Sadfields presenta la canción "Sofocar"

Posted on marzo 13, 2020 by -

Escucha la nueva cara de Sadfields en este estreno.

La agrupación de la Ciudad de México, Sadfields, ha lanzado un nuevo tema. Es la tercer canción que ha lanzado en los últimos tres años, tras el lanzamiento de su disco Homesick en 2017.

Para el caso particular de "Sofocar", la banda presenta un rostro nuevo. El tema representa la tensión de una ciudad que se encuentra cerca del colapso, además muestra esa desesperación que puede tener alguien al sentirse encerrado en el movimiento de una urbe como puede llegar a ser CDMX.

La agrupación presenta una gama interesante de colores sonoros, los cuales son en su mayoría opacos. Estos vuelven a la canción un tema agresivo y al mismo tiempo sofisticado, donde la letra encaja excelente para hacer llegar una perspectiva clara al escucha. La canción fue grabada en Madre de Dios estudio y el encargado de la mezcla y la producción fue Rod Esquivel.

Dale play a continuación:

La banda formará parte del festival Onda Sonora, el cual se realizará el 21 de marzo en Hermosillo, así podremos conocer más acerca de esta nueva etapa que afronta la agrupación. Te invitamos estar en Indie Rocks! para mayor información referente a Sadfields.

 

Puta Volcano — AMMA

Posted on marzo 13, 2020 by -

Puta Volcano: Vientos furiosos que producen apnea.

Tanto tiempo sin escuchar un disco con una introducción instrumental, el feedback que precede a la furia de los riffs que tanto se extrañan y hacen falta, “Entropica”, la magnitud física que emana la necesidad de crear antes que destruir, la voz tan familiar y distante, cálida y atrayente, “Venus Lullaby”, el fresco arrullo del sonido de Puta Vulcano, digno de descubrimiento y apreciación. El candor del stoner rock que se fuga de los amplificadores, las evoluciones de las cuerdas dignas de headbanging, los estribillos poderosos, tinta negra para escribir un rabioso statement. 

“First Light” y su ánimo punk thrasher, suciedad en tiempos de falsa belleza, los likes no hacen a los ídolos, y desde la tierra de Platón, ese género perdido llamado rock encuentra una pequeña flama para volver a arder en nuestros tímpanos. Euterpe se encuentra con Black Sabbath. “Black Box” en honor al arte perdido del grunge y sus acordes difusos que desatan en enojo, la voz de Anna Papathanasiou cual ángel y demonio, la cadencia del ritmo que muta como nuestro estado de ánimo permanente, la experimentación antes que la necesidad de crear hits. 

“Sugar Cube” para regresarnos a rastras a la nostalgia por el ruido de la década de los 90, donde el nihilismo creaba obras de arte, himnos persistentes, y la influencia sigue en pie, esa lujuria por la amargura, y la delicada forma de transformarla en música. “Echoing Icons” como preludio instrumental a la alta causa de este tercer material de Puta Vulcano, el tema que hizo que volteáramos a ver esas efigies de mármol que más que recordarnos a las musas, nos evoca al poder femenino que en últimos tiempos ha encontrado la forma de gritarle al mundo que todo está mal: “No matter the distance I go, I’ll put my ear to the ground, my heartbeat drumming loud, a compass to home”. 

“Apnea” y de nuevo el encanto del riff, el arte cada vez más perdido del punzar de los dedos en las cuerdas, el palm muting para controlar el ritmo difuso, la batería que marca el paso a la batalla anímica, la respiración que falla al dormir y también al despertar, pero también la bocanada de aire fresco en un panorama musical tan variado que no a todos alimenta por completo. Puta Volcano es aire fresco para los pulmones de acero, las mentes de fuego y las almas oscuras. “Torus” cual evolución de la guitarra de Dave Mustaine, la influencia del metal es evidente y evocadora, y esa voz que tan puede recordar viejos tiempos o bandas que quedaron en el olvido, también alimenta el ansia por el futuro encumbrado en el presente creativo y voraz. 

“Space Blanket” en honor a la inspiración sideral en la música y el pensamiento, el descubrir nuevos mundos a través de los acordes y las frases, el ir más allá de los charts y las tendencias y salir de las mismas zonas de confort y que geográficamente dominan el panorama musical, desde Atenas con amor, “Kassandra’s Gift” y su delicada forma post rock ensoñadora para cerrar un nuevo ciclo y un disco que merece la escucha y apreciación gracias a su intempestivo gramaje de sensaciones y delicadeza sonora.

Nortec: Bostich + Fussible presenta “Sueño Fronterizo”

Posted on marzo 13, 2020 by -

Lo nuevo de Nortec: Bostich + Fussible es un tema en colaboración con Kinky.

El dúo originario de Tijuana, Baja California, Nortec: Bostich + Fussible, está de regreso con “Sueño Fronterizo”, canción en la que colaboran con la banda regiomontana, Kinky. Llega acompañada de un colorido video en el que se ve al dúo portando unas nuevas máscaras blancas y trajes rojos.

Este nuevo tema marca el regreso de Ramón y Pepe a la música después de cuatro álbumes de estudio y haber realizado la banda sonora del espectáculo Luzia del Cirque Du Soleil. Para volver en grande, reclutaron a Kinky en una canción que nos lleva por algunos de los rincones más interesantes de la vida nocturna local de Tijuana.

Este trayecto por las calles de la ciudad fronteriza comienza en la avenida Revolución o "La Revu" para después llevarnos a bailar a "Las Pulgas" y finalmente por unos tragos a "La Mezcalera". "Sueño Fronterizo" nos adentra en este nuevo mundo en el que se deja de un lado el temor por la violencia de la zona y se cambia por dejarlo todo en la pista de baile.

La amistad entre ambos grupos mexicanos lleva ya varios años. Fue en 2001 cuando Bostich le hizo un remix a "Soun Tha Mi Primer Amor" de Kinky. "Sueño Fronterizo" es el primer sencillo de lo que será el quinto álbum del dúo, que se llamará De Sur a Norte y estará disponible este mismo año.

Nortec Collective: Bostich + Fussible hará su regreso triunfal a los escenarios en el Vive Latino este 15 de marzo para cerrar el escenario principal. Podemos esperar un show completamente nuevo en el que escucharemos este tema y seguramente habrá otras sorpresas. Ve el video dirigido por Mau Alanís y Arturo Carcaño a continuación.

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Posted on marzo 13, 2020 by -

Te compartimos esta selección de los mejores 5 nuevos tracks de la semana en este Top Indie Rocks!

Este 2020 llega con mucha nueva música, releases y sorpresas de los proyectos que recomendamos para tu oídos, pero nuestro equipo editorial hizo una selección muy especial para el top 5 de los mejores tracks de la semana del 9 al 15 de marzo del 2020. Aquí encontrarás diferentes géneros y ritmos que te pueden acompañar durante el fin de semana.

Estos días tuvimos canciones como "The Difference", lo nuevo de Flume en compañía de Toro y Moi; "Sunder" del compositor y productor chileno-estadounidense, Nicolas Jaar, que vuelve este 2020 con su nuevo material discográfico titulado Cenizas; “Staring At A Mountain” de Sharon Van Etten, una balada tranquila que forma parte del soundtrack de Never Rarely Sometimes Always; "WAKING UP DOWN" de Yaeji la cual formará parte de su primer mixtape WHAT WE DREW 우리가 그려왔던; "Caution" de The Killers, canción perteneciente a su nuevo álbum Imploding The Mirage. Además, esta noticia llegó con una sorpresa más ¡La visita de Brandon Flowers y compañía a México!

Escucha estos y muchos otros en nuestra nueva playlist de novedades.

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Soccer Mommy — Color Theory

Posted on marzo 13, 2020 by -

Color Theory: la emotividad de los colores en la mente de Soccer Mommy.

Los colores son una fuerza poderosa. Ellos representan diversidad de símbolos y atributos. En ocasiones, los usamos para comunicar emociones y estados de ánimo. Sophie Allison, también conocida como Soccer Mommy, nos sorprendió en el 2018 con Clean, su álbum debut, el cual fue alabado por la crítica y puso en el mapa un nuevo talento emergente con mucho potencial. Ahora, con Color Theory, nos pinta un nuevo firmamento musical.

La originaria de Nashville, usa los colores como catalizadores de sus emociones y sentimientos para entregar una obra que expone, sin titubeos, sus pensamientos. En Color Theory, de acuerdo a su press release, se exploran tres temas centrales: azul, para representar tristeza y depresión, amarillo, para simbolizar enfermedades físicas y mentales; y gris, que representa oscuridad, vacío y pérdida. La forma en la que las letras y la música se van desenvolviendo con el concepto del álbum demuestra ser un gran acierto, además, es notable el trabajo vocal de Allison, junto a sus letras. Son el motor que mueve cada track.

Las canciones tienen un sello indie rock, con unos toques pop y, por momentos, shoegaze, que inmediatamente te transportan a los años 90; esos ritmos suaves de batería, arpegios y ritmos con guitarra acústica, que hacen recordar un poco a Elliott Smith y a Tori Amos (una de sus influencias para este trabajo). Esta base se complementa con los arreglos y texturas musicales, que lo diferencian de su primer trabajo, el cual era más directo.

Es un álbum peculiar. Cuenta con contraste muy marcados en las canciones. La música, por momentos, llega a tener ritmos mayores alegres como en "lucy" o "circle the drain", y un ritmo más melancólico en "royal screw up" o "night swimming". Esto hace que pierda un poco de ritmo, pero lo compensan las letras.

El apartado lírico es muy personal. Soccer Mommy no se guarda nada y nos cuenta todo lo que pasa por su mente. En "yellow is the color of her eyes", canta sobre la enfermedad de su madre. “I know that she's fading. And the light of the sun is only a daydream” es una estrofa poderosa y reveladora. En "circle the drain" canta sin tapujos: “Hey, I've been falling apart these days. Split open, watching my heart go”. "royal screw up" derrama versos como “And I want an answer, to all my problems, but there's not an answer, I am the problem for me, now and always”. Las letras son uno de los puntos más brillantes de Color Theory.

Es muy catártico, por lo que es inevitable el no sentir empatía por ella e, incluso, relacionarse con lo plasmado en algunos versos. Temas como depresión, ansiedad, ser duro con uno mismo, culparse de los errores, lidiar las enfermedades de seres queridos, se expresan sinceramente en las letras. Escuchar este disco es un buen ejercicio para reflexionar sobre nuestros problemas y qué hacemos para solucionarlos. Es destacable cuando un álbum hace que te identifiques con sus letras y te haga reflexionar.

Soccer Mommy es uno de los nombres que empezará a aparecer en los festivales más importantes. Con dos álbumes, Sophie Allison ya demostró su gran talento y en Color Theory no hace más que seguir cimentando su brillante inicio de carrera.

A 25 años del álbum debut de Elastica

Posted on marzo 13, 2020 by -

Sobre lo obsoleto que resulta seguir hablando de Elastica bajo la lupa del periodismo musical de los 90. 

Elastica nunca (nos) prometió de más. El (fugaz) romance de Donna y Justin no inspiraría composiciones como “Lovesong”, “Just Like Heaven” o “Layla”. Annie no regresaría a la zona cero del britpop; Justine rechazaría la romantización mediática de la sad junkie de Notting Hill y Abby Travis sería una de las piezas clave para el regreso de The Bangles en 1998. 

Aunque en 2017 The New York Times y NME fueron un oasis para las y los que anhelaban el regreso de los 90, la creación de MTV Studios y una publicación entusiasta de Sean Magee no eran razones suficientes (o lógicas) para pensar que Elastica seguiría la misma ruta que Echobelly y Sleeper. The Menace (2000) no tendría material de continuidad y tampoco escucharíamos “Vaseline” y “Stutter” en el Instituto O₂…O al menos no en voz de sus intérpretes originales. 

Desde un principio, los integrantes de Elastica advirtieron sobre sus planes a futuro. En ningún momento tuvieron la intención de ser protagonistas eternos del pop stardom; no habría por qué reconciliarse con las implicaciones del acrónimo de “S.O.F.T” (Same Old Fucking Things). 

¿Qué esperábamos?, ¿La atemporalidad del álbum debut de Radiohead?, ¿El eterno “yo le hice porque él me hizo” de los hermanos Gallagher?, ¿Una despedida en lenguaje Pulp?, ¿La promesa del “We Are Together” de Dodgy?, ¿El “vamos a intentarlo de nuevo y a ver si funciona” de Lush?

Nos guste o no, “Waking Up” logró lo que hits como “Parklife”, “Sale of the Century”, “Ladykillers” y “Disco 2000” no. Nos hizo una jugada doble: Bajo una estructura simple y adornada por pinceladas pop, Elastica se presentó y despidió como banda. No hay nada que reclamar; Justine Frischmann, Annie Holland, Donna Matthews y Justin Welch fueron claros desde el inicio: 

“I’d work very hard, but I’m lazy

I’ve got a lot of songs but they’re all in my head.

I’ll get a guitar and a lover who pays me 

If I can’t be a star, I won’t get out of bed”

(***)

A espaldas de Donna Matthews, Patrick Fanning (Planet Rock Profile) alcanza a observar la portada de Low (1977). Es marzo de 1996 y el título del álbum de David Bowie funciona como antónimo del contexto musical británico. Nadie camina con un bajo perfil en las calles de Londres, Oxford, Birmingham o Manchester… Ni siquiera el padre de Justine (Wilem Frischmann) quien -al escuchar las primeras reproducciones de “Stutter” en la radio- exige mantenerse fuera de todo ese “pequeño y patético mundo del negocio del espectáculo”. 

No obstante, el periodismo musical británico logra el hartazgo de la alineación original de Elastica. Select y NME insisten en ocupar “Connection” y “Car Song” como banderas de paz (¿o ataque?) en la (inútil) batalla entre Oasis y Blur; los reporteros persiguen a Justine bajo el (ridículo) espectro de “la realeza rock” y la prensa (¡sexista!) genera ganancias rentables a partir de la confrontación entre versiones de lo suscitado durante el Lollapalooza de 1995. “Justine Frischamann como objeto de envidia de cualquier chica adolescente” resaltan en sus respectivas secciones de Beauty Icons. 

La prensa británica se cree con la facultad de crear y destruir una banda. Pero tiene mucho tiempo que no hacemos ninguna entrevista. No quieren hablar de nosotros y nosotros tampoco queremos hablar con ellos ¡Que se jodan! No necesitamos tanta mierda comercial", Donna Matthews durante una entrevista en 2004.

Frente a la consolidación de disqueras independientes y los primeros 15 años de MTV

Si bien las reseñas del debut de Elastica no destacaron por su aporte musical (pues la mayoría de los críticos se limitaron a buscar a sus pares masculinos), estas fueron significativas por exponer y documentar cómo la relación entre los medios de comunicación y las bandas del britpop fue un factor relevante para el cruce entre las dinámicas y narrativas del mainstream en Estados Unidos y Europa durante la segunda mitad de la década de los 90.  

A la par de publicaciones que cautivaban y mitificaban las declaraciones fuera de lugar de Liam Gallagher, el reconocimiento de Elastica (1995) como el álbum debut más vendido en la historia del Reino Unido se unió al trabajo de Tamra Davis, Samuel Bayer, Spike Jonze y Jonathan Glazzer para poner en evidencia el éxito de la estrategia comercial de Music Television (MTV): El videoclip.

El periodismo estadounidense presta mayor atención a la música. En Reino Unido es muy difícil que se respete la separación del bagaje musical de los chismes. Sabemos que la publicidad en Estados Unidos es exuberante; MTV es una locura, pero -aún así- el periodismo tiende a ser más responsable", Justine Frischmann para Rolling Stone.

Al optar por el videoclip como principal formato y al poder difundirlo con (al menos) 265.8 millones de hogares, la compra inmediata (y masiva) de las entradas para las cuatro presentaciones de Elastica en los Estados Unidos dio cuenta de que MTV estaba transformando los hábitos y espacios de escucha de la música popular. Para las y los jóvenes que crecieron bajo el regazo de la cultura mainstream de los 90 era de gran importancia establecer una relación entre el sonido y la estética visual de las bandas.

¿Cómo imaginar Nueva York sin “100%” de Sonic Youth?, ¿Cuántas veces nos llamaron la atención en la escuela por estar pateando la banca de enfrente al ritmo de “Smells Like Teen Spirit”?, ¿Cuántas por distraer a nuestros compañeros de clase con la travesía de Milky?

Gracias a la producción iconográfica de “Line Up”, “Car Song” y “Stutter”, Elastica logró posicionar y construir imaginarios musicales que reforzaran la narrativa de la juventud como una actitud ante la vida, retrataran el contexto del entretenimiento y rescataran elementos de la cultura mod de la que se sirvió el britpop: El hedonismo de las clases medias, la valoración de los espacios urbanos y la reinvención del concepto de lo británico a partir de fenómenos como el clubbing. 

Ahora el porqué las audiencias gritaban con fervor “¡Que Justine haga la mueca!” al momento de interpretar “Connection”.

He’s a hormonal nightmare…BUT:

Durante las fechas en las que las radiodifusoras reproducían los hits de Elastica, Salad y Sleeper, en algunas universidades estadounidenses las Riot Grrrls comenzaban a guiar las discusiones de la música en torno al grito de “¡Todas las mujeres al frente!”. 

Aunque en ningún momento Annie negó sus preferencias por el punk, para las integrantes de Elastica, las exigencias de las rebel girls y cherry bombs no fueron un componente que quisieran incluir en su repertorio. En palabras de Justine: “No se sentían avergonzadas de ser chicas; no estaban enojadas y tampoco tenían demonios por exorcizar. Solo querían trasladar el humor a la música”.

No creían en una mística de la feminidad y tampoco en la maternidad bajo el mandato de “instinto natural”, eran conscientes de la liberación sexual, cuestionaban las actitudes inmaduras (y tóxicas) de los varones y admiraban a Debbie Harry, Kim Deal y PJ Harvey. Sin embargo, nunca optaron por dar resonancia a temas como “No You Don’t” o “Sugar”, pues no estaban interesadas en “escribir canciones sobre las cosas que marginalizaran a las mujeres”. 

Por su parte, mientras Select dedicaba páginas enteras al vínculo político de Pulp, Oasis y Blur, Elastica daba a entender que la presunción y competencia (efímera) del “Yanks Go Home!” de sus compañeros solo era un capítulo tedioso del repertorio de las Same Old Fucking Things. 

"Woke your mother up

You were on TV 

Did the Devil say to you

You can make it through?"

(***) 

Es cierto: Elastica nunca (nos) hizo promesas que no fuera capaz de cumplir…Mucho menos en cuestiones de originalidad, duración y complejidad musical. Eso debió quedarnos claro desde “Vaseline” y “Smile”. Justine, Annie, Abby, Justin y Donna nos ofrecieron vodka, litros de cerveza, paseos nocturnos en autos Ford de extraños y algo que no todas las bandas del britpop lograron: El testimonio de cómo mofarse de las lógicas tradicionales del mainstream. 

Elastica (re)posicionó al Reino Unido como el foco del mundo. A diferencia de los demás huéspedes de la zona cero del britpop, no se involucró en una disputa cultural y comercial contra el ascenso del grunge y la industria del videojuego. Para las y los (múltiples) integrantes de la agrupación liderada por Frischmann, la mundialización del goce del tiempo de ocio fue una realidad acorde a la temporalidad de la música en los 90. 

En 2018, MTV prometió traer de vuelta programación por la que conocimos a Garbage, Splendora, Portishead y Tricky.  En definitiva: Hay cosas que no son necesarias anhelar o recordar ¿Por qué habríamos de dedicar los 25 años de Elastica a un recuento amarillista (sin relevancia y sexista) de la relación sentimental entre Frischmann y Albarn?, ¿Acaso NME y Select no saturaron sus páginas con la invasión a las vidas privadas de Justin Welch, Donna Matthews y Annie Holland?

Reservemos la nostalgia para Daria, Total Request Live y -quizá- uno que otro capítulo de Celebrity Deathmatch. Que nuestra añoranza por los 90 (nos) sirva para recordar como -entre plagios glamorosos a Wire, The Strangles y The Vaselines - Elastica demostró que se puede burlar de las dinámicas de la industria musical de Occidente. 

Elastica habría trabajado muy duro… pero en 2020 Justine es pintora y Donna rechaza la posibilidad de regresar la banda.

Elastica tenía muchas canciones en mente… pero ahora son parte de las producciones de Netflix.

 

Same.Old.Fucking.Things…

U.S. Girls — Heavy Light

Posted on marzo 12, 2020 by -

Heavy Light de U.S. Girls: Música liviana para tiempos pesados.

En 2018, U.S. Girls finalmente obtuvo la atención merecida con su excelente sexto álbum In A Poem Unlimited. Ahora, dos años después, finalmente tenemos el trabajo que consolida de una vez por todas al proyecto musical de Meghan Remy. Heavy Light, un disco con un oxímoron por título que la ve reflexionando acerca del tiempo, en especial, acerca del pasado.

Durante todo el disco, Meghan se detiene a hacer una introspección de cómo su pasado ha afectado su presente. Comienza con un tema bastante bailable y fresco, “4 American Dollars”, la cual sirve como protesta anticapitalista y aporta al LP su canción más bailable. Más ritmos rápidos pueden encontrarse en la brillante “Overtime” y en “And Yet It Moves / Y Se Mueve”.

En esta última, somos recibidos por unas palabras en español: “¿Nos mienten sobre todo, no? Nos mienten sobre el ayer para que no entendamos el mañana”. Aquellos que nos moldean, ya sea nuestros padres o incluso el gobierno, controlan nuestro entorno mintiéndonos acerca del pasado para que cada día que pase nos sintamos cada vez más perdidos. A pesar de esta influencia, nos movemos. Buscamos la forma de salir adelante por más desoladora que parezca la situación.

Al igual que sus trabajos previos, la mujer toma el papel central. En esta ocasión, se enfoca primordialmente en la relación madre e hija. Esta es explorada en canciones como “Woodstock ‘99” y “Denise, Don’t Wait”, melodías tranquilas que guardan los sonidos más potentes para el final. Escondidas entre las notas y versos hay historias de la juventud de la cantante con su madre.

Tres interludios le dan cohesión al LP. En ellos, varias voces recuerdan su infancia para hablar acerca del color de su habitación, lo más doloroso que les han dicho y lo que le dirían a su yo más joven. Estas pequeñas pausas entre canciones son reflexiones acerca del dolor con el que cargamos desde pequeños, el cual viene desde la crianza y pesa tanto que lo arrastramos el resto de nuestras vidas.

La portada del disco podría entonces ser interpretada de dos formas. La primera, mostrando a la Meghan Remy actual confortándose cuando era menor, como si le dijera que todo estará bien, intentando cambiar así su propio presente. La segunda, podría ser la luz que brinda el cariño de una madre a su hija a pesar de que todo alrededor esté a obscuras.

Un coro acompaña la voz de Remy en las pistas, lo cual resulta en unas cálidas armonías. La mesura en la voz de Meghan contrasta con el poder del coro, dándole aún más profundidad a las letras íntimas y a la instrumentación bien estructurada de las canciones. Combinando una narrativa inspirada en sus vivencias con su talento musical, U.S. Girls logra que ‘Heavy Light’ sea el álbum más personal que ha entregado en lo que va de su carrera.

El disco cierra con una nueva versión de “Red Ford Radio”, tema incluido en el primer trabajo discográfico de U.S. Girls. Sinceramente, no hay gran diferencia entre ambas rendiciones. Quizás es la forma de la artista de decirnos que, por más que miremos hacia el pasado e intentemos cambiarlo, sólo nos queda aceptarlo y aprender de él. Aprender a lidiar con la pesadez de la actualidad y luchar por encontrar la luz de esperanza que haga ver el futuro menos aterrador.

Los mejores memes del Coronavirus en la música

Posted on marzo 12, 2020 by -

¿Tu banda favorita canceló su visita por el Coronavirus? Nosotros también estamos tristes, así que ríe y llora con estos memes.

Recientemente el COVID-19, mejor conocido como Coronavirus, fue declarado como una pandemia. Es por eso que, en varios países, han sido suspendidas distintas actividades para evitar más contagios. Inevitablemente el mundo de la música ha sido afectado con cancelaciones de conciertos y festivales.

SXSW, Coachella, Asuncionico, Lollapalooza y hasta el Rock & Roll Hall of Fame han sufrido modificaciones en sus fechas, mientras que el Hell & Heaven hizo cambios en su cartel. Por su parte bandas como Pearl Jam, Madonna, The National, Santana, Green Day, Bikini Kill, Trent Reznor, y Beastie Boys han cancelado o pospuesto fechas de sus respectivas giras. Mira toda la información dando clic aquí.

Además, agrupaciones como Foals, y Rage Against The Machine han publicado tutoriales para la prevenir un contagio. Y Andrew VanWyngarden de MGMT lo llevó a otro nivel con una canción dedicada al Coronavirus.

Aquí te dejamos algunos memes ¡Disfrútalos!

 

 

 

A pesar de que la pandemia se está expandiendo, es importante que NO TE ALARMES. Te recomendamos tomar medidas de seguridad, y conocer los síntomas. Te compartimos un esquema de seguridad a continuación:

 

"Hazaña", el nuevo y heroico tema de Meelt

Posted on marzo 12, 2020 by -

Meelt ha estrenado un nuevo single, posterior a su exitoso material Buscapleitos.

La agrupación mexicana, Meelt, ha estrenado "Hazaña", canción que surge posterior al lanzamiento y presentación de su más reciente material de estudio. La banda continua en activo y prepara nuevas presentaciones, mientras han compartido nueva música procedente de una sesión en vivo con Aire Libre.

"Hazaña" habla acerca de la impotencia que deja una crisis social de inseguridad. Aborda de manera temeraria la condición que vive el país y la relaciona con esa sensación de querer destruir todo buscando algo épico. Es una letra emocionante que se encuentra llena de contexto y de crudeza al mismo tiempo. También muestra en el aspecto musical una serie de cambios que van volviendo a la canción algo intenso de manera gradual, esto con la batería y su sonido ascendente.

Esta canción fue producida por Febe Esquerra, es un extracto de aquella sesión realizada en la estación, dale play a continuación.

Además, Meelt prepara una live session el próximo 20 de marzo en la Ciudad de México, será de manera íntima que la banda realice esta presentación. Conoce más detalles dando clic aquí.

La agrupación fue incluida en el compilado de Burguer Records Latam de 2019 como uno de los proyectos más importantes de la escena.

Escucha "Mess", la nueva canción de SASAMI

Posted on marzo 12, 2020 by -

SASAMI compartió el lyric video de su nueva canción "Mess".

La artista angelina Sasami Ashworth, mejor conocida como SASAMI, liberó una nueva canción acompañada de un minimalista lyric video. Se trata de "Mess", su primer lanzamiento del año después de haber publicado un EP navideño llamado lil drmr bb.

La cantante comentó acerca del track que quería terminar el año de promoción de su álbum debut con una última frase antes de comenzar a trabajar en su siguiente disco. Desde que empezó la creación de su LP hace más de tres años, ha conocido varias personas, pasado por experiencias malas y buenas y ha encontrado ira y felicidad. Justo ahora se encuentra en el desastre emocional que dejó todo eso y con este tema quiere que el público realmente escuche. Razón por la cual decidió publicarla acompañada de la letra y no de un visual más elaborado.

Es un track bastante pegajoso y potente desde el inicio. Contrario al título, está muy bien estructurada y es una buena forma de cerrar el ciclo del primer álbum para emocionarnos por el inicio del segundo material discográfico de SASAMI. Puedes disfrutar de ella a continuación y ordenar su disco mediante su sitio oficial.