Flume estrena la canción “Rushing Back”

Un tema electrizante que contrasta con un dulce y potente voz, nos sumerge en la apantallante producción de Flume.

El productor australiano Flume nos sorprendió con un nuevo tema, este lleva por nombre "Rushing Black" y es una colaboración a lado de Vera Blue, la cantante y compositora australiana. Este tema fue interpretado por primera vez en Lollapalloza y posteriormente en Red Rocks.

“Rushing Back” está pensado para resaltar la voz de Vera. La mezcla de sonidos que van desde lo más alto hasta casi toparse con la pared, llegan a contrastarse con el beat. Por momentos se siente un poco saturado, como un simple bombardeo de sintetizadores y bajos. Pero con una mezcla bien lograda, nos olvidamos de esto.

Disfruta del nuevo tema de Flume a continuación.

Este nuevo single acompaña a los lanzamientos que ha hecho en este año. El mixtape Hi This is Flume que cuenta con 17 temas y el EP Quits en colaboración con Reo Cragun. Además, una colaboración con London Grammer con el tema "Let You Know".

Pronto escucharemos estos temas en vivo, pues Flume forma parte de las bandas que estarán en el Festival Corona Capital y que sin duda no nos podemos perder.

Lee Perry en el Foro Indie Rocks!

La ceremonia rastafari de Lee “Scratch” Perry y el Subatomic Sound System.

Los fanáticos del reggae y el dub no necesitan de introducciones cuando se trata de Lee “Scratch” Perry, el legendario productor y músico oriundo de Jamaica. Su historia en el género está marcada. Discutiblemente, más que la de Bob Marley. Sobre todo en el aspecto del sonido, estética y hasta los tintes religiosos que envuelven al género.

Tal vez por eso, sin mucha difusión en las calles, en la radio o en redes sociales, el Foro Indie Rocks! estaba a reventar el domingo 29 de septiembre. El nombre de esta leyenda no necesitaba de promoción innecesaria o anuncios parroquiales, mucho menos cuando venía acompañado por el Subatomic Sound System, un colectivo de reggae con una historia que data de 1999 y que entre sus miembro está el legendario percusionista Larry McDonald, quien ha colaborado con Toot & the Maytals, Peter Tosh, The Skatalites y hasta Mick Jagger.

La ausencia de cuatro años de Lee “Scratch” Perry en México también influyó al número de asistentes, ya que la última vez que se presentó en la capital del país, fue junto a Mad Professor, Dennis Bovell y Bungalo Dub en El Plaza Condesa, y dejó a más de una centena de personas queriendo escuchar más. Y como si fuera un encore, aunque fuera de 1460 días, esta leyenda regresó, inclusive con uno de los artistas de aquel cartel como acto abridor: Bungalo Dub.

Con ya casi dos décadas haciendo reggae, Bungalo Dub se ha convertido en uno de los referentes más importantes del género en nuestro país. Y su acto se ha ido refinando con cada año, canción y presentación que han tocado. No había mejor acto para abrir la ceremonia que Lee "Scratch" estaba por oficiar.

Quienes no están muy familiarizados con el reggae, ignoran que el género está conectado directamente con la religión rastafari, una creencia abrahámica que nació en la década de 1930 en Jamaica. Entonces, todo concierto de reggae, es una ceremonia con fines espirituales.

Por eso, cada que Lee “Scratch” Perry toma el escenario, tiene que haber incienso, banderas rastafari, una imagen de Haile Selassie y por supuesto, la hierba sagrada.

Como en cualquier rito, antes de que el sacerdote salga a vista de todos los feligreses, tiene que haber oraciones previas y acólitos que preparen su entrada. En este caso, los acólitos fueron los tres miembros del Subatomic Sound System; John Emch, Larry McDonald y Omar Little, quienes después de dar un repaso por algunas oraciones/canciones en su catálogo, dieron paso al maestro de ceremonias; el sacerdote Lee “Scratch” Perry.

Los feligreses empezaron a cantar la sentencia “Zion blood is flowing through my veins…”, mientras que Lee “Scratch” salía a bendecir a todos sus feligreses. Con una corona en la cabeza, un micrófono con un crucifijo colgando, un cáliz y un cigarro de marihuana, la ceremonia comenzó.

Canciones legendarias sonaron en el Foro Indie Rocks!, desde “Zion’s Blood”, pasando por “Dub Along”, “Chase the Devil” y “Dread Lion”, fueron sólo algunas de las que bendijeron los oídos de todos en el recinto.

Y después de decenas de bendiciones y cigarros de hierba santa del sacerdote Lee “Scratch”, el legendario octagenario, se retiró para prepararse para su siguiente ceremonia. Sus feligreses habían quedado satisfechos, y como en cualquier otro acto religioso, se preparaban para seguir al pie de la letra, la palabra de su sacerdote.

Mira el trailer del documental póstumo de Lil Peep

Ya salió el trailer de Everybody's Everything, el documental sobre la vida y muerte de Lil Peep.

Por fin podemos ver el trailer del documental acerca de la trágica vida de la promesa del rap, Lil Peep. La película producida por el aclamado, Terrence Malick, tiene fecha de salida para el 12 de noviembre, y la fecha concuerda con el mes en el que la estrella de Soundcloud murió. El documental se estrenará exactamente dos años después de la tragedia y contará con comentarios de las personas más allegadas al rapero. Míralo a continuación:

Everybody's Everything, fue dirigida por Sebastian Jones y Ramez Silyan, producida por Terrence Malick, Sarah Stennett, la CEO de First Access Entertainment y consejera del artista, y Liza Womack, su madre. El fin del documental es proyectar una imagen de Peep como Gustav Ahr, es decir, su versión más real y mucho más humana, mostrándolo con todas las capas que lo hacían único. Tocará con detalle los elementos que lo caracterizaban y los problemas que lo condujeron a una sobredosis letal. La trama va a profundizar en su formación, y en la manera en la que su fama creció al punto en el que era abrumadora. Cuenta con la participación de su familia y amigos como Post Malone, y iLoveMakonnen, que relatan lo ansioso que era el artista y la bruma que le producía fallarle a cualquiera. El punto de esto, es mostrarlo como un ser creativo pero vulnerable.

Eddie Vedder tuvo gran compañía en Ohana Festival

Las apariciones de Eddie Vedder con The Strokes y Red Hot Chili Peppers hicieron memorable esta edición de Ohana Festival.

El pasado fin de semana se llevó a acabo el Ohana Festival en la Doheny State Beach en California. Se presentaron artistas como Tash Sultana, LP, Jenny Lewis, entre otros. Sin embargo, las presentaciones que más destacaron en este festival fueron las de The Strokes, Red Hot Chili Peppers y el creador de este festival, Eddie Vedder.

El 28 de septiembre fue cuando se presentó la aclamada banda The Strokes, a mitad de su presentación, el integrante de Perl Jam se unió a la banda neoyorkina para interpretar una gran versión de "Hard To Imagine"  y posteriormente de "Juicebox".

Julian me preguntó si me uniría a los muchachos aquí. Una de las razones por las que acepté es porque me daría la oportunidad de agradecer a todos los grandes artistas que están aquí hoy, especialmente a The Strokes”, dijo Eddie a la multitud.

Posteriormente, en el tercer y último día del festival se presentó la banda Red Hot Chili Peppers, quién no dudó en invitar nuevamente al escenario a Vedder. Esta vez, la canción que interpretaron fue "Just What I Need" de la banda The Cars, con el fin de homenajear a Rick Ocasek, líder de la banda ochentera.

Residencia en Seattle Cobain-Love a la venta

Puedes comprar la casa en la que Kurt Cobain y Courtney Love vivían... si tienes 7.5 mdd.

La ex propiedad de la pareja estrella de los 90, Kurt Cobain y Courtney Love, fue puesta en el mercado a principios del mes por $7.5 millones de dólares. Si te interesa comprar una propiedad llena de historia, estás de suerte. Este mes, la casa de Seattle donde el vocalista de Nirvana vivía cuando se quitó la vida, fue puesta a la venta en extrema discreción.

La casa data al año 1902, tiene cuatro cuartos y 743 metros cuadrados. Está muy cerca del Lago Washington, y según historiadores de la ciudad, fue remodelada en 1940 y 1950. La propiedad fue comprada y habitada por la pareja estrella en 1944 por $1.49 millones de dólares. Mira las fotos aquí.

Vivieron ahí con su hija, Frances Bean durante 1994, hasta que el cantante se suicidó en el invernadero ese mismo año. La casa fue deshabitada y vendida por Love a un fondo en 1997 por $2.9 millones de dólares. Desde entonces no ha estado habitada por nadie, ni se ha sabido nada acerca del dueño de la propiedad.

La casa actualmente tiene 117 años, y no ha sido revendida, desde 1997. Los vendedores no han querido hacer ningún comentario y no han dispuesto ninguna foto del interior de la casa a los compradores, sin embargo, se rumora que se remodeló en el 2000 para que tuviera servicios modernos y una apariencia más apegada al diseño original.

 

Weezer versiona "Lithium" de Nirvana

Weezer agregó "Lithium" de Nirvana a su setlist e hizo llorar a Dave Grohl.

En su último concierto en Río, Weezer decidió interpretar "Lithium", la canción de Nirvana, poco antes de que dejaran el escenario. El fin de semana en el festival Rock in Rio, la banda liderada por Rivers Cuomo, tocó antes de Foo Fighters, y decidió honrar al líder de dicha banda versionando este clásico del grunge.

Cuomo ha expresado su fanatismo por Nirvana en varias ocasiones, y en esta presentación dijo que habían decidido versionar esta canción para honrar al ex baterista de Nirvana, que se presentaría después de ellos. El cantante simplemente introdujo la canción diciendo. "Vamos a tocar una canción de la antigua banda de Dave Grohl".

Mira el video a continuación:

Durante el set de Foo Fighters, Grohl, confesó haber presenciado todo el show de Cuomo tras bambalinas, y dijo que la versión de "Lithium", lo había conmovido tanto que incluso había llorado un poco. Dijo extrañar tocar esa pieza de Nevermind, y le dedicó la canción de "Big Me" a la banda para compensar el halago.

Esta no es la primera vez que la banda de Cuomo versiona a los grungeros noventeros, sin embargo, "Lithium" es una canción que no habían tocado antes. En su tour del 2008 versionaron "Silver", y en esta ocasión podemos asegurar que este clásico, ya es parte del setlist.

September Fest en el Deportivo Lomas Altas

La música siempre sabe bien acompañada de una buena cerveza.

A veces, para quienes no acostumbran ir acompañados a los eventos, una cerveza es la mejor compañía para la noche. Se comprende que existe preferencia por alguna chela en especial, es por eso que para complacernos en gustos, todas las marcas de cerveza mexicana han unido fuerzas para presentarnos la segunda edición del Festival de la cerveza mexicana: September Fest 2019.

El sábado pasado en punto de las 13:00 H se abrieron las puertas del Deportivo Lomas Altas para recibir a todos los asistentes de la segunda edición del September Fest 2019, aunque a decir verdad, las primeras personas comenzaron a llegar pasada la primera hora, quienes después de tomarse unas cuantas fotografías en el colorido pasillo de la entrada, se dirigieron al escenario para presenciar el primer acto del día que estaría a cargo de Tayrell.

Los hermanos Miguel y Hugo Galicia se encontraban llenos de energía y lo demostraron cuando hicieron sonar esos sintetizadores al ritmo de “Fond of Me”, tema que retumbó en todo el venue. Aunque había muy poco público, eso no impidió que el dúo siguiera dando lo mejor de sí, con sus siguientes interpretaciones. “Stop By” y “For You” fueron sonados en la primera hora del festival.

Cuando terminó su presentación, algunos de los asistentes se dirigieron al área de cervezas donde podían encontrar distintas marcas como: Modelo, Corona, Pacífico, Victoria, Bocanegra, entre otras. Mientras tanto, otros se concentraron en la pequeña carpa que representaba el área de comida donde resaltaba una selección de comida rápida: tacos, pizza, hot dogs, papas, helado, churros, etc.

Uno de los artistas más esperados del día fue Caloncho, y se notó cuando tardó en subir al escenario y todos empezaron a corear su nombre con mucha euforia. Aunque se demoró, supo compensar a su publico con un gran setlist que nos remontó a sus inicios cuando sonaba Fruta, Vol.II (2015) en todos lados, interpretando “Palmar” y “Chupetazos”. Ya conmovidos, el sonorense puso a bailar a todos con “Bálsamo”, “Optimista”, “Brillo mío”, y con algunos de sus nuevos sencillos: “Fotosíntesis” y “Bolita de pan”.

Aunque para entonces la tarde ya se había puesto muy tropical y melosa, algunos esperaban con ansias un poco de hip hop y rap para desahogarse, y qué mejor que con la Banda Bastön, que tenía preparadas unas buenas rimas para hacerle crítica a la sociedad en la que vivimos haciendo sonar “El País de las maravillas” y “Planeta ficción”.

El dúo mexicano invitó a subir al escenario a Fntxy, Alemán, y Yoga Fire con quienes interpretó algunos de sus últimos grandes éxitos como: “Roberto Gómez Bolaños”, “Barriobajeros”, y “Superstars”; acto que incendió la noche logrando que los presentes sacaran toda esa energía que llevaban dentro.

Aprovechando el aniversario del Apolo 11, el Instituto Mexicano del Sonido subió al escenario portando trajes naranjas en los que resaltaba el logotipo de la NASA; con esa carisma animaron la noche con temas como: “Mi T-shirt de la NASA”, “Alocatel”, “México”, “Escríbeme Pronto”, “El Micrófono” y más, rindiendo un pequeño homenaje a la memoria del Príncipe de la Canción con su tema: “El Jefe”.

Aún faltaban unas cuantas horas para que terminara el día y sin embargo, la gente cada vez estaba más enfiestada, ya que la cerveza -en algunos- empezaba a hacer efecto, pues aunque apenas eran las 21:00 H y ya se veían los primeros caídos del September Fest 2019. Tumbados en el suelo, recargados en las bancas o en los amigos, fue como los presentes animaron a Kinky a salir a cantar.

Desde Monterrey, Nuevo León, la agrupación liderada por Gil Cerezo puso a bailar a la gente que aún quedaba de pie con algunas viejas rolitas como “Te vas”, “Después del after”, “Cornman”, “Hasta quemarnos” entre muchas otras de su variado setlist.

Aunque el domingo estaba cayendo una fuerte lluvia en la CDMX, eso no pareció ser impedimento para un segundo día de buena música y mucha cerveza. Si bien es cierto, este día aparentaba ser un poco más relajado ya que contaba con un lineup que invitaba a un público muy diferente al que se había visto el día anterior. En esta ocasión, la presencia de chicas adolescentes era lo que más marcaba la valla del escenario.

Para calentar motores en este lluvioso y frió día, con sintetizadores psicodélicos y una notada gran influencia de synth pop, el proyecto mexicano conformado por José Pablo Ibarra y Patricio Dávila, apareció en el escenario para proyectar su música y ponernos a bailar al ritmo de beats suaves correspondientes a “Xo”, “Runaway” y Scavenger”. Aunque la lluvia se soltó durante el show de Mylko, eso no evitó que la gente siguiera entusiasmada moviéndose mientras sonaba “Bloom”.

El regiomontano Chetes nos vino a endulzar el oído con temas como “Poco a poco”, y “Estático”. Sorprendiendo a sus fans con un pequeño adelanto de cómo suenan en vivo “Perdí la cabeza” y “Aullando la luna”, temas que encontrarás en su próxima producción discográfica Odisea Magnética (2019).

Ya en el mood romántico, la gente se acumuló en el escenario para esperar el acto de División Minúscula. Muchos gritaban “Solo vine por ustedes, ya salgan”, mientras que otros coreaban su nombre con mucha fuerza.

Para cuando la agrupación salió, una vibra súper especial se esparció por el Deportivo Lomas Altas; División nos hizo sentir felices, tristes y con un poco de esperanzas con un gran setlist en el que predominaron temas como: “Voces”, “Sognare”, “Veneno Es Antídoto (S.O.S)”, “Frenesí”, “Sismo” y su gran éxito “Luces de esta ciudad”.

En su segunda edición, este festival dejó claro que son especialistas en la cerveza y en enaltecer la música y el folklore mexicano de una manera inigualable, logrando que chicos y grandes se unan en un solo espacio para disfrutar de los mejores proyectos musicales del país.

Sharon Van Etten grabó una nueva versión de "Seventeen"

Norah Jones acompañó a Sharon Van Etten en esta aventura.

La cantante de Nueva Jersey, Sharon Van Etten sorprendió a sus fans con una nueva versión de su canción "Seventeen" de su más reciente material Remind Me Tomorrow, nuevamente en compañía de Norah Jones. Aunque amabas compositoras ya habían interpretado este sencillo en vivo en el Webster Hall de Nueva York, por fin tuvieron la oportunidad de grabarlo en un estudio.

La melodía está disponible en la plataforma de Amazon Music, ya que forma parte de el mini documental de Van Etten, DepartureLa canción es una de las partes más esperadas en este pequeño clip de siete minutos, ya que las dos chicas grabaron este track el último día que Sharon estuvo en Nueva York.

Sharon Van Etten

Soy una gran fan de Sharon como persona y artista, así que estaba más que emocionada de poder, finalmente, cantar juntas. Me encantó la idea de hacer la canción de una manera diferente. Me sentí muy bien al estar juntas en el estudio, por lo que espero que podamos cantar más en el futuro. Cantar con ella y verla durante el concierto fue impresionante, es una verdadera estrella de rock", comentó Norah Jones.

Escucha esta gran versión de "Seventeen", aquí abajo te la dejamos.

Entrevista con Fatima Al Qadiri

Fatima Al Qadiri: lidiar con la contemporaneidad bailando.

Indignante, atroz, escandaloso. Todas estas son traducciones literales de la palabra Shanee’a, un atributo decididamente connotado por la realidad de Kuwait y otros países árabes. Recientemente, se ha convertido en un adjetivo común entre la comunidad queer de la región. Es una mala pronunciación de esta palabra en inglés, Shaneera (2017), la que da título al más reciente material de Fatima Al Qadiri y, ultimadamente, a una suerte de alter ego de la productora kuwaiti.

El trabajo musical de Fatima Al Qadiri se ha caracterizado por habitar una difusa línea entre el pop y la crítica cultural y por tener una carga política que, aunque notable, es cada vez más común en la música electrónica. Con motivo de su visita a México como parte de la primera edición del festival Sónar, le hicimos a Fatima Al Qadiri algunas preguntas sobre el origen de su trabajo, su estado actual y lo que podemos esperar en el provenir.

Lo primero que salta a la vista del trabajo de Al Qadiri es su dimensión visual, con imágenes que van del sinofuturismo a los videojuegos de guerra. “Me interesan los géneros musicales y las expresiones post-coloniales de poder”, nos dice. Lo primero es evidente en su ecléctica producción musical, en donde ha explorado géneros como el juke, el hip hop, el dubstep y hasta la música vocal islámica y el trance gregoriano noventero. Lo otro, viene probablemente de su infancia en Kuwait durante la Guerra del Golfo. “El periodo anterior y posterior a la guerra afectaron gran parte de mi pensamiento, pero mudarme a Estados Unidos cuando tenía 17 para estudiar la universidad también fue un momento seminal. Pienso que la mayoría de las obsesiones empiezan cuando uno es joven y empezamos a reflexionar sobre nuestras experiencias conforme vamos creciendo”.

Las identidades culturales y sus manifestaciones mediáticas parecen ser, pues, una obsesión para Al Qadiri, pero ella rechaza la idea de que su música es una reflexión sobre la identidad árabe en la contemporaneidad. “Nada de mi música lidia con algo tan vasto como la 'identidad arabe'… ese nunca ha sido el objeto de mi música. En Asiatisch (2014), decidí explorar representaciones post-coloniales de China y de la cultura china”. Estas preocupaciones por las iteraciones culturales la llevaron a colaborar hace unos años con la artista de Qatar, Sophia Al Maria para observar y teorizar sobre un fenómeno que llamaron “Futurismo del Golfo”, una manifestación de la cultura islámica influenciada por las nuevas formas de consumo y el imaginario del futuro. “Ambas somos fans de la ciencia-ficción… Yo, personalmente, entré a ella muy joven, a partir de un aspecto distópico que estaba presente en Kuwait durante la ocupación de 1990-1991… La influencia más grande fue ver Akira cuando tenía 11 años”.

Su producción anterior, Brute (2016), lidiaba con la brutalidad estatal. Shaneera, con los roles de género rígidos y la forma en que se desafían ¿De qué forma puede la música ayudar a derrocar los regímenes de violencia? “No creo que la música por sí misma haga nada, es la forma en que la gente se relaciona con ella. Quizás, su existencia normaliza ciertas expresiones de género. Quiero ser clara, la idea de la sexualidad binaria siempre ha sido un concepto colonial del oeste y no parte de la cultura árabe. Va a ser un proceso largo y doloroso el de desarticular estas ideas. Pero, una vez más, la música no derroca nada. Solo puede inspirar a la gente a reflexionar y, con suerte, actuar.”

Actualmente, Al Qadiri se encuentra celebrando el premio que ganó en Cannes por Atlantiques, la película de Mati Diop para la cual compuso la banda sonora. “La directora Mati Diop me contactó por Facebook hace tres años. La colaboración fue muy desafiante pero muy satisfactoria. Espero que haya más colaboraciones de cine en el futuro”.

Aprovechando esta proyección al porvenir, le hacemos a Fatima la pregunta inevitable: ¿Qué podemos esperar de su set en Sónar? La respuesta es críptica y nos deja expectantes. “Shaneera es una chica mala, le gusta la fiesta…” Qué lejana se siente de pronto la fecha del festival.

DIIV — Deceiver

Deceiver: La fuerza de la melancolía reinventa el sonido de DIIV.

Las experiencias personales forjan al ser humano. Eso es un hecho ineludible. Lo que se hace con dichas vivencias y hacia dónde se conduce cada ente tras pasar por las mismas, eso, ya es algo imprevisible.

Cuando DIIV regresó a los anaqueles con Is the Is Are el contexto de su carrera, además del lugar en el que se encontraba cada uno de sus integrantes, era completamente distinto del que se gesta ahora alrededor del lanzamiento de su tercer álbum: Deceiver. Tal vez parecerá obvio mencionarlo, pero también es cierto que como fans o escuchas, la mayoría de las ocasiones, esperamos que se mantenga un sonido único entre las diferentes producciones de los artistas o bandas a quienes coreamos en el baño o en los shows a los que tenemos oportunidad de asistir. DIIV ha sido un claro ejemplo de que esto no es una regla, mucho menos una obligación.

Deceiver es en sí mismo un disco completísimo y lleno de una energía cruda que se mantiene desde “Horsehead” hasta “Acheron”, el primer y último track respectivamente. En el sonido del álbum hay un sosiego perceptible, algo que parece que no termina de explotar. Una fuerza contenida que se limita a llenar cada poro de quienes lo escuchamos, pero falta algo, ese clímax que esperamos para poder gritar a toda garganta y resentir en nuestras cuerdas vocales los estragos de la rabia que parece no terminar de gestarse. Al mismo tiempo el muro de sonido que se percibe durante las 10 piezas de las que se compone este tercer disco de estudio es un refugio del cuál no sale nada. Parece que navegamos dentro de una esfera perfectamente sellada. No escuchamos nada más. Rock progresivo, dream pop, shoegaze… Este material lo tiene todo en cada track. Cada canción pertenece a la siguiente y es un ser por sí misma. Escuchar la decena de temas de principio a fin o uno por separado transmiten la misma sensación de estar flotando lejos.

Es un disco muy personal y doloroso, al menos así se lee en cortes como “Skin Game” o “Taker”, dos de los adelantos con los que Zachary y compañía nos envolvieron para dejarnos ansiosos de más. Temas como las relaciones personales, la desintoxicación, la decepción y pensamientos oscuros se tocan a través del viaje que es este álbum. Los momentos más luminosos vienen con “The Spark” y “Blankenship”, los tracks más cercanos al júbilo de todo el recorrido; el último, sin duda mi espacio favorito de todo el álbum. El sonido general del disco es muy distinto a sus predecesores, pero la esencia de la banda neoyorquina se mantiene latente. Hay una calma que se respira en todo momento, pero, en el fondo, una presencia funesta se puede sentir a través de los oídos. La piel se encina por momentos y sabemos que la tormenta está a punto de llegar. Riffs de guitarra, distorsión, melancolía, una batería simple y enérgica, la voz de Cole, soledad y una atmósfera intoxicante… todo eso se encuentra dentro de Deceiver.

Es una catarsis personal, tan personal que podemos hacerla nuestra. Después de más de 10 vueltas completas, el álbum se convierte en mi favorito de la banda.