Fruta Brutal, poderoso indie rock que se fusiona con ritmos latinos

Cautivadoras guitarras eléctrica y místicos sonidos del sur.

Fruta Brutal es el proyecto en solitario de Martín Better Longo, músico originario de Ecuador y radicado actualmente en Estados Unidos. Su música es una mezcla de rock, electrónica, pop, dance y ritmos latinos.

Si bien el objetivo de Martín es pasarla bien componiendo, su proyecto también busca apoyar a la comunidad migrante, así como ser parte de la "maduración de 'frutos' culturales" que luchan por ser reconocidos, respetados y tratados con dignidad en contextos de agresividad y discriminación.

Los lanzamientos de Fruta Brutal iniciaron en 2019 con el sencillo "Melodrama", cuyas percusiones y guitarras eléctricas atraen a la primera escucha. Un año más tarde, la canción "Terrified Fascinated" le hizo honor a su nombre plasmando un estilo puramente indie rock, fresco y genuino. A él se le unieron tres pistas más: "Just Wait For It", "Mercy From Mortality" y "When It Matters".

Todas se balancean del español al inglés repentinamente, para después encontrar un equilibrio perfecto en el spanglish.

Este 2021, Martín Better Longo da continuidad a su proyecto con el estreno de "If We Never Touch The Ground", una canción que fue escrita como respuesta a "tiempos de desorientación donde todo parece estar 'al revés o boca arriba'".

La canción fue producida y grabada en la casa del compositor durante la pandemia. A la distancia, el productor Mack Major realizó los arreglos necesarios, mientras que el bajista Leo Skovron aportó sus interpretaciones.

Suited up just like a matador for something you would die for", canta Martín en "If We Never Touch The Ground". 

Dale play, aquí.

Cabe mencionar que Martín realizó algunos viajes por Sudamérica, los cuales lo han inspirado de sobremanera. Especialmente su visita a Brasil y el aprendizaje que tuvo de la comunidad artística conocida comoTripicália, la cual resistió el régimen autoritario de los años 60 y 70 en dicho país.

Por otra parte, Fruta Brutal se ha presentado en el foro Tipitina de Nueva Orleans, así como en eventos relacionados con la inmigración y la justicia social como el Festival Latinx de Denver, Colorado y el Immigration Are Beautiful Tour.

Si te agradó la propuesta sonora de Fruta Brutal, te recomendamos seguirla en redes sociales. Recuerda que toda su música la encuentras en plataformas digitales.

Arlo Parks comparte videoclip para “Too Good”

Demasiado perfecto para ser real: Lírica poética y mucho R&B.

Prepara la receta secreta para la persona perfecta junto a Arlo Parks en el nuevo corte audiovisual de “Too Good”, canción extraída de su aclamado álbum debut de larga duración, Collapsed In Sunbeams, vía Transgressive Records. La cantante y compositora inglesa libera este sexto sencillo recargado de “poesía” lírica y una entrega sutil. 

Bajo la dirección del dúo Bedroom (Beabadoobee, The 1975) y la producción de Compulsory, Parks muestra una paleta cálida con sensaciones hogareñas que te harán recordar un escenario demasiado bueno, para ser verdad. 

Este estuvo a cargo del productor Paul Epworth, por lo que la artista expresa: “Hice esta canción con Paul en uno de nuestros primeros días de sesión. Le mostré la música con la que estaba obsesionada en ese momento (...). Desde ahí, fue un torbellino. Paul empezó a tocar este beat, y luego estuve un rato cantando en los micrófonos y tocando la guitarra. Me encantan algunos de los pequeños detalles, como el golpe en la muñeca de alguien y nombrar a Thom Yorke. Se siente realmente muy yo”. 

Recientemente la joven promesa británica compartió los tracks "Hope”, "Caroline", "Hurt" y “Black Dog”, además de “Green Eyes”, donde comparte los vocales junto a Clairo

Actualmente, Arlo promociona su nuevo disco y programa una gran serie de fechas por todo Estados Unidos como parte de Collapsed In Sunbeams Tour 2021

Date una bañada de R&B y soul con “Too Good”, lo nuevo de Arlo Parks.

Portishead comparte versión de “SOS”, canción de ABBA

El trío de Bristol busca llamar la atención sobre los retos de la salud mental en el Reino Unido.

Han pasado 13 años desde el lanzamiento de Third (2008), el último álbum de Portishead, y ya tenemos nuevas noticias del trío de Bristol. Ahora, el grupo compartió de manera oficial un cover de “SOS”, canción original de ABBA, que realizó en 2015 para el soundtrack de una película y circulaba como rareza en Internet. Prepara tus audífonos y escúchalo a continuación.

“SOS” apareció por primera vez en la película británica de temática distópica titulada High-Rise (dir. Ben Wheatley), la cual fue estrenada en 2015 y protagonizada por Tom Hiddleston y Jeremy Irons. En el soundtrack de esta cinta también aparecen temas de grupos como Can, The Fall y Amon Düül II. “SOS” aparece dentro de la película y en sus créditos finales.

Seis años después de este estreno, Portishead decidió rescatar esta canción y reestrenarla en una plataforma de streaming para llamar la atención sobre los retos de la salud mental en el Reino Unido. Como parte del relanzamiento, el grupo y Soundcloud realizarán una donación a MIND UK, organización británica dedicada a este asunto.

Por otra parte, la vocalista Beth Gibbons aclaró en Instagram que no descarta la posibilidad de relanzar este sencillo en formato de vinilo. Así que sigue a Portishead en redes sociales y escucha la versión original de “SOS” a continuación.

Pile anuncia el disco ‘Songs Alone Known, Together’

Un throwback de reversiones en solitario.

La banda de sonidos indie originaria de Boston, Massachusetts, ha compartido versiones alternas de “Build a Fire” y “I Don’t Want to Do This Anymore” cortesía del vocalista Rick Maguire. Ambos tracks fungen como adelanto de lo que será Songs Alone Known, Together, próximo a llegar a nuestras manos vía Exploding In Sound este 10 de agosto.

El álbum, compuesto enteramente de reinterpretaciones realizadas por el frontman y grabado en vivo por Kevin McMahon desde Marcata Recording en New York, nos dará una nueva perspectiva sobre trabajos anteriores de Pile, trayéndonos de nueva cuenta esa esencia de intimidad encontrada en sus inicios como proyecto en solitario del músico.

Pile (Maguire)

Estos primeros dos cortes abren el panorama al torrente de tracks que podremos encontrar en el nuevo disco.

Que esta canción cierre el álbum se siente realmente simbólico pues fue la primera que compuse para el proyecto en 2006. […] Después de 15 años me siento como una persona completamente diferente, desde que inició y después de todo lo que ha sucedido”, compartió Maguire sobre “Build a Fire”.

Pile (Songs Known Together, Alone)

  1. “Touched By Comfort”
  2. “Worms”
  3. “Other Rooms”
  4. “I Don't Want To Do This Anymore”
  5. “Keep The Last Light On”
  6. “Steve's Mouth”
  7. “Rope's Length / My Employer”
  8. “Afraid of Home”
  9. “No Bone”
  10. “Fidget”
  11. “Hair”
  12. “Milkshake”
  13. “Dogs”
  14. “Mama's Lipstick”
  15. “Build A Fire”

Ximena Sariñana comparte “El dinero no es la vida” con Rubén Blades

Una nueva versión digna del clásico de Luis Arcaraz.

Ximena Sariñana ha compartido "El dinero no es la vida" en colaboración con el músico y actor panameño Rubén Blades, un tema que formará parte de la banda sonora de la serie Guerra de Vecinos que ya se encuentra disponible en Netflix.

¡Escúchala a continuación!

El sencillo de Sariñana y Blades es una nueva versión que rinde homenaje al tema original de Luis Arcaraz, un reconocido compositor, cantante, arreglista y director de orquesta mexicano que realizó la música de innumerables películas en la década de 1940 y 1950. Aquí te dejamos la versión original para que le pegues una oída por si no la conoces.

Hace tan sólo unos días Ximena Sariñana se unió a Mariana Ruzzi para la versión en cumbia electrónica de "Cariñito", un clásico de la agrupación peruana Los Hijos del Sol. Entra aquí si todavía no la has escuchado.

Por otra parte, Rubén Blades recibió a finales de junio la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, otorgada por el Ministerio de Cultura de España.

"El dinero no es la vida" ya se encuentra disponible en tu plataforma digital favorita.

No olvides darle "follow" a las redes sociales de los artistas y sigue atento a Indie Rocks! para más novedades.

 

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Deafheaven comparte “The Gnashing” rumbo a nuevo álbum

Terrenos de post shoegaze en el nuevo material para la banda.

El proyecto de San Francisco ha vuelto a sorprender con el lanzamiento de “The Gnashing”, el nuevo track llega como adelanto de Infinite Granite, quinto álbum en la carrera de la banda próximo a ver la luz este 20 de agosto a través del sello californiano Sargent House.

Este segundo corte llega precedido de “Great Mass of Color”, sencillo donde pudimos adivinar la línea sobre la que apunta la agrupación para este nuevo material. “The Gnashing” confirma el cambio radical en el sonido del proyecto pero logra encontrar el equilibrio entre esta nueva etapa y trabajos anteriores de Deafheaven.

Valiéndose de instrumentación intensa a la par de un juego vocal mucho más rico en texturas shoegaze, George Clarke y compañía entregan una pista sólida cubriendo terrenos de post rock a mitad de la composición para explotar en un frenesí de caos sintético, percusiones y bit crush.

El lanzamiento llega acompañado de un tour estadounidense y el videoclip dirigido por Nick Steinhardt, manteniendo la línea de animaciones minimalistas y paletas frías, enmarcando en un azul profundo el mood agresivamente introspectivo al que nos introduce la letra.

Escucha estos aullidos, abraza el crujir. Sé que esto te cuesta, sé que te está agotando”, Escuchamos en las líneas de “The Gnashing”.

Deafheaven - Tour (1)

Deafheaven - Tour (2)

Cavs — Cavs

Viaje a Latinoamérica a través de percusiones.

Cavs es el nuevo proyecto en solitario de Michael Cavanagh, baterista de la banda australiana King Gizzard & The Lizard Wizard el cual está de estreno con su álbum debut Cavs titulado igual que el proyecto.

La canción abridora es “Lung Biscuit” en ella podemos apreciar percusiones experimentales, como si Michael Cavanagh nos transportará a lugares llenos de naturaleza. Dando un salto completamente diferente “Dancin Tony In Cuba 1959” nos hace bailar con sus melodías apegadas al samba, chasquidos y bombos.

Continuamos con dos temas que resplandecen en su máximo esplendor la belleza de la música instrumental “Two Skunks” y “Swordfish” parece que van de la mano, como si fueran una continuación la una de la otra creando así las piezas más perfectas del álbum.

Subiendo un poco los motores “Basic Instinct” comienza con tonos más elevados, creando mezclas de sonidos que nos recuerdan a la naturalidad de la música de Latinoamérica. 

Michael Cavanagh anunció “T2JD” a través de un cortometraje dirigido por John Angus Stewart en el que nos muestran alrededor de nueve minutos de pura batería improvisada como la temperatura sube y baja con esta pieza maestra que nos entrega Cavanagh. Al escuchar “Sockman” lo primero que pensé fue en los danzantes que hay en el zócalo de nuestro país, de inmediato me recordó a la época prehispánica.

“Chronic Fatigue” y “Fury Gong” son los temas más tranquilos y suaves del álbum, tan delicados que nos hacen sentir que estamos en una sala de exposición de algún museo. La pista encargada de cerrar Cavs es “Anatidaephobia” en la que podemos apreciar bastantes instrumentos que crean el track más tropical y fresco al grado de que si cerramos los ojos mientras lo escuchamos, nos hace sentir en un festival de una playa. 

Normalmente pensaría que un proyecto individual de un baterista sonaría más pesado y ruidoso, pero en Cavs es todo lo contrario, ya que desde el primer momento en lo escuche robó toda mi atención, para hacerme entrar a un viaje lleno de ritmos y percusiones latinas que me recuerdan a culturas de periodos pasados. Un álbum bastante mágico ideal para escucharlo en un momento de relajación.

Cléa Vincent comparte “Gens de la nuit”

Indie pop para noctámbulos que añoran el paraíso perdido.

La cantautora y pianista francesa Cléa Vincent ha compartido un nuevo sencillo titulado “Gens de la nuit”, un tema que evoca el microcosmos nocturno de los bares y clubes parisinos, del baile y la fiesta que perdimos hace más de un año a causa de la pandemia y que poco a poco vemos retornar a nuestras vidas.

A través de texturas de sintetizadores, Cléa Vincent captura la melancolía que se siente en una pista de baile desierta: "Des paradis perdus j’ai la nostalgie" ("Anhelo los paraísos perdidos") dice, haciendo un guiño al clásico del pop francés "Les Paradis Perdus" de Christophe.

La canción llega acompañada por un video con letra realizado por Adèle Gaucher. Escúchalo a continuación.

Gens de la nuit” aparecerá en la compilación Nocturnes de Cléa Vincent en otoño de este año, cuyo lanzamiento conmemorará la primera década de Midnight Special Records.

Ya puedes encontrar “Gens de la nuit” en tu plataforma digital preferida siguiendo este enlace y no olvides seguir a Cléa Vincent en sus redes sociales para conocer más de su propuesta musical.

 

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Ciclo Hipnosis: Sunset Images + Vaya Futuro + Davosea

De lo infrahumano a lo hipersensible.

Después de la serie de showcases presentados en el Foro Indie Rocks! a lo largo de estas semanas, llegaba la cuarta y última fecha para cerrar esta ráfaga de conciertos en la que el festival de garage, psicodelia y sonidos experimentales nos había sumergido, concluyendo con un blast de sensibilidades sonoras de la mano de Sunset Images y Vaya Futuro.

El lobby del ya conocido recinto se llenaba lentamente entre fanáticos jurados y uno que otro extraviado musical encontrado ahí casi por equivocación, ninguno de ellos parecía estar preparado para lo que estábamos a punto de presenciar.

DavoPeñaloza

Sunset Images dejaba caer el primer acorde cargado de texturas sobre la atmósfera del escenario principal, “Basilica” resonaba progresivamente entre las paredes tapizadas poco a poco con la atención de los escuchas. El ahora triplete, encabezado por el guitarrista Samuel Osorio, nos sumergía vertiginosamente en una marejada de desgarres sonoros y disonancias hipermelódicas vía “1969”. “Voces Oscurecidas”, seguida de “Túnel hacia el Abismo” y “Monumento” daban continuidad al hilo tántrico con el que la presentación nos arrastraba, formando un bloque de adelantos como augurios sónicos para el futuro LP de los capitalinos.

El movimiento expresado en las cascadas de shoegaze, hard ambient y psicodelia ultrasaturada encontraba un relief de fuzz a través los riffs de bajo y explosiones percutivas brotando violentamente desde el templete. La música nacía desde lo infrahumano para llegar a la conmoción sensible del público en su colectividad.

Sunset Images finalizaba con “Death”, una versión extendida de “Prohibición” y el profundo silencio que cortaba de tajo el muro de sonido construido. Era el turno de Vaya Futuro para prender en psych el escenario.

“Talión” rompía contra el paisaje enmudecido del lugar elevando a los presentes en una esfera de constante evolución melódica, justo después los sonidos abrasivos de “Luciferina” terminaban de colocarnos en el soundscape creado por el proyecto originario de Tijuana. Luis Aguilar y compañía habían iniciado lo que sería una progresión de sonidos casi rituales, danzando alrededor del trance lisérgico, noise y baladas de bóveda celeste que rasgaban lo más profundo de nuestra experiencia sensorial.

SunsetImages

El setlist preparado por la agrupación se llenaba de contrastes con tracks como “Sombras”, “El Peso del Mundo”, “Heima” y “Sauerkraut” pertenecientes a su más reciente álbum, pero no sería hasta escuchar “+&+” que la experiencia construida a base de guitarras, sintetizadores, bajo y batería encontrara su momento álgido rendidos a la tersa voz del frontman.

La conexión de Vaya Futuro y los asistentes a esta última fecha se volvería cada vez más profunda con las interpretaciones restantes. “Florecer/El Eremita”, “Libélula” y “El Hombre sin Cabeza” nos transportaban paisaje sonoro tras pasaje sonoro, envolviéndonos en una avalancha de emociones que culminarían al estallar de “6 AM”, dejando correr el encore con “El Abuelo” seguida de “Congelar”.

Hipnosis lograba cerrar el ciclo con todo lo que un concierto debería ofrecer; una provocación sensible a la pureza de lo musical.

Falleció la baterista mexicana Zette Voltage

La industria musical mexicana despide hoy a una talentosa mujer.

El nombre de Liz García nunca perderá su fuerza. Quizá no la recuerdes por su nombre de pila, pero quizá te suena Zette Voltage. Sí, la baterista mexicana ya no se encuentra entre nosotros, lamentablemente perdió la batalla contra el cáncer y así lo comunico a través de sus redes sociales su esposo y amigo Johnny Pous. La industria musical de México hoy pierde a una artista completa, entusiasta, integra y tenaz; pero su legado perdurará por el resto de los días.

Una gran baterista, con un amor profundo a la música, una gran showgirl con entrega absoluta a su público, una gran mujer con integridad incuestionable, una gran empresaria con empuje y tenacidad sin igual, una increíble chef con gran respeto a los ingredientes y sabores, una gran activista con acciones y aportación invaluables a los animales, una gran amiga fiel y confiable, una gran esposa con amor inagotable... SIMPLEMENTE LA MEJOR", expresó el músico a través de sus redes sociales.

A lo largo de su trayectoria, Liz formó parte de muchos proyectos, entre ellos se destaca su participación en Abominables junto a Abulón, Violenta y Kill the T.V. Aunque Zette Voltage siempre estaba al fondo del escenario dándole vida a la batería, fue una artista que gracias a su talento tomaba el protagonismo de cada una de las pistas presentadas gracias a su efusiva carisma. Incontables festivales recibieron la propuesta de la artista mexicana y cientos de escenarios fueron testigos de su magia.

Lizzy fue la fuente de inspiración de muchas mujeres que hoy se dedican a la industria musical. Amigos y familiares despiden a la female drummer:

 

Descansa en paz Zette Voltage.