Deftones anuncia nuevo álbum

2019 llegará con nueva música de Deftones.

Tal parece que el próximo año podremos disfrutar de un nuevo álbum de Deftones. La noticia llega después de que la agrupación originaria de California, confirmara el lanzamiento de una nueva entrega musical en 2019.

El anuncio fue dado a conocer a través de las redes de la banda, en donde compartió una fotografía de su ciudad natal, Sacramento, acompañada por los hashtags "2019" y "nueva música"; generando toda una ola de reacciones entre sus seguidores.

Fue durante el pasado mes de agosto que el quinteto liderado por Chino Moreno comenzó a revelar las primeras pistas de un posible lanzamiento, asegurando que se encontraban componiendo nuevos temas.

 

 

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El último álbum de la agrupación responde al nombre de Gore, título estrenado en 2016 de la mano del sello estadounidense Reprise Records. Tras dicho lanzamiento, los seguidores han aguardado ansiosos en espera de una nueva entrega.

La noticia del futuro estreno llega tras la celebración de su más reciente presentación en Día de los Deftones, la primera edición de un festival anual diseñado por la propia banda y realizado en la ciudad de San Diego.

Annie Lennox estrena “Requiem For a Private War”

Foto: Mark Ralston

“Requiem For a Private War” de Annie Lennox formará parte de banda sonora.

El director nominado al Oscar Matthew Heineman será el encargado de llevar a la pantalla grande la vida de la corresponsal de guerra Marie Colvin, quien falleció en 2012 mientras cubría el conflicto en Siria. Como parte del soundtrack de A Private War, Annie Lennox comparte su primer sencillo como solista desde 2010, escucha a continuación el emotivo tema.

La ex-integrante de Eurythmics comentó en entrevista que conoció a Marie Colvin en un evento por los derechos de las mujeres, llamado The Circle. “La conocí cerca de un año antes de su muerte. No puedo decir que fui su amiga, pero lo trágico es que si Marie no hubiera sido asesinada, la hubiera visto muchas veces más”, añadió que aunque no lo gusta ponerse sentimental, considera que su canción es digna de la periodista fallecida.

La encargada de interpretar a Colvin en el filme A Private War será la actriz nominada al Oscar, Rosamund Pike. En la vida real, la reportera de The Sunday Times perdió un ojo tras la explosión de una granada en Sri Lanka y fue asesinada mientras cubría el asedio en Homs, Siria. El filme está basado en el artículo Marie Colvin’s Private War de Marie Brenner, publicado en la revista Vanity Fair.

Nueva merch de Interpol

En tiempo para la época navideña, Interpol te da nuevas opciones para regalar a un fan.

A través de redes sociales el trío neoyorquino compartió fotos de su nueva línea de merch que incluye ropa deportiva como sudaderas, pants y gorros inspirados por el arte de su más reciente disco Marauder.

A continuación puedes ver algunas imágenes de estos artículos por si conoces a algún fan de hueso colorado de Interpol y no sabes qué regalarle esta navidad. También puedes ver la tienda en línea completa en este enlace para más información.

La banda conformada por Paul Banks, Daniel Kessler y Sam Fogarino continúa promocionando su más reciente álbum, Marauder.

Con esta gira fue que Interpol dio dos espectaculares conciertos en el Teatro de la Ciudad el pasado mes de agosto, fueron dos íntimas noches donde la agrupación repasó los temas favoritos de los fans y estrenó algunos de Marauder. Puedes leer nuestra crónica aquí.

No es ningún secreto que México es uno de los países consentidos de Interpol, hecho que queda demostrado por sus siempre seguros sold out en el país y porque la Ciudad de México es el sitio que escogieron para dar el anuncio de su nuevo disco y donde grabaron el visual de su sencillo “The Rover”.

Queen y la anarquía... en México

Las Reinas.

Diversas estirpes Reales han visitado México. La Reina Isabel II del Reino Unido, pisó nuestro país por primera vez en 1975. Margarita II de Dinamarca, la Reina Beatriz de los Países Bajos y la Reina consorte, Sofía de Grecia, hicieron lo propio en años posteriores.

La Corona Británica, la Monarquía Española o los Soberanos Daneses, en sus fastuosas visitas, programaron eventos con los más desprotegidos y, como si se tratara de una escenificación teatral, montaron una piadosísima farsa en la que entregaron algunas migajas, mostraron a las cámaras su misericordia y después marcharon con sus iguales de exacerbantes linajes.

De todas estas visitas de la más excluyente prosapia, destaca una que se ofreció a la prole, a la ralea mexicana, ¡la de Queen! Esta Reina que sí ejercía funciones constitucionales, y no solo protocolarias como las primeras mencionadas, planearon seis eventos en México para el año 1981, 9 y 10 de octubre, en Monterrey; 15 y 16 en Guadalajara; más dos en Puebla, los días 17 y 18 del mismo mes1.

Los ensayos para preparar la gira Mexicana y Sudamericana del Gluttons for Punishment Tour, iniciaron el 15 de septiembre de 1981, en el Civic Auditorium, de Nueva Orleans. Antes de llegar a México, Queen viajó a Venezuela, para tocar el 25 de septiembre el primero de cinco conciertos que se llevarían a cabo en el Poliedro, en Caracas. Finalmente, solo se llevaron a cabo tres presentaciones.

Las joyas de la corona

La transportación del equipamiento Real, fue por vía terrestre y a través de la frontera Laredo-México, donde las burocráticas autoridades migratorias, dispusieron de un peaje adicional, la corrupción. Estas injurias a la Corona, formulaban las más disparatadas disposiciones, que serían superadas por medio de la única visa aceptable en la frontera, dólares2.

Además de los tres tráileres3 dispuestos para montar las presentaciones en México, el resto del personal técnico, viajó en un autobús de pasajeros, El Tigre4, que antes de llegar a Monterrey, tuvo que pagar más del único arancel mexicano.

Mariachi loco

Finalmente las resonancias de Su Alteza Real detonarían en México, en el Estadio Universitario de Monterrey, pero antes de escuchar a SS. AA. RR. Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, habría que darle espacio a una inesperada banda telonera, un mariachi, quienes pagaron una buena suma de dinero para alegrar a los fanáticos de La Reina5. Con el acceso denegado a los músicos mexicanos, Queen inició el concierto con una versión rápida de "We Will Rock You".

Terminada la primera presentación de Su Majestad en México, una de las rampas construidas para la ocasión, colapsó, a consecuencia de ello algunas personas resultaron heridas, la de mayor gravedad, con una pierna fracturada. Motivo suficiente para que las carroñeras autoridades, sellaran el estadio, policías armados custodiaran los camiones, negaran la salida a Queen y cualquiera de la comitiva Real. Al cabo de algunos arreglos, que incluyeron billetes de alta denominación norteamericana, fue reparada la compensación6.

La segunda de las fechas programadas para Monterrey, tuvo que ser cancelada pues los supermercados encargados de la venta de boletos, ¡No imprimió los suficientes!7

Causas perdidas

Tras las cancelaciones de los conciertos del 10 de octubre en Monterrey, más los dos de Guadalajara con fechas 15 y 16 de octubre, Queen vuela a los Estados Unidos el día 11, de donde regresaría días después para cumplir con las presentaciones en Puebla.

Con sede en el estadio olímpico Zaragoza, el sábado 17 de octubre de 1981, se llevó a cabo la primera presentación de Su Señoría en suelo poblano.

Para acompañar a La Reina en Puebla, se tuvo el cortesano plan de presentar, como banda de soporte, a Chac Mool, quienes fueron escuchados en la Carpa Geodésica por el promotor que trajo Queen a México. Pero días antes del primer concierto en Puebla, les hicieron saber a los liderados por Jorge Reyes, que, para tener derecho a ser la banda telonera, debían pagar al promotor, cien mil pesos8.

Sin grupo de apoyo, Queen inició su gala ante un estadio colmado de fieles adoradores con boleto pagado, bueno, algunos, porque otros miles, entraron al viejo estilo, al del portazo. Centenas de espectadores ingresaron con grabadora en mano. Algunos otros, en algún momento del concierto, arrojaron zapatos al escenario, a este grupo de artillería, se le unió el de los lanza-pilas, que agotadas, eran proyectadas hacia el estrado9.

Al término de la ceremonia, los integrantes de Queen, enfurecidos, decidieron no presentarse al día siguiente. Pero dos razones harían cambiar de parecer a La Reina, la primera, la posibilidad de una confiscación del equipo por parte de las impías autoridades Mexicanas por incumplimiento; el segundo de los motivos para revertir lo decidido, fue la intervención del manager Gerry Stickells, quien acordó con los organizadores decomisar las baterías y cualquier objeto que pudiera proyectarse desde la audiencia; adicionalmente, se pactó dejar entrar con más anticipación a las hordas de fanáticos10.

Para la segunda ejecución de la Familia Real en Puebla, hay declaraciones de algunos testigos, que aseguran que adentro del estadio, los policías eran quienes vendían las pilas para las grabadoras, esas baterías fueron las incautadas afuera del recinto, entonces, eran proveídas en el interior por otro cuerpo de uniformados11. La reventa del motín, también sucedió afuera, donde los boletos incautados a los revendedores, fueron comercializados, entre otros, por los distinguidos miembros de la patrulla número 8812.

El costo de las localidades, para quien pudo adquirirlas, fue de $150 a $300 pesos, pero por la suma de $500, los encabezados por el comandante Rutilio Rodríguez, quien lideró al grupo de Servicios Especiales y Policía Judicial, quienes además, lucían uniformes de beisbolista, permitían el acceso a quien pudiera pagar por las dádivas extrajudiciales13.

Acerca de la furia del público en México, Peter Freestone, amigo y asistente personal de Freddie Mercury, quien por cierto, estuvo en la recámara de este último cuando Mercury expiró el último de sus alientos, piensa que el lanzamiento de misiles hacia el escenario, se debió a dejar sin suministro energético a quienes llevaban grabadoras.

Se estima que las giras mexicana y sudamericanas, que incluyeron la cancelación de seis conciertos más la reprogramación de otros, tuvo una pérdida por al menos, de un millón de dólares14. Días después de su estadía en México, y mientras John Deacon gozaba de las delicias del primer mundo en Beverly Hills, describió a George Harrison las historias de horror sufridas en Monterrey y Puebla15.

El lunes 19 de octubre de 1981, el periódico El Universal, reseñó. “Ni el PRI ni el PCM ni la virgen de Guadalupe o cualquier otro santo o grupo político ha tenido tanto atractivo, tanta fuerza, tanto poder para atraer a miles y miles de jóvenes como estos festivales de música rock”16.

 

1, Chapman, Phil. (2018) The Dead Straight Guide to Queen. This Day in Music Books Limited. London. Pág. 161
2, 4  Hince, Peter. (2015) Queen Unseen. My Life With The Greatest Rock Band Of The 20TH Century. John Blake Publishing Ltd. Pág. 275 3 Redacción. Octubre 19, 1981. “Más de veinte mil jóvenes, en el Recital del Grupo “Queen”, en Puebla.” Excélsior, [México, D.F.] sección espectáculos, pág. 2
5, 6, 7 Hince, Peter. (2015) Queen Unseen. My Life With The Greatest Rock Band Of The 20TH Century. John Blake Publishing Ltd. Pág. 276
8 Navar, J. X. (productor) y Quintero E. (director). 2005. México. Chac Mool. Tres Tristes Tigres. https://www.youtube.com/watch?v=UjLkR3hjzuw
9, 10  Hince, Peter. (2015) Queen Unseen. My Life With The Greatest Rock Band Of The 20TH Century. John Blake Publishing Ltd. Pág. 279
11, 15 Hince, Peter. (2015) Queen Unseen. My Life With The Greatest Rock Band Of The 20TH Century. John Blake Publishing Ltd. Pág. 280
14  Hince, Peter. (2015) Queen Unseen. My Life With The Greatest Rock Band Of The 20TH Century. John Blake Publishing Ltd. Pág. 281
12, 13, 16 Redacción. Octubre 19, 1981. “Un grito de alerta para todos debe ser el festival de rock del pasado fin de semana.” El Universal, [México, D.F.] primera sección, pág. 12

 

 

Muse homenajea a Duran Duran

Escucha una versión renovada de "Hungry Like The Wolf", a cargo de Muse.

El trío conformado por Matt Bellamy, Christopher Wolstenholme y Dominic Howard ha vuelto a sorprender a sus seguidores gracias a la publicación de una nueva versión de "Hungry Like The Wolf", tema original de Duran Duran.

La grabación corresponde a la más reciente presentación de Muse en el programa musical francés, Taratata, realizada el pasado mes de septiembre, como parte de la promoción de su octavo álbum de estudio, Simulation Theory.

Se trata de un corte de 3:11 minutos en el que la banda nos lleva de viaje a la década de los ochenta, de la mano de Matt Bellamy y su guitarra, con la que recrea los sonidos creados por Andy Taylor.

Escucha a continuación el audio de esta nueva versión.

"Hungry Like The Wolf" es el nombre que da vida al sexto sencillo de Duran Duran, estrenado en 1982 e incluido en su segundo álbum de estudio, Rio. El estilo en su sonido y la recepción positiva entre los escuchas, terminó convirtiéndolo en uno de los temas más representativos de la agrupación inglesa y del género new wave.

Te compartimos la versión original de este icónico tema, cuyo videoclip estuvo a cargo del reconocido director australiano, Russell Mulcahy.

Doves anuncia su regreso

Foto: Dave Tonge

Tras ocho años de ausencia, la banda británica Doves vuelve a los escenarios.

En 2010 Doves anunció que daría una pausa indefinida a su producción musical, así como a sus presentaciones en vivo. A ocho años de esta desafortunada noticia para sus fans, estos tienen ahora razones para emocionarse ya que la banda anunció con bombo y platillo que se acabó su descanso.

El trío originario de Cheshire dará su primera presentación desde 2010 en el Royal Albert Hall de Londresel 29 de marzo del próximo año. El concierto será un evento de beneficencia como parte del Teenage Cancer Trust. Este anuncio llega después de que la banda generó suspenso con pistas en sus redes sociales la semana pasada.

Desde su pausa, la banda conformada por los hermanos Jez y Andy Williams (guitarrista y baterista respectivamente), junto con el bajista Jimi Goodwin, lanzó la compilación The Places Between: The Best of Doves, así como una antología con sus cuatro materiales discográficos y lados B. Además, Goodwin debutó como solista en 2014 con un álbum titulado Odludek y el mismo año los Williams formaron una nueva banda llamada Black Rivers.

El último disco de Doves fue Kingdom of Rust de 2009, estaremos al pendiente de cualquier comunicado de la agrupación respecto a un nuevo álbum o sencillo.

The Good, the Bad & the Queen — Merrie Land

El disco de reflexiones profundas en un país que ya no será.

Damon Albarn, Paul Simonon, Simon Tong y Tony Allen vuelven luego de 11 años de haber sacado su primer álbum juntos. La banda, bajo el nombre de The Good, the Bad & the Queen, entrega un disco lleno de reflexiones propias de tipos maduros, acomodados e intelectuales. Una propuesta que quizá desde su nacimiento no tiene nada que perder y tampoco tanto que aportar, pero que igualmente es valiosa.

Su nuevo lanzamiento se titula Merrie Land, y como el título lo indica, el mundo que construyen está formado en una idea como de cuento que evoca imágenes en tonos sepia aunque hable de un pasado no lejano, quizá porque es un pasado al que no hay ninguna posibilidad de volver.

Desde el inicio entramos a una narrativa que combina la fantasía con la realidad política y social de Inglaterra. La introducción es un fragmento del prólogo que escribió Geoffrey Chaucer para Los cuentos de Canterbury. Enlaza entonces esta introducción con la primera canción del álbum, que habla de ferrocarriles, banderas viejas, un lugar solitario cerca del mar que espera ser visitado por alguien, por algo; habla de caballos, zorros, ovejas y vacas. Así, encontramos de manera inmediata una propuesta musical que va siempre de la mano con guiños literarios, uno de los más grandes aciertos de este disco.

Los sintetizadores se fusionan a la perfección con la batería en canciones como “Merrie Land”, que desde el inicio permite que el fraseo de Albarn se luzca, como antes, como siempre. Los arreglos musicales a veces se aderezan con violín para dotar al disco de una singular atmósfera llevada hasta el extremo.

Una feria embrujada donde los detalles corren a cargo de pinceladas melancólicas provenientes de la voz del prolífico Damon, es una de las constantes de esta propuesta, en la que uno de sus puntos más álgidos es el tema número seis: “Lady Boston” que aparece para entregar otros tonos musicales, cercanos a la paleta sonora que venimos escuchando pero con sutiles cambios que se agradecen pues permiten que el disco tome impulso. Aquí surgen unos coros que antes no habían aparecido y que cierran en todo lo alto como desde dentro de una iglesia donde se repasan los buenos deberes de una sociedad inglesa fracturada por el Brexit.

“Ribbons” es la canción poética y melosa que no podría faltar, de vuelos líricos en la letra y la voz conductora en primer plano, con una guitarra acústica sencilla y directa que prepara el oído para “The Last Man to Leave”, donde habitan los mundos de Lewis Carroll y James Matthew Barrie, el escritor delirante que quiso inmortalizar los céspedes de Inglaterra en un país donde todos son niños. Ésta es quizá la canción más desafiante del disco, primero por la narración melodramática a cargo de Albarn, pero también por los arreglos, provenientes de una sala musical donde bailan payasos perdidos en el tiempo. Una guitarra descolocada y un bajo preciso se juntan para elevar la sensación de intranquilidad.

Merrie Land termina con una consigna: salvarse de sí mismo rumbo a una tierra prometida. “The Poison Tree” es la canción que resume todo lo que en este disco está bien hecho: sintetizadores y batería tristes pero con ilusiones combinados por una mano maestra, la voz y guitarras de ensueño. Una historia de ruptura e hito hacia esa tierra prometida, a pesar del deterioro de la sociedad, del amor y las ilusiones.

Alfonso Cuarón habla con Indie Rocks!

Los sonidos que componen Roma están en nuestra memoria.

A los minutos de que ha comenzado la proyección de Roma los murmullos no cesan. Volteo para averiguar de quién se trata y me doy cuenta de que todos están enmudecidos, atentos a la pantalla y de que en realidad aquellas voces provienen de la película. El sonido es potencia. Nos traslada al período en donde ocurre la historia, al ambiente, a sus texturas... quizás es mejor decir que nos arrastra a los diferentes estadios emocionales que se suceden uno tras otro en el film. “No era tanto un testamento acerca del período histórico, es más sobre mis memorias y un punto de vista emocional, quería recuperar las texturas y los sonidos”, señala el director de cine Alfonso Cuarón sobre un aspecto de tantos que sobresalen en su cinta, el audio.

Ya sean las canciones de Juan Gabriel, el afilador pasando por las calles, la programación televisiva, el lenguaje de los personajes, la música de una radio portátil, el audio de Roma es un prodigio en los ámbitos técnico y emocional, mezclado de una manera fascinante. Un entramado sonoro que resulta familiar porque habla del acontecer cotidiano y de cómo pasan muchos eventos a los cuales no les prestamos atención, pero resultan monumentales. “Es el sonido más complejo que he hecho y que ha hecho Dolby, la mezcla tomó el doble de tiempo que Gravity, queríamos recuperar la esencia del sonido de esa ciudad, la idea era rodar hasta no estar satisfechos, teníamos que sentir que incluso podíamos percibir los olores. Hay una parte universal de ese México que no cambia”, agrega Cuarón. El sonido es tan profundo como caminar en silencio sobre eje central un domingo a mediodía. Un bullicio sobre tu mente.

Roma, junto con la nueva cinta de Los hermanos Coen, La Balada de Buster Scruggs, son producciones sobre las que Netflix tiene los derechos de transmisión y han tenido que estrenarse en principio en salas de cine para que puedan competir por algún Óscar, y después, contra lo que había dicho el gigante del streaming, también se estrenaron en cines alrededor del mundo. Alfonso Cuarón dice al concluir la entrevista con Indie Rocks! que la polémica entre Netflix y las salas de cine es simplemente una pugna por un modelo económico. Puede ser. Sin embargo, no han sido pocos los directores que están en desacuerdo porque sus filmes se vean en pantallas minúsculas con un sonido que está lejos de transmitir lo de una sala de cine. Lo cual también es cierto. Cuando concluye Roma es claro, la película debe verse en cine. Y debe verse como su creador la construyó: en 4K y con sonido Dolby Atmos. No se trata de una preferencia sobre la privacidad y la comodidad del hogar, pero a menos de que tengan un sonido muy potente y un lienzo enorme en sus hogares se perderá la fuerza cinematográfica del film. Porque Roma es todo lo que los críticos de cine han dicho, y mucho más: es un milagro, cinema puro, una experiencia que nos ahoga en los recuerdos familiares y personales. En la rutina del desayuno, las comidas y las cenas donde los afectos se desbordan. Y eso está lejos de sentirse en una pantalla de casa, una computadora o un celular.

El film apunta Alfonso Cuarón. “Era un inquietud de explorar una llaga personal y a la vez una llaga social. Dos llagas distintas que se proyectan una con la otra. Soy uno de los niños que aparecen ahí, el segundo mayor, Paco. En esa época sucedieron eventos transformadores, pero esta película no es acerca de mí, en realidad estás siguiendo a Cleo, que es uno de los seres que más quiero en mi vida”. La “historia” podríamos resumirla en un párrafo, porque como dice él no es una gran “trama”. El relato parece anecdótico hasta cierto punto. La fragmentación de su familia y la crisis personal que atraviesa Cleo (Yalitza Aparicio), la empleada doméstica, es a manera escueta el conflicto de Roma, el octavo largometraje del director mexicano. Pero la esencia no está en el fondo, sino en su forma. En su poesía.

“Cualquier película es personal, en realidad las películas las he hecho porque ha habido una necesidad, quizá alguna tuvo un poco un desvío, pero en general todas las que he hecho han tenido una necesidad muy íntima, Y tú mamá también estaba poblada de referencias biográficas, pero todo eso enmarcado en una narrativa de ficción. Aquí el proceso fue lo importante, fue una película que no hice con un impulso narrativo, sino con el impulso de recuperar esas memorias y plasmarlas, y hacerlo desde un punto de vista sensorial confiando en que eso iba a llevar la emoción. Fue un proceso distinto a todos los otros que he tenido”.

Un Cuarón muy tranquilo explica su film, pero es difícil comprender de qué habla hasta que ves, o mejor dicho, hasta que sientes, hasta que vives su película. Habla de las dificultades técnicas que implicó recrear algunos escenarios, de que los efectos visuales los hizo MPC, de que la corrección de color la hizo Technicolor y que quería una fotografía en blanco y negro contemporánea, de que está rodada en 65 mm cuando muchos directores lo hacen en digital, de que originalmente la iba a fotografiar "El Chivo" Lubezki, de que éste fue quien lo convenció de que lo hiciera el propio Cuarón, de que buscó un operador-fotógrafo mexicano que lo apoyara (Galo Olivares) y le diera un punto de vista fresco, de que estuvo durante el rodaje y parte de la postproducción con el director hindú Chaitanya Tamhane como parte del programa de Rolex y que él tuvo el guión antes que cualquier otro miembro de la producción. Insiste con la ausencia de la narrativa.

“Aquí son flujos de escenas, escenas que son momentos y que empiezan a tener una congruencia uno tras el otro, lo que empuja la película son momentos que se van acumulando y van teniendo un efecto emocional a medida que avanzan, la esperanza es que este efecto se dé a medida de este otro impulso emocional que lleva la memoria. La película se trata de cómo se crea una nueva familia, y está clara la separación de clase dentro de un núcleo familiar, es necesario crear unas transformaciones inmediatas acerca de la relación con las trabajadoras domésticas. Muchas de estas trabajadoras domésticas terminan convirtiéndose en el lazo emocional que une a las familias”.

Roma palpita en sus delicados planos, un avión reflejado en un charco de agua, un auto estacionado cuidadosamente, un cigarrillo sobre la palanca de velocidades, el ir y venir de Cleo sin realizar un corte en el plano; estamos ante un milagro cinematográfico que muestra las grietas familiares y personales. Grietas cuya reparación implica dolor y, sobre todo, amor.

Faire en Foro Indie Rocks!

Energía e irreverencia con Faire.

Estamos a poco tiempo de que acabe el año, y las sorpresas musicales no terminan, HIPNOSIS junto con Trocadero nos siguen demostrando que llegaron para presentar actos llenos de fuerza y nos llevaron a una noche fuera de este continente con Faire.

Después del par de bandas teloneras que llenaron de ruido y punk la pista de baile, casi a la medianoche las cuatro figuras que conforman al grupo francés Faire se iluminaron, para desatar el baile desde el primer minuto, con sus potentes arreglos con reminiscencia de new wave y guitarras delirantes. La irreverencia punk forma parte de esta banda y con teclados al aire y contorsiones desenfrenadas, para su segundo tema una ráfaga de burbujas de jabón los rodearon, un acto dulce que contrastó de la mejor manera con el éxtasis que comenzaba a reinar sobre y bajo el escenario.

Con un saludo en español, que sorprendió a más de uno esta banda se sentía más que agradecida por el recibimiento y dieron paso a presentar el tema “Christiane”, que comenzó como el recital de un poema doloroso, para dar paso a una canción desenfrenada que al ser iluminada con una luz roja el sentimiento de estar en un pub europeo en el centro de una nueva evolución musical, aumentó.

Estos franceses dominaban el escenario, se cargaban en hombros entre ellos, subieron a sus fans a tocar las percusiones con ellos, cambiaban de lugares, se subían a sus instrumentos, se preparaban para “Mireille se rappelle” una de las canciones más famosas de Faire y que fácilmente podría musicalizar una capítulo de Skins por la velocidad y fuerza.

Para la mitad del show, ya no había espacio para la ropa ni el control, rompiendo la barrera entre el público, los integrantes cantaron con ellos e hicieron el clásico crowd surfing deleitando a todos los presentes con la totalidad de su álbum C'est l'été.

Si bien el Foro no estaba abarrotado, la euforia sí se encontraba al máximo. La energía que los cuatro integrantes de Faire desbordaba sobre el escenario era impresionante. La música no conoce de lenguajes y aunque muchos no podían corear los canciones de estos franceses, los brazos al aire denotaban la catarsis que los franceses provocaron. Sin duda una de las bandas que hay que seguir, por su increíble propuesta.

Daniela Spalla en el Lunario del Auditorio Nacional

La santa patrona de los corazones rotos.

El viernes, 30 de noviembre, la sala del Lunario del Auditorio Nacional se llenó del romanticismo y dolor del que Camas Separadas está impregnado. Los fans hicieron vibrar el recinto cada que coreaban una canción de la talentosa cantautora argentina Daniela Spalla.

Daniel, me estás matando fue el encargado de abrir el show, con algunas canciones como "¿Qué se siente que me gustes tanto?" y "Diez pasos hacia ti" logró prender los ánimos de los asistentes, quienes entusiasmados bailaban al ritmo del bolero glam.

Las luces se encienden y se escucha "Prometí no verte más y tiré las llaves para no escapar. Prometí no verte más lo acordamos juntos para no estallar", los fans vitorean a Spalla, mientras ella dio inicio al concierto dedicado a los corazones rotos, los amores no correspondidos y los que deben dejarse atrás para rescatarte a ti mismo.

"Insomnio", "Canción Decente" y "Trasatlántico" fueron las canciones seleccionadas para que los asistentes prepararan sus gargantas para cantar todo el dolor que llevaban adentro. La cantante argentina se tomó un minuto para agradecer el cariño con el que han recibido a su música, en especial su nuevo álbum Camas Separadas.

Sonaba "Vayámonos de viaje, lejos, por una última vez, para encontrarnos sin recuerdos, sin nada que perder. Te espero en Costa Rica", pero, a la mitad de la canción la cantante decidió parar para invitar a Daniel Zepeda para interpretarla con ella, los espectadores no dejaron de entonar la melodía ni un sólo minuto.

La noche del pasado viernes será recordada como "La noche del club de los corazones rotos", pues cada uno de los asistentes cantó con euforia y desgarro canciones como "Prefiero olvidarlo", "Si no lo cortas" y "Los de siempre", estás últimas fueron muy especiales, pues Daniela nos regaló la versión acústica.

El show se transformó con la llegada de Elsa y Elmar interpretando "Viaje a la luna", canción en la que originalmente colabora el español Carlos Sadness, y con su abrigo blanco llenó de plumas parecía que Daniela Spalla volaba hacia la luna "sin pensar en qué dejó atrás".

Aunque los ánimos de la sala parecían estar más encaminados a un karaoke colectivo y depresivo, el cover "Que nadie sepa mi sufrir" logró prender a todos en el recinto, iniciando la fiesta al hacerlos bailar con el dolor vibrando en sus gargantas y corazones.

La argentina aprovechó un momento para agradecerle a su mamá por ayudarle a confeccionar su hermoso atuendo "mi mamá literalmente bajo del avión para ayudarme a pregar plumas, cada una representa a cada uno de ustedes" dijo mientras se reía un poco, posteriormente presentó sus siguientes canciones con estas palabras: “Yo no soy mucho de playa, pero bueno, la idea es tan linda que he hecho un par de canciones sobre ella y esta es una” presentó uno de sus nuevos éxitos "Pinamar".

Esa canción y "Amor difícil" fueron unas de las más coreadas esa noche, seguidas de "Volverás" canción que logró hacer que las lagrimas de más de uno brotaran, tal vez de tristeza o de emoción, incluso ambas. Pero sin lugar a dudas la sorpresa de la noche fue el solo de guitarra del invitado especial Adan Jodorowsky en el poderoso sencillo "Vete de una vez".

La velada concluyó con la consentida del público "Estábamos tan bien", la dulce voz de Daniela Spalla cerró con broche de oro entonando "Cómo me dejaste de amar, de golpe y sin avisar. No me diste opción, ninguna opción de salvarlo a tiempo".

La santa patrona de los corazones rotos les regaló una noche inolvidable a todo aquel que deseaba cantar sus tristezas, quejas y resentimientos, entre la multitud para sentirse acompañados y darse cuenta que a todos nos han roto el corazón más de una vez, pero siempre hay oportunidad de desahogarte entonando las canciones más dolidas que te ayudarán a sanar.