente de su país, hasta llegar a ser parte de las actividades de festivales internacionales como la reciente edición de Primavera Sound, en Barcelona. ¿El secreto? Mantenerse fieles a su origen y lejos de cualquier imitación.

“En ningún caso intentamos ser una banda gringa porque el contexto que nosotros vivimos en Santiago de Chile es muy distinto, incluso que el de México. Tenemos todo eso muy presente en la cabeza a la hora de hacer canciones y por lo mismo nos sentimos una banda latinoamericana. No intentamos imitar algo que ya está, intentamos ser más auténticos y fijar nuestras raíces. Fijar ese camino nos ha llevado a irnos abriendo paso”.

La música de Niños del Cerro llegó al escenario del Foro Indie Rocks!, como parte del Festival Neutral 2018.

Cat Power — Wanderer

Romper con el pasado y abrir nuevos ciclos.

Cat Power se ha colocado como una de las grandes estrellas del mundo independiente anglosajón debido a su constante renovación sonora que siempre busca la innovación a través de la conceptualización del sonido. Su mayor virtud es crear por medio de una imagen mental y darle coherencia sonora.

Seis años han pasado desde su álbum (Sun) y, en sus palabras, cientos de cambios han ocurrido en su vida. Más allá de querer revelar su vida personal por medio de un disco, Wanderer es la obra que muestra la evolución y transformación de la persona para explorar una nueva faceta de su vida, faceta que también trastoca su arte.

Durante los 38 minutos de duración, la placa da muestra de un cambio en la forma de contemplar el mundo pero sin perder la esencia sonora que la caracteriza. El punto más relevante de su álbum es como ella se desenvuelve como una artista que gusta de quebrar con su pasado para abrir la baraja de historias de vida y llevarlo a la música.

Si hubiese que definir su disco en una frase, sería: Wanderer es el disco de Chan Marshall y no de Cat Power. Dicho en otras palabras, su obra se desarrolla más desde lo introspectivo de su vida como ser humano en compañía de otro ser humano pequeño, por lo que su alter ego musical solo sirve como acompañamiento de esta nueva aventura sonora.

Pasando a la construcción sonora de la pieza, ésta mantiene la esencia de la artista, es decir, el uso de la guitarra como eje principal de las canciones y el uso de recursos acústicos como el pandero para complementar la pieza. Si bien, esto no representa un quiebre total con sus piezas anteriores; lo interesante es sentir la deconstrucción que ella desarrolla para expresar sentimientos e ideas diferentes en cada una de sus producciones.

“Wanderer” pieza homónima del disco es el discurso inicial de la pieza y nos muestra a un ser humano que busca contarle al mundo sus cambios y sus descubrimientos en la nueva etapa de su vida. Una pieza esencial para iniciar el viaje sonoro pues da muestra de lo que la artista quiere fundamentar durante los siguientes minutos. Quizá para el mundo del espectáculo y de la crítica, la colaboración de Lana Del Rey se convertirá en lo relevante de la obra, pero realmente el aporte de la cantante neoyorkina no es lo suficientemente fuerte para opacar un disco que está centrado en el autoconocimiento del ser humano a través de sus experiencias.

El disco es una pieza “nómada”, como lo infiere su título, es decir, muestra un viaje de reconocimiento de las situaciones que rodean a su interprete. Romper con el pasado siempre es un quiebre que no se puede deshacer, pero una vez que se da, no hay vuelta de hoja, se tiene que hacer sin miedo a lo que venga. Chan Marshall entiende la situación y lo describe en las sublimes “Robbin Hood” y “Me Voy”; tracks donde se puede sentir el alma del músico surgir como ente llamando a una refundación de su vida.

Asumir un compromiso con el re-descubrirse y re-fundarse es también no ceder a presiones externas que quieran influir en el desarrollo de una obra musical; en este caso las presiones de Matador Records por llevar el disco a terrenos más consumibles y que llevó a Marshall a firmar con Domino Records para mantener su independencia.

Un artista tiene responsabilidad con su creación, Cat Power la asumió y en Wanderer se dibuja un nuevo inicio en medio de una carrera de más de dos décadas dentro de la industria musical.

Suede estrenará documental 'The Insatiable Ones'

The Insatiable Ones, el nuevo documental de Suede.

La década de los años 90 es recordada por ver nacer grandes movimientos musicales, como el britpop. Entre sus representantes más destacados se encuentra Suede, agrupación londinense fundada en 1989 y liderada por Brett Anderson. Muy pronto podremos conocer más acerca de su origen, a través de un documental titulado The Insatiable Ones.

El filme ha sido dirigido por un viejo conocido de la banda, el director británico Mike Christie, quien a través de su cámara, mostrará algunas de las facetas más oscuras alrededor del grupo, así como sus momentos más exitosos, recopilados a lo largo de 113 minutos.

The Insatiable Ones será estrenado el próximo 24 de noviembre, a través de Sky Arts. Observa un adelanto a continuación.

De acuerdo con director. "Este tráiler realmente es solo la punta del iceberg: la película ya es sorprendente, impactante y emocionante...  definitivamente no son una banda típica, y esto está lejos de ser un documental musical típico".

The Insatiable Ones mostrará una serie de entrevistas y material inédito, además de contar con la participación de sus miembros fundadores, retratando el origen de Suede y su evolución través de los años.

La llegada de esta nueva entrega se une al reciente lanzamiento musical de la banda, The Blue Hour, publicado el pasado mes de septiembre.

Duran Duran saca nuevo video

Foto: Stephani Pistel

30 años después de su lanzamiento, Duran Duran lanza un video para "The Edge of America".

La aclamada banda de Birmingham está celebrando el 30 aniversario de su quinto álbum de studio y tomando en cuenta las recientes elecciones para el senado de Estados Unidos, les pareció buena idea compartir el video de una de sus canciones más políticas.

El clip que acaba de estrenar Duran Duran es para "The Edge Of América", uno de los tracks que causaron polémica en el disco Big Thing, aunque no fue uno de los sencillos promocionales de ese material como "I Don't Want Your Love" y "All She Wants Is".

En su video los británicos abordan el tema migratorio de Estados Unidos con imágenes de dominio público, un acierto debido a la crudeza que se muestra. Este fue dirigido y editado por el artista visual e ingeniero venezolano David Medina.

Esto fue lo que dijeron los integrantes de Duran Duran sobre el proyecto. "Usando bandadas de pájaros, aquellos que se estrellaron con edificios y aviones entre fotografías de inmigrantes en la Isla Ellis a principios del siglo XX, el video se propone transmitir el encuentro entre el impulso universal para moverse y los límites artificiales que creamos para detenernos".

Puedes ver el video de "The Edge of America" justo aquí:

Nueva canción de The Smashing Pumpkins

A través de versos que declaran la persistencia, los miembros de The Smashing Pumpkins preparan terreno para el 16 de noviembre.

Conforme se acerca la fecha de estreno del décimo álbum de estudio de The Smashing Pumpkins, Billy Corgan, Jimmy Chamberlin, James Iha y Jeff Schroeder dan más pistas de lo que sus fans pueden esperar con las ocho canciones de Shiny and Oh So Bright, Vol. 1 / LP: No Past. No Future. No SunA principios de junio sorprendieron por su esperado regreso con "Solara" y el mes pasado formaron parte de la indumentaria de Halloween con el Haunted House Challenge en "Silvery Sometimes (Ghosts)".

Como parte del itinerario del welcome back a los integrantes originales de The Smashing Pumpkins –con excepción de D'arcy Wretzky–, el día de hoy se estrenó en los servicios streaming "Knights of Malta", track de apertura de Shiny and Oh So Bright, Vol. 1 / LP: No Past. No Future. No Sun. La canción destaca por la composición lírica mediante versos como "Los síntomas dicen persiste, así que resiste" y por guiar el eje de un álbum,que, en términos de Corgan, superará las reseñas que los califican con tres estrellas.

Además de marcar el final de una sequía musical después del lanzamiento de Monument to an Elegy (2014), Shiny and Oh So Bright, Vol. 1 / LP: No Past. No Future. No Sun tiene un valor simbólico para los seguidores de la banda y para la trayectoria de los 30 años de The Smashing Pumpkins. La reunión de Corgan, Chamberlin, Iha y Schroeder plantea las posibilidades de una producción similar a la de Machina/Machines of God (2000).

La euforia y las altas expectativas que se tienen sobre el regreso de la banda se reflejaron con la venta total de entradas para su presentación en The Sylvee y en el Aragon Ballroom y por la promesa de nuevo material para 2019. "Estamos en esta etapa de 'terminemos todo esto y tomemos algunas decisiones'. Definitivamente tenemos planes de grabar otro LP para finales del próximo año", expresó Billy Corgan durante una entrevista con la revista Kerrang! A continuación te dejamos "Knights of Malta":

 

Public Image Ltd. en el Pepsi Center WTC

Fotos Cynthia Flores

Entre berrinches y patadas.

Apenas a dos años del tan esperado debut de Public Image Ltd. en la CDMX, John Lydon y compañía volvieron a México de la mano de Euritmia para celebrar 40 años llenos de controversia, alegrías, grandes canciones y, sobre todo, muchas ganas de patear al prójimo.

Que los boletos se agotaran semanas antes del show en el 2016 auguraban que en esta ocasión el aforo sería mucho mayor; sin embargo, a pesar del 2x1, no se logró que el Pepsi Center WTC alcanzara siquiera la mitad de su capacidad.

Sin banda telonera, hecho que agradecemos quienes tenemos que pararnos temprano al día siguiente, PiL salió al escenario apenas unos minutos después de las 21 H. mientras muchos aún estaban en el baño o esperaban su turno en la fila de las cervezas.

El audio, no impecable pero decente, nos hizo pensar que después de tantos años los ingenieros por fin hallaron la fórmula mágica para evitar que los conciertos se escuchen como si estuviéramos dentro de una cacerola. Gracias a eso pudimos disfrutar en todo su esplendor canciones clásicas como “The Body”, “Memories” y “Disappointed” entre treintañeros y cincuentones que, con trago en mano, cantaban y se contoneaban al compás de la música.

Quienes han tenido oportunidad de ver a PiL más de una vez saben que no hay pierde, pero que tampoco hay espacio para las sorpresas. La banda sube y hace suyo el escenario, acompañando a John Lydon que, sin tener que pararse de cabeza o hacer gran cosa, impone respeto y hasta miedo.

Tras una versión extendida de “Death Disco”, Lydon le regaló al público mexicano una rabieta en la que atacó a uno de los camarógrafos del recinto, pidiéndole que dejara de grabar e incluso amenazando a los organizadores que observaban desde uno de los balcones con cara de no entender lo que estaba pasando.

Afortunadamente, el berrinche no pasó a mayores y el show continuó su curso. Como era de esperarse, cuando llegó el turno de “This Is Not a Love Song” y “Rise” más de una docena de personas se conglomeró al centro de la pista para participar en una suerte de slam en el que más que repartir golpes, la gente entró a embarrarse en el sudor y la mugre de los demás.

Tras salir unos minutos, la banda volvió al escenario para un pequeño encore compuesto por “Public Image” y su redención a “Open Up” de Leftfield, cuya voz original siempre ha estado a cargo de John Lydon. Sin mayores palabras, PiL se despidió, se encendieron las luces y algunos aprovecharon para tomarse una selfie con su playera de Sex Pistols y el escenario de fondo.

Mientras el público se encaminaba hacia la salida se podía ver por todos lados cómo viejos amigos se encontraban y se tomaban fotos como si de una reunión generacional se tratara. Si bien a prácticamente a todos los que en algún momento se dijeron punks se los ha comido el capitalismo y el sistema, la vida les regala espacios como este para recordar cuando usaban botas, traían los pelos de colores, tomaban mezcal barato y dormían en las escaleras de metro Pantitlán.

Bruce Springsteen anuncia disco en vivo

Luego de mantener una residencia por más de un año, Bruce Springsteen on Broadway tendrá disco.

En octubre del año pasado, "El Jefe" inició una residencia en Broadway, en el teatro Walter Kerr de la ciudad de Nueva York, con cinco shows a la semana. Aunque se esperaba que concluyera en noviembre del 2017, se extendió hasta este diciembre, logrando una cifra récord de 236 funciones. Dado el éxito, se ha anunciado un disco en vivo.

El álbum llevará el mismo nombre que su show, Springsteen on Broadway, y saldrá a la venta el próximo 14 de diciembre a través del sello discográfico Columbia Records. Este contendrá algunos de los clásicos de Bruce Springsteen en versión acústica, así como historias que el músico suele relatar en sus shows.

Al parecer, este material consiste en el audio completo de un metraje que se estrenará próximamente en Netflix, el cual fue mezclado y masterizado por los productores Bob Clearmountain y Bob Ludwig. El soundtrack estará disponible en diferentes formatos, tanto en CD como en descarga digital y streaming. La versión de lujo será de cuatro discos de vinilo.

Ya podemos escuchar el primer adelanto de ese disco con "Land Of Hope and Dreams", tema grabado en 1999 por Bruce Springsteen, pero que no fue añadido en un álbum de estudio hasta 2012 con Wrecking Ball.

Puedes escuchar ambas versiones justo aquí:

Nuevos videos de Prince

Un vistazo a la trayectoria de Prince, a través de una serie de videos.

Han pasado dos años desde que el mundo de la música perdió a una de sus grandes voces; sin embargo, su legado e influencia continúan más vivos que nunca. Es por ello que muy pronto podremos conocer una nueva cara en la era Prince, a través de una serie de videos que ofrecerán un recorrido en la carrera del artista, entre 1995 y 2010.

Los primeros adelantos han llegado y se trata de los trabajos visuales correspondiente a los temasEndorphinmachine”, Dolphin y Rock And Roll Is Alive! (And It Lives In Minneapolis). El resto de visuales serán liberados semanalmente, a través del canal de YouTube del artista.

De acuerdo con la descripción compartida en la plataforma de videos, Endorphinmachine, corresponde al clip publicado en 1995 y compartido como tesoro oculto en un juego interactivo de Prince, el cual solo era mostrado a aquellos jugadores que lograran completar una serie de misiones.

Por su parte,Rock And Roll Is Alive! (And It Lives In Minneapolis)surgió como una respuesta al tema “Rock and Roll Is Dead” de Lenny Kravitz, publicado en 1995. El tema de Prince sería estrenado meses más tarde en forma de lado b, como parte del sencillo “Gold”.

El clip de “Dolphin” resalta por el uso de una de sus guitarras clásicas y la palabra "esclavo" en una de las mejillas del músico de Minnesota, haciendo alusión a su búsqueda de libertad creativa.

The Weeknd trabaja en nuevo disco

Se revelan los planes que tiene The Weeknd para el 2019 con anuncio de nuevo álbum.

La estrella canadiense no para con los estrenos, su tercer álbum de estudio fue publicado a finales del 2016; My Dear Melancholy, un EP de seis canciones, salió este año; y ahora anunció planes para su siguiente material de larga duración, el cual seguramente llegará para principios del próximo año.

La noticia fue revelada por The Weeknd durante un show en el Club Rebel de Toronto, su ciudad natal. Esta fue la última presentación antes de embarcarse en su tour por Asia, que iniciará el 23 de noviembre en Abu Dhabi y terminará el 18 de diciembre en Japón, finalizando así la gira promocional de My Dear Melancholy.

En el concierto, el cantante dijo lo siguiente. "Quiero hacerles saber, que estar en Toronto estos últimos dos días me ha inspirado, como no lo había estado en años, tengo que decírselos (...) Quiero que ustedes sean los primeros en saber que estoy trabajando en mi nuevo álbum en este momento. Chapter VI viene pronto".

Antes de eso, The Weeknd dio pistas sobre el álbum a través de su cuenta de Twitter, sin embargo, el comentario fue ignorado por la mayoría o pensado como un mensaje relacionado a su vida personal. Esto fue lo que dijo. "Algunos capítulos son más pequeños que otros. aunque este no es el siguiente ...".

Puedes ver un video del show justo aquí: