Entrevista con Cigarettes After Sex

"Solo los amantes sobreviven", dice el vocalista de Cigarettes After Sex; y anuncia su nuevo álbum, Cry.

“Todas las canciones que he escrito vienen de experiencias que he tenido”, dice el vocalista de Cigarettes After Sex, Greg Gonzalez. Tiene sentido. No se puede hablar de amor o de sexo sin haber cabalgado sobre esos peligrosos pastizales; montando algunas veces entre el júbilo y el éxtasis, y otras tantas, dolorosas, entre la agonía y la incertidumbre; o en la negación, que es lo peor, de que algo punza por fuera, cala por dentro, pero intentamos evadirlo. Un viento frío que envuelve el cuerpo hasta alcanzar los huesos y quemarlos como quema las plantas y las flores en invierno.

Si es como decía el existencialista argelino, Albert Camus, que la verdadera desgracia no consiste en no ser amado, sino en no saber amar, el sonido de la banda originaria de Texas, ahora establecida en la caótica Nueva York, es un deleite afortunado del amante que disfruta cabalgar sin importar el riesgo. Cabalga por coraje. Greg Gonzalez es ese jinete vestido de negro que desde un caballo blanco predica el amor y el sexo como una salvación.

“Creces sabiendo que tienes hacer dinero y ser exitoso, pero no debes perseguir solo eso, porque si solo buscas dinero solo eso obtendrás, pero si persigues amor encontraras un gran pasillo, y si estás comprometido con tus proyectos vendrán grandes cosas de ahí, todo lo que necesitas para vivir; eso es lo que hice con la banda, no quería perseguir dinero, quería hacer lo que se sentía bien para mí, hablar del romance y cosas positivas”, afirma Gonzalez. Su postura coincide con la de algunos filósofos quienes aseguran que el amor nos salvará, o con la del cineasta Jim Jarmusch que sostiene con su cine que solo los amantes sobreviven.

Cigarettes After Sex acaba de dar un concierto sold out en El Plaza Condesa, su música cubrió la noche de un pop de ensueño con guitarras suaves, nostalgia, melancolía, amor y sexo, todo en blanco y negro. “Asumo que les gusta nuestra música porque se trata de romance, es un tema universal, todos nos sentimos románticos, a la gente le recuerda algo de su vida. Las personas siguen buscando relaciones y tienen más formas de hacerlo a través de apps, por ejemplo, pero podrían sentirse aislados si solo ven un rostro”.

La banda de pop atmosférico y shoegaze platica con Indie Rocks! acerca de su próximo álbum que saldrá el 25 de octubre y se llamará Cry, un título que como su vibra se aproxima más hacia el sentimiento del desamor. El disco se grabó hace dos años en Mallorca, España; aunque solo fue la parte instrumental, y en la primavera pasada compusieron las letras y terminaron el proceso de grabación. “Hay soledad y desamor en la música, si escribes canciones de romance, es porque sabes lo que es el desamor, puedes amar profundamente porque tienes partes de desamor”, relata Greg. “Debe sentirse como algo que le cuento a alguien que no he visto en un tiempo, le cuento una historia en donde no omito el sexo, soy muy abierto en ese aspecto. Si investigas en la letra verás que hay un detrás, es una historia muy cinematográfica, es como una escena, quiero que mis canciones sean pequeñas escenas de una película o pequeñas películas”.

Albert Camus también decía que no hay amor eterno si no es contrariado, no hay pasión sin lucha, y podríamos afirmar que no hay romance sin riesgo. Hay que tener valor para mandar un mensaje arriesgando que nos dejen en visto, para decir “te quiero”, para optar por un encuentro corporal sin lastimar al otro. El romance está en la sutileza, en el instante, en el momento, en la electricidad que se siente con el otro, en la espera, incluso, en el recuerdo el romance viene a nuestra cabeza y nace de nuevo.

El nombre de la agrupación está inspirado en una experiencia de Greg en Texas. “Tenía una amiga con derecho, nos veíamos, pero no era muy serio, había emociones, buenos sentimientos, era buen tiempo, después de estar juntos fumábamos, fue el primer amor que tuve con cigarros incluidos, así se me ocurrió el nombre, me pareció dulce, lo recuerdo exactamente. Ahora, fumar después de tener sexo es difícil porque si fumas se activa la alarma. Pero escucho música, música clásica, Chopin, sus nocturnos o piano melancólico”.

Cigarettes After Sex es un poema. Su composición, aunque pop, carece de estructura, de clímax; y aunque sexual, no es erótica, se ubica, creo, no en el orgasmo, sino en el recuerdo del orgasmo y de lo que ocurrió después. Es la punta del dedo que recorre la espalda desnuda y produce un estremecimiento; que viaja por las piernas hasta rozar el sexo; es la mano recorriendo los nudos del cabello; los cuerpos desnudos bajo una calurosa sábana; es el beso inmediato al clímax; es la mirada que penetra la otra mirada; es la voz que brota del silencio y golpea en las cortinas que ocultan la habitación del exterior y hace una pregunta...¿En qué piensas?

Gibson anuncia modelo inspirado en Chris Cornell

Rendirán tributo a Chris Cornell, frontman de Soundgarden, con su modelo de Gibson favorito.

La reconocida marca de guitarras Gibson, lanzó al mercado la guitarra eléctrica Chris Cornell ES-355 edición limitada. Misma que ya puedes ordenar en el sitio oficial de Gibson por $3,999 dólares. El cual estará disponible en todo el mundo a partir del 3 de septiembre.

Este modelo incluye unas pastillas humbucking de Lollartron, perillas transparentes de copa “no number”, en un acabado satinado Olive Drab y una incrustación de cabeza de peghead de Chris Cornell, y un Bigsby vibrato. Además, cuenta con un cuerpo de arce y álamo, un mástil de caoba y un diapasón de palo de rosa con incrustaciones perladas.

Chris Cornell no solo fue uno de los cantautores más emblemáticos de todos los tiempos, fue un innovador moderno que dejó un legado que trasciende los géneros musicales y las generaciones. Chris se enamoró de esta guitarra y se convirtió en parte de su expresión creativa. Es un honor para nosotros lanzar este tributo ES-355 en su memoria”, afirmó Cesar Gueikian, ejecutivo de Gibson.

El pasado mes de enero el modelo ES-355 se anunció en el evento I Am the Highway: A Tribute to Chris Cornell en Los Ángeles. Durante evento hicieron presencia los actos de bandas como Metallica, Foo Fighters y Audioslave tocando los temas más representativos de la discografía de Cornell.

 

Tegan and Sara estrena video de “I'll Be Back Someday”

El dúo canadiense Tegan and Sara comparte el video para su nueva canción.

El rock/pop de las hermanas Quin, Tegan and Sara regresó con el tema “I’ll Be Back Someday”, el cual ya tiene video. Este es el primer sencillo de su próximo álbum Hey, I’m Just Like You. El cual tendrá las grabaciones de canciones que las chicas escribieron durante la preparatoria y lo podremos escuchar a partir del 27 de septiembre a través de Sire Records.

Un video minimalista y que nos remonta a la época de los 80. Está dirigido por Natalie Fält, haciendo una oda a la ansiedad. En este podemos ver a las cantantes interpretando el tema desde distintos escenarios. Un video simple pero lleno de colores, contrastes, y elementos que sustentan el tema de la canción. Así como el teléfono en la pared, los outfits holgados, revistas, Walkmans y celulares Nokia, y los comportamientos habituales mientras esperamos “el mensaje” o “la llamada.

No te pierdas de este entretenido y colorido video a continuación.

Nosotras queríamos capturar la interrupción y la multitarea maníaca que todos hacemos actualmente debió al constante uso de nuestros teléfonos celulares. El teléfono en la pared es una representación física de la atracción constante de este dispositivo. La ansiedad de esperar un mensaje, una llamada, verificar si la gente ha publicado, checar qué es lo que están haciendo nuestros amigos, hasta cuántos 'me gusta' tenemos. Nos sentimos desconectados y proviene de sentir que algo no cuadra, pero no podemos responder qué es. Porque no es nada”, explicaron Tegan and Sara el concepto del video a través de sus historias de Instagram.

Además de su próximo álbum las canadienses lazarán el libro High School, mismo que podremos disfrutar a partir del 24 de septiembre. En este se contestarán a las preguntas “¿Cómo formaron la banda?” o “¿Cómo eran antes de formar Tegan and Sara?”.

Tool — Fear Inoculum

Fear Inoculum: La simbiosis perfecta de una espera coartada.

“Trying to Lull Us In, Before the Havoc Begins, 

Into a Dubious State of Serenity, 

Acting All Surprised When You're Caught in the Lie”,

"7empest" (Fear Inoculum, 2019).

Año 2006, Shakira mentía a una generación entera contoneando sus caderas al compás del sample de “Amores como el nuestro” de Jerry Rivera, Taylor Swift hacía su debut discográfico, Gustavo Cerati retozaba en vida y creatividad. Arctic Monkeys se develaba como la nueva promesa del rock y The Knife nos hacía bailar en el averno. 

Es aquí donde entra el análisis personal: ¿qué estabas haciendo tú?, tal vez en la escuela, en la búsqueda de un primer trabajo o apenas trazando un mapa musical a modo de AutoCAD, dibujando líneas en mapas de flujo e influencia entre esos discos que ibas descubriendo, algunos viajes al pasado gracias a la piratería y las descargas de MP3, e hilando el futuro sonoro con esperanza y júbilo. 

Una espera terminó hace unas semanas para los acérrimos seguidores de Tool y una nueva alegría culminará con la salida de Fear Inoculum en su totalidad. Escuchar el track que da título al álbum fue un respiro después del coma absoluto, la introducción a un nuevo cosmos: You Belong to Me, You Don't Wanna Breathe the Light of the Others”, un poderoso statement para todos aquellos ávidos y ansiosos fans de nueva música del cuarteto que, literalmente, se caga de risa en ellos, en las disqueras y sus contratos forzosos y en todo esquema de adaptación y supervivencia en el mercado. Pero curiosamente, poco después de que escuchamos su nueva música, pudimos apreciar en streaming su obra completa. Adaptarse o morir. 

“Pneuma” ciertamente es el verdadero comienzo por el redescubrimiento y el análisis, Adam Jones extendiendo la alfombra roja, Justin Chancellor dando sentido a nuestros pasos en el bajo, Danny Carey imponiendo el ritmo de nuestra respiración descontrolada, y Maynard, siempre Maynard, rezando el mantra difuso de bienvenida a una nueva travesía por el inframundo. El despertar de un espíritu renovado, la madurez y transformación, la evolución y la furia siempre constante. 

De 7 en 7, la lógica y precisión entre guitarra y bajo, el ánimo progresivo y agresivo, la telaraña que se va hilando en nuestra mente, presurizando tiempos y contras y frases, los paisajes de percusiones que asemejan rituales, largos trazos para dar profundidad a un complejo mural sonoro. Y así, como un suspiro, como se fueron 13 años, 11 minutos nos azotan, y cada acorde vuelve a transportarnos a los inicios, a las influencias, al desmenuzar y hacer teorías, a alentar a que nuestra mente estalle ante tal acelerante sonoro. “Invincible”, complejos arpegios para callar rumores, percusiones difusas para hilar nuevas teorías, sonidos inconfundibles, los riffs de contemplación, tan simples y a la vez tan inspiradores que serán emulados por los fans en cover videos, mejor sonorizados gracias a aplicaciones y emuladores que los propios amplificadores. 

“Descending”, otra larga letanía al redescubrimiento, más tenue pero igual que evocadora, una marea de evoluciones instrumentales que nos recuerdan al mar de confusión en el que de vez en cuando nos perdemos, y luego tocamos tierra con “Culling Voices” y su modo de canto alegórico: “Judge, Condemn, and Banish Any and Everyone Without Evidence, Only the Whispers from Within”, la voz templaria y casi telepática, las cuerdas que enmascaran la voz anti celestial.  

El hilo rojo que nos conecta a una banda que sabemos que nunca va a decepcionarnos a pesar de cierta indiferencia, que importa si Maynard se cubre tras las sombras o decide grabar en el sótano de sus viñedos sin interactuar directamente con sus cómplices de locuras, que remedio si es que tenemos que volver a esperar tanto tiempo para escuchar nuevas canciones, seremos completamente diferentes en mente pero nuestro corazón seguirá supurando emoción, escalofríos por progresiones, felicidad por ilustraciones, introspección, calma que lleva a la furia, la eterna espiral de la vida tragándonos lenta y amargamente. “Chocolate Chip Trip” a modo de “On the Run” del lado oscuro de la luna, la mística de los solos de algún instrumento que cada vez son menos frecuentes en las actuaciones en directo. Danny Carey y su lógica abstracta en la percusión, el gong que nunca está de adorno, los redobles que coartan la tranquilidad, el andar batiente entre tambores y platillos, la ilustración de “Moby Dick” de Led Zeppelin en los ojos de Alex Grey

“7empest”, la calma previa a la tempestad, quizá el tema que nos recuerda a los primeros tiempos del cuarteto, pero que también dicta la atemporalidad de su obra. Shame on you, shame on you, tanto tuvimos que esperar y al final el resultado es impecable. 13 años después, somos un mandala que emana colores diferentes, nuestro tercer ojo sigue observando y absorbiendo, nuestra sobriedad nos permite apreciar cosas que tardaremos mucho tiempo en descifrar, largas canciones en la agonizante era radial y el creciente dominio del streaming musicalizarán nuestro andar por la vida, ya sea terminando un reporte, repasando la lista del supermercado, o simplemente como complemento a las variables dosis de aquel estupefaciente que nos libra a ratos de la realidad mortífera.

Con cada tema, cual inoculación, Tool nos infecta con una espora que se expande por nuestras neuronas, cada efecto y solo de guitarra en simbiosis, frases que nos costará trabajo comprender y que se adecuarán a nuestra propio sentir, ritmos perfectos y delicada atención en los detalles, un tumor benigno que acaparará por un buen tiempo nuestro análisis. Cierra los ojos y deja que este temor patógeno lentamente te envenene.   

Año 2019, Shakira nos sigue mintiendo, Taylor Swift cree que el mundo gira a su alrededor, Gustavo Cerati ya no está con nosotros, Arctic Monkeys mutó de una forma extraña y The Knife ya no existe, Tool está de regreso en los charts y ahora gracias al streaming y a una generación entera que se cuestionaba en Reddit cómo podía traspasar los archivos MP3 de Fear Inoculum a sus iphones o ipads, seguirá corrompiendo mentes con su intrincada telaraña instrumental. 

¿Y tú qué estás haciendo?

Dave Grohl interpretó "My Hero" con su hija  

Un momento que Dave Grohl no podrá olvidar, y marcará a todos aquellos que lo presenciaron.

Hace algunos días se llevó a cabo el Festival Leeds, mismo donde se presentaron bandas como The 1975, Billie Eilish, Blossoms, The Wombats, Post Malone y The Maine. Uno de los headliners encargados de cerrar el primer día este festival en Reino Unido fue Foo Fighters. La banda tuvo una invitada muy especial, Violet, hija de Dave Grohl quien interpretó una versión de “My Hero” con un toque muy especial.

Todos sabemos los millones de sentimientos que “My Hero” nos hace sentir, no solo cuando la escuchamos a través de múltiples plataformas, pues en vivo cobra un sentido totalmente diferente gracias a la energía con que es interpretada. Esta vez padre e hija, se unen en el escenario en el que van alternando versos. La ocasión perfecta para que la mayor de hijas de Dave mostrara sus atributos vocales y sorprendiera a los presentes.

No te pierdas de su interpretación a continuación.

Este viaje fue muy especial para mí, porque tenemos una nueva Foo Fighter en el grupo. Les voy a contar algo: es la mejor cantante que conozco. Señoras y señores, la mejor cantante de la familia Grohl: la señorita Violet Grohl, aquí y ahora”, así fue como Dave presentó a su hija a los miles de asistentes durante el show, además de ofrecer unas palabras a su hija mientras la abrazaba.

Anteriormente, las hijas de Dave Grohl también han asistido a shows de la banda haciendo covers a canciones de Adele y Queen.

A$AP Rocky presenta el video "Babushka Boi"

Luego de presentarse en México, A$AP Rocky ha compartido un nuevo visual.

Si algo ha caracterizado a A$AP Rocky es la forma en la que presenta sus videoclips y luego de presentarnos un teaser hace unos días, por fin sabemos de qué se trata. "Babushka Boi" es el nuevo sencillo que el rapero ha compartido de manera oficial en su canal de YouTube. Este track sale luego de su estancia en una cárcel de Suecia y nos da a entender que ya está trabajando en lo que será posiblemente el sucesor de Testing.

En el clip podemos ver a policías representados por puercos, los cuales persiguen a A$AP junto a sus compañeros de crimen. El videoclip estuvo a cargo de Nadia Lee Cohen y puedes verlo a continuación:

El outfit que utiliza en el clip no es pura casualidad ya que desde el evento de gala de arte y cine que se llevó a cabo en el LACMA en noviembre del año pasado, A$AP Rocky ha sido visto luciendo babushkas. Las mascadas de seda que las abuelas rusas suelen amarrarse en la cabeza pasaron de lo funcional, a ser tendencia e inspiración para el rapero que ya las utiliza en sus presentaciones.

Bombay Bicycle Club comparte “Eat, Sleep, Wake”

La banda londinense Bombay Bicycle Club, nos sorprende con nuevo material después de cinco años de ausencia.

A principios de año, Bombay Bicycle Club anunciaba su reunión para el lanzamiento de nuevo material y algunos shows. En 2014 lanzó el álbum So Long, See You Tomorrow de estilo electrónico. Ahora, regresó para presentar “Eat, Sleep, Wake (Nothing But You)”, un nuevo tema. La canción fue producida por John Congleton en los estudios KONK de Londres.

El tema está distanciado de lo que la banda presentó en su ultimo material de larga duración, sin embargo, no abandona su esencia fresca. Esta vez está inclinado hacia el rock psicodélico, que lo podemos notar en las guitarras brillosas que destacan en los coros de la canción. Sin dejar de lado los toques synth que componen el tema en los momentos más fuertes. El bajo también es esencial acompañando la voz.

Estamos muy emocionados de compartir música después de cinco años. Al grabarlo a principios de año nos recordó la felicidad de trabajar juntos en algo que amamos. Esperamos que les guste tanto como a nosotros”, anunciaron Jack Steadman, Ed Nash, Jamie MacColl, Suren de Saram. Nos acercamos al fin de semana, por lo que no te puedes perder de este increíble tema.

Algunas de las fechas que están ofrenciendo durante el tour son en honor al 10° aniversario de I Had The Blues But I Shook Them Loose, su álbum debut.

'Feels Like Leaving', el nuevo disco de Peregrino

Luego de lanzar dos EPs en 2017, Peregrino por fin anuncia su primer LP. Conoce los detalles a continuación.

Peregrino, la banda México-Estadounidense de folk rock, anuncia su primer material de larga duración. Se trata de Feels Like Leaving, un disco que está inspirado en el viejo Oeste y el folk rock contemporáneo.

Es una moderna reinterpretación del género musical americano tradicional, con un sutil homenaje a las bandas sonoras del spaghetti western", expresó la banda en un comunicado de prensa.

Además, Jairus McDonald, Slim Miller, Jose Grageda y Ian Vázquez nos compartieron "Push & Pull", un adelanto de su primer sencillo, una canción que genera un acercamiento cultural entre las dos naciones pero con un toque western.

Dale play a continuación y recuerda que podrás escucharlo completo el próximo 30 de agosto a través de todas las plataformas digitales.

Feels Like Leaving fue producido por Tom Edwards Davis y masterizado en 115 Recording, Oklahoma, Estados Unidos. Estará disponible el próximo 4 de octubre.

Peregrino fue parte de la Semana IR! 2018 donde compartió escenario con el cantante y compositor estadounidense Curtis Harding, demostrando el poder atemporal de cada uno de sus estilos clásicos. Si quieres revivir ese noche, da clic aquí y lee nuestra reseña.

 

 

 

Jesca Hoop — STONECHILD

Notas que demuestran que el lado oscuro de las emociones también puede ser hermoso.

El quinto álbum de la artista californiana es una exploración fresca hacia tintes menos luminosos, que no menos bellos, que el resto de sus materiales. Sin embargo, la esencia de Jesca Hoop se mantiene latente en el recorrido de las 11 estaciones de STONECHILD.

El disco hace referencia a uno de los casos médicos más horrendos y desconcertantes: los bebés de piedra o litopedión. Una rara afección en las mujeres que provoca que el feto se momifique en el vientre de las madres, pudiendo pasar así años sin siquiera presentar molestias. Probablemente una metáfora al miedo a la maternidad, a enfrentarse a lo hermosamente catastrófico y “natural” que es el ser madre.

El tema central: la maternidad. Acompañada por el productor y músico británico, John Parish, este álbum es un descubrimiento de la propia Jessica hacia sus adentros, un viaje a su propio interior y un cuestionamiento de su verdadero yo frente a demonios como la soledad, la incertidumbre y el miedo a sentir. Un trabajo sumamente personal y, por ello, completamente universal.

El trayecto inicia con “Free of the Feeling”, una melodía en guitarra bastante sencilla y apenas adornada con una flauta que se escucha en el fondo, complementada por la exquisita voz de Jesca y el genio de Lucius. Una críptica composición llena de simbolismos y una musicalización que se debate entre lo pagano y lo celestial (¿no son los mismo?) y que es la introducción perfecta al resto del material. A continuación, y de nuevo acompañada por Lucius, Hoop nos conduce de la mano a través de “Shoulder Charge”, uno de los tracks centrales y que brilla con mayor fuerza dentro del álbum. Es a la vez una balada cantada casi a capella y un monólogo operístico (porque en realidad las voces de Jess Wolfe y Holly Laessig apenas sirven como un acento) que raya en la genialidad.

Le siguen temas como “Old Fear of Father”, “Footfall of the Path” y “Death Row” que, sin ser mediocres ni carecer de una genialidad casi innata, se pierden un poco en el transcurso del viaje. Estas tres cambian de canciones de fogata a un canto céltico para terminar convirtiéndose en un discurso musicalizado y lleno de nostalgia.

Para la mitad del disco tenemos “Red White and Black”, uno de los tracks que más recuerdan a trabajos anteriores de Jesca Hoop y en los cuales sentimos a una artista más humana y cercana a quienes la escuchamos. No tanto por la casi nula complejidad del track, sino por la manera en la que articula la historia dentro de la letra y lo natural que parece su cantar. Después siguen “01 Tear”, un tema lleno de tristeza y dolor que termina sucumbiendo para ser intrascendente; “All Time Low”, uno de los tracks que más disfruté del álbum por el tono meditativo de su cantar y la alegría de sus susurros que se contraponen con la confrontación de la propia letra.

Para el final de nuestro viaje tenemos tres temas particulares por sí mismos: “Outside of Eden”, con Kate Stables y Justis, que es una alegre tonada que se queda pegada en la cabeza como un jingle. “Passage’s End”, que como un presagio triste y a la vez apaciguaste anuncia el cercano final del paseo a través de los demonios internos de la artista. Cierra el disco con “Time Capsule”, una manera de abreviar su disco, que es quizá mi track favorito del álbum. Una tierna y taciturna canción para declamar mientras por la ventana la lluvia empapa el pasto o el asfalto.

Cada uno de las canciones que componen el álbum toca temas centrales en la vida de cualquier mujer que se ha visto violentada y se atreve a cuestionarlo todo: misoginia, sexismo, abuso, depresión, subyugación y dolor. Temas, que no solo conciernen a ellas, sino a una sociedad actual que debe mirar con los ojos bien abiertos a estos problemas latentes. De nuevo, el disco es una exploración tan personal que se vuelve universal, tan dolorosa que es necesaria y tan repugnante que nos parece tan real.

 

Oasis comparte el lyric video de "Fade Away"

¿El título de esta nota te trajo recuerdos? Pues escucha de nuevo este track de Oasis ahora con un lyric video.

Como parte de los 25 años de Definitely Maybe, Oasis, bueno, el equipo de la banda ha compartido el lyric video de "Fade Away". En el clip podemos ver imágenes que nos transportan a los años 90 y que simulan periódicos viejos. Aunque la banda no tiene planes para reunirse no dejan de lado el aniversario de uno de sus discos más vendidos.

Disfrútalo a continuación:

Definitely Maybe tendrá dos ediciones especiales que saldrán el próximo 29 de agosto. Uno será un vinilo color plateado y el otro con las fotografías oficiales del LP. Estos ya están disponibles en el sitio oficial de la banda. Además de los vinilos podrás adquirir CDs edición especial con algunos temas en vivo, demos y algunos B-sides y temas raros que jamas fueron lanzados de manera oficial. ¡Vaya que el festejo será en grande!

Hace unos días se llevó a cabo un evento en el que celebraron los 25 años del Definitely Maybe en el club londinense Star Shaped. Entre los invitados a este festejo estuvo Alan McGee, quien fue el manager de la banda y uno de los propietarios del sello Creation Records.