Entrevista con Javier Blake

La virtud de un hombre que le habla con franqueza al mundo. 

Si escuchamos el nombre de Javier Blake inmediatamente lo relacionamos con División Minúscula. Entendible, lleva más 20 años de carrera junto a la banda, sin embargo, el músico es mucho más que este proyecto que arrancó con el corazón hace tiempo. Es un ser humano sensible, creativo y lleno de buenas virtudes; mismas que con el pasar del tiempo, le han invitado a trabajar en su proyecto solitario, su faceta más transparente hasta el momento. 

Desde hace dos años, el cantautor arrancó la producción de En Tiempos de lo Extraño, su primer álbum de estudio que bien podría definirse como: un espacio perfecto para todos aquellos que se encuentran perdidos y buscan un poco de motivación. La realización y el lanzamiento del LP tomaron su tiempo, la razón: tenía que llegar en el momento indicado. 

“La idea ya la tenía yo desde hace años, queriendo tener este espacio en dónde publicar mis canciones de una manera libre, sin ataduras. El disco lo terminamos de grabar a finales de 2019 con la idea de poder lanzarlo a principios del 2020, pero se atraviesa la pandemia y se cambian los planes. Todo tiene su lugar y su espacio y a veces uno se frustra con los cambios de planes y eso es parte de lo normal, de la vida cotidiana, sin embargo este disco lo que a mi me pone es: las cosas pasan de alguna manera por algo. El arte, la música y todo, van y se acomodan en el momento en el que tienen que estar perfectamente, y eso fue algo que yo descubrí con cada lanzamiento que iba haciendo y ahora que saco el disco completo creo que a la gente le toma un sentido diferente; se cierra el círculo de todo el concepto que yo quería proponer”.  

En Tiempos de lo Extraño es un material con texturas cálidas que te abrazan para decirte “no estás solo”, y de la misma manera te invitan a perseguir nuevos horizontes más esperanzadores. Las composiciones son directas y con una intención: demostrar que todos los humanos sienten y experimentan situaciones que no siempre van a ser favorables. Los sonidos te remontan a lugares y momentos muy específicos con esa chispa vintage con la que cuentan cada una de las melodías. 

“El sonido del disco de alguna manera afloraba muchas influencias que yo he tenido a lo largo de mi vida, música que yo he escuchado desde que era niño y cuando adolescente con el MTV de los 80 y 90, luego teniendo mi banda de punk rock. Son 40 años de influencias que de alguna manera con División Minúscula muchas veces no podía manifestar porque ellos tienen un sonido muy específico. Por más que experimentamos y vamos cambiando, el perfil de la banda sigue estando en un carril muy definido. A la hora de trabajar con Pipe Ceballos -productor, vimos que tenemos un gusto muy particular por la música clásica de todo género. La primera opción era acercarnos a un sonido más retro, porque quería mostrar ese gusto. No soy un chavo de 20 años, entonces quería ubicarme en mi edad y en mi estado. Mi estilo de escribir es muy identificado. A mí me gusta trabajar las letras con mucho cuidado y que cada cosa que yo esté diciendo en una canción fleche el corazón de la gente que lo está escuchando”. 

Lo retro, lo romántico y la fortuna de seguir tu instinto.

El retraso de este material ayudó a que Javier Blake trabajara a la par en la parte visual que complementa su LP, un hilo de ideas, desarrollo de personajes y exploración en los más mínimos detalles de cada canción. El músico quería continuar con su proyecto conceptual que más que centrarse en experiencias personales, ofrece un lado más real de su persona. 

En el disco abordo muchos temas que yo escribí como una especie de autoayuda. Hay temas que te dicen que dejes de cargar lo que ya no te sirve, deja de ser esa persona que no quieres ser, no tengas miedo, ve a donde tú quieras, a donde puedas ser feliz. Tienes que encontrar tu lugar dentro de todo lo que nos rodea. Sacarlo en un tiempo como el que vivimos el año pasado, creo que hizo que mucha gente conectara con eso. Darse cuenta que no están solos, que todos pasamos por lo mismo. Muchos artistas se cubren de mostrar ese lado, pero creo que es momento de ser vulnerables y mostrarnos como somos. Eran canciones que yo había escrito antes pero que de alguna manera cobraban sentido cuando las sacaba. A eso había que sumarle que lo visual tenía que tener el mismo efecto, que no fuera simplemente un video de cualquier levantada de imágenes, quería que lo visual representara mucho a la canción. Era darle continuidad a las historias de las canciones. Se trata de seguir tu instinto, de ser tú, de ser libre y ser honesto. Al final del día eso te resulta”. 

El cantante define En Tiempos de lo Extraño como “un disco hecho con mucho amor”, que desde que se estaba grabando se definió su destino. Tanto el productor como el músico apostaron por lanzar el disco en un formato de vinilo con el objetivo de reforzar la calidez y la intención con la que había sido producido; un lanzamiento poco común sobre todo en el escena musical de México. 

“Desde que estábamos grabando el disco dijimos Pipe y yo ‘esto lo tenemos que grabar en vinilo, aunque sean 20 copias, no importa’. Casi todo lo trabajamos con equipo de forma análoga para poder tener ese sonido, que tuviera esa calidez, que tuviera ese sentimiento. Cuando mandamos a hacer los vinilos investigamos con tiendas, distribuidoras de discos, bandas y artistas cuántas copias se vendían, entonces al final decidimos que mandar hacer 300 era un número bueno. Todas se vendieron en menos de dos horas. México no es un país que consuma tanto vinilo, y eso me dice que no solamente les gusta mi música, sino, que quieren ser parte de lo que estoy haciendo y eso se siente bien padre”. 

Javier Blake confesó que ya mandaron hacer el segundo tiraje y con fortuna, estará disponible dentro de un par de meses. Mientras eso sucede, podremos disfrutar de su música totalmente en vivo gracias a los showcases que ofrecerá en acústico a lo largo de la República. Actos que declaran una forma de empezar a desarrollar su proyecto en solitario y conectar con sus fanáticos. 

“Siempre trato de hacer una gira pequeña en acústico y sí me hubiera gustado hacerlo en esta ocasión con banda completa, pero así se dio la oportunidad. Con esto la gente se va a dar cuenta de cómo nacen las canciones. Son shows que trato de mantenerlos muy íntimos, platicar con la gente, darles esa versión de cómo comienzan las cosas. Estoy muy contento”.

 

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Trees Speak estrena videoclip para “Elements of Matter”

Un trance de experimentación minimalista y neo psicodelia.

La agrupación con base en Tucson, Arizona, conformada por los hermanos Diaz ha compartido en sus canales oficiales el videoclip para “Elements of Matter”, primer sencillo rumbo a lo que será Posthuman, tercer álbum en la carrera del proyecto firmado por la Soul Jazz Records, próximo a ver la luz este 25 de julio.

Entre sutiles arreglos de sintetizador fundiéndose al ruido de las percusiones y líneas de bajo que marcan el ritmo del track, el sonido avant garde de Trees Speak se hace cada vez más presente con el pasar de los compases, llegando a ese mood hipnótico minimalista característico de la banda.

El video, realizado en colaboración con el artista inglés Charlie Elms, nos muestra a base de animaciones psicodélicas un viaje de transfiguraciones visuales que acompañan perfectamente el mood de la composición, avanzando de manera estroboscópica entre distorsiones analógicas y colores eléctricos que resaltan con el estilo texturizado del artista.

El videoclip forma parte de una serie de adelantos que el proyecto ha compartido rumbo al nuevo lanzamiento, contando con tres teasers y un video oficial más para “Chamber of Frequencies”.

Te dejamos el tracklist y preorder ya disponible para este nuevo material.

Trees Speak (Posthuman Cover)

  1. “Double Slit”
  2. “Glass”
  3. “Chamber of Frequencies”
  4. “Divided Light”
  5. “Elements of Matter”
  6. “Magic Transistor”
  7. “Scheinwelt”
  8. “PostHuman”
  9. “Synthesis”
  10. “X Zeit”
  11. “Incandescent Sun”
  12. “Healing Rods”
  13. “Steckdose”
  14. “Amnesia Transmitter”
  15. “Quantize Humanize”
  16. “Gläserner Mensch”
  17. “Machine Vision”
  18. “Hidden Machine”

 

A 55 años del ‘Pet Sounds’ de The Beach Boys

Pop orquestal, armonías vocales y locura protagonizan uno de los álbumes que cambiaron al mundo.

La música siempre es un reflejo de la época en que fue compuesta. Desde el blues que fue un retrato del trato inhumano recibido por los afroamericanos en Estados Unidos hasta el punk y su conexión con los períodos de hambruna y crisis económica. De igual forma, un conjunto como The Beach Boys solo se entiende en uno de los momentos históricos de mayor plenitud y bonanza. Cuando no existían prisas ni la posibilidad de capturar todo en la pantalla de un teléfono, un conjunto de jóvenes tomó por sorpresa al mundo.

Al finalizar la Segunda Guerra Mundial hubo incertidumbre en el planeta para también fue el nacimiento de los baby boomers. En específico en California se gestó un período de paz en donde todo era diversión y asistir los fines de semana a la playa. Existían trabajos bien remunerados y se instauró el modelo de la familia americana tradicional. 

Fue en ese contexto que un adolescente Brian Wilson le propuso a sus hermanos Dennis y Carl formar una banda musical. Para ese entonces el rock & roll era una novedad así que resultó natural elegir el camino iniciado pocos años antes por Chuck Berry y Elvis Presley.

De inmediato el combo llamó la atención por su estilo amigable al oído. Mientras que uno de sus rasgos distintivos fue incorporar los coros como parte central de sus canciones. En parte fue una herencia del gospel y los coros religiosos.

El ritmo de trabajo de The Beach Boys implicaba publicar hasta tres discos por año hasta que Brian, en un momento de genialidad o locura, decidió llevar su música un paso más adelante. Ya gozaba de éxito y sus piezas se escuchaban en todas las estaciones de radio del país pero sabía que era momento de crear un álbum en toda la extensión del término y no solo canciones sueltas.

La idea llegó de forma involuntaria al escuchar el Rubber Soul de The Beatles y prometerse a sí mismo que haría un trabajo que superaría al del cuarteto de Liverpool. Por su parte, sintió que era momento de cantar sobre cosas más profundas que ir a surfear y salir a pasear en dragsters. Mientras que también quedó fascinado con la idea de que el estudio de grabación era un instrumento más.

Para la concepción de lo que se pensó que sería el trabajo más ambicioso en la historia de la música fueron necesarios nueve meses de concepción. Fue concebido casi en su totalidad por Brian y el creador de jingles para la televisión Tony Asher. Nadie sabía lo que se podía esperar hasta que el resultado final llegó a las tiendas el 16 de mayo de 1966. Una portada con los integrantes del grupo alimentando a unas cabras no fue particularmente una buena idea pero todo cambió en cuanto el mundo escuchó lo que había dentro.

Desde el primer instante Pet Sounds quedó marcado como uno de los trabajos más arriesgados en la historia de la música. Su variedad de sonidos es tan amplia como una orquesta pero además maneja temas tan profundos como la filosofía. Al escucharlo se abre la mente y comienza un viaje introspectivo del que puedes jamás regresar.

Aunque se mantienen los coros amigables y los juegos de voces lo primero que llama la atención es la amplia variedad de instrumentos utilizados. Más allá de las guitarras, el bajo y la batería también hay acordeones, saxofones, chelos, clarinetes, clavicordios, timbales, mandolinas ukeleles y pianos. Inclusive se añadieron sonidos callejeros cotidianos como silbatos y ladridos de perros. Antes solo Les Baxter, Martin Denny y Juan García Esquivel habían llegado a ese nivel.

La primera de las 13 piezas que aparecen es “Wouldn't It Be Nice", un canto a la vida lleno de alegría y optimismo. Las armonías vocales son el complemento ideal con el que se consigue un bálsamo para el alma. La bienvenida dura poco más de dos minutos y es apenas un adelanto de todo lo que viene. El ambiente nunca decae y uno de los puntos más altos llega con “God Only Knows” que pese al título no se inclina hacia la religión sino que habla sobre la espiritualidad y la forma en que se deben superar todas las despedidas.

Por su parte, la experimentación con distintos instrumentos llega a su clímax en "I Just Wasn't Made For These Times" en donde se escucha un electro-theremin, después bautizado como tannerin en honor a su inventor, Paul Tanner. Se trata de una versión casera y americana que quiso competir con el soviético theremin. El experimento se repetiría meses después con la grabación del sencillo “Good Vibrations” que no aparece en este álbum.

Aunque muchos dudaban sobre el recibimiento que tendría el LP por mostrar una combinación nunca antes escuchada de sonidos, de inmediato se posicionó dentro de los primeros lugares de popularidad. Pero no solo cambió al público en general sino que también inspiró a Paul McCartney y John Lennon para crear algo todavía mejor con The Beatles. El resultado de esta amigable disputa se publicaría al año siguiente y se trata del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Como parte de las vuelta de la vida, el trabajo más ambicioso de 1966 generó el trabajo más ambicioso de 1967.

A más de medio siglo de distancia la obra cumbre de The Beach Boys se mantiene sólida y vigente. No ha perdido ni un gramo de vitalidad porque su legado se mantiene en los músicos de todas las generaciones que se acercan y la escuchan por primera vez. Desde entonces se ha entendido la importancia que tiene el estudio de grabación en cualquier obra musical.

Rodrigo y Gabriela en livestream

Un reset energético a cargo de las guitarras de Rodrigo y Gabriela.

Durante el último año los conciertos online han sido un salvavidas en las oscuras y mortíferas aguas de la pandemia, a través de la música en vivo nos han permitido dar un respiro de las terribles noticias que a diario escuchamos, del estrés del Home Office y la monotonía de una cuarentena que parece no terminar para volver a brincar y a bailar al ritmo de nuestras bandas favoritas, aunque sea desde la sala de nuestra casa.

Esto fue precisamente lo que la dupla mexicana Rodrigo y Gabriela nos brindó la noche de ayer (14 de mayo), un reset energético, una catarsis que nos liberó de la rutina de la semana a través de un setlist de 12 canciones que recorre sus 20 años de carrera con temas que van desde su álbum homónimo del 2006 hasta Mettavolution.

El evento tuvo lugar en el escenario virtual de Dreamstage, en donde poco después de las 20:00 H, Rodrigo Sánchez y Gabriela Quintero aparecieron empuñando sus guitarras, en vivo desde su estudio de Ixtapa Zihuatanejo, un místico lugar que Gabriela describió durante la transmisión como “una cápsula sin tiempo en donde tocamos todos los días para conectar con el universo”. 

Los músicos dieron la bienvenida al público con "Enter The Field", una reinterpretación de la canción de Anoushka Shankar, hija del virtuoso sitarista Ravi Shankar, que fue presentada por primera vez en Lumbini Sessions a principios del 2021. 

Rodrigo y Gabriela concierto 2_2021

A este tema le siguieron las interpretaciones de "Krotona Days" y "Electric Soul", pertenecientes a  su aclamado proyecto Mettavolution, con el cual Rodrigo y Gabriela hicieron historia en el 2019, al convertirse en los primeros mexicanos en ser galardonados con el Grammy a Mejor Álbum Instrumental Contemporáneo.

Más adelante, el dúo viajó al pasado con la guitarra aflamencada de "Diablo Rojo", haciendo gala de su indiscutible maestría en los instrumentos de cuerdas, y continuaron con el rock progresivo de "11:11", una pieza inspirada en las guitarras de David Gilmour en su paso por Pink Floyd , desatando una ola de nostalgia entre los usuarios del chat en vivo que comenzaron a manifestar su cariño hacia estas canciones. Después llegaron "Witness Tree" y "Cumbé", también de Mettavolution, dándole un toque un tanto psicodélico al concierto con visuales caleidoscópicos que reemplazaron el fondo blanco del estudio.

Rodrigo y Gabriela concierto_2021

En la última parte de la presentación, el dúo tocó el infaltable tributo al lutier Antonio de Torres Jurado con "The Soundmaker" y continuaron con las poderosas melodías de "Savitri", "Hanuman" y el clásico "Tamacún", dejando para el final a "Mettavolution", que cerró la transmisión con estridentes riffs de rock pesado.

Gracias a Dreamstage, es genial que este espacio exista para los músicos y a todos los que están viendo esto ¡mucho amor para ustedes! Manténganse sanos, esperamos poder verlos en persona pronto", se despidieron afectuosamente los músicos. 

Si bien el streaming contó con algunas fallas técnicas y, además, no pudimos escuchar los nuevos lanzamientos de su Jazz EP publicado este 7 de mayo, la banda nos regaló justo lo que necesitábamos para relajarnos este fin de semana: un concierto lleno de temas que invitan al cuerpo a soltarse, a moverse, a ser libre y feliz a pesar de los tiempos difíciles que corren.

Si no te fue posible participar en la transmisión de anoche o simplemente quieres revivir la experiencia del concierto, podrás usar tu boleto por segunda ocasión el día de hoy (sábado 15 de mayo) en punto de las 20:00 H GMT / 21:00 H CEST en la plataforma de Dreamstage.

A 20 años del ‘Lateralus’ de Tool

Música compleja que puede provocar pesadillas hasta a Freddy Krueger.

La vida está rodeada de misterios porque nunca se ha logrado definir si la muerte es el fin o el principio de algo. Lo mismo ocurre con la música gracias a conjuntos que se alejan de las fórmulas establecidas para adentrarse en terrenos pantanosos. La mayoría terminan relegados a las sombras del anonimato porque jamás logran trascender. Su séquito de fanáticos es incondicional pero mínimo y nunca pasan de convertirse en “bandas de culto”. Mientras que también existen casos, bastante esporádicos, como Tool en donde no se respetan las reglas tradicionales de la industria pero sí logran posicionarse como éxitos a nivel masivo. Es una incógnita por qué unos sí triunfan y otros no.

Todo tuvo su origen cuando cuatro mentes inquietas de distintas partes de Estados Unidos coincidieron en Los Ángeles. Para nada se trataba de adolescentes con el interés de hacer música para conseguir cerveza gratis los fines de semana sino que sus aspiraciones eran bastante diferentes. Todos eran adultos que ya no tenían que pedir permiso a sus papás para salir de casa. Todos eran adultos en plenitud y con una inclinación hacia el arte sonora pero también visual.

 

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¿Fusión imposible de sonidos?

De lo anterior surgió un atípico proyecto que siempre ha navegado por distintos senderos pero sin pertenecer a uno en específico. Hay rasgos de rock progresivo pero también de metal, música industrial e inclusive art rock. Con esto en mente, los sonidos se alimentan de King Crimson, Ministry, The Residents y Frank Zappa. Así de variopintas son las influencias de Tool.

Cada uno de los álbumes del cuarteto han sido de larga gestación por distintos motivos como la aparición de proyectos alternos de sus integrantes como A Perfect Circle y Puscifer. Pese a lo anterior, uno de los puntos más altos en la carrera del combo llegó el 15 de mayo de 2001. Fue el día que las tiendas de discos recibieron un material con una psicodélica portada del artista Alex Grey. Su trabajo va más allá de una simple ilustración sino que incluye diversas capas de acetato que recrean los sistemas que conforman al cuerpo humano.

 

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Mientras que en la parte musical, la suma de Maynard James Keenan (voz), Adam Jones (guitarra), Justin Chancellor (bajo) y Danny Carey (batería) genera desde ambientes de serenidad terrenal hasta densos pasajes infernales. Todo en cuestión de segundos.

Un acierto del LP es que su inicio es directo y certero como un derechazo en la mandíbula en el primer round de una pelea de box. Arranca con “The Grudge” en donde la guitarra es afilada como el cuchillo de Jack el Destripador. El tema de apertura se prolonga por más de ocho minutos, una decisión poco usual para un grupo de rock promedio pero por fortuna no estamos frente a uno así.

Después de la hecatombe llega “Eon Blue Apocalypse", un breve pasaje instrumental que se conecta con “The Patient”, un tema que avanza de forma lenta con un Maynard que por momentos parece que reza hasta llegar al clímax con todos los instrumentos fusionados en un sonido colosal.

La importancia de la parte visual en la música.

Mientras la mayoría de los músicos suelen desaprovechar las bondades del formato del video musical aquí es distinto porque se utiliza como una herramienta artística. El trabajo de Jones en el maquillaje de películas de enorme éxito comercial como Jurassic Park y Terminator 2 lo llevó a interesarse en la técnica de stop motion. La muestra de su aprendizaje se puede observar en los videos de “Schism” y “Parabola” que él mismo dirigió.

El resultado desembocó en 75 minutos de furia que conforman uno de los mejores álbumes de rock del nuevo milenio. El reconocimiento inclusive generó obtener un Premio Grammy y una cifra récord de discos vendidos, algo poco usual para proyectos de este tipo.

La música de Tool siempre se ha mantenido fuera de los cánones de lo ordinario pero eso no ha sido impedimento para ser de gran alcance. El estilo y misticismo del cuarteto puede llegar a provocar pesadillas hasta en Freddy Krueger pero también sueños idílicos en personas de oídos refinados.

A 15 años del 'Broken Boy Soldiers' de The Raconteurs

De Detroit a Nashville, una transición necesaria.

2006, gran año para ser adolescente: MySpace era la red social más genial para conectar a través de la música, los festivales musicales eran encabezados por grandes bandas de rock y uno de los proyectos más icónicos de Jack White vería la luz del sol.

Broken Boys Soldiers, sería el nombre del primer álbum de The Raconteurs, cuya historia comenzó en Detroit. Una tarde, de forma casual, Jack White le contó a Brendan Benson sobre un nuevo proyecto, invitándolo a colaborar con él. Trabajaron en conjunto para escribir canciones que realmente les inspiraran, en donde las guitarras crujieran y explotara esa esencia del rock and roll. Las influencias musicales de ambos estaban claramente impregnadas: por una parte Benson y las bandas que escuchaba con sus padres: MC5, The Stooges y David Bowie; sumadas al rock crudo salido del garage de Jack White y ese fanatismo por Led Zeppelin, The Who, The Beatles y John Lennon.

White había trabajado previamente con Jack Lawrence, invitándolo a tocar en algunas giras de The White Stripes. Este virtuoso bajista originario de Kentucky tocaba junto con el baterista Patrick Keeler en The Greenhornes, donde ambos colaboraban de maravilla. Es aquí donde White conforma el resto de la banda invitándolos a Detroit a grabar en el estudio de Benson, aprovechando un timing perfecto en los que los cuatro, aún con proyectos alternos, tenían tiempo libre para crear uno nuevo. La forma de fluir entre los cuatro era tal que en muy poco tiempo concluyeron la grabación.

El resultado fue una mezcla de 10 tracks bastante disfrutables que combinan el rock and roll con blues, un poco de hard rock, folk y psicodelia setentera, y aunque el viaje por el que nos lleva este álbum es corto es bien sabido que “de lo bueno, poco”. Tres fueron sus sencillos: “Steady As She Goes”, “Hands” y “Broken Boy Soldier”, temas que les ayudaron a llegar a ser nominados para el Grammy como mejor álbum rock, a la par de estar en los primeros 10 lugares tanto en los conteos del Reino Unido como en los Estados Unidos.

La dualidad de este proyecto se refleja perfectamente en temas como “Together”, donde se aprecia una mezcla homogénea entre la suavidad de la voz de Benson con la pasión y energía que White Inyecta en cada interpretación. En contraste, hay que destacar temas como “Level” o “Store Bought Bones” cuya intensidad y texturas erizan la piel.

Para White la vida en Detroit comenzaba a limitarle, pues el acoso de los fanáticos tras el éxito de The White Stripes era algo inevitable ante cualquier multitud que le rodeaba, y la incomodidad llegaba desde el no poder disfrutar una noche en un bar de la zona hasta al estar en alguna reunión con conocidos a los cuales no sabía si era buena o mala idea hablarles todo el tiempo sobre sus proyectos musicales.

Nashville, semillero del talento musical estadounidense, vino a traer el cambio de aires que White necesitaba, pues ahí el ojo público estaba centrado principalmente en los artistas de música country, además de que en la ciudad había infinidad de músicos, ingenieros, entre otras personas involucradas en la industria musical, facilitando cualquier adición al trabajo de The Raconteurs. Por esta razón, fue aquí donde decidieron establecerse como banda y continuar trabajando.

Se considera esta la primera vez que Jack White hacía una colaboración formal junto con otros músicos, cosa que ayudó mucho a liberar y compartir la creación lírica, ya que normalmente quien escribía las letras en The White Stripes era él, situación que para le permitió soltar un poco de presión y pudo explotar al máximo su talento para la creación de este disco. Benson y White nunca compitieron por sobresalir en la banda, sino más bien buscaban crear sonidos que retaran y dejaran satisfecho al otro, haciendo una dupla que tanto en el estudio como en el escenario funcionaran a la perfección. En cuestión de ingeniería, Benson es el responsable principal del álbum, pero para sus presentaciones en vivo sumaron a la ecuación a Matthew Kettle, ingeniero que ayudo a grabar Get Behind Me Satan en 2005.

La crítica cuestionaba la durabilidad del proyecto, pues injustamente se le comparó en todo momento con The White Stripes, mostrándose más ilusionada por el retorno de Meg y Jack a los escenarios, que una segunda producción discográfica de The Raconteurs. La banda estuvo haciendo algunos shows en venues medianos y ya instalados en Nashville se dedicaron a trabajar inmediatamente en un segundo álbum Consolers of The Lonely, que se lanzaría dos años después (2008), mismo con el que saldrían de tour por Norteamérica y Europa, siendo parte de festivales como Coachella, Glastonbury y Bonaroo.

Así como la disponibilidad de tiempo les había unido, en 2010 The Raconteurs optó por separarse temporalmente dado a que cada integrante se encontraba ocupado en otros proyectos, y no sería hasta 2019 que volvieran a lanzar música nueva, “Sunday Driver” y “Now That You’re Gone”, un par de sencillos que serían parte de su tercera producción discográfica de larga duración llamada Help Us Stranger, pero ya hablaremos de ella cuando cumpla sus XV primaveras.

Broken Boy Soldiers no solo respresenta el inicio de una súper banda, sino que es testigo del inicio de la metamorfosis que vivió Jack White en esa época: una mudanza, un bebé en camino, una mayor comodidad en el proceso creativo y la oportunidad de expandir sus proyectos. Pareciera que el tiempo no pasa en vano por el rostro de cada integrante de The Raconteurs, pero las presentaciones que dieron en México en 2019 me confirmaron que su energía sigue intacta desde aquella tarde en Detroit.

Glass Animals comparte video de “Space Ghost Coast To Coast”

Dave Bayley reflexiona sobre una amistad juvenil con una canción que homenajea al rap.

A casi un año del lanzamiento Dreamland, la banda inglesa Glass Animals compartió el video de su sencillo “Space Ghost Coast To Coast”, extraído de su aclamado tercer álbum de estudio.

Dirigido por Max Siedentopf, el video de “Space Ghost Coast To Coast” muestra escenas tanto alucinantes como inquietantes que tienen lugar en las calles de Londres, en donde podemos ver al vocalista de la banda Dave Bayley rodeado por decenas de avatares digitales que lucen igual a él y que poco a poco se van multiplicando y deshaciendo de sus ropas para bailar desnudos al ritmo de la canción. Acerca del video, Bayley comentó en un comunicado de prensa:

"'Space Ghost' trata sobre alguien que conocí cuando crecí en Texas...nos distanciamos cuando me mudé a los 13 años, pero descubrí unos años después que hizo algo realmente horrible. La letra de la canción es simplemente preguntarse qué hace que alguien cambie tanto de ser un niño inocente a alguien que incluso puede considerar hacer lo que hizo. Habla de cómo en la década de 2000, los medios de comunicación culparon a los videojuegos violentos y a las letras de ese tipo de la mala conducta en los adolescentes...pero realmente creo que había problemas sociales mucho más grandes en juego. El video es un giro de esos videojuegos. Todos los videos que hicimos en el último año se hicieron en momentos de bloqueo… tuvimos que ser creativos. En este caso, a Max se le ocurrió la idea de filmarme bailando en el parque mientras él estaba sentado en su apartamento. Me estuvo dando instrucciones todo el tiempo a través del teléfono, en mis auriculares. Empieza ahí y se vuelve cada vez más surrealista ".

Ve el alucinante video a continuación.

Con el lanzamiento de su último material, Glass Animals esta disfrutando de una buena racha, en su primer semana Dreamland, alcanzó el puesto #2 en la UK Album Chart y su éxito "Heat Waves" fue coronado como el # 1 en Triple J's Hottest 100, un galardón que no había sido otorgado a una banda inglesa desde 2009.

La banda anunció recientemente su Dreamland Tour por Estados Unidos, el cual iniciará el 30 de agosto en Lewiston, Nueva York y terminará hasta el 2022. Estas fechas se suman a las de su gira por Reino Unido y las actuaciones confirmadas en festivales como Bonnaroo, Firefly yOutside Lands.

Te invitamos a que sigas a Glass Animals en sus redes sociales para que estés al tanto de sus nuevos proyectos.

 

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Little Jesus estrena el sencillo “Buenos días, Tardes Ya”

"Todo es un malviaje", expresa la banda en su más reciente composición.

Al parecer, 2021 será un buen año para Little Jesus. Tras su colaboración con Ximena Sariñana y Elsa y Elmar, la agrupación originaria de la Ciudad de México regresa con una nueva canción titulada "Buenos Días, Tardes Ya", cuya publicación corre a cargo del sello Sony Music.

En esta ocasión, la agrupación une su característico estilo pop con la psicodelia para reflexionar sobre sus malviajes. Además, el estreno llega junto con un videoclip en el que mezclan la magia de la cotidianidad y la experimentación visual desde la sala de su casa.

¡Dale play, aquí!

Durante 2020, Little Jesus se mantuvo constante en el lanzamiento de singles y colaboraciones, entre las que destacan: "Los Esclavos" con Ramona, "Lo que necesitas es amor", "Primavera 2020" con Zoe Gotusso y "beat relajada para estudiar". Aunque la banda no ha anunciado un nuevo material de larga duración, actualmente se encuentra preparando sus conciertos en Monterrey y CDMX. Puedes consultar todos los detalles en el siguiente enlace.

Recuerda seguir a la banda en redes sociales para próximos estrenos, mientras tanto, te recomendamos leer la conversación que Indie Rocks! tuvo con Little Jesus y Ximena Sariñana con motivo de su colaboración en el cover "Se Fue", canción original de Laura Pausini.

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Mare Advertencia Lirika y Natalia Lafourcade liberan “Tú sí sabes quererme”

"El amor que merezco existe, lo estoy viviendo. Cuando lo comparto crece con el universo".

Dentro de un Canto por México Vol. 2, se encuentra "Tú sí sabes quererme", un tema icónico dentro de la discografía musical de Natalia Lafourcade. El single lo hemos escuchado muchas veces pero no con el carácter y la fuerza que hoy le imprime la rapera oaxaqueña Mare Advertencia Lirika, quien hace un dueto junto a la intérprete y Rubén Blades.

Las voces viajan en coloridas cascadas llenas de fortuna, luz y energía que te contagian al instante solo para recordarnos que hay que tomarnos un descanso, respirar y ver la vida de una forma más amena; todo en torno al sentimiento más profundo: el amor.

tu si sabes quererme

Esta canción la escribí hace algunos años para que formara parte de MUSAS (Un homenaje al folclore latinoamericano en manos de Los Macorinos), y justamente habla del buen amor, el que se vive en libertad y es bien correspondido, el amor que florece sin miedos ni cadenas, el amor que acepta, siente, comparte, se expande, vuela", escribió Natalia Lafourcade a través de sus redes sociales.

Esta nueva versión de "Tú sí sabes quererme" llega en compañía de una colorida animación realizada por Analeovy. Da play a continuación para disfrutar la canción:

 

Kele publica su tema “From A Place Of Love”

El oriundo de Liverpool comparte esta canción previo a su nuevo álbum, el cual verá la luz este mes.

Con la inspiración de un personaje antagónico en una caricatura para niños, el vocalista del grupo inglés Bloc Party presenta su sencillo "From A Place Of Love" como lanzamiento previo a su álbum solista The Waves Pt.1, disponible para este próximo 28 de mayo a través de KOLA Records

Kele declaró haberse influenciado mientras veía la serie animada  She-Ra And The Princesses Of Power junto a su hija, lo que dirigió su atención a uno de los personajes dentro de la historia: Catra. “Escribí esta canción para Catra, y la volví a imaginar cómo una joven mujer que aún sigue cargando los demonios de su pasado sobre ella”. 

En última instancia, 'From A Place Of Love' es una canción sobre cómo ver a las personas que amas lidiar con cosas que son más grandes que ellos, sabiendo que no puedes resolver sus problemas, pero puedes estar a su lado, incluso si eso es lo único que puedes hacer”, expresó el cantante. 

Como antecedente, Okereke publicó su más reciente single “Nineveh”, el cual precede de su cover del clásico ochentero de la banda británica Bronski Beat, “Smalltown Boy”,  y el primer adelanto del disco “The Heart Of The Wave”.  

No olvides pre-ordenar el nuevo larga duración de Kele, The Waves Pt.1, a través de este enlace, y escuchar su tema “From A Place Of Love”