Björk estrena video para "Losss"

¿Estás listo para el regreso de Björk a México?

Luego de casi tres meses de haber estrenado el video para "Tabula Rasa", la artista islandesa comparte un nuevo visual para acompañar "Losss", tema incluido en su material Utopia.

Mira "Losss" a continuación:

Además de haber dirigido este video y su predecesor, Tobias Gremmler también estuvo a cargo de las animaciones digitales proyectadas durante Cornucopia, que ha sido descrito por Björk como "teatro digital" y un "concierto pop de ciencia ficción".

Björk traerá este show por primera vez a México en agosto, haz clic en el póster para más información:

Björk

Lana Del Rey lanza "Looking for America"

Escucha el tema que Lana grabó junto a Jack Antonoff inspirado en los tiroteos recientes en Estados Unidos.

Luego de varios meses, Lana Del Rey dio a conocer la fecha de lanzamiento oficial de Norman Fucking Rockwell y hace algunas horas la cantante estadounidense compartió un nuevo tema, aunque este no se dio por circunstancias positivas. Se trata de "Looking for America", un track inspirado en los recientes tiroteos ocurridos en las ciudades de El Paso, Chicago y Ohio hace algunos días.

Mediante su cuenta de Instagram, Lana mencionó lo siguiente. "Hola amigos, regresé temprano de Montecito con mi hermano esta mañana y le pedí a Jack Antonoff que viniera a la ciudad porque tenía una canción en mente que quería escribir. Ahora, sé que no soy un político y no estoy tratando de disculparme por tener una opinión, pero a la luz de todos los tiroteos masivos y los tiroteos consecutivos en los últimos días realmente me afectaron. A nivel celular, solo quería publicar este video que nuestra ingeniera Laura tomó hace 20 minutos. Espero que te guste. Estoy cantando amor a los coros que grabé esta mañana. Lo voy a llamar ‘Looking for America'".

 

 

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También la cantante confirmó su participación como parte de la banda sonora de Scary Stories to Tell in the Dark, película producida por el mexicano Guillermo del Toro y dirigida por André Øvredal. La canción en cuestión es "Season of The Witch", original de Donovan. Aquí te dejamos un extracto:

 

Entrevista con Carlos Santana

Una celebración de la música y la espiritualidad.

Entrevistar a una persona como Carlos Santana, sobre todo para mí que, si bien no soy el máximo fan, ha marcado gran parte de mi vida y mi forma de desenvolverme con el mundo. Pero al escuchar sus primeras palabras recibí una descarga de paz y tranquilidad.

“Mi luz se refleja en tu luz”, me dice Carlos Santana para calmar mi batalla emocional.

Pero esto no se trata de mi, se trata de una leyenda de la música de psicodélica, se trata de 50 años de hacer música de fusión, se trata de espiritualidad, se trata de nuevos proyectos y remembranzas de otros tiempos.

Indie Rocks! tuvo el placer más grande de enlazarse vía phoner con Carlos Santana con motivo del lanzamiento de Africa Speaks en colaboración con Buika, uno de los materiales más interesantes de Santana en ya varios años. Esto fue lo que sucedió…

Remembranzas y espiritualidad

Carlos Santana es una persona muy espiritual, así habla, así se desenvuelve en el mundo y simplemente él es así. La entrevista que le hicimos, fue una de tantas en su vida, pero cómo se sentía al mero comienzo de su carrera.

“Siempre trato de mostrar gratitud, apreciar y dar gracias a toda la gente por su unidad conmigo”, contesta humildemente el guitarrista.

Actualmente el guitarrista tiene una carrera tan extensa como su grandísimo talento musical, el cual ha ido en aumento, su técnica en sus inicios a la que vemos hoy en día ha mejorado por mucho. Hay quienes dirán que nació con un talento supernatural, pero la verdad es que nos falta mucho para saber exactamente cómo logro obtener tanto talento en la guitarra.

“Mi padre me compró una guitarra eléctrica en Tijuana, ahí comencé a aprender a expresar mi corazón a través de mis dedos y la electricidad. Antes de eso me enseñó a leer y a tocar el violín, de ahí me agarré, porque no hay mucha diferencia entre los dos”, nos cuenta Carlos una pequeña parte de su historia.

En los años que Carlos Santana estaba aprendiendo a tocar la guitarra, muchos otros jóvenes tenían esa fiebre por tocar un instrumento, hacer una banda y lograr grandes cosas, tal como sus héroes. Actualmente ya no es así, las herramientas digitales son ese recurso que viene a sustituir a los instrumentos musicales.

“Siento que no hay ganas de meterle como hay que darle. En el lenguaje de los genios, tienes que invertir emocionalmente con tu pasión, constantemente aprender cómo hablar el lenguaje de los ángeles y ofrecerlo a la humanidad tal como lo hizo Picasso, Beethoven, Igor Stravinsky, Einstein o Charlie Parker”.

“La gente de hoy, desafortunadamente, quiere éxito instantáneo, pero no quieren trabajar para lograrlo. No todos, pero la mayoría no quieren invertir ganas, ni tiempo para aprender un instrumento como lo hacía Paco de Lucia o Manitas de Plata”, opina el jalisciense.

Conectando su opinión acerca de lo digital, grandes canciones como “Soul Sacrifice”, “Black Magic Woman”, “Incident At Neshabur” o “Toussaint L’Ouverture” no se hubieran logrado nunca si no se hubiera entregado por completo a la práctica y para eso necesitaba un buen lugar para ensayar hasta lograr el sonido que ahora conocemos.

“Allá por los años 60, ensayaba en Tijuana, en la calle de Revolución en el Gomboe, ahora ensayo en todo el mundo. Hoy tengo 72 años y creo que este mundo es mi casa, cada ciudad o lugar donde estoy, es solo un cuarto más”, expresa Santana.

Este año se cumplen 50 años del concierto hippie más grande de todos los tiempos, Woodstock. Ahí, Santana hizo su primera aparición en vivo y a partir de ahí se fue volando a las estrellas para orbitar con las más grandes leyendas.

“Para mi Woodstock fue una bendición grandísima porque aprendí a reconocer que los humanos son capaces de coexistir con compasión, compartir paz y armonía, ahí no hubo peleas, ni violencia.

Por eso todos hablamos de Woodstock, al igual que hablamos de cuando cayó el muro de Berlín o cuando Mandela salió libre, celebramos la humanidad. Yo vi en Woodstock la primera vez que los humanos pueden convivir en armonía”, rememora Carlos Santana.

Política vs Música

No es desconocido por los mexicanos que presidentes de derecha gobernaron nuestro país por muchas décadas, más de las necesarias, con muchas altas y bajas sobre el camino. Precisamente Carlos Santana dejó el país sin ver un partido de oposición llegar a la presidencia, no creo que realmente se haya ido esperando a que eso sucediera.

“Lo más importante que debe hacer el nuevo presidente es que alimente el progreso espiritual, que genere compasión y que reparta el pastel con el pueblo. Hay tres conciencias en México: el mexicano-mexicano, el mestizo y el blanco. El mexicano-mexicano siempre está en la calle pidiendo limosna y poca gente los ayuda, son los indígenas.

Si yo fuera presidente de México, me encargaría que los niños en las escuelas aprendieran a hablar sus primeras lenguas como el náhuatl, el mixteco. Me gustaría que hubiera un hermano que pueda traer más conciencia, principios de compasión, caridad y misericordia, eso es lo más importante para mí. Si un presidente vive a lado de los principios de la Virgen de Guadalupe ya ganamos todos”, propone el guitarrista.

El mundo está lleno de mucho odio, tanto la gente que está en el poder, como el mismo pueblo. Hay una creciente ola de fascismo que no debería estar ahí y no terminan de entender que las divisiones políticas no deberían existir.

“Para mí la migración es una ilusión falsa, mi corazón se sintió muy alegre cuando cayó el muro de Berlín. La gente que invierte en miedo justifica muros y separación, pero todas esas cuestiones están hechas por dinero, no están hechas por la humanidad, ni con compasión, ni calidez, ni principios espirituales.

Hay dos cosas, la eternidad y el polvo. El polvo no dura y la eternidad es pa’ siempre, yo soy pa’ siempre al igual que John Coltrane, Billie Holiday, Bob Marley o John Lennon. Los presidentes vienen y se van, nadie se acuerda de ellos después, pero Beethoven se queda, Miles Davis y Jimi Hendrix se quedan también”, comenta Carlos.

Africa Speaks, Hollywood y otras curiosidades

Africa Speaks tiene mucho de que hablar y mucho que escuchar, pero eso lo pueden leer en la reseña que se escribió aquí mismo. “África habla” es lo más nuevo de Santana, un proyecto en el que la voz principal del disco es la de Buika, una cantante española que también ha colaborado con Chick Corea y canta en yoruba con Carlos Santana.

“Dios hizo que nos encontráramos, él me la mandó y él me mandó a ella. Son cosas supernaturales, dios sabe cómo, cuándo y quién. Nos utiliza para hacer su obra y su obra es estar en armonía, unión y curar a este mundo que está infectado con una fiebre de miedo”, manifiesta con gran espiritualidad el guitarrista.

La primera vez que entró a un estudio a grabar un álbum, eran otros tiempos, era otra alineación y otras energías. Y durante la mayoría de su carrera siempre han cambiado los músicos, a nuestra perspectiva no siempre ha sido igual y ahora que presenta esta nueva entrega ¿será muy distinto?

“Para mí, entrar al estudio siempre es lo mismo, cierro los ojos, siento mi corazón y le pego fuerte. Yo siempre me siento igual, yo soy agua y fluyo, las mangueras vienen y se van, pero el agua es agua”, nos comenta Carlos Santana.

El disco salió en la primera mitad del año y en los conciertos que ha estado dando incluye solo unas cuantas canciones del nuevo disco y sigue haciendo el mismo show de siempre, con grandes clásicos. El nuevo disco es tan bueno que merece su propio espacio.

“Dios quiera, el año que entra vamos a viajar con Buika. Solamente Buika y Santana; Santana y Buika. Y solo vamos a tocar la música de Africa Speaks en teatros, me gustaría tocar en el Palacio de Bellas Artes, si me dejan. No vamos a tocar 'Black Magic Woman', 'Smooth', ni 'Maria'. Nos vamos a enfocar solo al nuevo disco el año que entra”, nos emociona con sus palabras el guitarrista.

Ya encarrerados y con tantos discos tan increíbles como su gran trilogía de finales de los 70: Caravanserai, Welcome y Borboletta, me tomé el atrevimiento de preguntar si alguna vez tendríamos la oportunidad de escuchar uno de esos discos completos de principio a fin en giras temáticas como lo lleva haciendo desde hace años Roger Waters con The Wall o Dark Side of the Moon.

“No, yo toco cosas de ayer, de hoy y de mañana. En tour siempre toco canciones de Santana, Abraxas y Santana III, toco cosas del Supernatural y lo nuevo. Yo no soy de los que piensa en hacer ese tipo de shows”, nos quita la esperanza Carlos.

Para reír un poco y olvidarnos de la respuesta no tan grata para los fans, le hicimos una pregunta que me parece obligada, acerca de comida.

“Cuando salgo de gira me gustan las cosas que estén picosas, que tengan tenga sabor, cualquier cosa que le pongan corazón está delicioso. Me encanta la comida de la India y el jamaican jerk chicken”, nos confiesa su menú favorito el héroe de guitarra.

A finales de los 80, Carlos Santana y Miles Goodman hicieron el score de La Bamba, la biopic de Ritchie Valens. El score es muy demencial y por nuestras mentes se ha cruzado la posibilidad de que vuelva a hacer música para películas de nuevo, pero al preguntarle nos topamos con otra respuesta.

“Quizá en el futuro. Por el momento, la corporación Imagine quiere invertir en una película acerca de mi. Yo no me meto en Hollywood, porque ellos trabajan con historias de tragedias, de gente miserable o víctimas. Yo no soy nada de eso, mi vida ha estado llena de victoria y triunfo.

“La gente de Hollywood piensa que una vida como la mía no se puede vender porque no hay tanto drama, ni tragedia, ni miseria. Desde mis inicios en Tijuana hasta aquí, siempre he triunfado y si ellos piensan que no pueden hacer dinero vendiendo triunfo y solo miseria, pues que se queden con lo que hacen ellos.

Ron Howard es quien ha propuesto hacer mi película y ya veremos cómo la hacemos, pero yo quiero que tenga integridad, esperanza y valor”, nos revela Carlos Santana.

Colaboraciones del pasado y del futuro

Las colaboraciones de Carlos Santana incluyen personalidades muy variadas. Desde súper estrellas del jazz, blues, música de fusión hasta celebridades musicales y pasan por Miles Davis hasta Shakira. Pero la cosa es esta, cuáles son esas colaboraciones que de verdad han tocado su alma.

Wayne Shorter, Miles Davis, Herbie Hancock, Tony Williams, Ry Cooder, porque son genios de otro nivel. Hay océanos, lagos, albercas y pequeñas tinas, todos ellos son océanos”, confiesa el músico de Jalisco.

Desde épocas primigenias, los nuevos talentos siempre han deseado que sus grandes héroes los miren, aunque sea de reojo y sentir que lo que hacen tiene algún sentido. Aunque sea muy farandulero, Santana es conocido por darle su valor a los nuevos talentos e incluso colaborar con ellos.

“Mi corazón esta abierto, mi mente está abierta. Hace poco, vinieron a verme mis hermanos Café Tacvba y quizás en el futuro podamos hacer algo. Yo estoy listo para abrazar lo nuevo que se presenta y que venga del corazón, yo no estoy para competir ni comparar, estoy para complementar”, nos revela el guitarrista.

Y así fue como acabó la entrevista con Carlos Santana, una plática que sinceramente no quería terminar nunca.

Bandalos Chinos estrena video de "Departamento"

¿Quién ganará el concurso de talentos? Descúbrelo en el nuevo video de Bandalos Chinos.

En noviembre de 2018, Bandalos Chinos se presentó por primera vez en la Ciudad de México. Durante esta pequeña gira, la banda argentina grabo "Departamento", su nuevo sencillo en el que participa Adan Jodorowsky.

Además, esta canción viene acompañada de un video dirigido por el habitual colaborador audiovisual del grupo Tomás Terzano, quien nos muestra un talent show televisivo de los años 70, donde varios concursantes cantan frente a un jurado que tendrá que votar al mejor de ellos. En el visual podemos ver a Goyo Degano, Adan Jodorowsky, Jean-Carl Sussein y a Jay de la Cueva como jurado estelar.

Dale play a continuación:

Bandalos Chinos visitará de nueva cuenta la Ciudad de México para presentarse el próximo 11 de octubre en el Lunario del Auditorio Nacional. Pero antes, dará una serie de shows que comienzan el 21 de septiembre en Puebla, para continuar el 27 de octubre en Toluca, 4 de octubre en Monterrey, 10 de octubre en Querétaro, y 12 de octubre en Tlaxcala. Mantente pendiente de Indie Rocks! y las redes sociales de la banda porque próximamente se anunciarán más fechas.

Te compartimos el poster a continuación:

The Cure celebra su aniversario con un box set

Las sorpresas de aniversario de The Cure continúan, esta vez llega en forma de box set que nadie se puede perder.

Fue hace 40 años cuando The Cure dio a conocer su primer sencillo. Es por ello que saldrá a la venta 40 Live: Curaetion + 25th Anniversary un box set con dos de los conciertos especiales que se llevaron a cabo en 2018 llamado The Cure 1978-2018 40th Anniversary. Este box set contará con diversos formatos: 2 Blu-ray / 4 CDs, 2 DVD / 4 CDs o un doble DVD. Lo puedes adquirir a partir del 18 octubre por Eagle Rock o puedes pre-ordenarlo en Amazon. No te pierdas de ninguna sorpresa y visita su sitio oficial.

El festival está editado en video y CD y que cuenta con la participación de bandas como Interpol, Editors, Slowdive, Ride, The Twilight Sad, entre otros. Además, se incluirá el concierto con motivo del 25 aniversario del Meltdown Festival. El show estará dividido en dos partes. Por una parte, From There To Here contendrá una canción de cada uno de sus discos, desde Three Imaginary Boys (1979) hasta 4:13 Dream (2008). Por otra, From Here To There será lo mismo, pero desde lo más nuevo con "Step Into The Light", a lo más antiguo.

Gracias a esta noticia las ilusiones siguen creciendo, pues la actividad de la banda ha sido constante. Recientemente, los rumores de su visita a México el próximo octubre se hicieron más fuertes. Además, se confirmó la proyección de The Cure Anniversary Live in Hyde Park en diferentes salas de cine del país.

40 Live: Curaetion-25 + Anniversary – Tracklist

The Cure, Curaetion 25, Robert Smith’s Meltdown, London 14/06/2018.

SET 1

  1. “Three Imaginary Boys”
  2. “At Night”
  3. “Other Voices”
  4. “A Strange Day”
  5. “Bananafishbones”
  6. “A Night Like This”
  7. “Like Cockatoos”
  8. “Pictures of You”
  9. “High”
  10. “Jupiter Crash”
  11. “39”
  12. “Us or Them”
  13. “It’s Over”
  14. “It Can Never Be the Same”

SET 2

  1. “Step Into the Light”
  2. “The Hungry Ghost”
  3. “alt.end”
  4. “Last Day of Summer”
  5. “Want”
  6. “From the Edge of the Deep Green Sea”
  7. “Disintegration”
  8. “If Only Tonight We Could Sleep”
  9. “Sinking”
  10. “Shake Dog Shake”
  11. “One Hundred Years”
  12. “Primary”
  13. “A Forest”
  14. “Boys Don’t Cry”

The Cure, British Summer Time, Hyde Park, London 07/07/2018.

  1. “Plainsong”
  2. “Pictures of You”
  3. “High”
  4. “A Night Like This”
  5. “The Walk”
  6. “End of the World”
  7. “Lovesong”
  8. “Push”
  9. “In Between Days”
  10. “Just Like Heaven”
  11. “If Only Tonight We Could Sleep”
  12. “Play For Today”
  13. “A Forest”
  14. “Shake Dog Shake”
  15. “Burn”
  16. “Fascination Street”
  17. “Never Enough”
  18. “From the Edge of the Deep Green Sea”
  19. “Disintegration”

Encore

  1. “Lullaby”
  2. “The Caterpillar”
  3. “Friday I’m in Love”
  4. “Close to Me”
  5. “Why Can’t I Be You?”
  6. “Boys Don’t Cry”
  7. “Jumping Someone Else’s Train
  8. “Grinding Halt”
  9. “10:15 Saturday Night”
  10. “Killing An Arab”

Bat For Lashes lanza video para "The Hunger"

El nuevo álbum de Bat For Lashes está inspirado en vampiros, escucha esta nueva canción y disfruta de su video.

Natasha Khan, también conocida como Bat For Lashes compartió el tercer sencillo de su nuevo álbum, "The Hunger". El tema formará parte de su próximo material Lost Girls que saldrá el próximo 6 de septiembre vía AWAL Records. El álbum sucesor de The Bride, un álbum conceptual, tendrá como tema central una criatura mítica, un muerto viviente dotado de fuerza y poder que bebe sangre de los seres vivir para mantener su inmortalidad: los vampiros. Puedes pre-ordenar Lost Girls aquí.

"The Hunger" está inspirada en la película de Tony Scott, The Hunger (1983) en la que participaron David Bowie, Susan Sarandon y Catherine Deneuve. El video fue dirigido por Natasha y en el que también participa como el personaje principal; Nikki Pink. Rodeada y seguida por varias mujeres en medio de un desierto que con danzas inician una especie de rito. La voz de Natasha Khan, entre ecos, nos ayuda a adentrarnos al tema al igual que el característico piano de aquella época, acompañado de una guitarra discreta y el reverb de la batería. Disfruta del video a continuación.

Anteriormente, Bat For Lashes compartió el primer sencillo "Kids In The Dark". Natasha también dirigió y participó en este video. Esta vez nos muestra a Nikki Pink como vampiro acechando a su amante respaldado por una pandilla de vampiros. Más adelante lanzó “Fell For You” un tema synth pop con la esencia de los 80.

Si te perdiste de estos temas, no te quedes atrás y escúchalos aquí.

Mon Laferte presenta "Canción de mierda"

Escucha la canción en la que Mon Laferte relaciona el ciclo menstrual y el desamor.

Luego de algunas semanas, Mon Laferte vuelve a sorprender con una nueva canción. Se trata de "Canción de mierda", tema en el que la chilena canta sobre el desamor relacionándolo con la menstruación. Este tema contó con la producción de Manú Jalil.

Además del track, se compartió el videoclip oficial en el que podemos ver a Mon realizando labores domésticas para tratar de olvidar el dolor que le provoca este proceso natural. El mensaje que busca compartir la cantante es que si logra soportar eso puede superar un desamor. Parte de la letra menciona lo siguiente. "Tú qué vas a saber si no sangras una vez al mes".

Sobre este estreno muchos de sus fans han coincidido con que este tema y "Chilango blues" tienen sonidos similares a los que dio en la eras Desechable y Tornasol, materiales que lanzó de manera independiente en 2011 y 2013 respectivamente.

¡Dale play al video!

Hace unos meses Mon Laferte presentó Norma, placa grabada en una sola toma en los Capitol Studios bajo la producción de Omar Rodríguez y que mezcla géneros como el trap, mambo y cumbia. Escúchala a continuación:

Cuco — Para mí

Para mí: Colores que vibran en una zona gris.

La música de Cuco nunca ha sido para todo el público: hay quien puede tacharla de mediocre, poco inventiva, genérica, facilonamente y hasta aburrida. Y en realidad es que nada de eso es mentira, en cierto sentido. Los últimos años ha surgido una afición por los sonidos lo-fi y ritmos lentos que evocan una sensación de calma y relajación, además de que una serie de artistas que hablan de cosas como el amor, drogas y sentimientos de desesperación de una forma tan anodina e insulsa han crecido exponencialmente. Por ello es fácil hablar de las canciones de Omar de con tanta banalidad y poco respeto, pues cae dentro de esta nueva oleada de músicos que buscan dichos sonidos a través de sus tracks.

En su primer álbum dentro de Interscope, Cuco, produce y escribe cada uno de sus temas, no hay otra mano que mueva los hilos detrás de las creaciones del artista de California. La influencia de artistas como Kevin Parker, Toro y Moi o Mac DeMarco es claramente identificable. La esencia de temas como “Lo que siento” o “Lover Is a Day” se sigue escuchando, pero hay una evolución clara en los sonidos que terminan volviéndose más maduros con cada proyecto.

El disco es un entretejido de ritmos como bossa nova, R&B, y synth pop con una clara nota californiana.

El viaje inicia con “Intro”, una colaboración con Foos Fone Wild que se vuelve a un monólogo autocrítico del propio Omar en la que relata pasajes poco agradables de la vida del artista. Con una tonada melosa acompañada de Auto-Tune, sintetizadores y una batería alegre, “Keeping Tabs” es como la bienvenida a una feria de película americana en la que los algodones de azúcar y los dardos son color pastel y el cielo se vuelve más azul que de costumbre, esta de la mano de Suscat0. Le siguen “Bossa No Sé” y “Perihelion (Interlude)”, la primera con la colaboración de Jean Carter, y que construye la estructura de la canción, precisamente, en una base de bossa nova adornada con secuencias de hi-hats y la voz de Cuco con una textura virtual. “Perihelion”, por su parte, es un interludio facilón al que bien se le podría dar skip sin perder la esencia del disco.

Por la mitad del proyecto encontramos canciones como “Feelings”, “Lovetripper”, “Ego Death In Thailand” y “Hydrocodone” en las que el trayecto se vuelve más sintético y atmosférico que la primera parte de Para mí. “Hydrocodone” es el track más interesante de este tramo y es en el que se produce un cambio para adentrarnos al final del álbum con un sonido lleno de texturas más introspectivas, pero naturales.

Para el final del disco hay dos interludios más: “Brokey The Pear” y “Room Tone”, ambos únicamente entendibles como transiciones prescindibles y en las que Cuco experimenta con sonidos que suenan ajenos a su propia historia. “Far Away From Home” es una balada synth pop melancólica y llena de sonidos cliché de la década de los 90 que rememora los bailes de escuela (americanos de nuevo) en los que un par de niños apenas mueven los pies mientras rodean sus cuellos o cinturas con sus brazos. Llega “Best Friend”, a mi gusto el mejor track de todo el álbum, que de nuevo utiliza un bossa nova, pero esta vez sin una alteración tan marcada como en “Bossa No Sé”, aunque las secuencias de hi-hats vuelven a aparecer. Es la mejor pieza del rompecabezas que es Para mí, una canción en la que se siente una frescura de la cuál carece el resto del álbum. Es una canción triste en la que le canta un amor que se fue y al cuál sigue queriendo. Nada típico, ¿cierto?

Y cierra con “Do Better”, en la que una guitarra marca el compás y nos despide con una balada más tropical y llena de esencia bossa.

En resumen, Para mí, es un buen disco. Punto. Plano y lleno de espacios forzados y carentes de emoción, pero que funciona para el público que acostumbra escuchar a Cuco. Su discurso nunca es político, aunque tampoco esperábamos que lo fuera, y los únicos momentos en los que se vuelve serio es para hablar de amor no correspondido o de sentimientos de duda.

Así, en general, el álbum del artista de California es un idílico viaje por memorias y momentos en la vida de él mismo. Un viaje que no trasciende y que se queda corto para las expectativas con las que cargaba Omar Banos… aunque al final tampoco es como que nos deba algo.

Noel Gallagher comparte "This is The Place"

Así como su hermano, Noel Gallagher no deja de trabajar y ya anunció el segundo EP de los tres que prometió.

Noel Gallagher y su banda High Flying Birds se preparan para el lanzamiento de un segundo EP. Esta vez compartieron "This is The Place", misma que le da el nombre al trabajo de media duración. This Is The Place contendrá cinco canciones entre ellas "A Dream Is All I Need To Get By", "Evil Flower" y su mezcla por parte de The Reflex, además de la canción homónima y su remix a cargo de Dense & Pika. Este EP estará disponible a partir del 27 de septiembre en plataformas digitales y una versión de dos vinilos, una con la imagen de portada y otro a de color.

En "This Is The Place" podemos escuchar una mezcla de sintetizadores y una voz un poco opaca, que con trabajo puede ser distinguida de la producción de la canción. La canción es rítmica en todo momento pues poco a poco va incluyendo nuevos sonidos, coros y voces que la llenan. Sin embargo llega a abusar un poco de la mezcla. Escucha la canción a continuación y crea tu propio criterio.

Para promocionar el EP This Is The Place, Noel Gallagher ofreció una entrevista a The Guardian sin dejar de lado los polémicos comentarios hacia su hermano Liam Gallagher y su presentación en Glastonbury. “No creo que me haya sentido tan avergonzado de un hombre en toda mi vida. Logró un gran truco de magia al hacer que las canciones de Oasis suenen raídas y delgadas. Parecía que estaba teniendo el peor día de su vida, caminando en lo que parece una pijama de mi hijo, gritando al micrófono sobre alguna injusticia percibida. Si no puedes cantarlas, no las toques. Música poco sofisticada, para personas poco sofisticadas por un hombre poco sofisticado”.

Recordemos que Noel Gallagher anunció tres EPs para este año. Primero compartió Black Star Dancing, un trabajo que pasó desapercibido pues no generó ningún tipo de expectativas.

Noel Gallagher’s High Flying Birds comenzará su gira a partir del 8 de agosto hasta el 31 del mismo mes, acompañados por The Smashing Pumpkins.

Entrevista con Little Boots

Little Boots: Saltar al vacío y volverse a levantar.

Ella es música y la música es ella. Desde temprana edad, Victoria Christina Hesketh se enamoró del piano, aunque después flirteó con la flauta y el arpa. La música clásica fue su principal directriz, pero como toda adolescente también comenzó a disfrutar de romper las reglas para crear sonidos a partir de sintetizadores. Actualmente el mundo la conoce como Little Boots, una británica que ha tratado de colocar la música pop en una perspectiva menos plástica y más real.

Little Boots está de vuelta con música nueva, y ganas de dejar el Reino Unido para llevar su nuevo EP Jump a otros países. En Indie Rocks! platicamos con la artista, quien nos dio detalles sobre su más reciente producción, su crecimiento, y la construcción de la confianza en sí misma y en su música.

Antes de ser conocida por su electro pop, la ahora productora fue parte del programa británico Pop Idol, en donde concursó intentando atraer los reflectores, y poder firmar con alguna compañía disquera. Sin embargo, Hesketh no logró llegar ante el jurado, pues fue eliminada después de la tercera ronda. No obstante, su espíritu de lucha la hizo seguir adelante. Llena de rabia, entendió que un programa de televisión no sería su catapulta a la fama. "Estoy de acuerdo con que los artistas verdaderamente hambrientos, encontrarán un camino, ya sea a través de éste tipo de shows, o fuera de estos. No es una solución rápida, esto es un ejemplo de lo que sucede en la industria de la música todo el tiempo, pero condensado en la temporada de un programa de televisión. La gente recibe una gran audiencia, luego cae repentinamente, y solo los más fuertes sobreviven y continúan. Encuentro estos programas entretenidos, pero parecen centrarse mucho en la personalidad y la voz, no realmente en el artista, la música o las canciones", manifestó la artista.

De acuerdo con Hesketh, el piano es su instrumento favorito, pues ha sido su herramienta creativa desde los 5 años. Además, esta electrizante rubia confiesa que disfruta mucho el componer en piano diferentes géneros como la música clásica, jazz, pop, y todo lo que la inspire. "El piano es mi casa, mi terapia". A pesar de que Little Boots también canta, no se considera a sí misma como cantante, sino que su voz es su herramienta para poder contar historias y hacer melodías. Hesketh considera que las reglas se hicieron para romperse. "Amo el desafío que representa la música clásica. Creo que las reglas son importantes porque si no las conoces, no sabrás como romperlas después. Gracias a haber recibido instrucción clásica, tengo las herramientas para tocar música pop. Sin embargo, una canción pop perfecta no tiene porqué ser difícil de escribir, pero su significado sí será universal".

En vez de un disco de larga duración, la inglesa optó por un EP, pues considera que los LP limitan al artista en muchos aspectos. "Ahora encuentro que el formato de los LP es muy restrictivo, requieren mucho tiempo y dinero. Las personas los consumen y eliminan muy rápidamente". De esta manera, Little Boots busca estar en contacto con sus seguidores de forma más regular, y no tiene que esperar más años para regresar a los escenarios con música original.

Aunque Hesketh tardó en regresar con sonido nuevo, la artista se dedicó a ambientar diferentes clubes europeos con sus poderosos sets de DJ. Esta vida de clubes la llevó a inspirarse en el sonido de las pistas de baile, y mezclarlo con melodías pop. Según nos cuenta la compositora, el primer tema del disco le llegó súbitamente mientras se dirigía al estudio. "Escribí la canción en un día con el productor Jordan Reyes. Por alguna razón la letra: 'el deseo es un bailarín, el amor es la lección', así que hice garabatos y la traje. Él hizo esta línea de bajo y ritmo súper cool. Simplemente la canté directamente de la nota y obtuve la melodía".

Asimismo, Little Boots compartió que ha sido fan de Kiddy Smile desde hace mucho tiempo, y siempre mezclaba el track "Let a Bitch Know", por lo que disfrutó mucho colaborar con él en esta nueva entrega. También nos platicó que los años de experiencia la han llevado a cambiar su modo de trabajo. "Ahora trabajo de manera muy diferente, soy bastante selectiva con quién trabajo y cómo trabajo. Solía ser que el sello discográfico me enviaba semanas y semanas de sesiones con los escritores que creían que estaban haciendo éxitos, pero ahora prefiero trabajar con gente que me gusta y respeto. También trabajo mucho sola en mi propio estudio, y hago mucha más producción que antes. ¡En más de 10 años ha cambiado tanto! Me siento más segura que nunca como artista, y tengo una visión mucho más clara cuando me acerco a un proyecto".

El tema homónimo del álbum representa para Hesketh su filosofía actual de vida, pues ve su carrera como una montaña rusa en la que aunque se caiga, siempre vuelve a subir, por lo que confesó que lo escogería como parte de la banda sonora de una película de su vida. "Creo que la canción principal Jump se trata de arriesgarse y recuperarse después de que algo salió mal, atreverse a saltar de un acantilado nuevamente, tomar riesgos, y poner su corazón en la línea".

Hace algunas semanas la compositora escribió en su página de Facebook lo difícil que fue para ella lidiar con la inseguridad al sentir que tenía que cumplir ciertas expectativas después del lanzamiento de Working Girl (2015), pero nos platicó cómo el tiempo la ha ayudado a entender el éxito de una manera distinta. "Ahora tengo una relación muy diferente con el éxito. Me importa menos lo que la gente piensa. Aunque en aquél entonces estaba decepcionada, ahora veo que Working Girl fue realmente amado por muchos fans, y fue un punto de inflexión muy importante para mí. Así que, en retrospectiva, estoy muy orgullosa de ello. Ahora que ha dejado de esforzarse por satisfacer expectativas ajenas, que tiene el control de su música y la manera en la que desea manejar su carrera, Little Boots confesó que se encuentra muy emocionada con el lanzamiento de Jump, para que sus fans escuchen el disco completo y pronto pueda tocarlo en vivo para ellos.