A 25 años de 'Comfort y Música Para Volar' de Soda Stereo

A un cuarto de siglo de distancia de uno de los momentos más gloriosos del rock hispano. Hace 25 años Soda Stereo orquestaba el MTV Unplugged con el que pasó a la historia.

Quien diga que eso de la música con elementos orgánicos, hecha en conjunto y al calor es anacrónica está en un grave error, y los MTV Unplugged son la clara muestra. Cerca de 32 años de su primer transmisión de aquel concierto con Bon Jovi y hasta la fecha es todo un tema cuando alguna banda importante accede a realizar una presentación en su formato, los claros ejemplos en nuestro idioma de los últimos años son Los Auténticos Decadentes, Café Tacvba con su segunda vuelta y Fobia. Pero hoy hablemos del que cambió la brújula, el de Soda Stereo que lleva como nombre Comfort y Música Para Volar.

Grabado el 12 de marzo en los Post Edge Studios de Miami, Soda Stereo revolucionó el formato Unplugged al ser la primer banda en la historia que no dio un show acústico o desenchufado. Durante años la cadena insistió al tridente en realizar un concierto y estos se negaban, principalmente por no sentirse cómodos con el hecho de bajar las canciones tradicionalmente eléctricas a simples versiones acústicas.

Frente a esa opción tenía dos posibilidades: o hacía algo estrictamente desenchufado, puro, o generaba algo distinto, redimensionado todo. Yo no me banco esos discos que se basan únicamente en versiones de temas. Y nosotros no queríamos limitarnos a meter la canción eléctrica adentro de una caja acústica. Lo que finalmente salió es una mezcla de versión, contraversión y novedades, todo envuelto -lo admito sin culpa- por cierto aire de liviandad, que sin embargo nunca llega a tocar el conformismo", llegó a mencionar Gustavo Cerati en entrevistas, de acuerdo a información de la web de FlacoStereo

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(Un)Plugged anti sistema.

Mucha expectativa se pudo originar detrás del show en MTV de Soda Stero. Luego de las presentaciones de Los Fabulosos Cadillacs, Caifanes, Los Tres, El Tri, Café Tacvba y Charly García tenía que llegar el de Cerati, Bosio y Alberti. La banda más importante (y para muchos la mejor) en la historia del ascendente rock hispano no podía quedarse fuera de ese formato tan interesante que tenía cautivadas a las jóvenes audiencias, por lo que la cadena tuvo que ceder y reinventarse ante las condiciones del grupo.

Por supuesto que la dinámica fue diferente, y como es de suponerse el resultado fue distinto a lo ya conocido. Y es que los anteriores shows de MTV Unplugged eran excesivamente organizados en lo musical y estaban preparados para evolucionar de forma emotiva, como ejemplo podemos poner la cátedra que dio Charly García un año antes, que fue muy buena y lo único que podía salirse del formato eran los rompimientos que hacía el cantante. Soda fue diferente por temas de disqueras y por la intención de generar algo más genuino que versiones sin electricidad.

El trabajo musical de Comfort y Música para Volar se presta mucho a la improvisación, el mismo Tweety González que participó como tecladista llegó a comentar a Vice que esa fue una de las características principales de este recital. Solos de guitarra de Gustavo que quiebran caderas, solos de teclado virtuosos, intervenciones de vientos brillantes por parte de los hermanos Diego, Pedro y Ezequiel Fainguersch y unos Zeta Bosio y Charly Alberti que surgen como estrategas y llevan la dinámica, aprovechan los silencios y los largos espacios suaves para eclipsar el estilo musical de alto carácter que simboliza la presentación de Soda Stereo.

Importante aquí ver las grabaciones en video del concierto, donde el ensamble lucía completamente seguro de lo que hacía, estaban certeros y cada pequeño detalle lo atinaron, incluso el hecho de que no fue un disco perfecto, afortunadamente. Afortunado lo anterior porque el mismo Gustavo Cerati le llegó a contar a Alex Pels que ni siquiera recuerda lo que tocó cuando hizo el enigmático solo de "Génesis", el cover a Vox Dei, así como el reacomodo que surgió del error de Andrea Echeverri para "En La Ciudad de La Furia". La banda no se detuvo a re-grabar los pequeños detalles y es eso algo que complementa a la estridencia sonora del disco, ya que además de llevarnos a la intimidad de los Unplugged nos avienta por momentos a un verdadero concierto, algo sin precedentes.

"Ya se los advertí, aquí tienen música para volar" enarbola una frase al final de "Sonoman (Banda de Sonido)", y vaya que es eso. Este concierto Unplugged nos puede acercar a un trabajo musicalmente más complejo, progresivo y vanguardista con respecto a lo que Soda Stereo hacía anteriormente. Si bien, la banda tenía un interés que surgía por hacer sus canciones en un formato que no fuera para los grandes escenarios (de hecho anteriormente habían dado una serie de shows en el Teatro Gran Rex con una puesta un poco más ligera), parece que es aquí donde la agrupación logra ofrecer otra mirada de su música.

Soda Stereo_Comfort y Música para volar

Imagen vía FlacoStereo

La grandeza de ver a la gran banda crecer.

Comfort y Música Para Volar, además del impacto que dio a la banda para el contexto norteamericano, ayudó a los seguidores más reacios a comprender que este fenómeno no era solo comercial, de saltos en escenarios, piezas enérgicas y veloces. Soda Stereo se desnudó e hizo como agrupación algo que demostró su enorme capacidad artística, además le dio revancha a algunas de sus canciones para mostrarse nuevamente como una pieza más que comercial... Universal.

"Hola, yo soy Jeff Lynne y esta es Electric Light Orchestra" decía Gustavo Cerati, quien tomó con mucha ligereza y emoción la grabación de este material. Incluso narra Eduardo Bergallo que para re-grabar "Zoom" debido a problemas técnicos se le escuchaba a Cerati preguntarle entre los aplausos y con buen humor "¿Si está buena para el disco?".

Finalmente, Comfort y Música Para Volar es una recolección de las influencias que tuvo la banda, principalmente el vocalista. Para "Un Misil en Mi Placard" se hace referencia en el intro a "Chrome Waves" de Ride, por otra parte se rinde homenaje a Vox Dei y su ópera rock llamada La Biblia con el apasionante cover de "Génesis" y aquel emblemático solo de "Té Para Tres" replica las notas de "Cementerio Club", hecha por Luis Alberto Spinetta en Artaud, probablemente la mayor influencia de Gustavo.

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El Unplugged referencia.

Parece que cuando alguien que desconoce lo que es el formato MTV Unplugged y se le quiere acercar, la mejor opción es la presentación de Soda Stereo, un recital que cambió por completo los parámetros de estos conciertos y que al mismo tiempo nos enseñó que la banda aún tenía mucha nafta creativa, pese a estar en sus últimos pasos.

Grabado en marzo del 96, este concierto fue presentado por la televisora en mayo del mismo año, y solo hasta el 25 de septiembre fue posible escucharlo por la gente marginada de la televisión por cable, que en aquel entonces era mucha. Fue lanzado en CD y tuvo decenas de miles de ventas en diferentes países de Latinoamérica, y solo salieron 200 copias en vinilo, que hasta la fecha son consideradas como tesoros. De hecho, la edición DVD de 2007 contó con otra reliquia, que era una sección interactiva donde el usuario podía interiorizarse entre clips guardados en el menú.

La versión inicial tuvo apenas siete de las trece canciones grabadas por problemas entre Sony y CBS, y fue hasta el 2007 que se pudo escuchar el álbum completo gracias al lanzamiento de Terapia de Amor Intensiva. Finalmente, Comfort y Música Para Volar es hasta la fecha el mejor concierto MTV Unplugged hecho por una banda latina, el más emblemático y sin duda una de las mejores presentaciones en vivo hechas por Soda Stereo, que desafió los parámetros de uno de los gigantes de la industria, te invitamos a redescubrirlo a 25 años de su lanzamiento en tiendas a continuación.

A 20 años del álbum debut de Tenacious D

El mejor álbum del mundo.

Permeados por las tendencias de la década de los 90, y en apertura a un nuevo siglo, los géneros musicales deambulaban con predominancia entre algunos éxitos pop y top charts repletos de canciones de vigencia sempiterna. Y si algo hace tan especial a los dos mil es la herencia cultural y musical a la que hoy en día ya podemos llamar clásicos. 

Con la imprescindible herencia del hard rock, el grunge o el metal, el 2001 vió nacer diversos éxitos de bandas como System Of a Down, The White Stripes, Blink 182, Sum 41 e inclusive de Linkin Park, Weezer o The Strokes por mencionar muy pocos y quizá no los suficientes , pero de entre tantos proyectos en actividad, y en la misión de identificar a aquellos cuya marca es un hito en la historia del rock, todo converge en uno solo. 

Uno de los dúos más eclécticos, extrovertidos y el lanzamiento de su primer álbum homónimo de larga duración: Tenacious D, la mejor banda del mundo. 

Comedia, melodías acústicas y un aire estético a heavy metal; la síntesis de una parodia engreída que ensarta el género entre broma y broma, pero con la producción de una circunspecta y sensata banda de rock and roll. 

La interrogante llega cuando nos preguntamos ¿qué hizo a un álbum sobre McNuggets, schnitzels, flexiones de pene y sexo anal tan exitoso? y además ¿Cómo es que dos hombres gorditos con pinta de padre de familia en los suburbios lograron llevar eso a tal nivel? 

La defensa tenaz

El éxito de este disco llegó tras un background de más de 15 años, cuando Jack Black y Kyle Gass se conocieron en el club de actuación, The Actors Gang Theatre de Los Ángeles en 1986, lo que resultó en una amistad espontánea pero no tan sólida hasta algunos años más tarde. 

Después de varios encuentros, fue hasta los 90 que la copla entabló una relación más profunda y así comenzaron a incursionar en el proyecto con algunas lecciones de guitarra para Black, en el apartamento de Kyle. Posteriormente todo derivó en una banda y algunas curiosas propuestas para nombrarla. 

Entre Responsive Chord, Axe Lords Featuring Gorgazon’s Mischief, y Balboa’s Biblical Theatre, finalmente ambos se decidieron por Tenacious D (derivado de “tenacious defense”, una frase utilizada por el famoso comentarista deportivo de basketball de la NBA, Marv Albert). Con este nombre, el par comenzó a crear y a mezclar parte de su esencia histriónica con un poco de carisma y todo el influjo del rock.   

Sus primeros shows no tardaron en hacerse realidad, con algunas presentaciones en cafeterías locales y como acto de apoyo en eventos de comedia, The D comenzó a tildar el verdadero camino al triunfo con su recurso satírico y las simpáticas actuaciones de ambos sobre la tarima. Esto impresionó al comediante David Cross, quién estuvo presente en su primer concierto oficial en Al’s Bar de Los Ángeles en 1994, e invitó posteriormente a presentarse en el programa de televisión Mr Show Live. “Dios mío, alguien quiere que toquemos en algún lugar de nuevo", mencionó Jack respecto a su reacción, en entrevista para Kerrang!

En muy poco tiempo, Jack y KG llamaron la atención de un tumulto de fans, entre ellos la de Eddie Vedder, vocalista de Pearl Jam, quien los invitó a abrir uno de los show de la banda. Pero eso no lo fue todo, pues más sorpresas forjaron su camino, entre ellas la creación de su propia serie televisiva en HBO, Tenacious D: The Greatest Band on Earth, que se mantuvo al aire entre 1997 y el año 2000. 

La defensa hace boom

Ya contextualizados, “La mejor banda del mundo” se rodeó de un equipo verdaderamente importante, lo que aunado a su concepto cómico, y su acaparamiento musical y televisivo, los catapultó a un estadío puntual en su carrera: La creación de su primer LP debut.  

Renuentes a formar un disco en formato full band debido al efectivo alcance de sus conciertos con solo dos guitarras, los famosos productores The Dust Brothers los impulsaron a crear algo más allá. 21 canciones que comprenden de classic, country y hard rock, con algunos extractos que preceden de divertidos sketches y temáticas relacionadas al sexo, a su amistad, y sobre pelear porque alguien se comió el schnitzel del refrigerador; en adhesión a la participación de artistas como Dave Grohl en la batería, Phish, Page McConnell, Warren Fitzgerald (guitarrista de The Vandals), y el bajista Steve McDonald

Este álbum fue prácticamente inevitable, pues con un grupo de seguidores, el boom actoral de Jack Black en Shalow Hal (Amor Ciego) de 2001, y su reciente serie en conjunto, algo tenía que funcionar. 

Si analizamos todo el universo de Tenacious D caeríamos en cuenta que fue una bomba de tiempo, y el resultado del estallido sería solo un motivo para pasarla bien. En el marco de este lanzamiento, hay una sucinta simpleza disfrazada de voraz comicidad, que si bien no es grotesca y aunque lo pareciera, sólo lo sería para aquellos puristas en función de descontextualizar su época de creación; porque seamos sinceros, nadie ha llegado a ese explícito nivel de originalidad. 

Con “Tribute”, su canción estrella ambientada en un batalla con el diablo, e inspirada por la banda y el statement de “nunca escribiremos una canción tan buena como ‘One’ de Metallica, se refleja claramente el dinamismo arterial de toda su discografía. 

Además de una declaración de amistad “mientras haya un contrato discográfico” en “Friendship”; la creación de una canción de solo una nota en “One Note Song”; o “Drive Thru” que involucra a Black hablando con un empleado de comida rápida para que mezcle su vaso de mitad Coca-Cola y Coca-Cola Light, (y que tire dos McNuggets de pollo de su paquete de seis solo por tratar de controlar su ingesta de calorías); simplemente no hay más. Solo dos personajes con un micrófono abierto que creen ser la mejor banda del mundo y eso es simplemente efectivo. 

Si un niño con aspiraciones a dios supremo del rock e ilusiones de grandeza decidiera tomar referencias, Tenacious D podría funcionar 20 años después, y ¿les cuento un secreto? Aún siguen haciéndolo: 

En los noventas dijeron ser la mejor banda del mundo y haber creado un tributo a la mejor canción también, por ende supondremos que este fue el mejor álbum del mundo ¿o no lo es?  

Azul de Viena, sueños llenos de nostalgia

Sonidos dreamy que te recuerdan a ese amor que ya se fue.

Navegando entre sonidos de de indie pop y new wave, Azul de Viena habla de cómo es que van cambiando las cosas conforme vamos creciendo, y cómo cada día es una enseñanza nueva que va modificando nuestro pensamiento.

Azul de Viena es una agrupación que nace en una de las ciudades más coloniales de México, provenientes de Oaxaca, estos cuatro chicos que conforman la agrupación, decidieron formar la banda, para combinar sonidos de indie folk, y crear una atmósfera propia, donde lo dreamy refleja su esencia.

El proyecto actualmente se encuentra promocionando “El Brillo de Tu Ausencia”, un tema en el que mezclan los sintes de indie pop característicos de Metronomy, y acompañarlos de los riffs de unas guitarras dreamy.

“El Brillo de Tu Ausencia” es el primer sencillo de su próximo disco, y es una canción que habla de ese sentimiento extraño de haber soñado con la persona con la que tuvimos una relación amorosa y ahora ya no está a nuestro lado. 

Esta canción te transporta a un sentimiento extraño, a veces tenemos recuerdos en nuestro inconsciente de lo que fue y a pesar de que esta relación no haya continuado tampoco terminó en nada conflictivo, pero soñar con esta persona te lleva a esos momentos que apreciabas, es algo raro; sin embargo esto es solo un sueño despiertas y todo sigue. 

Escucha “El Brillo de Tu Ausencia” a continuación:

 

La canción fue producida por Ernesto Olivera y Hammurabi, en colaboración en mezcla y master de Raúl Torres de Molinette Cinema. A continuación te dejamos el link al video oficial, el cual se estrenará el domingo 26 de septiembre. Azul de Viena, estrenará nueva canción para el mes de octubre, además tienen planeado lanzar su EP/LP para el 2022.

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“Caroline”, la nueva canción de Miles Kane

El músico inglés estrenó hoy el segundo sencillo de su próxima producción en solitario, Change The Show.

Con el lanzamiento de "Caroline", Miles Kane nos da una prueba de su habilidad para no encasillarse en un género al presentar esta canción que es puro soul. Con ritmos trepidantes en la batería, instrumentos de viento y un coro de voces femeninas, el cantante nos ofrece una pista que parece ir in crescendo durante tres minutos con 30 segundos.

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Con respecto a la letra, Miles comentó que "es una canción sobre acercarse a alguien para decirle que es especial y amado. Es muy importante comunicarnos tanto en los buenos como en los malos momentos, incluso cuando es duro hacerlo".

El músico anunció hace tiempo que su cuarto álbum en solitario Change The Show (BMG) saldrá el 21 de enero del 2022. Incluso aquí en IndieRocks! te contamos acerca de ese material y su primer sencillo, "Don't Let It Get You Down". Este disco contará con una edición limitada en vinilo rojo con una foto del cantante en la cara frontal, además estará autografiado por el músico. Ya puedes pre ordenarlo en la página de Blood Records, pero apresúrate porque solo hay disponibles 1000 piezas.

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Te invitamos a darle play "Caroline" para que te pongas de buenas e inicies con toda la actitud positiva el fin de semana.

Nick Cave estrena “Shyness”

El líder de The Bad Seeds escribió este tema tomando como inspiración una pregunta que hicieron dos fans en su sitio The Red Hand Files.

Nick Cave es una de las leyendas vivas más prolíficas e influyentes. Muestra de la versatilidad que tiene el artista australiano es la nueva forma que adoptó para hacer música. Cave tiene un sitio web llamado The Red Hand Files en el que cualquier persona puede preguntar lo que sea al cantautor, lo que sea.

De esta manera nació "Shyness", su más reciente sencillo. Los fans, Daniel Vera, escribieron en el sitio antes mencionado una pregunta cada quien "¿Qué es la timidez?" Preguntó él, mientras que ella preguntó "¿Cómo fue la primera cita con tu esposa?" La respuesta a ambas preguntas la colocó Nick en una entrada de la página. Lo que escuchamos en este nuevo sencillo es eso, la respuesta a estas interrogantes musicalizada por Nick Cave y Warren Ellis con el apoyo de la Orquesta Sinfónica de Sidney.

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Este tema saldrá a la venta en una versión en vinilo de siete pulgadas en color negro, donde en la cara A vendrá "Shyness" y en la cara B otro tema titulado "Witness". Este material ya puedes pre ordenarlo en el sitio de merch oficial del músico.

Esta no es la primera vez que Nick Cave presenta algo así. El 29 de mayo de este año estrenó "Letter To Cynthia" que se complementó con "Song For Cynthia". Aquella ocasión el tema que la fan puso en The Red Hand Files fue la muerte de su hijo.

Anand Wilder anuncia su álbum debut como solista

El ex integrante de Yeasayer ya compartió un primer adelanto con “Delirium Passes”.

Anand Wilder, mejor conocido por haber sido parte de Yeasayer, anunció su álbum debut como solista, este trabajo nombrado, I Don't Know My Words, estará disponible hasta el 2022, sin embargo, ya tenemos un primer adelanto con “Delirium Passes”, una pista llena de folk psicodélico.

“Delirium Passes” es un tema lleno de sonidos que recuerdan un poco al trabajo de Anand Wilder en Yeasayer, pero esta vez dándole un toque único en cuanto a la composición, pues la canción habla sobre el escapar de las cosas pero también sobre hacerles frente, y ser perseverantes.

Este primer single llegó acompañado de un video dirigido por Derek Howard y fue protagonizado por Ben Sinclair de High Maintenance de HBO; el video es una adaptación libre del cuento de James Joyce titulado The Boarding House.

Date un pequeño trip y mira el video de “Delirium Passes” a continuación:

I Don't Know My Words estará disponible a principios del 2022, y será publicado a través de Last Gang. De este álbum, Wilder compartió que lo escribió durante la cuarentena, estando en su departamento en Nueva York, mientras grababa todos los instrumentos por cuenta propia.

Gran parte del placer de hacer este álbum fue reavivar la pasión de mi infancia por desafiarme a mí mismo para aprender a tocar cualquier instrumento.

Diles Que No Me Maten comparte “Outro”

La habilidad para comprender algo de manera inmediata musicalizado al ritmo de caos.

“Sé que no hay nada, nada mejor

Hablar de Diles Que No Me Maten es mirar el lado más poético de la música y al mismo tiempo comprender los poemas musicalizados. Sus líneas sencillas acogen un sinfín de emociones que no solo radican en sus compositores, sino también en el público que los escucha. El cuarteto capitalino está cerca de lanzar su nueva producción discográfica La Vida de Alguien Más y mientras eso sucede comparte “Outro”, su segundo adelanto.

Para este estreno la banda transmite al compás de un bajo y la voz principal “una emoción adolescente” que va evolucionando de la tranquilidad a la confusión; algo que los mismos integrantes definen como “simple, sencilla y que termina en caos”.

“Outro” toma como referencia el poema beat de Jack Kerouac, Mexico City Blues para hablar de la intuición dentro de una oscuridad. Este clásico de finales de los 50 permite que durante toda su reproducción, Diles que No Me Maten mantenga una fina armonía que incita a reflexionar.

Da play ahora para poder escucharla:

Te recordamos que Diles Que No Me Maten será parte de la próxima edición del Festival Hipnosis. Si aún no adquieres tus boletos te invitamos a hacerlo ya que en esta ocasión el cupo será limitado. ¡No te lo pierdas!

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“Tonight United”, lo nuevo de Duran Duran

Música para la unión.

Duran Duran presenta “Tonight United”, el nuevo adelanto de su quinceavo disco de estudio, Future Past; disponible este próximo 22 de octubre a través de Tape Modern/BMG. Con la producción del mítico DJ italiano, Giorgio Moroder, este sencillo representa parte de su clásica esencia synth pop, new wave y dance rock, que elevó su éxito en los años ochenta y con la que actualmente se mantienen vigentes. 

Moroder, Duran Duran ... Esta es música para un mundo que está volviendo a juntarse", describió el frontman de la agrupación sobre el nuevo tema. 

Para esta ocasión, Simon Le Bon (vocalista), Nick Rhodes (tecladista), John Taylor (bajista) y Roger Taylor (baterista), se prueban a sí mismos que son “atemporales”, pues en el marco de la celebración de su 40 aniversario, el cuarteto aún se “renueva y se reinventa, para estar a la vanguardia”. 

Por si fuera poco este larga duración cuenta con la colaboración especial de artistas como Mark Ronson, Lykke Li, Graham Coxon (guitarrista de Blur), Mike Garson (pianista de David Bowie), y muchos más. 

 

Cuando entramos por primera vez en el estudio a fines de 2018, estaba tratando de persuadir a los muchachos de que todo lo que teníamos que hacer era escribir dos o tres pistas para un EP", mencionó Le Bon sobre el LP. 

“Cuatro días después, con el núcleo de más de 25 canciones fuertes en la lata, que todas merecían un desarrollo, me di cuenta de que estaríamos en eso a largo plazo, pero eso fue antes de Covid. Así que aquí estamos en 2021 con nuestro decimoquinto álbum de estudio, Future Past, tirando de la correa ".

Escucha lo más reciente de Duran Duran y no te pierdas todas la novedades  de su nuevo álbum a través de Indie Rocks!

CERO39 estrena “Deseo” ft. Zé Fuga

El dueto colombiano regresa con una dosis de dance y pasión desbordada.

CERO39 ha sabido aprovechar el 2021 con su larga lista de nuevos sencillos. Ahora, para continuar esta buena racha, el proyecto de Mauricio Álvarez “Fredo” y Darío Sendoya se une a Zé Fuga para el track “Deseo”, que seguro te hará bailar mientras te transporta a una vieja historia de pasión y desamor.

“Deseo” es un track con tinte minimalista que se construye sobre una base rítmica y discretos arreglos armónicos. Encima de éstos, la voz de Zé Fuga narra una adaptación libre del relato de Romeo y Julieta, donde las imágenes de las calles, la violencia y la psicoterapia toman un lugar protagónico. Dale play a continuación.

El dueto CERO39 ha construido una carrera prolífica como representante de la nueva ola de música electrónica colombiana. Su propuesta, calificada por medios internacionales como “monster cumbia” o “ciborg tropical bass”, combina las últimas tendencias de la música electrónica con los ritmos populares de la región latinoamericana, entre los que se incluye el reguetón y la cumbia. Por ello, el dueto ha trabajado junto a Pahua y otros artistas de su región.

Hasta el momento, CERO39 no ha anunciado si lanzará el álbum sucesor a 6 (2019). Pero sí nos invita a seguirlo en redes sociales para que estemos pendientes de su nueva música.

Princess Nokia estrena “Boys Are From Mars” junto a Yung Baby Tate

La princesa del hip hop nos recuerda que los hombres no son de este planeta.

Después de entregarnos el enérgico “It’s Not My Fault”, la princesa afro-nuyorriqueña de las rimas, Princess Nokia, anunció su regreso a la música después de unos meses, pero esta vez al lado de la también rapera Yung Baby Tate, para estrenar en conjunto el tema “Boys Are From Mars”.

La nueva canción no deja de lado la línea que la interprete ha trazado desde hace algún tiempo con su participación en series televisivas y películas como Gossip Girl; a esto se unen sus más recientes materiales de larga duración Everything Is Beautiful y Everything Sucks, ambos lanzados en 2020.

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“Boys Are From Mars” está inspirada en las clásicas películas de acción en donde los personajes terrenales luchan con armas de rayo laser en contra de todos aquellos invasores extraterrestres, en este caso Princess Nokia Yung Baby Tate demuestran que esos invasores son todos los hombres ya que las mujeres son de Venus.

El tema llega en compañía de un lyric video bastante colorido que contagia las ganas de cantar y moverse a su ritmo. En repentinas ocasiones aparecen las raperas en un estilo de comic arriba de un auto mientras están disfrutando al máximo la nueva canción. Dale play y goza al mismo tiempo que Princess Nokia.