Entrevista con Gojira

Gojira forja su identidad a través de una dualidad progresiva y con Fortitude se enfrenta al inminente camino de la espiritualidad.

Existen días de incertidumbre, incluso meses que atrasan el trabajo de mucho tiempo. Aunque queramos que vea la luz sin importar las circunstancias, a veces, es imposible. Eso fue lo que ocurrió con Fortitude el séptimo álbum de estudio de la banda francesa Gojira. Algunos preveen el contiendo de este material, pero Joe Duplantier, vocalista y guitarrista de la banda, nos platica lo equivocados que estamos.

Quienes siguen a la banda, sabrán que una constante en su narrativa es el medio ambiente. Sin embargo, la banda ha encontrado la manera de reinventarse y entregar canciones frescas y auténticas con su estilo. “Es importante para un artista reinventar su trabajo, no es un nuevo capítulo. Si escribes un libro, no lo vas a hacer dos veces igual, tienes que escoger un ángulo diferente”, nos cuenta Duplantier. No es la obligación de cambiar, sino de un proceso orgánico en el que crecemos, envejecemos y nos adaptamos con la Tierra, hasta que decidimos explorar lo que está frente a nosotros, tomar lo bueno y obtener resultados inesperados. “Con nuestra experiencia en death metal, progresivo y alternativo, a veces se siente bien tener un curso que te lleva a una experiencia más fácil que una canción de death metal. Escribir una canción que es pegajosa es un gran logro para nosotros. Es un buen ejercicio; es algo que siempre quisimos hacer y nos divertimos en el momento”.

Tratamos de estar en el ‘ahora’ tanto como sea posible y escuchar a nuestras intuiciones, nuestros sueños y todas nuestras experiencias de la vida”.

En Fortitude, nos entregan una narrativa conocida. El tema de la crisis climática sigue vigente, pero musicalmente se compone de nuevos elementos melódicos que conducen por el dramatismo hasta componer una dualidad que continua construyendo su su identidad. “Somos espontáneos. Una parte de nuestra música es extrema, técnica y rápida como una lluvia, y la otra es como un rayo de sol en tu rostro, aquella que calienta tu alma. Tenemos esa naturalidad, cuando tocamos disfrutamos tanto crear una atmósfera hermosa como crear algo brutal e intenso. De alguna manera, estas partes de nuestra música van juntas y siempre lo hemos tenido presente”, comenta Joe. Esto no solo se enfoca en el sonido que Gojira presenta en su nuevo álbum, sino en todo lo que crean alrededor como el arte en la portada, o los videos musicales para poder transportarnos a la realidad de la que muchos están enajenados y plasmar aquello que ven, sienten y viven día con día. 

Aceptamos esa dualidad, la abrazamos, trabajamos en ella y la esculpimos”. 

Dejando sus raíces a un lado, buscan plasmar su esencia con ayuda de las influencias musicales que han tenido a lo largo de los años hasta convertirlo en un álbum de metal progresivo que contiene más que 12 temas. “Desde que era niño, escuché sobre el progresivo, y sigo tratando de entenderlo porque podría ser algo diferente de una persona a otra. Nunca sabré en dónde esta la línea. Pero sé que el progresivo es una aspecto en la música que te hace viajar y no sabes a dónde vas. Tenemos eso en nuestra música”. Asimismo plasman las ideas que los han impactado a lo largo de los años, como el Budismo, los pensamientos de Dalai Lama y el libro Tibetano. “Tuve muchas experiencias mientras los leía. No es algo que no haya pensado antes, estos libros solo confirmaron algo que estaba muy dentro de mi y solo ayudaron a que salieran. Sentí que estaba sanando con estas filosofías”.

El mensaje principal de la banda, aunque mucho piensan que es el medio ambiente, principalmente es la búsqueda espiritual para entender quiénes somos y qué estamos haciendo aquí”.

El concepto principal del álbum es la humanidad y la creación de un nuevo mundo que a través de nuestras acciones, podamos hacerlos realidad. En los últimos años, vimos el nacimiento de nuevas bandas que están consternadas por la colonización y exterminación de los grupos indígenas del mundo. Las noticias, investigaciones y reportes cada vez inundan más el internet, pero no todas las historias que se cuentan son ciertas, pues en ocasiones los puntos de vista de estas comunidades son censurados o no tomados en cuenta. El reto está en acercarnos a estas y contar las verdaderas historias a través de este gran medio que es la música. Una de las canciones que logra retratarlo a profundidad es “Amazonia”. “Existe una ley en Brasil en la que dice que los indígenas ya no son sueños de sus tierras. Estoy extremadamente conmocionado y asustado por el futuro de estas comunidades y también por la selva amazónica. Hicimos algo para ayudar; recaudación de fondos, donaciones, pero es solo una gota de agua en el océano”.

Aunque se trata de todas las comunidades indígenas, solo quiero correr la voz de que la situación ese está volviendo más crítica e incluso difícil”.

Si esto es lo que vemos, escuchamos y vivimos día con día, ¿por qué preocuparnos? La injusticia climática, a los animales, la violación a los derechos humanos están pintando una imagen bastante sombría y devastadora aun y cuando no lo queramos aceptar. “Nos impacta de la misma manera que a cualquiera. Somos parte de una sistema en el que estamos en el mismo planeta y esto es todo lo que conocemos. Tenemos que encontrar los que sea para sonreír, ser felices y continuar con nuestra vida, pero a veces es difícil”.

La única opción que tenemos es excavar. en lo más profundo y encontrar alegría donde está y encontrar luz, amor y poder y ser fuerte para atravesar todo este lío”.

Fortitude es otro enfoque a los problemas que atravesamos en la actualidad. La brutalidad que denota Gojira explota en un mensaje para ayudar a salvar el planeta y a los que habitan en ella. Así como proveer de energía en cada nota para devolver lo que hemos robado. Escucharlo puede traer un cambio, y si no, al menos la concientización que los problemas existen y pero siempre podemos crear algo mejor. 

¡Registra a tu banda en Vans Musicians Wanted 2021!

No te quedes afuera e inscribe tu proyecto. Los ganadores compartirán escenario junto YUNGBLUD.

Tu momento ha llegado. Es hora de demostrar todo ese talento de garaje fuera del garaje. Escríbele a tu banda o prepa tu proyecto, pues Vans Musicians Wanted te está buscando. 

Vans regresa a ofrecerte una plataforma de visibilidad local, regional y mundial para todo aquel creador que desee ser escuchado, sin importar el género. Con este concurso podrás adquirir exposición internacional y la oportunidad de tocar junto al proyecto de rock británico YUNGBLUD, como su acto de apertura en 2022, además de premios adicionales que incluyen productos Vans, equipo Kramer, un paquete premium de TuneCore, distribución mundial de tu música, presencia en listas de reproducción de Spotify y más. 

Del 7 al 23 de julio de 2021 podrás ingresar a vans.mx/musicianswanted y registrarte para participar con música original. Entra al portal y consulta las bases para participar en este concurso. 

 

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Con motivo de conocer lo mejor de la escena emergente, un experto panel de jueces seleccionará a los cinco finalistas, los cuales ingresarán a la etapa final junto con otros 10 proyectos seleccionados a nivel global para el 22 de septiembre. 

Entre los jueces regionales se encuentra la cantante Elis Paprika; Cynthia Flores directora de Indie Rocks!; el locutor de Aire Libre, Martin Delgado; Paco Barba; la periodista Joanna Pirod; el productor Camilo Lara y la joven promesa del pop, Bruses; quienes elegirán el talento que pasará a la selección México, EE.UU y Canadá. ¡Conócelos aquí!

 

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Finalmente tu música será juzgada por Denzel Curry (quien aparece en la última campaña de Vans); la cantante y compositora Julia Michaels; el creativo y fundador de 88rising, Sean Miyashiro y el artista de listas de Billboard de EE. UU. y Reino Unido, YUNGBLUD.

Date la oportunidad de tocar junto a los grandes y participa en la dinámica de Vans Musicians Wanted. ¡Deja que el mundo conozca tu talento! 

Ritmo Vagabundo, hip hop y música para la buena vibra

El cuarteto de Cuajimalpa llegó para refrescar el mundo del rock mexicano con un toque de funk, jazz y rap.

Seguro tienes algo que quieras gritar; deja que salga del pecho”. Con esta línea, el cuarteto Ritmo Vagabundo nos invita a bailar, cantar y gritar para aliviar las penas que nos aquejan día con día. El grupo llega del oriente de la Ciudad de México, “de un lejano lugar llamado Cuajimalpa”, para recordarnos la importancia de la diversión y el desahogo con su mezcla de rock, fusión y hip hop.

Ritmo Vagabundo comenzó como un proyecto donde Mr. Gus Pesado mezcló elementos de rap y hip hop sobre música de estilos diversos como el disco y la balada. Después de grabar algunos demos y presentarse en foros de la Ciudad, Mr. Gus decidió convertir su proyecto a un grupo, para lo que convocó a diferentes músicos hasta llegar a la banda definitiva. En ésta, él asume el rol de vocalista y tecladista, y se acompaña de David Torres (bajo), Tláloc Ruiz (guitarra) y Brenda Martínez (batería).

Con esta alineación, Ritmo Vagabundo debutó oficialmente con el sencillo “Con Un Ritmo Vagabundo”, donde queda plasmada su intención de combinar diferentes estilos de rock, funk y jazz con el del hip hop. El resultado es un “himno de buena vibra, diversión y cábula”, como el grupo lo define en redes sociales. Dale play a continuación.

Hicimos esta canción para liberar el alma de toda mala vibra bailando y pasarla bien escuchándola en loop infinito”, comentó el grupo para la revista Nos Vemos en Primera Fila.

Ritmo Vagabundo se ha presentado en espacios como la Noche de Estrellas de la UNAM y el Museo de Historia Natural de la Ciudad de México. También, han llamado la atención de medios nacionales e internacionales como Zocopop, estación radiofónica de España.

Sigue a Ritmo Vagabundo en Facebook, Instagram y Spotify para que no te pierdas su música llena de rimas y alegría.

Date un pasón con el 8bit pop de Karl Neudert

Juego y experimentación computarizada.

La selección 8 bit que fácilmente podría acompañar tu partida de The Legend of Zelda: Ocarina of Time, o si perteneces a la vieja (pero no tan vieja) escuela, de Super Mario en tu game boy color, pero en drogas (guiño, guiño). Si no entendiste la diferencia o eres demasiado gen z, lo mejor es que solo te dejes llevar y escuches esta aleación hyper pop con elementos sintetizados de jueguitos de computadora.

A partir de un universo que adquiere sentido en el sin sentido, este proyecto mexicano pretende llevarte de la mano con una extraña receta juvenil llena de referencias de la WWE, sentimientos encontrados, laberintos, tostitos (así es, de los nachos), y una claro propósito de construir un concepto que no necesita de un gran background, pero sí mucha imaginación y ganas de experimentar. 

Recientemente, Karl publicó "webcam" ft. atosigado, una canción que comprende de un electropop hiper cargado con vocoders, beats saturados y una estética con referencias a los funky punkys:

Karl Neudert, un joven oriundo de Hermosillo, Sonora, mejor conocido por formar parte de la agrupación de surf rock, Seño Kino, y pertenecer al movimiento audiovisual de Neuderts (productora cinematográfica); Así ha impulsado su carrera a raíz de una oleada de proyectos norteños como el suyo, lo que da como resultado algunos de sus más recientes temas como “Rock!”, “Juego Mental”, “Laberinto” o “Jeff Hardy”, lanzados este año. 

En un principio, el joven músico mantenía una clara referencia del dream pop y post punk con algunos puntos en su género musical de base (surf punk o surf playero), aunado con algunos elementos psicodélicos y experimentales, que inclusive llegaban a sonar a shoegaze. 

Esto realizado en su totalidad con versiones home made, saturadas, y exportadas con audio de baja calidad, como en su álbum de 2014, se me acabaron los vales de despensa, en donde la simple lírica se convierte en parte esencial de sus composiciones. De esta manera, Neudert ha canalizado poco a poco la electricidad del 8 bit y el hyper-pop con otros discos como Corazones RotosAmigos Imaginarios (2020) y Dulces Sueños (2016), hasta llegar a lo que conforma ahora como su proyecto alterno. 

 

Conoce a Fred Paa Jord rumbo a su EP debut

"¿A dónde irías si pudieras volar a cualquier lugar mañana? ¿Al sur? No, ¡MÁS ALLÁ!".

Al ver nuestros ojos al espejo seguidos de la mirada de un tercero nos sentimos inevitablemente conmovidos, reconocemos en el otro la misma viveza que percibimos dentro nuestro; el accidente de encontrarnos inherentemente humanos nos conecta. Perseguimos las mismas ideas ocultas que nacen dentro nuestro naturalmente, buscamos equilibrio guiados por la calidez presentida, no así sabida, como guiados por una serie de máximas sensibles que sólo podemos alcanzar a adivinar, Fred Paa Jord (traducido como Paz en la Tierra) es sin duda alguna, una de ellas.

Fred Paa Jord (3)

El proyecto con sede en Noruega encontraba su origen en una serie de sesiones de improvisación entre el guitarrista Anders Winsents y el baterista Per Elling Kobberstad, a principios de 2019. Escalando rápidamente con la ayuda de una grabadora multitrack de ocho canales y un solo micrófono, las ideas alrededor del ímpetu musical de la agrupación se consolidaban en forma de un demo inicial, de donde posteriormente tomarían su nombre.

Describiéndose a sí mismos como “música pacífica para gente pacífica”, la banda debutaba a finales de ese mismo año con “Bare Være Fri” seguida de “Silkeruten” lanzada a mediados de 2020, formando con ambos tracks una dupla armónica de sonidos psicodélicos y efervescencia casi tropical, sonoridades poco esperadas desde uno de los países más fríos del continente europeo.

Fred Paa Jord (2)

Siguiendo la línea de bandas como Mild High Club, Khruangbin o Blue States, en una configuración mucho más instrumental, Fred Paa Jord se abre paso hasta 2021 con “Bysykkel” y “Bommer Pa Alt”, primeros adelantos de Syden & Beyond (traducido Al sur y más allá), el cual promete ser un primer corta duración lleno de calidez auditiva e intensidad dulce, próximo a ver la luz este 16 de julio.

 

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Tracklist de Syden & Beyond.

  1. "Bysykkel"
  2. "Sommerfugler"
  3. "Bommer Pa Alt"
  4. "Syden & Beyond"
  5. "Gjengangere"

Jungle estrena “Romeo” en colaboración con Bas

Una vez más, el acto londinense de neo-soul nos atrapa con un video en plano secuencia.

Solo nos separan un par de meses para el estreno de Loving In Stereo, el esperado tercer álbum de Jungle. Ahora, para aligerar la espera de este nuevo material, el acto de neo-soul radicado en Londres acaba de estrenar una nueva canción titulada “Romeo”, en colaboración con el rapero neoyorkino Bas.

Parece que Jungle encontró una gran afinidad con los videos en plano secuencia, pues el visual de “Romeo” también consiste en una filmación sin cortes de una compleja coreografía. Para ello, el grupo volvió a recurrir a la dirección de Charlie Di Placido, así como a los coreógrafos Nathaniel Williams y Cece Nama. Dale play a continuación.

Por otra parte, “Romeo” marca el regreso de BAS a las colaboraciones. Él ha trabajado con grandes nombres de los géneros urbanos como J. Cole, 50 Cent y otros. Su participación en el sencillo “Down Bad” alcanzó una nominación al Grammy de 2020 por la categoría de Mejor Interpretación de Rap. Así que sigue al artista en plataformas de streaming para que conozcas su música.

Loving In Stereo verá la luz el próximo 13 de agosto de 2021 vía AWAL y ya puedes apartarlo en formato físico y digital en este enlace. No te pierdas más noticias de Jungle.

 

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Moor Mother comparte “Obsidian” y anuncia nuevo álbum

Sonidos desde las entrañas de lo metropolitano.

Camae Ayewa, mejor conocida en la industria musical como Moor Mother, ha liberado “Obsidian”, el más reciente adelanto de lo que será Black Encyclopedia of the Air, sexto álbum en la carrera del proyecto y el primero en ser lanzado bajo el sello estadounidense ANTI- Records, el próximo 17 de septiembre.

“Obsidian” llega como segundo sencillo previo al nuevo lanzamiento, siguiendo esa línea de experimentación urbana y texturas densas que habíamos podido vislumbrar en “Zami”, pista liberada a inicios del mes pasado. Esta vez con una carga atmosférica mucho más presente y apuntando hacia una musicalidad percutiva, formando una dupla estrella con el rapero Pink Siifu.

La carga lírica del track se centra en una reflexión profunda de la artista sobre el difícil contexto de la vida contemporánea.

Pensar sobre la violencia en nuestra proximidad, en nuestros hogares, violencia en nuestras comunidades”, compartió Moor Mother sobre “Obsidian”.

El nuevo corte se apoya visualmente en el videoclip dirigido por Ari Marcopoulos y escrito por la misma Ayewa, colocando nuestras miradas al en el performance combativo de ambos músicos a través de un metraje que nos deja la sensación de impulso contenido.

Te dejamos el tracklist y preorder ya disponible de Black Encyclopedia of the Air que contará con colaboraciones de Elucid, Antonia Gabriela, Brother May, Lojii, Bfly, Nappy Nina, Maassai, Orion Sun, Yatta, Black Quantum Futurism, Elaine Mitchner y Dudu Kouate.

Moor Mother (Black Encylcopedia Of The Air)

  1. “Temporal Control Of Light Echoes”
  2. “Mangrove” (feat. Elucid, Antonia Gabriela)
  3. “Race Function” (feat. Brother May)
  4. “Shekere” (feat. Lojii)
  5. “Vera Hall” (feat. Bfly)
  6. “Obsidian” (feat. Pink Siifu)
  7. “Iso Fonk”
  8. “Rogue Waves”
  9. “Made a Circle” (feat. Nappy Nina, Maassai, Antonia Gabriela, Orion Sun)
  10. “Tarot” (feat. Yatta)
  11. “Nighthawk Of Time” (feat. Black Quantum Futurism)
  12. “Zami”
  13. “Clock Fight” (feat. Elaine Mitchner, Dudu Kouate)

Plastic Skin, suave lo-fi que te invita a enamorarte

Déjate envolver por los beats dulces y románticos de esta nueva propuesta sonora.

Donovan Ferra, Eduardo López y Jorge Porragas son tres amigos que se han unido en un nuevo proyecto llamado Plastic Skin. Su sonido es una fusión de lo-fi, R&B, un poco de jazz y bossa nova. La idea de crear música juntos surgió luego de que Donovan conociera a Jorge en Monterrey, quien era pasante en el estudio de grabación de Eduardo.

Por ahora, la banda ha publicado tres sencillos: "No Plans", "Don't You" (cuya mezcla y masterización corrió a cargo de Javier Casanova) y el más reciente, "Como Tú". Todos formarán parte de su EP debut que saldrá vía el sello Majestic Casual Records.

Donovan también forma parte del proyecto Fallen Roses junto al chileno Rubén Reinoso, con quien crea, sobre todo, ritmos chill y lo-fi. Dicho estilo queda reflejado en las incipientes canciones de Plastic Skin. Por ejemplo, "Don't You" (publicado en abril de 2021) surgió cuando Ferra retomó uno de los temas instrumentales que había hecho hace algún tiempo con su banda.

La pista ya se llamaba 'Don't You', que Jorge sintió que era el nombre perfecto para la pista; así que escribió la letra alrededor de ese título. La letra habla de las relaciones a distancia y los sentimientos de impotencia y nostalgia que conlleva ser parte de una", comenta Plastic Skin en un comunicado. 

Mira el video hecho por Natalie Sosa, a continuación.

Por otra parte, en "Como Tú", Plastic Skin se desenvuelve en ritmos más latinos y románticos. Al respecto, la banda comenta que la composición inició como "un simple, pero dulce bolero con la voz y la guitarra de Jorge".

"Después de enviar una nota de voz de WhatsApp interpretándola en vivo a Eduardo para recibir comentarios (quien luego se la reenvió a Donovan), convencieron a Jorge de involucrarlos en la producción. La canción contiene muchas influencias musicales y encuentra un punto ideal entre bossa, lo-fi y R&B contemporáneo", agrega la banda.

La canción cuenta una historia de amor, de una persona en la etapa más profunda de enamoramiento que comparte sus miedos de no conocer a nadie como la persona increíble que describe a través de los versos. 

Jorge quería que la pista abrazara la energía tradicional de un bolero, emocional y desesperadamente romántica, cualidades que cree que lo describen con precisión”, puntualiza el trío.

Te compartimos "Como Tú", a continuación. Si te agradó la propuesta de Plastic Skin, te recomendamos seguirla en redes sociales.

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Renata di Croce: la vibrante emoción del electropop

¿Te permitirás volver a la oscuridad?

Directo desde la ciudad de La Plata, Argentina, nace Renata di Croce, una chica que tras haber trabajado con su proyecto Ámbar en 2017, decidió emprender su camino como solista envuelto de sonoridades mucho más livianas, conceptuales y emocionales que se unen al compás de lo electrónico, lo acústico y las sesiones orgánicas. En esta nueva faceta, la artista argentina incita a sus escuchas a separarse de las preocupaciones y bailarlas. Justo y necesario ¿no?

Tras liberar “Tu Atención” en noviembre del año pasado, la cantante comparte “Como el mar” el segundo y último adelanto de su primer disco solista El Cuerpo de la Nueva Era, el cual prevé llegar próximamente a través de Mazorca Discos. La melodía que previamente inició como un vals, toma una nueva intención en manos de la producción de Iñaque Herrán y la misma intérprete quienes no tardaron en inyectarle una dosis de emoción y energía, convirtiéndola en una sesión house electropop introspectiva.

La canción es una explosión de sentimientos acumulados, trata sobre la decisión de quedarse con lo que une guarda adentro, aunque pierda todo lo que está en el exterior. Es una canción muy emocional, viaja por muchos espacios, está furiosa y tiene mucho para decir”, explicó Renata di Corce en un comunicado de prensa.

La propuesta de Renata además de bailable, es colorida y nostálgica y todo ello se complementa con la finura de sus complementos visuales. León Pintos Alarcón se encargó de dirigir el metraje que acompaña a “Como el mar” en el que se observa a la intérprete caminar y desprenderse de objetos preciados.

Su álbum debut se compondrá por ocho melodías que abordarán distintas temáticas y emociones al compás de lo electrónico y lo acústico. En palabras de la propia cantante el disco "trata quizás esta misma dualidad entre lo emocional y lo corporal, lo bailable, sobre habitar el cuerpo y disfrutar desde un lugar sensible."

No olvides seguir a Renata di Croce en sus redes sociales.

PREMIERE: Almas Fronterizas estrena el video para “Linda Morenita”

Soul para el corazón y los viajeros enamorados.

Almas Fronterizas es un proyecto originario de Oakland, California, liderado por los primos Gilberto Karin Rodríguez. Junto con un grupo de amigos, el dúo fusiona blues analógico, rock psicodélico de los años 70 y soul chicano. Su propuesta transita por la Ciudad de México, Los Ángeles y el Área de la Bahía de San Francisco. Además, Gilberto tiene una banda alterna que se hace llamar Gilberto y Los Intocables.

La primera publicación de Almas Fronterizas se remonta a julio de 2015 con su álbum homónimo. Un año después y un par de sencillos más llevaron al grupo a lanzar el EP Rosa Tropical bajo sus propios sellos discográficos: Discos Pistolas y Saguaros, los cuales solidificaron una escena musical chicana amplia y cambiante de la Costa Oeste. 

AlmasFronterizas_

Durante este 2021, el proyecto da inicio a nuevos lanzamientos con el sencillo doble Cruel Desperation / Linda Morenita de la mano del sello neoyorkino, Names You Can Trust.

El single cuenta con las intepretaciones de Carlos Rodríguez (primo de Gilberto y Karin) en la trompeta y Ahkeel Mestayer en las percusiones (timbales, conga y maracas); Brian Tuley toca la flauta y Devin Hollister el bajo. Asimismo, Cecilia Peña de La Doña Govea realizó los arreglos de trompeta correspondientes.

Cabe destacar que ambas pistas fueron grabadas en Berkeley por Mike Walti y mezcladas en Brooklyn. El sencillo es presentado en un formato vinilo de 7 pulgadas y muy pronto llegará a tiendas mexicanas.

Mientras tanto, Almas Fronterizas comparte en exclusiva para Indie Rocks! el videoclip oficial que acompaña a lado B: "Linda Morenita".

¡Dale play, a continuación!

El visual fue dirigido por Jaime Rodríguez y cuenta con la fotografía fija de Azael García. Además, la casa productora Broken Arrow Filmworks se encargó de publicarlo.

¡Cuéntanos! ¿Qué te pareció el visual? Si te gustó la propuesta musical de Almas Fronterizas, te recomendamos seguirla en redes sociales, así como comprar el single dando click a la portada de acá abajo.

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