Mira el nuevo video de The Flaming Lips junto a Mick Jones

The Flaming Lips estrena video para “Giant Baby”.

The Flaming Lips lanza video para “Giant Baby”, single promocional de King’s Mouth: Music and Songs, su más reciente álbum. Con personajes icónicos y su excéntrico sello, la banda regresa con una presencia sonora igual de fuerte y colorida que con Yoshimi Battles the Pink Robots.

El video fue dirigido por Wayne Coyne, cantante y líder de la banda. Fred Armisen, el cómico de Saturday Night Live, es el presentador del video, y Mick Jones, el legendario ex-integrante de The Clash colabora y funciona como narrador. Con batas de monje, miles de luces led, y globos metálicos a la Warhol, Coyne nos sitúa dentro de un colorido y psicodélico viaje.

Mira el video a continuación:

King’s Mouth: Music and Songs, es el primer álbum de la banda que tiene concepto de cuento. El álbum narra una historia canción a canción, y quién mejor para lograr este efecto narrativo que el ex integrante de The Clash. La colaboración de The Flaming Lips junto con Mick Jones, es una mezcla histórica que honra el concepto del disco. Jones cumple con el papel del abuelo universal del punk rock, y lleva estas historias mágicas y estrafalarias a todo mundo. 

Este último disco es el soundtrack de la instalación artística de Coyne llamada King’s Mouth: Immerse Heap Trip Fantasy Experience. "La pieza está basada en la escenografía de los shows de The Flaming Lips, y está hecha según Coyne, para humanos de todos los tamaños, edades, culturas y religiones". La instalación se estuvo mostrando en Meow Wolf’s House of Eternal Return en Santa Fe, Nuevo México.

The Flaming Lips estará de gira desde el 13 de octubre por Estados Unidos, y el 7 de diciembre se presentarán en Puebla en el Festival Catrina

Bat For Lashes comparte "Desert Man"

La cantante británica Bat For Lashes, compartió una nueva canción antes del lanzamiento de su álbum.

Natasha Khan, o como todos la conocemos por su nombre artístico, Bat For Lashes, compartió “Desert Man” tema encarga de abrir su próximo material. A partir del próximo viernes 6 de septiembre podremos escuchar los temas que conforman este álbum bajo el sello de Awal Recordings. Además, será el sucesor del aclamado álbum conceptual The Bride, el cual fue producido a través de Parlophone/ Warner Bros. Para que no se te pase la fecha, ya puedes pre-ordenar Lost Girls en tu plataforma favorita aquí.

En “Desert Man” podemos escuchar la voz de Bat For Lashes que no pierde fuerza en este nuevo tema. Los sintetizadores, aunque pocos, son notables e importantes pues ayudan a adentrarnos a una atmósfera llena de oscuridad. Además, están acompañados de fuertes tambores con reverb, que ayudan a darle profundidad y muchas más fuerza a la canción para que esta logre transmitir lo que Natasha logra con su voz. La base de synth pop, que la hace destacar, es muy notoria mientras que constantemente repite “Take it slow, desert man / Love is a nowhereland”. La canción fue compuesta por Natasha Khan y Jenn Decilveo.

No te pierdas este último estreno a continuación.

Este es el quinto single que nos presenta Bat For Lashes, pues anteriormente presentó “Jasmine”, “Feel for You”, “The Hunger”. Este último viene acompañado de un video inspirado  en la película de Tony Scott, The Hunger (1983), y el cual fue grabado por Natasha, quien funge como el personaje principal: Nikki Pink. También disfrutamos del melancólico video de "Kids in the Dark". Un tema que nos habla de alejarse de aquella persona que queremos aún y cuando hay mucho que dar. Sabiendo que al final, se volverán a encontrar, de una forma y otra.

FKA Twigs confirma un nuevo LP llamado 'Magdalene'

Luego de cinco años, FKA Twigs ha confirmado que tendremos un sucesor de LP1 llamado Magdalene.

Si algo emocionó la primera mitad de este 2019 fue el lanzamiento de "Cellophane", sencillo que marcó el regreso de FKA Twigs. Luego de algunos meses de incertidumbre la cantante ha confirmado que tendremos un material titulado Magdalene. De acuerdo a la también bailarina este será lanzado próximamente.

En entrevista con I-D la cantante reveló que este material contó con la producción de Nicolas Jaar, incluirá la colaboración de Future en un track llamado "Holy Terrain" y además, manejará un alter-ego.

El LP es sobre cada amante que he tenido y cada amante que voy a tener. Es realmente frágil. Lo logré en un momento en que me estaba recuperando, física y emocionalmente, y creo que eso se cumple".

 Sobre la colaboración con Future mencionó. 

Le llamé y le dije 'Escucha, Future ... de eso se trata mi álbum'. Es un disco muy poderoso y sensible, con mucha energía femenina, y esta canción es probablemente el tema más divertido, pero todavía necesito contenido lírico".

Puedes leer el resto de la entrevista en el siguiente link.

Sigue pendiente de Indie Rocks! para más noticias sobre este esperado material.

HIPNOSIS 2019: Entrevista con Stereolab

Stereolab: Una banda para el hoy.

Muchos han argumentado que existe un “antes y después” de Stereolab, la legendaria banda londinense formada en 1990 por Laetitia Sadier y Tim Gane. Hasta ese entonces, ningún acto había combinado de manera tan efectiva y fascinante las tendencias más experimentales de la música underground que abundaba en ese entonces con las sensibilidades más puras del género pop, resultando en un vaivén de estilos y ánimos que resaltaba tanto lo enigmático como lo intoxicante de la experiencia aural de la melodía. Sus técnicas de grabación y sus letras surrealistas, filosóficas y con fuerte carga política también contribuyeron a su estatus icónico, mismo que sigue resonando en bandas modernas.

Sin embargo, para los mismos Stereolab, esta corriente de pensamiento no significa nada, ya que ellos crean mundos sónicos concentrándose en el hoy, sin preocuparse de lo que han recogido y hacia dónde irá. Tuvieron que pasar 10 años de su desintegración para que todo volviera a hacer sentido para que se reunieran. Con este propósito, el relanzamiento remasterizado de sus discos más emblemáticos y su visita al festival HIPNOSIS de este año, tuvimos la oportunidad de platicar con Gane de lo que para él ha representado y representará formar parte de ese fenómeno llamado Stereolab.

“¡He estado disfrutando mucho el tocar en vivo después de estos 10 años!”, comentó entusiasmado el también guitarrista del conjunto. “No me emociona mucho el viajar y llevar el equipo a todas partes, pero una vez que estamos sobre el escenario y empezamos a tocar y a agarrar ritmo es una experiencia sumamente agradable. Aunque tocamos canciones viejas, podemos llevarlas a otros lados y jugar un poco con ellas. Creo yo que no sonamos tan diferente a lo de antes pero nunca lo forzamos para que sea de esa manera; todo sale con naturalidad. Después de todo, ¡solo puedo tocar la guitarra de una forma!”.

En 1985, Gane y Sadier se conocieron en un concierto de la banda anterior del primero, llamada McCarthy. Pronto se enamoraron y empezaron a crear música juntos, fruto del descontento de Sadier por la escena musical francesa de esos años. Después de la desintegración de McCarthy, Gane aprovechó para formar la banda con Sadier y empezaron a grabar y distribuir discos de 7 y 10 pulgadas a través de sus propias tocadas y en envíos de correo, en donde la disquera Rough Trade les facilitó esta distribución. Desde entonces, no pararon y empezaron a diversificar su sonido y la cantidad de material que tenían.

“Tocar ahora se siente como si nunca hubiéramos parado. Hemos incorporado un secuenciador en el escenario para las partes electrónicas y las cajas de ritmos que ya había usado en Cavern of Anti-Matter [proyecto solista de Gane formado en 2013], pero los sonidos y cómo los usamos son 100% Stereolab. Andy [Ramsay, baterista] también tiene su caja de ritmos y la manera en la que tocamos tiene mucho que ver con el momento actual y no como solíamos hacer las cosas antes. No ensayamos ni estudiamos nuestros conciertos anteriores o lo que improvisábamos en discos en vivo,” aclaró.

Stereolab llegó a la escena musical con Peng! de 1992. Este material se caracterizaba más por una estética sonora rica en distorsión de guitarras y aspectos del shoegaze, mismo que permanecería en sus discos posteriores pero en menor manera. A este le seguirían Transient Random Noise-Bursts With Announcements (1993), Mars Audiac Quintet (1994), Emperor Tomato Ketchup (1996), Dots and Loops (1997) y Cobra and Phases Group Play Voltage in the Milky Night (1999), cada uno drásticamente distinto al anterior. Podían sonar como banda de música de lounge sofisticado, de drone aspero y macizo, de pop japonés, de krautrock alegre o a rock psicodélico denso, a veces dentro de una misma canción.

“Siempre fuimos una banda que sonaba muy distinto en vivo a como tocábamos en el estudio, con excepción de los tres primeros años de la banda. Cuando grabamos Emperor Tomato Ketchup dejamos de llevar las canciones ensayadas y todo se empezó a crear en el estudio, pero esto significaba que teníamos que volver a aprendernos todo antes de salir de gira, dando como resultado un sonido más primitivo. A algunos les gustaba más el sonido en el estudio y a otros cómo tocábamos en vivo, pero nunca recibimos ninguna queja. Pero siempre era truculento convertir todos los elementos de las canciones a lo básico para las giras. Por ejemplo, nunca nos salió tocar “Brakhage” [deDots and Loops] bien en vivo hasta que grabamos una secuencia de percusiones y beats específicamente para este tour,” relató.

Justamente son todos los discos anteriores, comenzando por Transient y siguiendo con Sound-Dust y Marguerine Eclipse, sus lanzamientos durante la década de los 2000, los que serán publicados de manera remasterizada junto con tomas alternas, demos y mezclas nunca antes lanzadas bajo la cuidadosa supervisión del mismo Gane y Warp Records.

“El ímpetu original de estos conciertos fue por el relanzamiento de los discos. Fueron siete LPs grabados en 10 años y nos preguntaron si queríamos hacer una gira de aniversario con esas canciones. Eventualmente todos dijimos que sí y al final fue una gran idea. Nunca dudé si las canciones tendrían la misma potencia ahora como en esos tiempos. No tiene que ver tampoco si yo pienso que tienen que tener una nueva vida o un reajuste para 2019 para que no suenen descontinuadas. Hubo una entrevista anterior en donde se me adjudica que yo dije que era para que las canciones tuvieran una nueva vida, pero no recuerdo haberlo dicho en ese contexto. Quizás si se me atribuye a mí, tal vez lo mencioné pero no de esa forma”, declaró.

Ahora, con su llegada a México para tocar lo mejor de estos materiales en el festival HIPNOSIS de este año, ante una audiencia con exigencias y gustos distintos a los de otros de su categoría, Gane no tiene miedo a esta recepción y confía y respeta la inteligencia y el apego del público. Esa confianza y respeto también se extiende a varios artistas de nuestro país, quienes incluso han influido a Gane.

“Toqué hace un par de años con Lorelle Meets the Obsolete en el Liverpool Psych Fest y en Glasgow. Me gustó mucho lo que hicieron. También me encantó el relanzamiento del LP del músico Luis Pérez, Ipan In Xiktli Metztli (México Mágico Cósmico, en el Ombligo de la Luna) y una de mis grandes influencias cuando compusimos Sound-Dust fue Silvestre Revueltas, particularmente 'La noche de los Mayas'. Me gusta también la canción 'Waking Morning' de Camila Fuchs y el looping minimalista de CNDSD. Como buen fan de Terry Riley, me atrajo mucho”.

“Espero que la gente que nos vaya a ver a HIPNOSIS reaccione como le dé la gana. Es cierto que Stereolab se alimenta mucho de la atmósfera y las sensaciones del público cuando tocamos en vivo, entonces si es una audiencia bulliciosa y entregada reaccionaremos de esa manera; lo mismo si son muy educados e inertes. La verdad no espero que el público mexicano sea educado e inerte, ¡pero veamos qué pasa!”, concluyó emocionado.

Stereolab encabeza el cartel del festival HIPNOSIS 2019, que se realizará el sábado 26 de octubre en Las Caballerizas, Huixquilucan.

Jack White intepreta un tema de Jay-Z previo a un show

Como parte de su calentamiento, Jack White interpretó "99 problems" de Jay-Z.

The Raconteurs se encuentra de gira y en unos meses podremos ser testigo de ese show en la Ciudad de México en el Capítulo 10 de Corona Capital. Como parte de su tour, la banda realizó una transmisión en vivo para sus seguidores en los que mostró cómo es la preparación de Jack White previo a que suba al escenario. Esto ocurrió en la ciudad de Nashville.

En el clip podemos ver como es que el también integrante de The White Stripes interpreta "99 problems", un clásico de Jay-Z que aparece en el LP The Black Album (2003). White solamente utiliza su guitarra como acompañante.

¡Chécalo en el siguiente link!

Como lo mencionamos al principio de la nota, la agrupación está preparándose para dar un par de shows en la Ciudad de México, uno como en el Corona Capital y el otro de manera independiente en las instalaciones de El Plaza Condesa el cual ya está agotado.

Esos shows son parte de la gira promocional de Help Us Stranger, placa con la que este proyecto regresa 11 años después para retomar el camino del éxito con rock chapado a la antigua. Además es importante mencionar que será la primera vez de esta banda tocando en nuestro país.

Daniela Spalla en el Teatro Metropólitan

Las penas del corazón se alivian cantando.

¿Cuándo fue la última vez que interpretaste una canción con el corazón roto? La noche de ayer se convirtió en el pretexto perfecto para liberar nuestras emociones más profundas y sanar nuestras heridas a través de la música.

Nostalgia, baile y un desfile de invitados fueron los elementos más notables durante la presentación estelar de Daniela Spalla en el Teatro Metropólitan. A las afueras del recinto las distintas prendas amarillas en los atuendos de los asistentes comenzaban a colorear la cálida tarde de domingo. Una vez al interior, tocaba el turno de dirigirnos a nuestros asientos y disfrutar el show de la banda telonera, Drims.

Poco menos de 30 minutos fue el tiempo con el que contaron los regiomontanos para encender los ánimos de los asistentes al ritmo de temas como “Amanecer”, “Todas las chicas” y la infalible “¿Qué nos pasó?".

La luz se disipó y el escenario cobró vida. Plantada sobre una base circular color blanca que se ubicada al centro de la tarima y un decorado lleno de vegetación tropical, Daniela Spalla hizo acto de presencia para robar la primera ovación del público al ritmo de “Si te alejas”.

El arranque del show no podía ser más celebrado. Cinco músicos de fondo coordinaban la ejecución de los instrumentos en la parte trasera, mientras que un par de esferas blancas en la parte superior de una estructura metálica completaban el diseño de la escenografía. De esta forma, la intérprete dio paso a “Insomnio” y “Prefiero olvidarlo”.

El nivel y la participación de la audiencia aumentaban junto a los desgarradores coros de Amor difícil y “Prometí”.

La noche avanzaba y ahora era turno de dar la bienvenida a la primera invitada de la noche. La belleza y el encanto de Elsa y Elmar se unieron al escenario para dar paso a una dulce interpretación a dueto de “Transatlántico”. Tras su breve participación, la velada continúo al ritmo de “Los de siempre” y “Estás pensando”.

“La cultura mexicana ha empezado a permear en mí, en mi cultura, en mi música. Hace un año escribí una canción. Ya que es una ranchera quería invitar a unos amigos mexicanos”, explicó la cantante antes de dar paso a la siguiente canción e introducir a los segundos invitados de la noche: Ed Maverick y Dromedarios Mágicos, que con guitarra en mano acompañaron los acordes de “Lo que digan”.

Las sorpresas aún no llegaban a su fin. De manera inesperada, Daniela Spalla apareció entre los pasillos del recinto para saludar al público durante los primeros instantes de “Costa Rica”. Mientras tanto, en el escenario, Alex Ferreira acompañaba la melodía con su guitarra acústica.

La ovación del público volvió a hacerse presente con Pinamar. Las sombrillas rosas y amarillas que acompañaban al tema fueron sustituidas por  bolas de cristal y luces neón que recreaban una pista de música disco en Te veo a la salida. Ya cerca del final, dos camas separadas en centro del escenario recreaban el nombre de su último álbum para llevarnos de “Viaje a la luna”, junto a Santiago Casillas de Little Jesus.

Todo llega a su fin, un concierto, una canción e incluso el amor. “Estábamos tan bien” y “Vete de una vez” fueron los temas encargados para decir adiós y recordarnos que las penas del corazón, se alivian cantando.

Hocico en El Plaza Condesa

Hocico: La catársis tenebrosa.

Resulta curioso que en los últimos 30 años y sin muchos reflectores, México se ha convertido en semillero de proyectos electrónicos vanguardistas que, de un modo u otro, alcanzan un reconocimiento internacional sobresaliente. Desde aquella prodigiosa primera generación conformada por Casino Shangai, Syntoma y Nathabisk; hasta esa anómala reinterpretación de la música regional a través de cajas de ritmo con Nortec Collective y 3BallMTY. De esa línea cronológica sobresale Hocico, la agrupación de Erk Aicrag y Racso Agroyam que lleva 26 años mostrándole al mundo que el metal y el EDM no son antónimos.

Como parte de la gira Extinction Tour, mismo que sirve para promocionar su placa discográfica más reciente –Artificial Extinction- regresaron a El Plaza Condesa y ya no queda duda de que ahí juegan como locales. Antes de llegar al venue se hizo notorio que este dúo genera un culto por sí mismo. Todavía no se escondía el sol; pero la gente ya compraba memorabilia y se formaba ansiosa. Pocas veces el público se muestra tan entusiasmado por ver a los actos abridores; sin embargo, la curaduría que realiza Hocico en todas sus presentaciones ya es símbolo de garantía.

En esta ocasión pudimos ser testigos de una muestra ecléctica con las propuestas de  KREIGN, Resistor y Dimitri Berzerk. Aunque las tres tienen origen en la música electrónica, todas toman direcciones distintas respecto a las texturas e intenciones que ejecutan. KREIGN, un proyecto oscuro que dinamitó la vibra de los asistentes hasta llevarlos al desquicio. Resistor, mucho más melódicos, transitaron por caminos cercanos al goth para generar un ambiente purgatorial… Casi perverso. Finalmente, Dimitri Berzerk en clave de live set nos puso a en el lugar ideal para la locura que se avecinaba.

Erk Aicrag y Racso Agroyam tomaron su espacio y la audiencia se enganchó desde el primer momento. La expectante "Blackout’’ y sus visuales convirtieron a El Plaza Condesa en una fantasía tenebrosa que rompió con las voces contundentes de "Dark Sunday’’. A pesar del nuevo disco, ambos integrantes fueron bastante generosos en la construcción de su setlist: prácticamente pudimos escuchar un tema de cada álbum en su discografía, hecho que los fans más arraigados agradecieron; y a su vez, sirvió para percatarnos de la enorme evolución sonora que han tenido durante todos estos años.

No importó que una buena parte del público estaba ahí desde las 19:00 H, la energía de los mosh pits fue brutal. La catarsis fue absoluta y nadie pudo reclamar nada. Entre gotas de sudor y movimientos salvajes, el segundo encore nos convirtió en un solo ente que implotó cuando escuchamos "Sexo bajo testosterona’’.

Algo quedó muy claro: seas o no un seguidor pasional del electro dark, si eres amante de los conciertos y las experiencias intensas, tienes que ir a un concierto de Hocico. Nadie sale hecho el mismo.

Comisario Pantera en el Teatro de la Ciudad

Comisario Pantera: La fuente de la eterna juventud.

El sold out de Comisario Pantera en el Teatro de la Ciudad, llegó luego de que se anunciara que la agrupación estaría presentando música nueva y desempolvando viejas canciones; noticia que apresuró a los fanáticos a comprar la entrada para vivir una enérgica y nostálgica noche.

En punto de las 19:00 H, las puertas del venue se abrieron para recibir a los fanáticos de la banda, quienes -en su mayoría-, eran adolescentes, los cuales se veían muy felices portando las camisetas de la banda.

Para comenzar con las sorpresas de la noche, en cada una de las butacas del Teatro estaba colocado un banderín high school con el nombre y logotipo de la agrupación; un pequeño recuerdo físico para todos los presentes.

Habían pasado 25 minutos desde el acceso, cuando se anunció la segunda llamada. Para entonces, el inmueble se encontraba a la mitad de su capacidad. Dichas las indicaciones y precauciones, las luces se apagaron para recibir al Lúa, un trío que con un bajo, una guitarra acústica y un cajón de percusión, endulzaron la noche al ritmo de “All My Loving”, tema de The Beatles; continuando con sus frescas y divertidas melodías: “Sacarte a bailar”, “Tú, mi sueño”, “Estrella fugaz”, y “Pensando en ti”.

A las 20:15 H. con mucha buena vibra y una energía que hacía temblar el recinto, fueron recibidos en el escenario: Darío Vital, Roger Dávila, Markinhoz Brown Hernán Raúl, quienes inauguraron su show con: “No me digas más, tema de su primer álbum de estudio: Jóvenes Ilustres (2011). Con esta canción, Comisario Pantera demostraba que no había mentido al decir que tocaría aquellos primeros éxitos que la llevaron a ser considerada como una de bandas más entrañables de la industria musical mexicana.

Continuando con todo el entusiasmo, resonó “Noches de Luna”, canción que hizo que todos los chicos se pusieran de pie y empezaran a bailar, solos o acompañados de su pareja; a la cual más tarde le dedicaron el romántico single: “Aire”.

Temas de Club Rodante (2013) también sonaron en el Teatro de la Ciudad, tal fue el caso de “Nada es fácil”, tema que nos da la fortaleza para hacer todas cosas que tienes planeadas con esa persona especial. Después de escuchar estos grandes éxitos, Darío Vital dio la bienvenida al público, y aprovechó para dedicar su siguiente tema a todos los jóvenes ilustres, quienes eufóricos comenzaron a corear: “Cada vez que mientes”.

Para entonces el recinto ya se veía completo, y se notaba que todos los presentes iban dispuestos a pasar una divertida y nostálgica velada, y lo demostraron cuando comenzaron los primeros acordes de “Horizonte”.

“Creíamos que lo teníamos bajo control, pero la verdad es que estamos muy nerviosos. Ustedes nos imponen...“, comentó Vital.  “Hace ocho años grabamos una canción con el vocalista de Enjambre. La última vez, él estaba sentado en el público y no se aguantó las ganas y subió a cantarla con nosotros. Espero que esta vez ustedes la canten mejor que él”.

Fueron las palabras que Vital añadió para introducir “Murasaki”; lo que realmente no esperábamos es que Luis Humberto Navejas se presentara en el escenario para compartir esta bonita melodía junto a Comisario Pantera. Después de haber presenciado tal colaboración en vivo, continuaron con algo más romántico pero no menos enérgico: “Para ti” e “Inerte”, tema que dio pie para que el líder de la banda comentara. “Tenemos tantas cosas que decirles, que no sabemos qué canciones cantarles”.

La noche apenas iba comenzando y los presentes se mostraban más joviales que cuando empezó el concierto, y lo demostraron coreando y cantando “Perfume de mujer” y “Pasional”.

Tras un cambio de escenario y de vestuario -tipo estudiante de high school-, los integrantes de la banda regresaron al escenario para interpretar “Éramos adolescentes” y  “Los solitarios”, dos de sus primeros grandes éxitos, que contrastó con “El camino de la noche”, uno de los últimos lanzamientos de los mexicanos.

Una noche divertida se aproximaba cuando todos dieron un cambio de roles en los instrumentos, demostrando su versatilidad en el mundo musical. "Algo muy padre de la música es que te permite poder trabajar con grandes artistas. Recibamos a Mauricio Durán, quien trabajó con nosotros en el nuevo sencillo: 'Otra vez'", expresó el líder.

Aprovechando que los fanáticos mostraban mucha energía y ganas de bailar, Comisario Pantera interpretó, “Good Rockin’ Tonight”, tema de Elvis Presley. Después de esta gran pieza musical, Vital compartió lo agradecido que se sentía por ver al público tan contento y agradeció a su LP, Cosmovisiones (2017). “Este álbum nos ha traído grandes oportunidades, nos llevó a Las Vegas y ahora les compartiré una canción que nos gusta mucho, espero les guste a ustedes”.

Así fue como interpretaron “Corre amor”, single que habla de poner fin a una relación y de cómo continuar con tu vida, prosiguiendo con “De cuando te conocí”, tema perteneciente a su más reciente álbum de estudio.

Para esta noche llena de juventud, Comisario Pantera nos tenía preparada una sorpresa más junto al cantautor mexicano Marco Mares, a quien admitieron admirar por su talento y su interesante propuesta musical, juntos colaboraron en el tema “No hagas caso de la gente”.

“En La Ciudad de México no se ven las estrellas, pero ustedes son las estrellas que iluminan esta noche.” Con esas bonitas palabras el vocalista invitó a los presentes a corear “Perfecta”.

“Todo lo bueno se acaba, este concierto ha sido muy especial para nosotros. Hemos tocado para más seguidores y amigos, porque sí, ustedes son nuestros amigos. Gracias por venir.” Fueron las palabras que pronunció Darío, antes de tocar, “La vez primera”, una canción que conmovió a todos los presentes.

Se retiraron del escenario, y las luces se apagaron, hecho que generó que el público comenzara a corear al unísono: “Comisario Pantera”, mientras que otros tantos gritaban “Regresen, aún falta 'grabemos una porno'.

Después de varios minutos y con outfit más casual, regresaron al escenario para culminar esta gran noche que se había pasado volando. Consintiendo al público con: “Sofá”, “Historia”, “No es por ti”, terminando con “Amiga”, uno de los temas más esperados de la noche. Agradeciendo el sold out, y esperando que hayan pasado una grandiosa noche.

Las luces del Teatro de la Ciudad se encendieron, y los presentes comenzaron a salir más felices de lo que entraron. El público adulto agradeció a la agrupación por haberlos llevado a su época de adolescentes con esas viejas canciones. 

Bengala en El Plaza Condesa

Nostalgia y entrega pura en el regreso triunfal de Bengala.

2009, regresas a tu casa después de un día de mierda en la secundaria, subes a tu cuarto y enciendes la televisión. Te acuestas en tu cama y sonríes, no todo es tan malo, los videos de bandas como LeBaronAustin TVPanda y Bengala te suben el ánimo. Eras feliz y no lo sabías... 2019, casi todos esos grupos ya no existen, salvo uno: Bengala.

Ayer, canciones como “Miente” y “Cárcel” hicieron recordar aquellos tiempos de adolescencia a los asistentes en El Plaza, lugar que recibió el regreso de uno de los proyectos más importantes del rock mexicano, el cual presentó su más reciente disco Laberinto (2019).

Antes de tomar un descanso indefinido después de aquel íntimo show en diciembre 2013 en El Imperial, en octubre de ese mismo año la banda capitalina debutó en El Plaza al lado de la agrupación española Dorian. Seis años después, la banda vuelve a pisar el mismo escenario para ofrecer una presentación que, en punto de las 21:10 H, da inicio con “Un millón de estrellas”, de su nueva placa.

Diego Suárez (piano y voz), Sebastián Franco (bajo), Jesús Herrera (guitarra), Amauri Sepúlveda (guitarra), Marcos Zavala (batería) y un guitarrista de apoyo, reciben aplausos que hacen vibrar el venue, sold out, por cierto. Las luces rojas hacen juego con el negro de sus prendas. “Gracias por venir”, dice Diego, segundos después de tocar “Planeador”. El público responde con gritos. “Vamos otra vez” y “Soñé” tocan fibras sensibles en algunos. La adolescencia de muchos.

“Horizontes” es el pre ideal para lo que se viene: el primer tema de la noche con Diego a cargo del piano: “Elefantes”, cuyo ambiente envolvente va in crescendo. “Rey de España” y “Cuarto del fondo” ejemplifican un salto en el tiempo de 10 años, que en realidad no se nota, porque la entrega que siguen teniendo es igual o mejor. “Tuvieron que pasar seis años para volvernos a ver, pero valió la pena, ¿no? (...) Creo que habrá Bengala para mucho más”, afirma Diego, cuya presencia en el escenario impone y deleita. Sin duda se le extrañaba.

Para el siguiente tema hay un invitado, pero no cualquiera, se trata del productor de LaberintoCamilo Froideval, quien se apodera del piano para interpretar “Otra vez”. La sorpresa de la noche la da “Carretera”. Y es que, para los conocedores de Bengala, este clásico por lo general se escucha en el tramo final. Las composiciones nuevas de “Tiempo” y “Enloquecer” hacen que los presentes irradien locura, se olviden de la temporalidad y disfruten.

La celebración continúa con un momento íntimo, pues los miembros abandonan el escenario, excepto uno: Diego, su piano, un venue lleno y “A cero”, ¿qué más puedes pedir? A mitad de la canción, el resto de los integrantes se une al trance. “Cosas infinitas”, “Tírate” y “Mensaje” dejan ver la entrega de Diego: salta baila, interactúa, juega con el micrófono, sabe ser un líder, pero sobre todo, un showman. Tan es así que para el siguiente acto se quita la camisa y, para quienes no es su primera vez, ya saben lo que eso significa: “Cárcel”. Cero calma, manos en alto y pies en el aire.

Sin embargo, es tiempo de despedirse... o no, pues mientras la banda capitalina deja el escenario, de fondo suena una de las infaltables: “Abril Oneil”. Al término, el vocalista suelta una frase que seguro quedará por días en las mentes y los corazones de los fans: “Ha sido una noche fantástica, mientras ustedes sigan aquí nosotros estaremos aquí”. Amor mutuo.

“Déjala ir” y “Miente” son el combo perfecto antes de decir adiós. “Nos vemos muy muy pronto”, expresa Diego. La típica foto colectiva se hace presente y todo parece haber llegado a su fin. Pero no, ¿segundo encore? Algo así, ya que solo hay espacio para una más: “Mal incurable”. Decisión correcta. Eso sí, la gran olvidada de la noche es “Temblor (eso soy)”, track 7 de Laberinto, la única que hizo falta para escuchar por completo el material.

Pese a eso, el show ha sido un éxito. Si bien es cierto que este año formaron parte del cartel de los 20 años del Vive Latino y el año pasado estuvieron en la primera edición de Mapa Sonoro y en el Centro Cultural España, su espectáculo de anoche en El Plaza fue su regreso no solo oficial, sino triunfal.

#Temporada316: Stephen O'Malley en SALA

Stephen O'Malley: Monolitos y profecías.

La #Temporada316 tuvo a bien concluir sus actividades en la noche de un viernes caótico y lluvioso, SALA fue el resquicio perfecto para la ocasión y Stephen O'Malley, y Vyctoria en compañía de Julián Bonequi la bienvenida perfecta. El eco del violín en ascenso, los delicados tintes de guitarra y las percusiones apenas perceptibles. Oscuro talento local que en el underground ha encontrado territorio furtivo para su faceta instrumental y experimental, música poco digerible para muchos: “puro ruido”, gritó alguien que, supongo, estaba ahí solo por invitación, sin saber a lo que se atenía, sin conocer de lo que se trataba, total, espero que aquel sujeto y sus acompañantes se hayan refugiado en la barra sin molestar a nadie, o mejor aún, se hubieran ido. 

Los diversos monitores colocados a un costado del escenario comenzaban a emitir el siseo de las ondas sonoras que cada vez eran más dramáticas, filosas y constantes, ascenso y descenso, ecos de una ópera dañina, el guitarrista que primero sentado evocaba calmos pasajes sonoros, de pie emitía pesados riffs a beneficio de la creatividad, la guía perfecta para que las cuerdas del violín se destriparan, para que la batería y los golpes a los platillos figuraran ante nuestro silencio y observación, el feedback necesario para una despedida ideal. 

Lori Goldston 316 SALA 2019

Lori Goldston acompañada por su fiel violonchelo y un gran amplificador Fender comenzaron a emitir ondas de tranquilidad y sorpresa para los que ya estábamos completamente enganchados a su presencia, discreta pero portentosa. Pocas veces tenemos la oportunidad de apreciar cosas tan sencillas pero enriquecedoras. Devaneos entre las cuerdas, el jugar con el volumen, las frecuencias y la distorsión, una larga muestra de talento, una auténtica leyenda viviente y creadora furtiva acosando nuestras conciencias, revoloteando como una enorme polilla negra de esas que creen que son de mal agüero pero son tan inocentes como nosotros y solo buscan la luz, el calor y la calma ante la tormenta. El verano y sus últimos días, acercarnos cada a terminar un año más, ciclos que se rompen, pero aquella solitaria inspirada por las musas y su instrumento milenario nos conmueve. Y así, fugaz como llegó, ante un discreto adiós y una gran ovación, Lori dejó el escenario, lo mejor se avecinaba. 

Ante la oscuridad del inmueble y el siseo de las luces de sus pedaleras, los amplificadores de Stephen O'Malley cual monolitos comenzaron a emitir sus profecías. Aquellos que no llevaron tapones para los oídos comenzaron a sentir las inclemencias de las ondas dolorosas pero inspiradoras, el alta causa del drone y su modo solitario de emitir tanta energía con tan poco movimiento, tanta pasión con demasiado volumen. Absortos ante los visuales que emulaban el viaje del polvo a la eternidad, cada golpe a las cuerdas era el recordatorio del por qué estamos vivos y por qué esa suerte masoquista de lastimar nuestro sentido más preciado: el de la escucha antes que del oído, el de la apreciación antes que la indiferencia, el del sentirnos relajados ante el caos y el estruendo. 

Stephen O Malley 316 SALA 2019

Y así la reacción física ante las vibraciones, el pecho trepidante, el corazón queriendo salir del peligro, nuestra mente sintiéndose a salvo, los ojos cerrados para entrar en otra dimensión. El entendimiento de que esto no solo es ruido como algunos dicen, comprender que cada sonido corresponde a una acción, y la reacción transfuga entre los cables y bulbos, entre las bocinas que emanan diferentes frecuencias, y así, Stephen camina un poco para ajustar niveles y ecualizaciones. El fino arte del drone y el feedback, de causar dolor, pesadumbre y malestar, de que la mente reaccione ante la destrucción de nuestros tímpanos y así se someta a la resistencia y la apreciación. 

Después de ofrecer una salvaje sinfonía, el solitario O'Malley agradeció la ferviente ovación ante los constantes flashes de teléfonos que afortunadamente no opacaron su presentación. Siempre aunque silente, el músico se mostró en total concentración con su maquila, es por esto que nos quedamos con el recuerdo de un show como pocos, sin palabras o coros, pero con una alta gama de sonidos que hicieron radiar nuestra psique.