Windhand — Eternal Return

El soundtrack de un camino macabro.

Imaginemos que somos Ghost Rider, el personaje que Marvel ha dejado a un lado de su universo cinematográfico porque no es lo suficientemente atractivo para ser interpretado por alguno de los hermanos Hemsworth. Nuestro cráneo arde como recordatorio de un pacto con el diablo, y que ante el girar de la manivela del acelerador de nuestra poderosa motocicleta comienza a sonar “Halcyon”, primera canción del cuarto disco de Windhand: el riff que inicia nuestro camino, la voz que lo guía, los ecos rotos de una persecución que nos aguarda camino al infierno.

“Grey Garden” y su sucia distorsión, Dorthia Cottrell como fina muestra de la voz de ángel caído para convertirse en Lucifer, dosis de gozo ante la miseria, la melodía que se entreteje entre el pesado andar de dos patas de cabra sobre el fango. El imprevisto cambio de tono, la guitarra en reverb de fondo que nos transporta a una aparente calma, un jardín sonoro ideal entre tanto concreto, y un solo desgarrador para arrastrarnos de nuevo a una realidad difusa pero alentadora: el doom metal vive sus grandes glorias recientes gracias a bandas como Windhand.

“Pilgrim’s Rest” cual canción country y su dejo de oscuridad, un luto en las montañas, un beso de aguardiente casero ante una fogata en espera del amanecer, un lamento a la par de los aullidos de los lobos en Virginia, territorio de pentágonos y también de pentagramas. “First to Die” y su denso andar entre el fango, sacrificios necesarios, elegías sin destinatario específico, la lentitud como perfecta estrategia de propagación en un cuarto vacío, las bocinas que emanan su fuerza sin tender a la veloz rabia, y de nuevo los solos de guitarra que reptan entre la distorsión del bajo y los tiempos perfectos, no como los de dios mediante.

“Light into Dark” cual látigo sintetizado en las cuerdas de la guitarra que da paso al ensamble siempre siniestro y evocador, una suerte instrumental que funciona como preludio a “Red Cloud”, Black Sabbath a la sexta potencia doom, lentitud y hartazgo, esperanza en una voz dinámica, contratiempos ideales, y aunque pueda parecer que cada canción de Windhand tiene una estructura similar, son estos cambios en la forma de la interpretación los que denotan su inventiva. “Eyeshine” como largo recordatorio de que la maldad persiste en la creatividad, ruidos de fondo que dan paso a la distorsión, riffs dantescos que jalan nuestros pies en las orillas del río Estigia, la marcha de la muerte que nos acecha y nuestro ciego andar precavido para evitarla, 11 minutos de una travesía por el inframundo.

“Diablerie” cual enredadera de rosas rojas como ofrenda al maligno, pisar el acelerador como presagio, el camino está por terminar pero no la condición tosca de la mano que controla el aire, que mece la cuna, que alivia y que destroza. “Feather”, el dead end perfecto de la carretera que recorrimos, los campos secos que dejamos atrás, la guitarra cual anunciación de un último sello roto, cual vengadores fantasmas volveremos a nuestro infierno personal mientras nos arrulla la música y la voz nos anuncia lo que vendrá. 13 minutos de destellos doom y el gran final para una pieza ansiada y diferente, trasgresora y trepidante, ruidosa y maléfica.

Entrevista con Exploded View

La música como unión multicultural en el siglo XXI.

La globalización que hemos vivido en el inicio del siglo XXI, nos ha llevado a la generación de entidades musicales que surgen a partir de la necesidad de colaborar en proyectos que combinen los diferentes estilos musicales de sus integrantes. Exploded View es el claro ejemplo de este tipo de colaboración musical, más que una banda son un ensamble que une diferentes talentos para generar una propuesta musical única. Charlamos con Hugo Quezada para conocer más sobre la banda y el lanzamiento de su segundo LP.

“Nuestro primer acercamiento fue en 2014, cuando Anika se encontraba de gira en México y amigos en común nos presentaron pues en ese momento se necesitaban músicos de soporte para acompañarla en el escenario. Nuestra relación musical fue muy casual y natural, es decir, conectamos musicalmente muy bien desde ese primer encuentro”.

Previo al surgimiento de la banda, Quezada había dedicado su carrera musical a la experimentación de sonidos que lo alejaba de la ortodoxia musical mexicana para centrarlo en otro espectro pocas veces desarrollado en México.

“Comencé mi carrera en los años 90, con una pequeña banda donde surgió mi interés por experimentar con los sonidos y no generar una réplica del sonido que se presentaba dentro de los pequeños foros del país. La música mexicana no se acercó a mi trabajo ni yo me acerqué a ellos”.

El primer LP de la agrupación es el resultado de un proceso creativo donde el jam era parte esencial para ir desarrollando una identidad propia como músicos en la nueva aventura que emprendían, pues todos los integrantes, previo a formar el grupo, ya tenían una carrera sólida.

“Nuestro proceso creativo surge a partir de la experimentación sonora. Cuando nos juntamos ya en forma para crear, notamos que nuestras influencias convergían entre sí y claro, pues a Martin Thulin lo conozco desde hace 15 años y nos hemos desarrollado en la misma burbuja musical. Nuestro objetivo con Exploded View es ser libres, crear música sin ataduras y que nos permita mantener la independencia en todas las actividades de la banda. Básicamente hacemos lo que queremos cuando queremos. Definir nuestro trabajo sería decir que hacemos: experimentación orgánica”.

En 2018 el trío, publicó Obey su segundo disco donde se nota un desarrollo mucho más centrado en las ideas encima de la experimentación sin guía. El disco bien recibido por la crítica los ha consolidado como una propuesta musical diferente en el mundo musical mexicano.

“Nuestro nuevo disco fue una evolución, pero a la inversa, pues no fue hacía afuera, sino que se trató de un desarrollo introspectivo en el cual plasmamos de forma más controladas nuestras ideas, lo cual llevó a reducir nuestra improvisación para darle mayor orden a las ideas y que éstas fuesen la pauta para construir nuestro sonido”.

La escena nacional es un monstruo de mil cabezas, pues la diversificación que se ha tenido durante esta década ha dado muestras de que las nuevas generaciones quieren salir del letargo musical previo para entrar en una nueva lógica que le dé un nuevo sentido a la música nacional.

Exploded View puede considerar una manifestación mexicana de otro lenguaje pues en realidad el decir que somos una banda de México solo es por nacionalidad y no porque exista una verdadera relación con el trabajo que se crea en el país. Preferimos enfocarnos en el contexto global porque es ahí donde encontramos mayor eco a nuestro sonido. Las nuevas generaciones han salido del letargo en el que habían estado y comienzan a crear sonidos que distan mucho de lo que se hizo en la década pasada. Ejemplo de ello es El Shirota, banda con la que he podido colaborar”.

En próximos días, la banda llegará a México para iniciar el cierre de su gira durante este año y tomarse un descanso de su movida agenda musical que los ha llevado a tocar a diferentes latitudes.

“Sentimos mucha emoción por tocar en el Foro Indie Rocks!, es la oportunidad de hacer un cierre de gira impresionante y, así, poder tomar un descanso. Existen propuestas para el próximo año pero se irán concretando poco a poco. Por ahora pensamos en nuestro próximo show en la Ciudad de México”.

La banda se presenta el próximo 15 de noviembre en el Foro Indie Rocks! Si aún no conoces a la banda es un buen momento para darle una oportunidad e ir a uno de los conciertos que seguro dejarán huella dentro de la casona de la calle Zacatecas.

TOP 5: Novedades del Corona Capital 2018

Conoce las propuestas jóvenes más interesantes del Corona Capital 2018.

Aunque todos queremos ver a las bandas más legendarias del lineup, siempre hay proyectos pequeños que nos pueden sorprender.

En seguida te dejamos una lista de recomendaciones de novedades que seguro te van a encantar.

K. Flay

Kristine Meredith Flaherty se ha apuntalado como una de las propuestas más interesantes dentro de la escena alternativa en los últimos cuatro años. Aunque se encuentra en activo desde hace 15 años, fue hasta 2014 que lanzó su álbum debut: Life as a Dog. Sus rimas aún conservan la ironía y el desenfado de su adolescencia compleja. En 2016 firmó con una subsidiaria de Interscope Records y tras el lanzamiento de su sencillo "Blood in the Cut" logró la exposición masiva. Este tema apareció en la cuarta temporada de la serie animada BoJack Horseman y la sacó de gira junto a Imagine Dragons.

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Børns

En 2015, el cantante norteamericano Garrett Borns lanzó su álbum debut, Dopamine, reivindicando su sonido y mejor aún, superando el trabajo mostrado en aquel EP de 2012, A Dream Between.

Es precisamente en este trabajo que se deprenden los temas “Past Lives” y “Electric Love”, que seguramente sonarán el próximo 17 de noviembre en el debut frente al público mexicano de Børns, que promete ser uno de los actos más especiales de la noche. Una cita obligada si lo que estás buscando son sonidos frescos, surgidos de una mezcla de juventud y talento.

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Pale Waves

El estilo de Pale Waves ha llevado a sus integrantes a ser considerados como una promesa de la nueva ola inglesa.

Entre sus propuestas más destacadas, podemos encontrar temas como Heavenly, The Tide y Television Romance, incluida en su álbum debut, My Mind Make Noises, estrenado el pasado mes de septiembre.

La banda estará debutando en nuestro país el próximo 17 de noviembre, como parte de la oferta musical del primer día de actividades del Corona Capital. Una buena oportunidad para romper los estereotipos y no juzgar un libro por su portada.

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Superorganism

Desde el lanzamiento de su álbum debut a principio de marzo de este año, esta joven agrupación ha toureado por varias partes del mundo, gran parte de Estados Unidos y Canadá, Europa, Japón y Australia. Dicho material está formado por fragmentos que cada miembro aportó para así formar una especie de collage sonoro. “El tema central del disco son las conexiones entre cada uno de nosotros como una banda, con la sociedad, la tecnología, con la naturaleza, con el universo. Todo es acerca de conexiones”, comentó Harry de Superorganism para Indie Rocks!

Ahora ha llegado el turno de que canciones como “Everybody Wants to Be Famous” y “Something For You M.I.N.D.”.

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The Lemon Twigs

Los hermanos D'Addario conquistaron el año pasado con su álbum Do Hollywood, el cual sacaron a finales del 2016. Durante ese tiempo se convirtieron en uno de los proyectos más interesantes y prometedores en la actualidad. La clave del éxito de The Lemon Twigs es que su sonido, ajeno de las tendencias musicales del momento, tiene autenticidad y un toque personal. Ahora el grupo está de gira con Go to School, álbum conceptual, por lo que será aun más interesante verlos en vivo.

TOP 5: Esenciales del Corona Capital 2018

El Corona Capital 2018 está a unos días de realizarse. Checa los actos esenciales de este año.

La novena edición de Corona Capital está a la vuelta de la esquina y luego de una larga discusión editorial, Indie Rocks! te hace algunas recomendaciones de actos que sin duda no debes perderte y que obviamente deben estar en tu itinerario.

Géneros como la electrónica, new wave, rock, pop, entre otros, serán parte de dos días de uno de los festivales más importantes de Latinoamérica en los que los actos de renombre harán vibrar a cientos de fans que se den cita en la Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez este 18 y 19 de noviembre.

 

The Chemical Brothers 

A pesar de que el dúo conformado por Tom Rowlands y Ed Simons ya ha visitado México en múltiples ocasiones, su show es algo que no te puedes perder. Los ingleses crean una atmósfera única con imágenes psicodélicas, luces estroboscópicas y láser, además –en ocasiones– en sus presentaciones en vivo nos podemos topar con invitados de lujo. Esta vez, The Chemical Brothers regresa a nuestro país con nueva música (“Free Yourself”) y para presentarse en el Corona Capital junto a bandas como The Jesus and Mary Chain, Nine Inch Nails y New Order ¿Será que escucharemos “Out of Control” en la voz de Bernard Sumner?

The War on Drugs

La banda de Philadelphia el año pasado lanzó A Deeper Understanding, placa en la que el realismo se hace presente sin presiones, todo de manera tranquila a diferencia de sus antecesores. Para dar promoción a este material The War on Drugs ha decidido que los fans de México escuchen en directo los mejor de su repertorio en el escenario Doritos Bunker, en el que, sin necesidad de gran producción, pondrán a corear a los asistentes. Esta es tu oportunidad de cantar "Red Eyes", "In Chains" y demás canciones que sin duda han formado parte de la playlist de tu vida.

New Order

Desde su creación, la agrupación británica ha logrado conectar con sus seguidores gracias a su estilo que combina sonidos electrónicos con el rock. Bernard Sumner y compañía volverán a México para hacer vibrar a sus fans con temas clásicos y también para promocionar su más reciente trabajo discográfico Complete Music. Con visuales y un impresionante juego de luces, la agrupación se apoderará del escenario Corona Light el segundo día de actividades del ya consolidado festival.

Mercury Rev

La banda estadounidense es una de las grandes sorpresas del Corona Capital y fue muy bien recibida, ya que es uno de los proyectos más interesantes de las últimas dos décadas. Este es un grupo que ha evolucionado constantemente y que en cada uno de sus trabajos ha empujado sus propios límites. Actualmente Mercury Rev está de gira por el 20 aniversario de su cuarto álbum de estudio, Deserter's Songs, uno de sus discos más aclamados y considerado por diferentes medios como el mejor lanzamiento de 1998, así que está asegurado que viviremos un show único.

Nine Inch Nails

El regreso de NIN a México siempre alborota a toda la fanaticada que ha seguido la carrera de Trent Reznor y compañía desde hace décadas. Fiel a sus principios, la agrupación no cede ante las exigencias de una industria musical contaminada de malos hábitos y no deja de sorprendernos con nueva música. Con su más reciente entrega, Bad Witch la banda emprendió una gira, acompañada de una gran producción de luces e impecable sonido. Uno de los shows más energéticos e imperdibles del rock industrial.

 

Los Espíritus en SALA

El ritual del baile a través del sonido espiritual porteño.

Los integrantes de Los Espíritus salen al escenario con sus guitarras y bajo en la mano, sacan estos instrumentos de los estuches, se conectan, afinan rápidamente, sueltan los dedos, la voz y  comienzan su música que enseguida pone a todos en vuelo. Media hora antes, Felipe el hombre se  presentó con un muestrario rapidísimo de su propuesta, que suena con mucha influencia del indie argentino y chileno. Su tema “Otro día” sorprendió a más de uno en el público, ahí donde varios tuvieron su primer encuentro con la banda hecha en el norte de México.

“La crecida” es el tema de apertura de Los Espíritus, Santi Moraes ya está arriba de energía, baila y busca llevar su voz bien lejos. Se mira con Maxi Prietto pero en verdad hablan con gestos y acordes. Buscan arrimarse al fogón que están creando, para que, desde ahí, sean los chamanes de esa noche. En el cuarto tema, ya bien logrado el calor y el comienzo del ritual, lanzan una canción nueva, como para tentar el recibimiento, que es mucho y es bueno. Una canción de nombre desconocido donde la voz de Moraes se luce junto a las guitarras de Maxi y Miguel Mactas.

Las luces que los acompañan en el escenario son principalmente rojas y anaranjadas, como para recordar la portada de su disco Agua Ardiente, dibujada con estos colores. El uso del hielo seco más de lo habitual, seguramente responde al contexto, pues parece que Los Espíritus vienen de un sueño o de la noche para conducir a su público (durante dos horas) a una atmósfera de paz y alegría. Logran ser chamanes en el escenario, la gente en la quinta canción ya está entregada, guiada por las percusiones, bajo y voces de la banda porteña. Si tomáramos a una persona del público: con sus bailes como en trance, los ojos cerrados, el pelo largo, un jorongo multicolor; y lo pusiéramos en Woodstock, pasaría desapercibido entre todos tus iguales.

Los Espiritus

Aquí las luces pasan al azul y blanco, pues anuncian otra etapa del trance. “El pibe mira al hombre y le aguanta la mirada” suena “La mirada” que une a todos en un canto que quita el estrés de los días. Aquí, el chamán es Maxi. La banda se luce con largos pasajes instrumentales, algunos de ellos quizá improvisados pero siempre logrados a la perfección. Las percusiones son clave, la unión del sonido del cuero y la madera con las texturas eléctricas de las guitarras se fusionan para abrir otro mundo desde el escenario, al que todos, sin excepción entran bailando.

Llega el turno de “Perdida en el fuego”, una canción con guitarras muy profundas, que despiertan animales, despiertan besos, bailes tranquilos y extiende el ritual. Las luces van al techo, buscan dejar escenario y público en total oscuridad, un dato no menor, una acción que responde a la búsqueda de ese ritual que se logra.

Hacia el último bloque una conjunción de temas viejos como “Negro chico”, de su disco Gratitud, levantan las energías de los seguidores hacia un final que llega muy arriba, como para que la noche se extienda, el trance no termine y la gente siga bailando

Molotov unplugged en el Teatro Metropólitan

Fotos Cortesía OCESA

La bomba se apagó.

Nunca se había visto a Molotov así. Un teatro en silencio, los cuatro sentados sobre el escenario, los miles de asistentes también, atentos y expectantes como quien observa una presentación de ballet, pero en realidad viendo a una de las bandas de rock más icónicas de México escupirles “Amateur”… en acústico.

Cuando las luces se encendieron, la banda y los músicos ya estaban sentados en los bancos de los que casi no se levantarían durante hora y media; y así como ponerle play a un disco, sin decir más, echaron “Here We Kum”. El público no se terminaba de acomodar, y el juego de luces del escenario y la gente que se levantaba para ir a buscar más cerveza era lo único que se movía en el recinto.

Ver a los asistentes levantar el puño y corear el “Oh oh oh” de “Amateur” desde sus asientos, fue la sensación más extraña, pero escuchar “Dance and dense denso” en el lugar con menos empujones del planeta fue casi ridículo. “Gimme the Power” levantó el ambiente un poco, o por lo menos Ayala dejó su asiento durante media canción.

Los miembros de Molotov son rockstars y lo saben. En este concierto reposaron sus bebidas en una mesa con mantelito y cantaron los himnos de la resistencia recargados en un sillón, con los pies sobre la mesa de centro, como viendo un partido de fútbol en domingo.

Tocaron El desconecte completo y prácticamente en orden. Hay canciones que funcionan muy bien en este formato como “Hit me”, incluso mejor que en cualquier otra versión; mientras otros arreglos exóticos como las gaitas en “Mátate Teté” confunden y cortan el ritmo del público. En ocasiones la energía de los músicos de apoyo vibra más fuerte que la de cualquier miembro de la banda.

Hacia el final tocaron “Frijolero”. El concierto empezó de verdad. El público dejó sus butacas en una oleada que vino de adelante hacia atrás.  La fuerza que despegó los traseros de los asientos provino del chirrido del acordeón y el sentimiento de mexicanidad que no se pudo ignorar, de las luces que se encendieron en verde, blanco y rojo, y de los tiempos que siempre le han jugado tan bien a Molotov; que se ha ganado todo por saber cómo transformar la furia que se siente en la boca del estómago, la impotencia, la injusticia y la agresión, y convertirlos en una canción.

Se siguieron con “Voto latino”, “Cerdo”, “Marciano” y la sabrosa “Rastamandita”. Ya se les había olvidado el unplugged. En “Puto” lograron hacer a la gente brincar, era la última canción. Se fueron entre coros e insultos por no regresar a tocar una más. El desconcete suena bien como para ponerlo en una reunión de adultos contemporáneos con cubitas y cacahuates, pero… ¿funciona en vivo?

Carlos Sadness en el Teatro Metropólitan

Fotos Cortesía OCESA

Hasta las estatuas del Metropólitan bailaron al ritmo de Carlos Sadness.

Después de dos años de su primera visita a México, llenando el Lunario del Auditorio Nacional, posteriormente presentándose en el Vive Latino, el festival Catrina y logrando sold out, en tan solo unas horas, en El Plaza Condesa, el cantante español Carlos Sadness abarrotó el Teatro Metropólitan con su Insólito Espectáculo de DesilusionismoPehuenche y Pedrina fueron los encargados de abrir el show, preparando los ánimos de los asistentes para el tan esperado encuentro con Diferentes tipos de luz.

Carlos Sadness pisó el escenario puntualmente y –al igual que sus músicos– portaba un traje y pelucas haciendo alusión a su canción "Sebastian Bach". Con los primeros acordes el público enloquece, y cantan en una sola voz. "Parece que hayas nacido en el siglo XVI, que nunca hayas salido de Versailles. Me cogías de la mano para llevarme a ver la república independiente de tus lunares".

"Perseide" logró que los pocos que aún continuaban sentados, se levantaran y comenzarán a bailar. Pero, sin duda un momento que sorprendió gratamente fue escuchar "Poli", de la banda mexicana Zoé, en la voz del español, ya con la emoción a flor de piel, llegó "Volcanes dormidos" seguido de "El gran momento".

Uno de los invitados más esperados fue Caloncho, quien cantó "Amor papaya", canción que obtuvo gran éxito desde su lanzamiento. Cuando vieron salir al mexicano detrás de bambalinas los gritos inundaron el recinto, las voces de los asistentes retumbaron cuando coreaban "eres mi fruta favorita, te rompes en mi boca, me llenas de pepitas"Caloncho salió, pero para darle paso a Pedrina y su original interpretación de "Semitransparente", la cantante colombiana logró transformar la canción introduciendo su propio estilo, y danzando al son de las melodías de Carlos Sadness.

Justo a mitad del show, cuando la gente más cantaba, cuando los invitados comenzaban a hacer gala de su presencia, sonaron los acordes de "Miss Honolulu", el ambiente estaba más prendido que nunca, el cantautor saltaba por todo el escenario con sus músicos, el público bailaba frenético cuando escuchaba "y si al final te vas, veremos tus hombritos a través de una postal de Hawaii", pero los ánimos llegaron al máximo con la transición a "Celeste".

Días antes del concierto, a través de redes sociales, algunos fanáticos le pidieron que tocara "El día que hizo más viento que nunca", pues es una canción que casi no interpreta en vivo, Sadness sabía que en esta importante fecha debía complacerlos, así que, detrás de él, se proyectó la imagen de la portada de Ciencias Celestes, algunos no podían creerlo y gritaban "gracias por volver a tocar esta canción, te amo".

Cuando "Longitud de onda" estaba a punto de saltar de su boca al vació, para ser rescatada por la voz de los seguidores, Sadness dijo "ustedes al principio odiaban esta canción porque pensaban que era reggaetón, arrepiéntanse; aunque en el estribillo sí que tiene un poco de perreo".

Haciendo honor a su nombre, el momento sad de la noche llegó en voz de Melissa Robles, "Quiero que conozcas la verdad sobre los días impares. Tus pequeñas dudas, podrían volverse gigantes, menos mal que existes y no tengo que imaginarte", entonó al lado del español; pero sin lugar a dudas "Pompeia" hizo llorar a más de uno, la historia de amor de dos personas que están destinas a estar juntas, pero no pueden y se encontraran así sea en otra vida, "Intenta encontrarme cuando ya no esté aquí. Yo te buscaré, pase lo que pase".

El último invitado que faltaba era Siddhartha, todos se encontraban expectantes pues los escuchaban juntos por primera vez, "Hale Bopp" fue la elegida para acompañarlos y no pudieron escoger mejor, escuchar "los testigos oculares de tu órbita saben el día exacto en el que volverás, lo llevo calculando desde el 96. Te espero en la ventana veinte años después", en voz del tapatío fue una experiencia casi mágica y el mejor momento de la noche.

Después de un cambio rápido de vestuario, Sadness regresó para interpretar "Chihuahua" seguido por su propia versión de "Llorona", dar una muestra de que aún conserva su don para rapear y culminar la gran noche con tres consentidas por el público mexicano "Hoy es el día", "Qué electricidad", la que nunca puede faltar, y "Monteperdido".

Indudablemente el Insólito Espectáculo de Desilusionismo será un recuerdo que Carlos Sadness  atesorará, pues fue la primera vez que le cantó a las estatuas que resguardan el Teatro Metropólitan, junto con sus fieles seguidores, que hicieron de la noche algo mágico, logrando que Diferentes tipos de luz vibrara en el recinto y sus corazones.

Wu-Tang Clan estrena documental

Conoce todos los detalles acerca del documental de Wu-Tang Clan.

El próximo 9 de noviembre se cumplirán 25 años del lanzamiento de Enter The Wu Tang (36 Chambers), uno de los títulos más destacados en el género hip hop y referente en la trayectoria de Wu-Tang Clan.

Como parte de la celebración, la agrupación neoyorkina confirmó el lanzamiento de un documental titulado For The Children: 25 Years of Enter The Wu-Tang (36 Chambers), en el que podremos conocer más detalles detrás del origen de este álbum debut, así como su trascendencia dentro de la escena musical.

La dirección del filme corrió a cargo del cineasta Shomi Patwary, quien a través de su cámara, retrata la experiencia de los integrantes detrás de cada canción, así como distintos cameos, a cargo de figuras como A$AP Rocky, A$AP Ferg Joey Badass.

El título será estrenado por Certified Classics y está disponible de manera digital, a través de su canal de YouTube. Obsérvalo a continuación.

“Este filme explora cada canción a través de historias no contadas de los miembros del clan Wu-Tang Clan, junto con reflexiones personales de artistas como A$AP Rocky, A$AP Ferg, Joey Badass y muchos más”. Es parte del mensaje compartido por el sello distribuidor, previo a u estreno el próximo 9 de noviembre.

 

PLAYLIST: Corona Capital 2018

¿Estás listo para la siguiente edición del Corona Capital?

Estamos a una semana de que se lleve a cabo uno de los festivales más importantes en México. En el cartel, como siempre, encontramos un poco de todo; desde bandas que darán su primer show en este país como Shannon and the Clams, Superorganism, The Lemon Twigs y Pale Waves, hasta los que ya se han presentado en ediciones pasadas del Corona Capital, como MGMT, Pond, The Kooks, New Order y Jenny Lewis.

Por otra parte también están aquellas bandas que ya extrañábamos, como The Chemical Brothers, Nine Inch Nails, Friendly Fires, Lorde y Digitalism.

En seguida te dejamos una selección con las canciones que no pueden faltar el próximo fin de semana en el Corona Capital. Más abajo podrás encontrar los horarios del festival para que prepares tu itinerario.

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Depeche Mode prepara otro box set

Ya está todo listo para el lanzamiento el siguiente box set de singles de Depeche Mode.

La aclamada banda británica confirmó esta mañana que seguirá con la reedición de singles de sus primeros discos, como lo ha venido haciendo desde mediados de este año con su álbum debut Speak & Spell y su sucesor A Broken Frame. Ahora es tiempo de que salga la siguiente en turno.

Los sencillos que va a relanzar Depeche Mode provienen de Construction Time Again, publicado en 1983 y Some Great Reward de 1984. Estos saldrán el próximo 14 de diciembre a través del sello discográfico Rhino Records y vendrán en box set con vinilos de 12 pulgadas.

El lunes la agrupación dio a conocer que seguiría con su proyecto de reediciones con un breve clip de "Master and Servant", uno de los sencillos promocionales de Some Great Reward. La versión es uno de los múltiples remixes que vendrán en la caja que sacará la banda.

Al igual que su sucesor, este box set de Depeche Mode incluirá seis singles originales y varias grabaciones en vivo. Estas fueron tomadas de dos shows que dieron a mediados de la década de los años 80, uno en el Liverpool Empire y otro en el Hammersmith Odeon de Londres, ahora conocido como el Teatro Apollo.

Puedes ver el teaser justo aquí: