Sego — Sego Sucks

Un anecdotario lleno de crítica, ingenio y punk dance. 

Vivimos en el mundo del clic. De la vida perfecta. De los cientos de seguidores en Instagram y las decenas de retweets. Apoyando desconocidos en causas efímeras. Enalteciendo personas que sin un celular en mano no serían nada. ¿Es nuestra condena? ¿Somos un número más con la necesidad de un falso escape? Sego lo cree. Y lo peor, te lo grita al oído. 

Originalmente un dúo conformado por Spencer Petersen y Thomas Carroll, la banda incorporó a Alyssa Davey en el bajo y Brandon McBride en las guitarras y teclado en 2018. Sego Sucks, el primer material con esta alineación y el segundo en la carrera de la agrupación que nació en Los Ángeles, California. Con un sonido más aterrizado, el cuarteto explora por diferentes géneros creando un anecdotario. Un material sincero y fresco. Abriendo la oportunidad a un proyecto con un futuro prometedor. 

“Neon Me Out es el encargado de abrir Sego Sucks. Un monólogo y un bajo que rebota y va y viene. Una letra que critica a la cultura pop, la ansiedad que es cuidar la marca personal en redes sociales y la obsesión de la perfección. Un coro pegajoso que amarra y rompe la estructura de la canción. Un gran tema de inicio. La energía que despega Spencer Petersen en las letras le da un gran poder al disco. Ese tono de despreocupación y aletargamiento en algunas palabras para darles peso, es un gran toque de calidad. Give Me” está plagado de imperfecciones sonoras creando un ambiente repleto de ruido e inestabilidad. Una sátira de la inquietud y angustia que viven los millennials por entrar al mundo adulto. 

“Heart Attack yShame nos presentan la fórmula de Sego Sucks establecida y que funciona: coros que no se olvidan, grandes solturas en el bajo y letras que vale la pena poner nuestra completa atención en al menos una ocasión. Pistas que no sobrepasan los cuatro minutos de duración y que transcurren en un parpadeo. En un mundo donde todos quieren sonar a alguien, Sego crea su propia versión de la música. La mitad del LP llega con Whatever Forever ySucker / Saint”, canciones que presentan temáticas muy profundas, pero con ritmos de ánimo. Canciones con esencia funeraria, pero con alegría impregnada. Sego suele ser raro en ese término, pero a la vez es muy refrescante escuchar a una banda jugando de esa manera.

Sego da su primer giro conAnvil Hands, canción donde los sintetizadores brillan y la calma llega. Un tema que llega a rayar con la psicodelia y que proyecta lo que la agrupación puede llegar a lograr. De aquí pasan a “High Tide, una creación con tintes grunge muy bien logrado. Cambios de ritmo, explosión de guitarras y un bajo con poca distorsión. Con una marea que sube y baja, la banda le dio una historia propia a cada momento. Una ovación que, aunque se arriesguen en diversos géneros, siempre tiene un sello de la casa. 

Sego Sucks envuelve al escucha de manera audaz y muy peculiar. Concluye el trabajo con momentos altos y que fluye en la nostalgia. De riffs básicos que abren el horizonte musical mostrando sus dotes como artistas. Esperan el momento justo para atacar y desenvolverse. El disco no apesta, es divertido. La frescura del cuarteto es especial, y da gusto que la exploten al máximo sin temor al qué dirán. No es el disco del año, pero seguro te dará una gran sorpresa escuchar esta propuesta. Siempre es bueno escuchar el amor a la música en su esplendor.

Catfish and the Bottlemen en El Plaza Condesa

Aquí la energía no baja.

A las 20:59 H la música de fondo, destinada a llenar el silencio de un recinto semi lleno, se detiene. Las luces se apagan para dar la señal de que es momento de avanzar un poco más al frente del lugar pues el concierto está por comenzar. Algo tienen los británicos que les encanta subir al escenario con clásicos de la música de los 60 y 70. La elección de Catfish and the Bottlemen es “Ain't That a Kick in the Head” de Dean Martin. El pop ligero marca un contraste interesante al ver salir a Van McCann con sus instrumentos y look rockero.

“Longshot”, sencillo de su más reciente disco, fue creada para ser la manera perfecta de comenzar un concierto. Suena un profundo “Go” seguido de los primeros acordes de guitarra, batería y bajo. Gritos de emoción inundan el recinto y hasta opacan un poco la voz de Van. Al terminar, solo unos segundos pasan para comenzar la siguiente canción: “Kathleen”. “Come on Mexico City!”, parece que ya les contaron del potencial de los mexicanos para crear el mejor ambiente. Literalmente, todos comenzamos a brincar al ritmo de la música.

Apenas llevamos 10 minutos y ya hace calor. En la mirada de Van se nota intriga, la melodía de “Soundcheck” comienza y él nos señala pasándonos el micrófono. Las paredes de El Plaza se llenaron de nuestra voz al unísono. Tal vez no es un sold out, pero es algo mejor que eso. Quienes estamos aquí somos verdaderos fans. No hay relleno. ¿Cómo lo supe? Todos optamos por corear cada palabra de cada canción en lugar de sacar el celular para postear en redes sociales. Y lo mejor es que sí nos las sabemos. Todas aparentemente.

Por ahí dicen que todas las canciones de Catfish and the Bottlemen son iguales. Y, por supuesto que tienen un sonido muy definido, pero en lugar de parecer una misma canción resulta que todas podrían ser sencillos y hits. Todas son crowdpleasers. Por eso, aquí la energía no baja. No hay un momento de respiro, porque cuando ya acabó la canción preferida con la que gritaste más, ya viene la otra que te hace gritar igual o más.

Se nota la emoción de los galeses de visitarnos por primera vez. Lo están dando todo. No solo se nota en el sudor que deja mojadas sus cabezas, sino en la improvisación de solos de batería y guitarra casi al finalizar “Business”.

This i sour first show here. Thank you for this night, for coming to see us. We are Catfish and the Bottlemen and this song is called Tyrants. Siempre terminan con esa canción.

Las luces se prenden. ¿Y el encore? Todos comenzamos a salir, ligeramente decepcionados de que haya terminado. Se pasó muy rápido, pero el setlist fue perfecto. Definitivamente, al TOP 10 de conciertos de más de uno.

Semana IR! 2019: Lee Fields & The Expressions + Orestes Gómez

Cómo incendiar el alma con el poder de una voz.

Si por algo se ha caracterizado la Semana IR! es por ofrecer un abanico de propuestas que no siguen una línea de género o época. Cada año son capaces de complacer quizá al fan que creía que su artista no pisaría tierras mexicanas o también, hay quienes depositan su confianza en la selección y van para disfrutar y conocer.

En la línea del soul y funk, así como en 2018, se lucieron con la noche engalanada por Curtis Harding, esta vez el encargado fue Lee Fields y su banda The Expressions. Una presentación que, teniendo en cuenta todo lo dicho, estuvo colmada de presentes ilusionados con sentir vibras genuinas de esta música que tuvo su auge allá en los 70, y qué mejor que con un personaje que labró sus comienzos en esos mismos años.

Para inaugurar la noche, el productor y percusionista venezolano Orestes Gómez tomó el escenario, ahí, al centro, con su batería, pad y demás herramientas. Aunque no fue la mejor combinación por lo que estaba por venir con el acto principal y que también, Gomez sufría de los primeras señas de las fallas de audio que se avecinaban, resultó interesante tener una propuesta tan diferente como parte de los invitados a la Semana IR!. Dicho sea de paso, que no se acompañara de más músicos y que algunos instrumentos fueran pistas grabadas, le restó espectáculo. A veces no se distinguía bien lo que sonaba; lo bello, virtuoso, ambiental y hasta atmosférico que llega a ser su música en el stream y en las versiones de estudio, difícilmente se pudo igualar la noche del 4 de junio. Nos quedamos con ganas de escuchar en esplendor pistas como “Naua”, “Mala Maña” o “Calma Indefinida”.

Pasadas las 22:00 H y con las ansias a tope, salió la banda para hacer acto e ir moldeando el ambiente entre acordes y golpes de vientos de trompeta y saxofón. Benny Trokan, su guitarrista, presentó de manera estelar a: Mr. Lee Fields quien, con un saco de brillantes, se robaba toda la atención sobre el escenario.

La noche prometía pero... Comenzaron los inconvenientes. Desde la primera canción ("I'm Coming Home") se escucharon algunas fallas en el audio, algunos instrumentos más altos que otros, faltaba algo de claridad en lo que salía de los altavoces y, lo más importante, el micrófono de Lee no transmitía casi nada de sonido, lo cual, fue identificado por todos los presentes que a pesar de la gran y potente voz del nacido en Carolina del Norte, no se escuchaba más allá de los primeros metros del escenario. La banda continuaba con su set, pero las cosas no mejoraban, y eso que el público aplaudía al ver la entrega de Fields al mismo tiempo que reclamaba las fallas.

Después de pasar sin mucha emoción una de las que más se querían escuchar en la noche ("It Rains Love"), el show se tuvo que suspender unos minutos para arreglar los inconvenientes, mismos que afortunadamente después de algunos cambios, fueron mitigados. The Expressions repitió un acto de introducción y de nuevo presentó al mítico hombre del soul a tiempo de "You're What's Needed In My Life". De Inmediato las cosas se fueron al éxtasis, la ardiente voz de Lee erizaba la piel, estremecía las emociones, no perdió más tiempo y entonces soltó algunos de sus más grandes hits; "Ladies", "Will I Get Off Easy", "Wake Up" (este último par de su más reciente álbum) y coronar la primera parte de su set con una versión descomunal de "Faithful Man", que llevó las sensaciones del caos a la calma, de la serenidad a la locura, y todo conducido por la voz más espectacular de toda la noche en la que Lee no se guardó absolutamente nada.

La gente siguió ahí, fiel y esperando por más. Parecía que esto no había durado nada con todo y ese medio tiempo tomado para solucionar los problemas con el sonido. Porras y aplausos no faltaron en el encore y la banda salió de nuevo para lucir una ejecución exquisita y deliciosa de "All I Need", dejando ver que parte de la magia también era causada por sus intachables instrumentos. La joya de la corona fue puesta con "Honey Dove", no la pieza más álgida de su repertorio pero sí una de esas que queman a fuego lento y donde de nuevo, el frontman iba exponer de lleno su voz, y así fue. Por si fuera poco, llevando la pieza de estudio a niveles insospechados para lograr un final más que épico donde Fields prácticamente desgarraba su garganta sin restricción.

Desafortunados aquellos que no tuvieron la paciencia para esperar a la reanudación del show, si ya habíamos esperado por uno de los bastiones del soul más de 20 años, esperar unos minutos más no era nada. Para todos los que aguardaron ahí, fueron totalmente recompensados y más, quizá, en el recuento final Lee Fields quedó a deber algunas canciones de su primera época porque prácticamente todas las canciones de la noche abarcaron sólo sus últimos 10 años de carrera; de My World (2009) a It Rains Love (2019). Quizá al ver la conexión y magnifico recibimiento que tuvo en la Ciudad de México, vuelva pronto para seguir repasando su catálogo con sus fans mexicanos, para hacer que llueva amor (literalmente porque fue parte de los diálogos de la noche), para encender almas con el poder de su voz.

Whitney estrena video de "FTA"

Whitney está de regreso con un nuevo sencillo. Descubre de qué se trata a continuación.

Después de la publicación de su último material discográfico, Light Upon the Lake (2016), la banda oriunda de Chicago está de regreso con música nueva. Se trata de "FTA", un tema que viene acompañado de un interesante audiovisual.

El video es dirigido por Josiah Marshall, quien nos muestra unos pequeños montajes del cielo y de la naturaleza, acompañados de unas tomas de los integrantes de la banda –Max Kakacek y Julien Ehrlich–, en su estudio de grabación, lugar donde conviven e interpretan la canción. "FTA" es una melodía compuesta por una guitarra acústica que la vuelve en su mayor parte instrumental, aunque, en la segunda mitad comienza la letra de la canción. Da play para ver el visual a continuación:

"Por supuesto que deberías escuchar los temas nuevos como quieras pero con total transparencia... "FTA" está reelaborando el último tema de nuestro nuevo álbum. El sencillo principal llegará a finales de esta semana", expresó la banda a través de sus redes sociales.

Como parte de este lanzamiento, Whitney aprovechó para anunciar su regreso a los escenarios, confirmando las primeras fechas de su tour por Norteamérica.

 

Jay Som anuncia nuevo álbum 'Anak Ko'

Tras lanzar Everybody Works en 2017, la cantautora de bedroom pop nos presenta "Superbike". El primer adelanto de su nuevo material discográfico.

Hace unos años pudimos escuchar el segundo álbum de estudio de Jay Som, Everybody Works. Tras una corta espera, la cantautora estadounidense está lista para presentarnos un nuevo material discográfico: Anak Ko —"mi niña" en tagalo—. Con un nombre que rasca sus fibras personales, este disco comprenderá nueve canciones que marcan un proceso evolutivo en la apropiación del dream pop que hace la artista.

A propósito, la compositora nos presenta "Superbike". El primer sencillo de su nuevo álbum. Así que sin más, aquí lo puedes escuchar.

Sonoramente, la melodía alberga ciertos toques lo-fi y una pizca de garage rock que se hace presente debido al uso de las guitarras. Sin embargo, su voz hace que el tema siga abrazando la esencia dream pop que tanto la caracteriza. Por su parte, el audiovisual nos permite ser testigos de algunos momentos que se capturaron durante la grabación de Anak Ko.

El álbum estará disponible a partir del 23 de agosto vía Polyvinyl Record. Les compartimos el tracklist y la portada del álbum para que no sea tan larga la espera. Y si les interesa, ya pueden adquirir la preventa en el sitio oficial. Así que estén pendientes y disfruten de este adelanto.

 

             Anak Ko 

  1. "If You Want It"
  2. "Superbike"
  3. "Peace Out"
  4. "Devotion"
  5. "Nighttime Drive"
  6. "Tenderness"
  7. "Anak Ko"
  8. "Crown"
  9. "Get Well"

Pavement regresa para el 2020

Primavera Sound sorprendió a todos confirmando a Pavement como parte de su cartel del próximo año.

El festival español Primavera Sound siempre da de qué hablar al terminar cada edición, pero en esta ocasión provocaron una emoción colectiva con el regreso de la banda estadounidense para su lineup del 2020. Hasta ahora es la primera y única banda confirmada para el cartel de su vigésimo aniversario.

Pavement, la legendaria banda liderada por Stephen Malkmus, volverá a los escenarios el próximo año con un show en Barcelona y otro en Porto. Estos son los primeros conciertos que confirma la banda en casi 10 años. Los boletos estarán disponibles a la venta a partir del 17 de junio.

Aunque los organizadores del evento dijeron que estos dos serán los únicos shows de la banda en 2020, el grupo aún podría confirmar fechas antes de esas presentaciones e incluso podrían hacer su regreso a finales de este año, aunque parece improbable.

Cabe destacar que en la reciente edición del Primavera Sound se presentó Stephen Malkmus con su side project, Malkmus and The Jicks. También, otra de las grandes noticias fue que el festival anunció sus planes de expandirse a la ciudad de Los Ángeles el próximo año. Pavement no fue confirmado para ese concierto, a pesar de que son originarios de California.

Mira el último show del grupo en La Trastienda de Buenos Aires:

Entrevista con Lucy Rose

Inspiración desde el dolor.

La cantautora británica Lucy Rose Parton regresó a México por cuarta ocasión, ahora para promocionar No Words Left, material que lanzó el 22 de marzo. Ha estado previamente en la Ciudad de México, Puebla, Monterrey y Tulum, donde confesó que le encantó vacacionar.

“Con el álbum y tour anterior sentí que rejuvenecí, y creo que mejoré como persona, pero aún tenia mis demonios y no había lidiado con ellos. Llegué a un punto donde ya no podía posponerlos o pretender que no existían. Something’s Changing me permitió ver todo lo bueno que hay en el mundo y me hizo darme cuenta que puedo ser una buena persona si me lo propongo y me esfuerzo”.

“Si tuviera que describir este nuevo disco en una sola palabra, sería ‘dolor’. Por un periodo, todo fue muy difícil, en cada aspecto. El escribir y grabar me rescató. Ahora me siento bien porque estoy viajando, pero cuando dejo de estar de gira, todo se complica y me doy cuenta de muchas cosas, pero componiendo y tocando se me olvida”.

Parton considera que las diferencias entre sus dos últimos álbumes no se dan en el área musical, sino en los sentimientos que externo. “Sigo siendo yo, y todavía es mi voz, pero cambia porque mi mente estaba en un estado completamente distinto, y mi visión de lo que quería para cada canción y el resultado final era muy diferente a lo que planeé para Something’s Changing”.

Lucy Rose utiliza la escala de grises en sus vídeos y fotografías promocionales. Dijo que su esposo y manager, William Morris, comenzó a capturar momentos con película monocromática durante el proceso de grabación, y que al momento de revelarlo, fue algo que ella adoptó. “Él inició eso. Cuando vi las fotos, sentí que el blanco y negro encajaba con la música y con las canciones de manera perfecta porque, cuando te sientes vacío, el color realmente no encaja en ningún lado de tu vida”.

Con un concierto en el Foro del Tejedor y un showcase en las instalaciones del sello discográfico al que pertenece, comentó que la vibra en sus presentaciones es “intensa”, y explicó. “Quiero alegrar a la gente con mis canciones ya es un gran sentimiento ver que la gente se pone feliz con la música, pero es muy difícil ver que mi música los hace llorar. Sé que se conectan con lo que yo sentí cuando la escribí, sé que están pasando por un momento complicado, pero espero que mis próximos álbumes sean menos tristes”.

“¿Lo mejor de venir a México? Me gustan mucho los tacos que tienen piña, los quiero para desayunar, comer y cenar. Pero los tacos no son la mejor parte: la gente lo es, definitivamente. Tienen una energía increíble, me hacen sentir muy bien”.

 

Semana IR! 2019: Atari Teenage Riot + Hong Kong Blood Opera

La Semana IR! ha empezado.

Todos los dioses locos nos han bendecido dándole vida para rato y un aniversario más a este medio que es más un movimiento que una simple revista… Y para celebrar un año más de vida les traemos una semana de pura música con diferentes sonidos, diferentes vibraciones y diferentes sensaciones… Aquí hay para todos.

En esta, nuestra primera fecha, el inicio de la semana, les tenemos música subversiva, letras insurrectas y energía poderosa para seguir la revolución contra las nuevas, y viejas, olas de fascismo que no pretenden detenerse ni para tomar aire, pero nosotros tampoco. La semana empieza con HONG KONG BLOOD OPERA y ¡ATARI TEENAGE RIOT!

Preparando el terreno para Atari Teenage Riot

Hong Kong Blood Opera sale con una canción horrible de Creed, "With Arms Wide Open" o una de esas bandas que suenan a Pearl Jam, dejándola sonar hasta el final y saludan al público como grandes súper estrellas.

No dudo que tengan un gran base de fans aferrados que los aman y los adoran, pero con un montón de ciber punks adoradores del industrial, fanáticos de Atari Teenage Riot la cosa es diferente cuando no reciben el saludo de vuelta.

Mientras se retuercen en el escenario en posiciones visualmente extrañas, agitan sus instrumentos lado a lado y revientan las bocinas con garrasposos alaridos, logran que algunas cabezas con cortes excéntricos y cabellos de colores se mueven de atrás hacia delante.

Corto, estridente y enérgico en cada segundo, logran crear un pequeño circle pit que termina en una pelea violenta llena de sangre. Seguro alguien no entiende las reglas del juego y creyó que un empujón fue una ofensa directa para llegar a los golpes de verdad, terminando con la ceja abierta.

“Que las ganas de luchar nunca se detengan”, Alec Empire.

Son los sonidos reales de disturbios, marchas y manifestaciones digitalmente distorsionadas con los controles de volumen hasta el tope los que inician la devastación. Con puños arriba, abriendo los brazos y amedrentando con saludos, Alec Empire da la bienvenida a su público a un concierto de Atari Teenage Riot.

Que diferencia de recibimiento, muy al contrario de lo que ocurrió con Hong Kong Blood Opera, el público demuestra su extrema excitación al ver a Nic Endo y a Alec caminando sobre el escenario. Los gritos, los aplausos y los chiflidos son exactamente igual de irritantes y potentes que los beats saliendo de las consolas de los alemanes.

“Reset”, “No Remorse (I Wanna Die)”, “Activate”, “Revolution Action”, entre otros grandes títulos de su cancionero salen a desquiciar a su público, quienes en perfecta armonía siguen las reglas del circle pit, tal como debe ser, y presentan sus movimientos más violentos en hermandad.

Arriba del escenario, Nic Endo y Alec Empire, dejan de tirar sus mejores golpes al aire para admirar la devastación que orgullosamente han creado. Abajo: los empujones, los gritos y los puños se dirigen hacia el escenario. Los de abajo son un espectáculo para los de arriba y los de arriba son un espectáculo para los de abajo, un ganar-ganar de catarsis.

El mero día del show se dio a conocer que el concierto fue un total sold out y era de esperarse, porque al momento de llegar al Foro Indie Rocks! se podía ver la larga fila de cabezas rapadas, playeras de Skinny Puppy y otras bandas del estilo, pelos pintados y botas con casquillo, comprando su boleto y esperando a entrar.

Hay que estar conscientes que el público perteneciente a este nicho oscuro, es el tipo de público que compra su boleto el mero día y eso es lo que termina espantando a gran parte de las promotoras. No hay por qué cancelar show así nomás, estos conciertos sí se venden… solo hay que esperar y pueden ser sold out, como este.

El concierto fue una masacre y baile frenético, una tormenta catártica de puro sudor, con una duración de un poco más de hora y media. Muchos salimos aturdidos, pero muy satisfechos de haber vivido algo tan poderoso… y seguro terminamos con alguna lesión un tanto grave en los tímpanos.

No te pierdas el Día 2 con Lee Fields & The Expressions + Orestes Gómez

Conoce el primer trailer de 'Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story'

Descubre todo lo que podrás ver en el tan esperado documental inspirado en la leyenda rock estadounidense.

Netflix está preparando el estreno de un documental dedicado al legendario compositor de la década de los 60: Bob Dylan. La cinta lleva por nombre Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story, dirigida por el conocido cineasta Martin Scorsese, quien nos mostrará en un par de horas parte de la trayectoria del cantante, así como también una de las mayores experiencias vividas por él.

Rolling Thunder Revue: nos remontará a la década de los 70 para descubrir la verdad y la historia que existió detrás de la gira que ofreció Bob Dylan de 1975 a 1976 por Norteamérica, la cual, tuvo como invitados especiales a Joan BaezMick Ronson, T-Bone Burnett, Joni Mitchell, Allen Ginsberg, Sam Shepard, y Ramblin' Jack Elliott.

El documental mostrará imágenes y videos de lo acontecido, así como también algunas entrevistas ofrecidas por el mismo Dylan, Baez, Shephar, entre otros. A continuación te compartimos el trailer oficial:

El cantante aprovechó para compartir que lanzará un boxset conmemorativo titulado: Bob Dylan The Rolling Thunder Revue: The 1975 Live Recordings que incluirá una colección de 14 discos de grabaciones de su gira de 1975, así como videos de sus ensayos. Ambos proyectos se estrenarán el próximo 12 de junio. El boxset a través de Columbia Legacy y el documental estará disponible en Netflix.

 

The Who lanza colaboración con Dr. Martens

Dr. Martens lanza una colección especial para honrar a la legendaria banda de rock británico de la década de los 60.

A través de sus redes sociales, la conocida marca de calzado Dr. Martens, anunció que lanzará a la venta una colección de la banda The Who. Una idea principalmente inspirada en el guitarrista de la banda, Pete Townshend cuando en 1967 se presentó en un concierto usando el tradicional modelo de botas 1460.

Dr. Martens nos presenta una colección variada en cuanto a modelos, aquí podemos encontrar: la tradicional bota 1460, el zapato 1460, los mocasines con borlas en burdeos Adrian, un par de tenis, y una mochila.

El arte para esta colección está inspirado en el álbum Quadrophenia (1973), así que podremos ver el conocido logotipo de la banda colocado de diferentes maneras dependiendo la silueta del calzado.

 

Aunque los precios de los productos aún no se conocen, sabemos que esta colección estará disponible a partir del 6 de junio a través del sitio web de la marca, así también como en las tiendas físicas de Dr. Martens.

A continuación te compartimos el video promocional que la marca realizó para dar a conocer esta nueva e interesante colección dedicada a The Who.