Kazu — Adult Baby

¿Adult Baby, el álbum debut de Kazu, merece nuestra atención?

El disco empieza plano por la falta de subidas o bajadas instrumentales, no se nota ningún juego de matices, los primeros segundos de Adult Baby inmediatamente nos recuerdan a Blonde Redhead y no parece nada nuevo.

Pero todo eso solo ocurre a la primera escucha, todos los prejuicios del párrafo anterior desaparecen mientras transcurre el primer track, porque verán... “Salty” tiene bastantes matices, pero Kazu los hace intencionalmente sutiles que son difíciles de comprender… Pero no toda la música debe jugar sobre los mismas reglas o fórmulas, ¿saben?

En el primer minuto de “Salty” conocemos la intención instrumental, se presenta el beat electrónico, se unen los juegos de percusiones, los loops de voces y nos demuestra su forma de orquestar, así como el uso de pequeños silencios que insinúan un pequeño despegue que nunca termina por suceder.

Y así continúa por minuto y medio, pero al comienzo del tercer minuto notamos esas leves diferencias, los matices que si bien no suben de volumen sí cambian de intensión, las voces comienzan a distorsionarse y las percusiones se hacen cada vez más presentes, provocando algún tipo de efecto de flotar plácidamente.

Así los 5 minutos de “Salty” parecen una eternidad, pero no de aburrimiento, más bien de relajación, de viaje a lo interno y quizás de adaptación a lo nuevo, algo necesario para comprender que esto ya no es Blonde Redhead y al mismo tiempo sí.

Claro que va a tener toques directos de Blonde Redhead, pues ella no solo cantaba ahí, también componía y escribía, todo eso salía de ella, no creo que sea justo pedir que se deshaga de esa parte creativa, de esos sonidos y vicios musicales que son parte de ella, porque…

¿La obra del artista existe para satisfacer a los medios o la obra es creada para satisfacer la necesidad del artista?, ¿El artista debe pensar primero en su público o en él mismo?, ¿O tal vez debería de pensar en satisfacer a todos al mismo tiempo? Cada quien puede pensar cómo se le antoje o escuchar lo que quiera, hay propuestas para aventar al cielo.

La calificación que aparece en la cabeza de esta nota dice 8, pero es solo la opinión de quién escribe, ustedes pueden ponerle menor o mayor calificación, incluso no ponerle ninguna.

Es más, quizás calificar a Adult Baby con una sensación para así escucharlo solo en ciertas ocasiones, para ciertos estados de animo o para situaciones muy especificas, no parece tan mala idea.

Y eso lo que hace bien este disco, convertiste en una pieza musical reservada para escucharse en el debido momento o para cierto público. Todo contrario de opiniones de grandes medios internacionales y lejos de toda comparación, Adult Baby es una entrega orgánica bastante buena.

Entre canciones podemos encontrar a grandes músicos que hacen aún más interesante al álbum. Ryuichi Sakamoto quien alguna vez formó parte de la Yellow Magic Orchestra juega con los beats de casi la mitad de Adult Baby.

También a la Budapest Art Orchestra interviniendo en la armonía de “Come Behind Me, So Good!”, las percusiones de Mauro Refosco abren y cierran el disco, y en “Undo” el baterista de Deerhoof, Greg Saunier, remata sus tambores con golpes rítmicamente irregulares.

La combinación de todos esos elementos es la que le da la magia que necesita a este álbum debut, donde quizás no hay mucho despliegue de virtuosos, pero ¿en realidad no necesita?, tampoco hay cambios muy marcados o matices notablemente altos, pero ¿debería?, ni suena a algo tan alejado de Blonde Redhead… Pero eso pasa solo cuando estás aferrado a esa idea.

Si hiciéramos caso por completo a las opiniones de grandes medios musicales como Pitchfork, Rolling Stone o Consequence of Sound, quizás no le daríamos siquiera una oportunidad al trabajo artístico de Kazu, uno muy interesante. Pero también puede ser que un servidor este divagando demasiado y dando más valor del que debería.

Si lo terminas por escuchar, ya tú sabrás qué pensar.

A 40 años de 'Reggatta de Blanc' de The Police

Festejamos 40 años de Reggatta de Blanc; la grandiosa entrada de The Police a las grandes ligas.

La década de los años 70 tomaba sus respiros finales. Su último año ya había dejado relevancia para cuando Reggatta de Blanc, la segunda entrega de The Police, fue lanzada. Calígula y su controversia en el cine, la primera mujer como primera ministra del Reino Unido, el primer LP de Joy Division y el último de Led Zeppelin sin el gran John Bonham. En 1979 un sismo cimbró a México y The Police, poco después, sacudió al mundo de la música. 

Cuando aún no se cumplía siquiera un año de su primer disco Outlandos d’AmourThe Police regresó al mismo estudio. El LP estuvo a cargo nuevamente de Nigel Grayproductor que trabajó con Siouxsie and the Bansheesse grabó realmente en tiempo récord (tomó pocas semanas aunque hubo paros, en parte para salir de gira, que resultaron en varios meses de sesiones en el estudio).

Stewart Copeland llegó a mencionar que el proceso fue realmente sencillo, gracias a que a los meses que ya habían tocado juntos. El disco fue ese momento de ajuste para el grupo; ese encaje difícil de encontrar en tan poco tiempo. 

"Reggae de blancos" para todos.

Hoy estamos a cuatro décadas de la llegada del Reggatta de Blanc. El título es un uso del llamado “franglés”costumbre en la banda para dar nombre a la mayoría de sus álbumesque puede traducirse como “reggae de blancos”; uno que conquistó el mundo. 

Si el debut de The Police les otorgó reconocimiento inmediato, Reggatta de Blanc significó la llave que les abrió las puertas de un éxito que no vería descensos. Y es que ésta nueva placa les dio mieles como el primer lugar en las listas del Reino Unido y Australia o el primero de los seis Grammy en sus palmarés. El grupo, recordemos, se desintegró en la cima del Everest.

La gira promocional permitió además el primer arribo del grupo a territorio mexicano, en un evento que solo la juventud de élite de la ciudad pudo presenciar, en el hoy WTC. Tardarían 27 años para regresar, en una reunión ésta vez a las masas. 

The Police dio un adelanto de lo que cocinaba para su nuevo material con la presentación en vivo del tema que abriría el disco en un evento para la BBC. Poco después, al estrenar su nuevo LP, los seguidores ya esperaban algo que superara ese gran primer álbum; no hubo decepción: una dosis refrescante de reggae, post punk y rock depurados y conjuntados en poco menos de 42 minutos. Un material que varios consideran el nacimiento oficial de uno de los géneros que definieron a los años 80: el new wave.

¿Qué hay en esta segunda placa?

Canciones definitorias para el trío se escuchan en su segundo material de larga duración. Temas como la mencionada “Message in a Bottle”, el instrumental “Reggatta de Blanc” (que les otorgó ese primer Grammy), “Walking on the Moon” (su obra reggae por excelencia) o “The Bed’s Too Big Without You”, por mencionar algunas.

Mención aparte necesita “Bring on the Night”. Como otros tracks del álbum, es un tipo de reciclaje de material anterior con el que Stingel principal compositorcontaba; concretamente de una canción llamada “Carrion Prince (O Ye of Little Hope)”. La obra fue reversionada en español por Gustavo Cerati para lo que fue un disco tributo a los ingleses por bandas latinoamericanas: el LP de 1998 Outlandos D'Americas, con covers de grupos como Los Pericos, Control Machete o Plastilina Mosh.

Lo interesante es que la versión del argentino se grabó en colaboración con el guitarrista de The Police, Andy Summers. Quien sea seguidor serio de Soda Stereo sabrá la influencia absoluta del trío de Londres en el trío de Buenos Aires.

El cover dejó más que satisfecho a Summers y lo que fue en un inicio una aportación al tributo llegó a convertirse en la posibilidad de una gira por Sudamérica (con la intención de tocar el material del álbum en compañía de algunos músicos que participaron en él) con Summers, Copeland y Cerati. Éste último dio prioridad a su naciente carrera como solista y desistió de la idea. 

Es así como hoy celebramos por partida doble: el cumpleaños 68 de Sting y los 40 años de Reggatta de Blanc. Su aporte al rock y a la música contemporánea es innegable. El fruto del talento musical eminente de un profesor, un guitarrista veterano y un potente baterista norteamericano recién llegado a Londres que formaron uno de los más grandes tríos de todos los tiempos y quizá a la mayor banda de los 80’s. Su segundo disco es argumento sólido de lo anterior. 

Box set de colección

Todo este legado, cabe mencionar, fue lanzado en un box set de lujo en viniloremasterizado en el mítico Abbey Road Studiosque recopila los cinco álbumes de estudio junto a un CD bonus de 12 tracks. La caja que lleva por nombre Every Move You Make: The Studio Recordings, agregamos, tendrá su versión en disco compacto a finales de este 2019.

Reggata Box Set

Entrevista con Frank Turner

México, parada obligatoria de Frank Turner.

Frank Turner pisará territorio mexicano una vez más, de nuevo con su banda The Sleeping Souls para visitar a sus fieles seguidores, en un recinto que ya le es familiar: regresa al Foro Indie Rocks! el viernes 4 de octubre.

“Ahora estaremos más personas en el escenario, ¡y será más estruendoso! Tocar con mi banda es la manera principal en la que me gusta presentar mi música, y estoy muy emocionado de llevarlos de vuelta”.

México es una parada segura, pues considera que regresar. “Es un privilegio, pues es un país increíble, la gente es muy amable y el público nos recibe bien. He estado mucho tiempo de gira, y creo que eso me ha enseñado a hacer bien mi trabajo, además de que he tenido la suerte de construir una familia, lo cual es muy importante para mí”.

Aunque asegura que tocarán canciones de todos sus álbumes para que todos estén felices, la meta de esta visita es presentar ante los mexicanos su más reciente material discográfico No Man’s Land, que fue lanzado el 16 de agosto y que obtuvo su título de la canción "The Death Of Dora Hand" porque, de acuerdo con el cantautor inglés. “Era un nombre que simplemente encajaba”.

No Man’s Land es un proyecto conceptual en el que no escribí sobre mí, así que el proceso de grabación fue diferente en una manera que me inspiró. Además, fue muy divertido hacer algo diferente. Otra razón que lo hizo distinto fue la gente con la que trabajé. Catherine Marks es una productora genial, también los músicos que participaron. Fue una experiencia maravillosa”.

Turner confesó que, aunque no debería, considera que su canción favorita de este nuevo álbum es "I Believed You, William Blake". “Creo que esa canción salió naturalmente bien”, comentó. “Tal vez también me agrada ‘The Lioness’. Fue divertido grabarla, y me gustó mucho aprender y escribir sobre [la feminista egipcia] Huda Sha'arawi”.

En su proyecto como solista, esta es su octava entrega discográfica. Asegura que el motivo de cada uno es porque tenía algo qué decir, y la música era el canal perfecto para hacerlo. “Trato de ser mi peor crítico y pensar analíticamente sobre mi manera de componer. Siempre busco maneras de mejorar para el siguiente, o por lo menos hacerlo diferente”.

A pesar de que su estilo de vida lo ha alejado de sus amigos, fechas importantes y a veces lo hace perder su privacidad, eso es algo que no le molesta pues es lo que él eligió, y prefiere fijarse en las cosas positivas que le deja. “Lo mejor es ir a otras partes del mundo, hacer nuevas amistades y aprender a ver todo desde otras perspectivas, lo considero un gran privilegio”.

Turner nunca ha visitado el país a manera de vacaciones, solo durante sus giras. De igual manera, se siente agradecido de poder volver cada vez, y de tener la oportunidad de dar un concierto más.

Foals estrena video de "The Runner"

En "The Runner", Yannis lucha contra sí mismo.

La banda originaria de Oxford, Foals, compartió en la plataforma YouTube el clip de "The Runner", canción que estará incluida en su próximo álbum de estudio Everything Not Saved Will Be Lost: Part 2, que saldrá a la venta el próximo 18 de octubre.

Quentin Deronzier –director francés que previamente ha trabajado con artistas como Jerry Folk, Petit Biscuit, Josh Pan, etcétera– se encargó de dirigir este video que ya cuenta con más de 65 mil visualizaciones.

En el clip se observa al líder de la banda, Yannis Philippakis, caminando de un lugar a otro. Posteriormente tiene una pelea consigo mismo en una galería de arte, para finalmente encontrarse en la cima de algún lugar, sano y salvo.

Este video trata de encontrar un sentido de propósito y perseverancia a pesar de las probabilidades y de los problemas que podamos encontrar dentro o fuera de nosotros mismos", expresó Yannis sobre el contenido del video.

Dale play a continuación y lucha contigo mismo junto a Foals:

La primera parte de este disco se lanzó en marzo de este año y la banda describió a los dos álbumes como "las dos partes del medallón", separando la parte dos para "contrastar y dar una energía diferente al período". Se puede notar que Foals no ha dejado de trabajar en su música, pues el mes pasado subió una foto de un pizarrón en el que tienen un listado de 17 canciones entre ellas se incluyen algunas de la primera parte de este álbum.

Green Day estrenará "Fire, Ready, Aim"

Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool de Green Day estrenarán "Fire, Ready, Aim" muy pronto.

La banda californiana, Green Day, estrenará el próximo miércoles 9 de octubre el sencillo "Fire, Ready, Aim". Este será el tema principal de la transmisión Wednesday Night Hockey de la NBC  durante el partido de los New Jersey Devils VS los Philadelphia Flyers.

En el teaser de este nuevo clip, se muestran a varios jugadores de hockey y a los miembros de la banda liderada por Billie Joe Amstrong. Esto es porque la agrupación firmó un contrato por dos años con la National Hockey League de los Estados Unidos.

Su música encaja perfectamente con la energía, la velocidad y la potencia que presenciamos en el hielo y todas y cada una de las noches. Estamos muy emocionados de comenzar esta asociación con la apertura de NBC Sports”, comentó el vicepresidente de la asociación Steve Mayer.

"Fire, Redy, Aim" "Father Of All", formará parte de el próximo disco de la banda Father of All The Motherfuckers, producido por Butch Walker y saldrá a la venta el próximo 7 de febrero de 2020 por medio de las disqueras Reprise Records y Warner Music.

Sí aún no has visto el teaser de este nuevo clip, míralo aquí abajo:

'Jesus is King' de Kanye West ya tiene fecha de estreno

La colaboración entre Kanye west y la empresa IMAX ya tiene fecha de proyección para algunos puntos del mundo.

Desde el año pasado los fans de Kanye West estaban a la espera de Yandhi, un disco que había anunciado el productor en sus redes sociales. Tal parece que este material no saldrá a la luz, hasta el momento, pero eso no cierra las posibilidades de un LP nuevo.

Hace unos días Kim Kardashian publicó en sus redes sociales información sobre Jesus is King con fecha de lanzamiento para el 27 de septiembre, cosa que no sucedió. Pero no todo está perdido ya que tendremos un documental con el mismo nombre y se proyectará en salas seleccionadas el próximo 25 de octubre.

De acuerdo a un comunicado el filme fue grabado en el verano de 2019, y nos mostrará el famoso servicio dominical de Kanye West en la instalación llamada Roden Crater del artista visionario James Turrell en el Desierto Pintado de Arizona. Esta experiencia presenta canciones con arreglos por el rapero en forma de gospel con temas su próximo LP.

En nuestro país ya pueden comprar sus accesos en preventa para no perderse ningún detalle. La cadena Cinépolis será la encarga de exhibirla en sus salas IMAX ubicadas en Guadalajara, Monterrey y Ciudad de México del 25 al 27 de octubre.

Aquí el trailer:

Entrevista con Carla Rivarola

Carla en su mejor versión.

“Quiero ser el tipo de músico que graba en una toma y ya lo estoy logrando”, disparó Carla Rivarola, una cantautora en reinvención constante; quien a sus 27 años y un disco bajo el brazo tiene los arrestos para enfrentar al sistema y llevar su música donde haya que hacerlo.

Ser una hija de la migración (sus raíces oscilan entre Polonia, Rusia y Argentina) además de una educación totalmente en inglés la llevó a una natural crisis de identidad, la cual vivió mientras giraba por el país bajo el nombre de Iranti, el proyecto que le dio tablas, fans, razones, que la formó y que fue indispensable para saber quién es ella.

“Soy un músico latino y valoro darle algo a la música latina, no significa nada para mí a nivel político hacer música en inglés en este momento. Mi música está cada vez más ligada con mis ideales políticos”, aseguró.

El primer disco de Carla lleva por nombre Médula Silvestre y es el resultado de una profunda exploración.

“Los cuatros años que me llevó hacerlo fueron años de mierda, de inestabilidad, no tenía un peso, e Iranti era esa luz al final del túnel, sabía que el Médula iba a pasar y que lo tenía que hacer, pero estuvo cabrón. Lo hacía pensando en mi público más antiguo, qué les podría dar para que escucharan si están llorando solitos en su cama”.

Recuerda muy bien cuando tuvo el disco en sus manos y tuvo que enfrentarlo. “Estaba con mi roomies y les dije ‘vamos a escucharlo’, es un disco que hice con amigos, y pensé en toda la putiza que nos pusimos. Lo más liberador es saber que hice un disco de rock, siempre lo había querido, y hacerlo fue como si el rock se asentara dentro de mí”, explicó la artista entre risas.

Sobre en el momento en que se encuentra, la guitarrista no duda en su respuesta y expresa de manera contundente.

“Me siento muy madura como compositora, ahora me puedo preocupar por otras cosas, creo que hay muchos lugares desde donde componer, la complejidad y los desarrollos es uno de ellos, que es lo que pasa en este disco que son muchas rolas sin coro que tienen estructuras raras y que son largas. Ahora estoy explorando más la síntesis y la energía, lo que siento ahora es libertad, en noviembre voy a sacar una rola que es una ranchera punk y mi próximo disco será un disco de punk”.

Carla ha tomado decisiones importantes y una de ellas es dejar de tocar en foros, así que se decidió por hacer shows en casas o como le llama ella, “guerrillas”; aunque eso sí, el sueño de tocar en festivales sigue intacto.

“No estoy cerrada a tocar en foros, pero mandarlos a la chingada es lo mejor que ha pasado, todo este año he hecho puros house shows y ya tuve sold outs, por fortuna mi público es muy parecido a mí, somos güeyes que vemos los conciertos en una esquina y no nos gusta que no estén molestado que aplaudamos, quiero que se la pasen chido, que no tengan que pasar situaciones humillantes de los bares donde te obligan a gastar un chingo, esperar y pasarla mal”.

Para la cantante no hay de otra, la música es vida, es libertad y dadora de sentido, asegura que su guitarra es su capa protectora y con ella es menos vulnerable.

“Me ha enseñado todo, si no estuviera en esto definitivamente me habría suicidado, odio el capitalismo, odio esta dimensión, sin esto no podría existir, además me ha enseñado lo que importa, era muy ambiciosa e impaciente, me ponía nerviosa en el escenario y sentía que mi vida dependía de eso, ahora es al revés pongo toda mi vida cuando subo”.

¿Y su música le ha salvado la vida a alguien más? “No sé qué decir, la reacción de la gente al disco ha sido tan emocional que ha habido muchas personas que me han dicho eso y no sé, no puedo juzgar, lo único que puedo decir es gracias, les doy un abrazo enorme, he llorado con ellos, está muy cabrona la conexión que tenemos”.

Carla Rivarola es un alma vieja que dice estar lista para todo y asegura encontrase en el momento más prolífico de su carrera, lo que viene es lo mejor, una gira en casas por el país.

Monolord — No Comfort

Monolord: Rock lento y pesado para hipnotizar oídos.

La psicodelia musical se encuentra en uno de sus puntos más altos. Para algunos inclusive ya supera lo vivido durante la década de los 60 del siglo pasado. Pero mientras algunos representan a este estilo de una forma infantil, otros se van al extremo opuesto. Con el soporte de guitarras nebulosas y ritmos lentos de batería buscan hipnotizar mentes.

Dentro del panorama actual, un ejemplo claro se puede apreciar con el trabajo de los suecos de Monolord. El trío todavía cuenta con una corta carrera pero gracias a su trabajo constante se ha convertido en una referencia dentro del rock lento pero pesado.

Después de la publicación de tres LPs y varios sencillos, el trinomio presenta su material más reciente. Lo único seguro es que no existen intensiones de cambiar con respecto a sus álbumes previos. Cada uno de sus lanzamientos parece una extensión del anterior y el nuevo puede ser la culminación de más de un lustro de trabajo continuo dentro del doom metal.

El tridente está conformado por Thomas Jäger (guitarra y voz), Esben Willems (batería) y Mika Häkki (bajo). Cada uno se concentra en su instrumento y con la incorporación de sonidos ambientales se crea una atmósfera oscura y demoniaca. El resultado podría replicar el momento en el que un transbordador espacial sale de una base terrestre con destino a las estrellas.

Producto del empeño de los integrantes de Monolord es que han logrado ascender de forma paulatina. Gracias a eso es que su nuevo LP marca su debut con Relapse Records, uno de los sellos más importantes a nivel mundial dentro del rock que realmente es pesado.

No cualquier banda se atreve a incluir una pieza de 9 minutos como la abridora de un álbum. Pero está claro que estos suecos no son como los demás. Por eso es que “The Bastard Son” brilla con esa guitarra infernal que repite las mismas notas una y otra vez. En segundo plano se escuchan unos gritos delirantes que los acercan con Electric Wizard, Acid King y Sleep.

Inmediatamente después llega “The Last Leaf”, composición que fue lanzada como primer sencillo con el acompañamiento de un apocalíptico video. El ritmo semi lento es una constante en el sonido, aunque a mitad de la canción aparece una furiosa guitarra dispuesta a incendiar todos los oídos que encuentre a su paso.

A su vez, para despedir el material está “No Comfort”, un heavy blues que parece un mantra que se repite de forma indeterminada. No se trata de una carrera de velocidad sino de resistencia y los integrantes lo saben muy bien. Aunque no existen cambios radicales con respecto a la obra previa del trío, sí se siente un trabajo mejor cohesionado y pulido. De momento, todo apunta a que se convertirá en uno de los mejores álbumes del año dentro del rubro de la psicodelia.

Belle & Sebastian — Days of the Bagnold Summer (OST)

Belle & Sebastian: Días de un verano cualquiera.

Por más de 20 años la banda escocesa Belle & Sebastian ha sido fiel representante del indie pop, tiempo en el que ha musicalizado desde las tardes de lluvia de los adolescentes que miran con nostalgia por las ventanillas del transporte, hasta películas como Juno y series de televisión como The OC.

En esta ocasión, la agrupación presenta su álbum más reciente Days of the Bagnold Summer, trabajo que también funge como la banda sonora de la adaptación cinematográfica de la novela gráfica del mismo nombre. La película está dirigida por la estrella de Inbetweeners, Simon Bird, y está protagonizada por el hijo de Nick Cave, Earl Cave, quien interpreta a un adolescente deprimido y obsesionado con el metal que trata de sobrellevar las vacaciones de verano al lado de su madre bibliotecaria.

El soundtrack consta de 13 canciones, entre las que se encuentran varias pistas instrumentales que resultan las perfectas compañeras perfectas de Belle & Sebastian. “Sister Buddha (intro)” , “Jill Pole”, “The Colour’s Gonna Run” y “We Were Never Glorious” mezclan ritmos de forma armónica y melancólica logrando darle un aire fresco al álbum y convirtiéndose en interludios deleitables, y probablemente los mejores tracks de todo el compilado.

El álbum contiene algunas canciones regrabadas y claramente se puede notar la mejoría en la calidad del audio al compararse con las versiones originales. La primera en aparecer es “I Know Where The Summer Goes” que pertenece al EP This Is Just a Modern Rock Song de 1998, le sigue “Safety Valve”, canción que según palabras de Stuart Murdoch es anterior a la banda, y “Get Me Away From Here I’m Dying” de 1996.

La naturaleza tranquila de Days Of The Bagnold Summer puede hacer que algunas de las canciones parezcan repetitivas lo que le resta valor a la experiencia en general, sin embargo, hay algunas partes brillantes que alegrarán a los fanáticos de la agrupación, aunque difícilmente se convertirá en un álbum que sobresalga ante sus pasadas producciones.

A pesar de la mezcla entre lo instrumental, lo regrabado y lo nuevo, Days Of the Bagnold Summer parece no llegar a la magnitud de otros trabajos de la agrupación, y es que, aunque cuenta con canciones fuertes como “Another Day, Another Night” y ritmos atrayentes en tracks como “Sister Buddha (Intro)” el álbum no tiene una identidad tan bien definida como la que acostumbramos a tener con bandas como Belle & Sebastian.

Chetes da a conocer los detalles de 'Odisea Magnética'

La cuenta regresiva comienza para dar una vuelta por el pasado y disfrutar de la nueva producción de Chetes.

A través de su cuenta de Twitter Luis Gerardo Garza, mejor conocido como Chetes, dio a conocer el nombre, fecha de estreno y todos los detalles de su nuevo álbum. Este llevará por nombre Odisea Magnética el cuál podremos escuchar a partir del próximo 18 de octubre y del que se desprenden 10 tracks. Para poder estar al pendiente y conseguir su nuevo material en cualquier plataforma o formato puedes visitar su sitio oficial.

Algo que hará muy especial esta producción es la forma en cómo se grabó. De la mano de Jorge Fernández, Chetes produjo y mezcló el material, además de ser masterizado por Kimberly Rosen de Knack Mastering NY. Fue grabado en Vúmetro Lab en Monterrey, y el toque es que está grabado análogamente en su totalidad por una Tascam ATR de 16 tracks.

Además, Chetes estrenó "Será", una canción en la que colabora Rodrigo Guardiola en la batería y Alejandro Rosso en el piano eléctrico. Este sencillo viene acompañado de un video dirigido por Gustavo Verástegui y grabado durante la producción de su nuevo álbum en su estudio Vúmetro Lab. Dale play a continuación:

Mira la portada a continuación:

Odisea Magnética - Tracklist

  1. "Aullando a la Luna"
  2. "Será"
  3. "Campeón"
  4. "Lejos"
  5. "Me Muero"
  6. "La Mosca"
  7. "Perdí la Cabeza"
  8. "Aguanta"
  9. "Sincronía"
  10. "A través de Mi Ventana"