Damon Albarn comparte su sencillo “Polaris”

Posted on julio 6, 2021 by -

Medita sobre el ahora y el futuro con la música del británico.

Tras firmar con Transgressive Records, Damon Albarn anunció la llegada de su segundo álbum como solista. The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows es el nombre de este material que prevé llegar el próximo 12 de noviembre. Si deseas pre-ordenarlo puedes hacerlo aquí. Previo a su lanzamiento el músico comparte un adelanto, se trata de "Polaris" el cual llega en compañía de un live performance.

Sin necesidad de ver el filme se entiende la sincronía con la que está realizada la pieza, pero si miras a detalle la filmación de Toby L​​​ entenderás que esos pequeños detalles cambian por completo la experiencia. Los músicos se encuentran colocados en diferentes puntos de un estudio que apenas y cuenta con iluminación. La secuencia en blanco y negro, el cambio de instrumentos y texturas entre el piano, las percusiones, el violín y el saxofón ofrecen como resultado una pista divertida con cierto grado de alegría.

Te la compartimos a continuación ¡Disfrútala!

Según se indicó en la descripción de "Polaris", tanto la canción como el disco fueron diseñados para "explorar aún más los temas de la fragilidad, la pérdida, el surgimiento y el renacimiento". Damon Albarn trabajó este material inspirado en los paisajes de Islandia a ti ¿qué recuerdos te trae?

A 15 años del ‘Return to Cookie Mountain’ de TV On the Radio

Posted on julio 6, 2021 by -

Amaba con pasión antes de esta guerra.

“I was a lover before this war”. Sí, en la Nueva York de los noventa casi todos presumían de ser apasionados amantes, hasta que el optimismo terminó de tajo después de los primeros grandes sucesos del nuevo milenio: la caída de las Torres Gemelas y el inicio de la Guerra de Irak. El desencanto hacia los valores patrióticos y el sentimiento generalizado de que la vida pendía de un hilo configuraron un nuevo estado social donde el hedonismo era la norma, que a su vez germinó movimientos culturales como el post punk revival. Esta archiconocida historia repite incansablemente los nombres de The Strokes y Yeah Yeah Yeahs, pero, en los recovecos de su mapa sonoro, también esconde al acto de rock más incomprendido de su década: TV On the Radio.

La historia de TV On the Radio es la historia de dos hombres en búsqueda de una voz artística bajo los cánones de la vanguardia impuestos por la “Gran Manzana”. La consecución de Dave Sitek y Tunde Adebimpe por una anti-música que fuera fiel a los valores de la época comenzó en el primitivo e inaccesible OK CALCULATOR (2002), distribuido como objeto perdido en las cafeterías de la ciudad, y derivó hasta el no menos extravagante álbum Desperate Youth, Blood Thirsty Babes de 2004 (donde canciones como “Staring at the Sun” nacieron tras experimentos de Sitek para aprender a utilizar Pro Tools). Pero, aunque fue laureado como uno de los debuts más sólidos de su época, la realidad es que Desperate… apenas fue la puerta para que TV On the Radio llegara a los oídos correctos. 

El interés que este álbum despertó en artistas como Moby y David Bowie llevó a TV On the Radio —ya consolidado como grupo y no como dueto— a entrar a la discográfica Interscope con el álbum Return to Cookie Mountain (2006). Mientras Desperate... parecía un collage de experimentación naif y juegos vocales, Cookie Mountain vio a Adebimpe y compañía tomarse el juego en serio, y alcanzar un estilo propio que bebe del ruidismo de The Velvet Underground en “Heroin” y la sensibilidad de Spiritualized o My Bloody Valentine, sin llegar a ser otro álbum de shoegaze. Aunque por momentos rozaba la cursilería de contemporáneos como Arcade Fire, TV On the Radio había llegado finalmente a un álbum tan cohesivo como impredecible.

Desde el título, Return to Cookie Mountain sugiere el escape hacia un mundo inocente donde los sinsabores de la guerra y el terrorismo desaparecen para dar paso a una reflexión intimista sobre la vida, la muerte, la trascendencia, las drogas y el amor. Así lo demuestra “Playhouses”, canción que versa sobre la futilidad de los recuerdos entre un rompecabezas de voces sobre una percusión omnipresente. En la misma línea, “Province” es una invitación a rescatar el amor en los tiempos difíciles y “Tonight”, un momento de anagnórisis donde nos preguntamos cómo rescatar nuestra vida del abismo.

Pero ningún corte supera la emoción de “Wolf Like Me”, acaso el momento más icónico en la carrera de la banda por su estructura tradicional y las interpretaciones que aún genera su letra. Quienes han intentado revalorizar a TV On the Radio como un grupo perteneciente a la comunidad negra han encontrado alusiones al racismo en líneas como “déjame destrozarte en el árbol de los ahorcados”. Asimismo, versos como “¿No me pondrás las manos encima por el miedo a que te transmita mi enfermedad?” aluden al concepto de plaga con el que hoy, a mediados de 2021, nos identificamos más que nunca. Sexo, furia, deseos reprimidos, violencia y malestar son los perpetuos temas a partir de los cuales aún resuena esta canción, la magnus opus de TV On the Radio cuya energía punk le hizo ganarse un lugar entre los himnos del indie dosmilero.

Actualmente, TV On the Radio es apenas la sombra del grupo osado que recibió al milenio, si acaso cabe el término para un acto menos comprendido que laureado por un público movido entre el esnobismo y la apreciación enciclopédica. Sin embargo, Return to Cookie Mountain permanece como su indiscutible momento álgido, así como un punto clave en la historia del post punk revival donde la vanguardia y el ruidismo neoyorkino volvieron a ser interesantes y a alcanzar un matrimonio con los hits de la radio.

Han pasado quince años desde el lanzamiento de Cookie Mountain y apenas diez desde el fin de la Guerra de Irak. La plaga nos invadió y los hombres lobo continúan en las sillas presidenciales. Definitivamente, no es el mejor momento para volver a ser un amante apasionado. Por ello, el álbum aún retumba enérgicamente bajo el estandarte revolucionario de su primer sencillo: “mientras caminamos por esta oscuridad mantente firme. Y entiende que el amor es el territorio de los valientes”.

Tyler, The Creator — Call Me If You Get Lost

Posted on julio 6, 2021 by -

Desde la cima del mundo.

Tyler, The Creator siempre ha sido un artista que supera las expectativas, rompe los moldes y logra entregar un resultado increíble. En cada LP ha demostrado que su visión, talento y creatividad son únicas y en Call Me If You Get Lost nos da una paleta tan amplia de emociones y ritmos, así como una magnífica producción, que podrás escucharlo miles de veces y seguir disfrutándolo como si fuera la primera.

Hecho a forma de mixtape Gangsta Grillz (estilo característico de DJ Drama, quien aparece a lo largo de las 16 pistas), el rapero (bajo su persona de Tyler Baudelaire) nos lleva por un poderoso y multifacético recorrido en el que aborda temas como su éxito, el ascenso a la fama, las relaciones fallidas y el estar enamorado, lo cual resulta en un interesante caleidoscopio sonoro. Una vez que has dado play, no podrás dejar de escuchar, sobre todo gracias al enérgico combo que hacen “CORSO” y “LEMONHEAD” (con todo y un outro hablado por Frank Ocean) dándonos la bienvenida con ritmos acelerados y las ardientes barras del intérprete.

“WUSYANAME” llega como la primera canción romántica de este material en la que Tyler intenta coquetear con una chica que acaba de conocer. Se trata de una melodía pegajosa que combina a la perfección con la dulce letra del rapero y las flamantes aportaciones de YoungBoy Never Broke Again, quien aniquila con su verso, y los coros de Ty Dolla $ign. “LUMBERJACK”, primer sencillo que se dio a conocer de este proyecto, es adrenalina pura para nuestros oídos y una muestra de que Tyler no necesita una base muy elaborada para lograr emocionarnos.

A diferencia de IGOR, Call Me If You Get Lost contiene varios invitados especiales que realmente marcan la diferencia. Lil Wayne entrega un verso en donde escupe barras a diestra y siniestra en “HOT WIND BLOWS”, mientras que Lil Uzi Vert y Pharrell Williams aparecen en “JUGGERNAUT” con sus emocionantes versos acerca de la fama y riqueza. Otros artistas incluyen a su compañero de Odd Future,  Domo Genesis en MANIFESTO y Teezo Touchdown en RUNITUP, que ha sido la elegida por el rapero para cerrar sus más recientes shows con broche de oro gracias a su coro digno de ser gritado por miles de personas mientras brincan en éxtasis por la energía que transmite Tyler, The Creator.

En “RISE!”, además de la suave voz de DAISY WORLD, encontramos una colaboración bastante sorprendente, pues Jamie xx estuvo a cargo de la producción junto a Tyler, resultando en un beat electrónico más relajado que nos deja con ganas de escuchar más de esta interesante dupla.

El disco tiene un par de pistas de spoken word a cargo de Tyler, The Creator (BLESSED) y su madre (MOMMA TALK), así como dos canciones que superan los ocho minutos. No obstante, la duración no se siente gracias a la interesante historia de amor que cuenta en “WILSHIRE”, así como la bella y romántica odisea que es “SWEET / I THOUGHT YOU WANTED TO DANCE” al lado de las melodiosas voces de Brent Faiyaz y Fana Hues. El mismo Tyler declaró que esta es la canción que más ha disfrutado hacer en toda su carrera y es de las mejores que hay en el LP. La primera mitad logra capturar a la perfección la mágica sensación de estar enamorado gracias a la letra cursi y las voces tan dulces, mientras que la segunda toma un ritmo de reggae para concentrarse en el amargo momento en el que el amor termina.

Este es uno de ésos álbumes en los que el artista logra transmitir la pasión y amor que siente por la música. Tyler, The Creator continúa evolucionando, superándose cada vez más y está consciente de ello. En Call Me If You Get Lost nos vuelve a demostrar que es una de las mentes más creativas y talentosas, no sólo del rap actual, sino de la música en general. Este es el mundo de Tyler y no se detendrá en su prolífico camino al éxito haciendo lo que mejor sabe hacer: crear.

Paul Wetz estrena visual para el sencillo “People”

Posted on julio 6, 2021 by -

Entra en una aura lóbrega y sombría con este proyecto europeo.

El bedroom-synth pop que imprime narrativas y melodías pegadizas. El músico y productor alemán comparte “People”, una amalgama oscura y electrónica que fusiona elementos del synth con una opacidad imprescindible. De esta manera, Paul Wetz posiciona este single como el segundo lanzamiento del año, y ahora compartirá un nuevo videoclip con la producción de @johannesboger. 

El oriundo del área Black Forest en el sur de Alemania, bajo las influencias de agrupaciones ochenteras, como Depeche Mode o A-ha, y desde el interior de un pequeño home studio, perteneciente a un amigo ha conformado un sonido espacial. Con baterías programadas, graves frecuencias de bajo, un lead que es acompañado por sintetizadores, secuenciadores y melodías que enmarcan el riff de la canción, Wetz une arpegios de guitarra acústicos, y compagina de manera natural el electro con un poco de new wave. 

Por consiguiente, el compositor publicó su más reciente single “Bruises”, junto con un remix realizado por él mismo, y otro por parte de Flowers On Monday. Además de su primer track del año “Misfits”, un mix de dos canciones en versión full banda y acústica. 

Escucha lo nuevo de Paul Wetz y descubre más de el aquí en Indie Rocks! 

Ólafur Arnalds comparte la primer pieza de ‘When We Are Born’ 

Posted on julio 5, 2021 by -

El artista europeo muestra el tema inicial de su nueva producción visual.

Palpa las texturas neoclásicas del ambientalismo y la experimentación con “Saudade”, el nuevo tema instrumental de Ólafur Arnalds, y extracto perteneciente al soundtrack de la cinta performance en vivo, When We Are Born. Escucha el álbum homónimo de este largometraje este próximo 9 de julio. 

When We Are Born es una pieza fílmica dirigida por Vincent Moon y escrita por el músico y compositor islandes, Ólafur Arnalds, la cual relata un historia conceptual de su propia vida, a través de la contribución de colectivos de danza, el coreógrafo Erna Ómarsdóttir, y el cinematógrafo Thor Eliasson; todo en distintos planos-secuencia que recaen en una visión metafórica del mundo por parte del protagonista (Arnalds). 

Es una película (...) única sobre cómo nos conectamos, no solo entre nosotros, sino también con el mundo que nos rodea. (...) Con temas de rituales, relaciones y exploración de nuestros paisajes interiores, esta es una película centrada en cómo vamos hacia adelante” mencionan en su descripción. 

El año pasado, el productor trabajó su más reciente larga duración, some kind of peace, el cual contiene temas como “Loom (feat Bonobo)”, además de “Woven Song” y “Back To They Sky”. 

Ya puedes echarle un vistazo a esta pieza cinematográfica y escuchar “Saudade” en todas las plataformas. Prepárate para inmiscuirte en un viaje con When We Are Born, disponible este 9 de julio. 

Trentemøller colabora con Tricky en “No One Quite Like You”

Posted on julio 5, 2021 by -

La nueva música del productor danés explora la intimidad, la realidad y el paso del tiempo.

Desde el lanzamiento de su último álbum Obverse (2019), el productor danés Trentemøller ha vuelto al estudio para lanzar nueva música en forma de sencillos. Así, hace un mes escuchamos “Golden Sun” y, esta vez, conocemos dos nuevas canciones: “Vespertine” y “No One Quite Like You”. La segunda, por cierto, cuenta con la colaboración de Tricky.

Ambos tracks son exploraciones instrumentales realizadas con lo que parece ser un piano antiguo. Trentemøller crea ambientes que evocan la nostalgia y la idea del envejecimiento, con una textura similar a una grabación desgastada. En “No One Quite Like You”, la violinista Maria Jagd agrega cuerdas a la mezcla y Tricky recita un mantra de seis palabras que contribuye a la vibra melancólica del track. Escucha los dos cortes a continuación.

Toda la canción está bañada de intimidad, desde elementos vérité en el estudio como el ruido mecánico y los martillazos del piano, hasta la cansada participación de Tricky, que se sitúa entre una canción de cuna y una advertencia”, narra un press release sobre “No One Quite Like You”.

Ya puedes agregar “No One Quite Like You” y “Vespertine” a la playlist de tu servicio favorito de streaming. Seguramente, habrá nueva música de Trentemøller pronto. Así que no te pierdas más noticias suyas en Indie Rocks!

Tricky_2021

Fotografías por Sofie Norregaard.

Róisín Murphy libera remixes en ‘The Reflex Revisions’ 

Posted on julio 5, 2021 by -

La dueña del disco revive algunas piezas de su último álbum con reversiones únicas.

Ni todo el dance, ni todo el disco, porque nunca sería suficiente. Prepárate, porque no podrás evitar las ganas de moverte y bailar con la nueva entrega de la compositora irlandesa.

Róisín Murphy acapara la pista de baile con The Reflex Revisions, un compilado que posee las remezclas de “Incapable” y “Narcissus”, extractos de su más reciente larga duración Róisín Machine (2020), a cargo del productor francés, The Reflex, AKA Nicolas Laugier. El LP ya está disponible en formato vinilo en ciertos puntos de venta y plataformas digitales. 

En una versión extendida, el francés coloca cada tema en el punto más álgido del disco, con diversos elementos que no cambian la esencia de ambas canciones, pero sí añaden más soltura y más presencia rítmica. De esta manera provoca un resultado más electrónico y  tendencioso al house. 

Este compendio de disco-tecno revival llega tras el lanzamiento de otro álbum de versiones titulado Crooked Machine, el cual publicó el pasado mes de abril y fue maleado por Crooked Man, AKA DJ Parrot. “Creo que Crooked Machine es uno de los mayores logros [de DJ Parrot] hasta ahora. (...) Creo que lo prefiero al álbum original, ¡un poco menos yo y mucho más 'genial'!” añade la compositora y modelo de 48 años.  

Si aún no has escuchado esta intervención, este es tu momento. Escucha The Reflex Revisions aquí en Indie Rocks! 

Goat está de regreso con “Queen of the Underground”

Posted on julio 5, 2021 by -

El grupo sueco de psicodelia y world music estrenó un video que imagina la opulencia del antiguo Egipto.

Cinco años después de álbum Requiem (2016), Goat está de regreso para darle una nueva cara a su mezcla de world music con guitarras pysch. Esta vez, el grupo sueco estrenó una nueva canción titulada “Queen of the Underground”, cuyos acordes ácidos y llenos de distorsión te trasladarán a los años gloriosos del antiguo Egipto. Mira el video animado dirigido por Mike Bourne a continuación.

'Queen of the Underground’ es verdaderamente hercúlea, una agresiva potencia psicodélica del orden más alto. Casi una década después de que Goat surgió por primera vez de las profundidades de Korpilombo, todavía no hay otra banda en la tierra que suene como ellos”, aclara el Bandcamp del grupo.

Esta canción formará parte de Headsoup, un álbum compilatorio donde Goat reunirá lados b, ediciones digitales y canciones que no alcanzaron a formar parte de sus álbumes. “Queen of Undergound” y “Fill My Mouth” son dos canciones completamente nuevas que complementarán el tracklist de este material. Headsoup verá la luz el próximo 27 de agosto vía Rocket Recordings y ya puedes pre-guardarlo en este enlace.

Aunque hay pasado cinco años desde su último material, Goat se ha mantenido activo mediante reediciones de sus álbumes World Music (2012) y Requiem (2016). Sigue al grupo en redes sociales para que no te pierdas ninguna actualización.

Goat_Headsoup_2021

01. "The Sun and Moon"
02. "Stonegoat"
03. "Dreambulding"
04. "Dig My Grave"
05. "It's Time For Fun"
06. "Relax"
07. "Union of Mind and Soul"
08. "The Snake of Addis Ababa"
09. "Goatfizz"
10. "Let it Burn (Edit)"
11. "Friday Pt. 1"
12. "Fill My Mouth"
13. "Queen of the Underground"

Richard Coleman estrena video para “Humanidad”

Posted on julio 5, 2021 by -

Lisa Cerati dirige el video de este sencillo que versa sobre la verdad y la mentira.

¿Has dudado de tu humanidad? Si no, seguro Richard Coleman te hará replantearte esta pregunta una y otra vez. Ahora, el cantautor argentino continuó su serie de estrenos con un nuevo sencillo titulado “Humanidad”, que recupera toda la complejidad sonora y lírica tradicional del rock argentino.

Considerado uno de los mejores guitarristas argentinos por la revista Rolling Stone, Richard Coleman hace honor a este título en “Humanidad”. En este sencillo, se acomodan diversas capas de guitarras y efectos, que crean una compleja ambientación sonora sobre la que Coleman concluye: “tanta certeza me hace sospechar de la verdad, de mi humanidad”. El video dirigido por Lisa Cerati extiende esta idea con alusiones surrealistas al teatro, la ilusión y la ficción. Dale play aquí.

Coleman es conocido por sus grupos Los 7 Delfines y Fricción, además de sus colaboraciones con Soda Stereo y Gustavo Cerati. Sin embargo, el músico también cuenta con una prolífica carrera en solitario que inició en 2011 con el álbum Siberia Country Club y ha continuado hasta la fecha con nuevos sencillos.

El músico no ha confirmado si “Humanidad” formará parte de un nuevo álbum. Pero, seguramente, Richard Coleman traerá más sorpresas pronto. Así que sigue al músico en redes sociales para que no te pierdas sus actualizaciones.

Conversatorio Mujeres en la Música Electrónica Alemania-México

Posted on julio 5, 2021 by -

Resistencia en la escena de la música electrónica a través de redes tejidas por mujeres.

El sábado tres de julio se llevó a cabo en el Instituto Goethe el Conversatorio Mujeres en la Música Electrónica Alemania - México, el cual se realizó a través del proyecto de música electrónica Hertzflimmern-Electro Onda y Sonoridad. Esta ponencia tuvo como objetivo armar un foro de discusión en torno a la perspectiva de artistas, productoras y periodistas de esta escena para poder visibilizar la participación de mujeres dentro del género y las problemáticas con las que se han enfrentado a lo largo de la historia.

Este evento contó con la asistencia de la moderadora Karina Cabrera, DJ Hackie, la productora Piaka Roela y la periodista musical Steff Torres por parte de México. Mientras que, por parte de Alemania se unió la colectiva Djversity!, que contó con la participación de Irene, Yonii y Franziska, y a su vez, estuvo presente DJ Resom.

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El panel de discusión se dividió principalmente en tres secciones; la primera abarcó una periodicidad histórica en donde se abre la incógnita respecto a quién puso el ruido, la segunda sobre el acceso a la tecnología desde experiencias individuales, la tercera puso sobre la mesa el panorama sobre los sonidos contemporáneos y de décadas precedentes. Por último, se abrió una pequeña sección de preguntas al público.

¿Quién puso el ruido?

En esta primera parte, Karina Cabrera da apertura mencionando la importancia de cuestionarnos la información que hay disponible en México y el mundo sobre la escena de música electrónica y las mujeres. ¿Por qué hay falta de visibilidad? No hay suficiente documentación histórica donde hable de la participación de las mujeres de forma concreta, hay desconexiones entre los diferentes lapsos de tiempo. Sin embargo, señaló que podemos remontarnos a mediados del siglo XX en donde logramos localizar a pianistas que incursionaron en la música electrónica. Tal es el caso de Alicia Urreta en México y Johanna Beyer en Alemania.

Por su parte Resom comentó que para ella la música se trata de tener herramientas para atreverse a colaborar y "¿hasta qué punto tienen que ver las fronteras nacionales?" Asimismo, señaló que para ella ha sido importante la influencia de Electric Indigo, una DJ y compositora austriaca.

De la misma manera, las chicas de Djversity! señalaron las influencias que han tenido en la música electroacústica, en la escena creada por mujeres en el techno, el trance y en el electro pop con sonoridades estridentes. Asimismo, hablaron de la importancia de la radio, sobre todo la estación XRDA que mostraba nuevas perspectivas a las personas jóvenes.

En este mismo sentido, Hackie enmarca el surgimiento de la escena mexicana a partir de la formación en música académica, donde las mujeres se desterritorializaron para pasar a crear música electrónica. A su vez, la artista señaló una cita de Alicia Urreta que dice: "Yo siempre juego, pero juego muy en serio", esto con la finalidad de dar a conocer su postura sobre la creación a partir del juego y el placer por lo que se hace. De la misma manera, dio paso a la reflexión a partir de incógnitas como ¿por qué las mujeres han sido silenciadas de la escena? ¿Y por qué no hay continuidad en la historia y solo se habla de pioneras?

Mujeres en la tecnología

En este segundo apartado se habló sobre el acercamiento que han tenido las mujeres a la tecnología para la creación de música y la apertura de espacios para las presentaciones. Bajo esta misma línea, cada una de las ponentes habló sobre su experiencia de cómo fue su primera aproximación a las grabaciones, ya sea con grabadoras de mano, con sus walkman o discman. Todo desde una edad temprana, donde la curiosidad y sus amistades las llevaron a conectarse con el mundo de los sampleos, las mezclas de sonidos ambientales y diversos instrumentos.

Además, Irene coincidió con Hackie sobre la idea de bajar el arte de un pedestal, para poder vencer miedos y confiar en que se pueden realizar las cosas de manera colectiva y experimentado.

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Sonidos Contemporáneos

En este último bloque se planteó hacer un recuento histórico sobre la escena musical de mujeres a partir de 1953 hasta el 2021. Sin embargo, para todas fue un reto poder abarcar todos los años, puesto que, como ya se señaló, hay huecos dentro de la historia y no hay un archivo que plasme de forma lineal las artistas que han sido partícipes de la música electrónica. Si bien, siempre se habla de las pioneras en la escena, pero no se mencionan a quienes secundaron el movimiento musical. Hay un quiebre en la información, por lo que, al hablar únicamente de pioneras, puede invisibilizar a las artistas contemporáneas.

En este sentido, Franziska señaló que actualmente el internet puede funcionar como una buena herramienta para que se genere un archivo y sea internacionalmente accesible. Además de poder usar plataformas como Mixcloud o SoundCloud en donde es posible subir las piezas musicales. De esta forma, se logra crear un registro de artistas que será más fácil localizar en un futuro.

Hay veces que no hay suficiente apoyo y las artistas deben de migrar a otros lugares para obtener reconocimiento. Pero, al crear espacios para mujeres, se permite generar un registro, lo cual es de suma importancia, ya sea en forma escrita o sonora. Durante varios años las mujeres han sido silenciadas y relegadas, y ese vacío histórico deja ver su desplazamiento dentro de la tecnología. Pero gracias a diversas colectivas se han podido hacer intercambios de conocimientos creando redes y espacios como este conversatorio.

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