Protomartyr estrena visual

Posted on octubre 30, 2017 by -

"Don't Go To Anacita", el sencillo elegido para la creación de un videoclip.

Protomartyr sacó un nuevo álbum titulado Relatives In Descent el mes pasado, ahora los post punkers de Detroit están de regreso con un video para el extracto "Don't Go To Anacita". Inspirado por el director polaco Zbigniew Rybczyński y el video para "Imitation Of Life" de R.E.M., el director Yoonha Park coincide con las exageradas reflexiones del frontman Joe Casey con una interminable pintura de acción real y composición clásica que se desplaza por la pantalla.

El videoclip enlaza una escalera que no tiene fin con críticas hacia el sobre uso de la tecnología, la explotación de recursos, la discriminación y los problemas en la época contemporánea. "Quería transmitir una sensación de progreso falso y la idea de que cada nuevo horror que se encuentra con nosotros es parte de un continuo interminable. Las letras de Joe Casey están repletas de referencias tanto contemporáneas como clásicas, a menudo en la misma canción. Crea un campo visual realmente único que transmite el sabor exacto del temor que últimamente siento", en palabras del creador audiovisual. Aquí puedes ver el trabajo.

El visual sería sucesor de "A Private Understanging", que fue lanzado hace tres meses. Protomartyr tiene fechas para Europa en el resto de 2017, presentándose en algunos shows junto a Metz, Sauna Youth y Heimat. Su más reciente material fue lanzado bajo Domino Records, disquera donde también han firmado diversos proyectos como Franz Ferdinand, Arctic Monkeys y The Kills.

La banda está activa desde 2008 y algunos los han considerado como los herederos del post punk, que con cuatro discos de larga duración, grandes bajos y poderosas guitarras, han encontrado la fórmula para posicionarse como un acto imperdible. Esperemos pronto visiten México y podamos escuchar su live show.

Top 11: Videos escalofriantes

Posted on octubre 30, 2017 by -

11 videos escalofriantes, 11 años de Indie Rocks!.

Una de las mejores temporadas del año ha llegado: Halloween. En la que por medio de disfraces, maquillaje y parafernalia, todos tratamos de homenajear a un personaje sustraído de las tinieblas y el horror, y así poder traerlo por un día a lo cotidiano.

Es tanto el amor por la fecha, que algunas bandas han reflejado en distintos videoclips la parte spooky y creepy que se encuentra adherida a sus integrantes y su proyecto. Pasando por clásicos y novedades, el equipo de Indie Rocks! se dio a la tarea de rastrear los mejores visuales que retratan la esencia de la espeluznante y ansiada celebración.

Con escenas sangrientas, cementerios y lo más tenebroso en materia audiovisual, te dejamos con la selección de 11 clips escalofriantes.

¡Qué lo disfrutes!

Fever Ray — Plunge

Posted on octubre 30, 2017 by -

El críptico y experimental manifiesto musical de Karin Dreijer.

El regreso –deseado, pero no imaginado– de Fever Ray es más que necesario, su postura político musical como una fuerza persistente, rígida y radical sirve para romper con un extraño momento en el que el alcance a la música global ha homogeneizado algunos de los géneros hasta aniquilar las pequeñas, pero significantes diferencias de cada artista o banda. Karin Dreijer, la mitad de la (¿extinta?) banda The Knife que formara junto con su hermano Olof, publica su segundo álbum como Fever Ray después de ocho años de silencio, tras el aclamado debut homónimo. Plunge es tan bueno como aquel.

El preludio para acercarnos a este trabajo es la colaboración con la artista feminista Hannah Black que puede leerse en su página web, un poema radical que pone las cosas en claro, no va a ser fácil de acercarse, se relaciona con lo corporal y el amor, pero por cuerpo se refiere a materia, a carne, a sexo, una serie de puñetazos en la cara. “Aprendí en la música que la decisión de caer es más difícil que la caída por si misma, la anticipación de la caída. Solía molestarme que la violencia sea tan íntima como el amor, pero veo que han resuelto ese problema disolviéndose uno en el otro. Es posible negociar entre el dolor y el placer, en los límites que se desvanecen del dolor y el placer, como si estuviésemos haciendo un trato, el mejor trato, un hermoso trato. Espero que uno de los dos hipnotice al otro, entonces, quien este menos hipnotizado asesine al otro, después de que todos estén muertos y establezcamos la escena, el siguiente comienzo, final, comienzo, final. Es demasiado pronto para enamorarnos, pero toda la historia ha sucedido y ahora parece que solo hay que arreglar y reorganizar el resto”.

Plunge es virulento, agresivo, bailable, terrorífico, sexual y oscuro al mismo tiempo. Ya sea en su terreno más parecido al Fever Ray como en “Mustn’t Hurry” con su ritmo hipnótico, la flauta fantasmal y los alucinantes synths mientras se contiene la protagonista. "Necesito a alguien, pero no debe apresurarse, vi la sangre, pero no era tan espantosa”; en la extensión de ese mismo sonido en “Falling” que se convierte en un cuento de suspenso por su groove y la posible manipulación-sumisión sexual del protagonista: “por qué me hace sentir sucia, sucia de nuevo, ella me hace sentir sucia de nuevo, haciéndome sentir que lo deseo mucho, haciéndome sentir que es suficiente”; o en la nerviosa, frenética y enérgica-tecnoide “IDK About You”, “conozco el camino de la fantasía, el mundo de sueños, el lugar para estar, no te conozco, averigüémoslo, si nuestros cuerpos se encuentran, empujemos y retoquemos”.

El álbum fue grabado en el estudio de Dreijer en Estocolmo con la producción de Paula Temple, Deena Abdelwahed, NÍDIA, Tami T, Peter Mannerfelt y Johannes Berglund; Plunge es un trabajo bestial, consistente, que alcanza diferentes momentos y tonos sin extraviarse. Puede ser sublime con las cuerdas hacia el final de “Red Trails” u horripilante con percusiones siniestras de “An Itch” seguidas de la voz cibernética de Karin sobre un constante beat industrial. Plunge es una enfermedad necesaria para acabar con otros males, es el sabor de la sangre luego de que te han partido la cara a puñetazos en una noche friolenta y es uno de los mejores álbumes de 2017.

Sadfields — Homesick

Posted on octubre 30, 2017 by -

La estridencia en un arsenal de emociones: Homesick.

Se suele decir que para resaltar el éxito de la constancia, esfuerzo y perseverancia, se tiene que pasar por frustración y constantes intentos. La tercera siempre es la vencida.

Este curiosamente es el caso de Sadfields, trío originario del sur de la Ciudad de México, quienes tocaban anteriormente bajo el nombre de The Bloody y fue hasta principios de 2015 que tomaron el nombre de Sadfields. A partir de ese momento la banda comenzó a hacer ruido en recónditos lugares de nuestro país.

A cualquier lugar que van a tocar, el trío se adueña del escenario causando efectos de sorpresa y atracción sobre el público presente; finos efectos en la guitarra, una incontrolable distorsión en bajo, un brillo especial en la batería y versos nostálgicamente dramáticos han dejado una huella especial en cada foro, bar, casa o gran escenario al cual han llegado.

Con varios intentos, finalmente este 2017 tenemos Homesick, grabado en Testa Studios en León, Guanajuato por Rod Esquivel y Victor Velázquez y lanzado bajo el sello regiomontano Buen Día Récords, cuenta con seis temas con atmósferas tímidas pero con un ruido distinguido.

Después recorrido lleno de obstáculos y de constante esfuerzo en el cual no se ve la luz, llega el punto en el cual puedes sientes perdido, desorientado. Esto es “Missing”, que por medio de acordes dispersos se percibe un enorme entorno de melancolía, dos minutos y medio que preparan el terreno para presentar un mar sonoro de abismales emociones.

Situaciones personales, vivencias diarias y de introspección ahondan en las letras de Homesick, que a pesar de ser letras sencillas contienen un significado diverso.

Ruidosos y melódicos efectos en la guitarra hacen aparecer “Whenever”, el cual toma un gran aliento al comenzar la primera estrofa “Whenever I try to see, I think I can´t see anything”, dando paso a una gama de altibajos determinados por la línea pronunciada del bajo.

Dejando a un lado el término desatinado de sad music, “Falling Apart” te destrozara de un momento a otro con un ligero arpegio en la guitarra y consistencia de la batería, “No I can't… I´m trying in vain. Every time I've tried, it's been the same…” va sonando mientras Erick concede momentos brillantes con destellos en los platillos y la rudeza de los tambores.

Sadfields a lo largo de más de dos años ha transmitido por medio de la música sentimientos sinceros los cuales han dejado marca en cada una de las personas que han podido escucharlos de alguna forma u otra.

Probablemente “I Don't Know Why” sea el manifestación más clara de la honestidad de la banda, expresada por medio de un ambiente espacial absolutamente melancólico y la voz de Daniel susurrando: “Sometimes I don't know why, Maybe I'll never find a way… I blame myself outright, An aching feeling out of time”.

La sensación de impotencia frente a situaciones confusas emergen en “Out Hand”, ritmos sombríos arpegiados y el perfecto acoplamiento de Miguel en el bajo y Erick crean una nostalgia desgarradora, la cual es perfectamente dominada por el trío.

De pronto una atmósfera profundamente emocional se apropia poco a poco de los últimos nueve minutos de Homesick, efectos intensos suben al último viaje, donde ritmos apasionados van marcando el desenlace de esta primera historia.

“Breathing again? I'm tired, Hearing again? I'm tired, Seeing again? I'm tired, Feeling again? I'm tired”, dan pie para respirar y dar el último suspiro, que pasando el octavo minuto se convierte en una batalla de sensaciones fantásticamente sublimes dando a Homesick un cierre ruidosamente impecable.

Admirable es ver que estos chicos que no pasan de los veinte años tengan una delicada gracia de poder matizar cada una de las rolas de tal forma que no importa tu estado de ánimo ni donde te encuentres, podrás disfrutar cada uno de los temas.

Okills presenta 3 versiones de "Funcional"

Posted on octubre 30, 2017 by -

Escucha las tres versiones del nuevo single de Okills a lado de Daniela Spalla, Mon Laferte y Pedrina.

La forma de presentar sencillos evoluciona constantemente y Okills nos lo demuestra con "Funcional", track que ahora nos comparten en tres versiones diferentes. De esta manera cerrarán la promoción de su placa América Supersónica para continuar trabajando en su nuevo LP que se estrenará en 2018.

Con sonido rock y acompañado de trompetas los venezolanos nos presentan estos tres temas acompañados de Mon Laferte, Daniela Spalla y Pedrina, quienes lograron impregnar su estilo a pesar de contar con la misma estructura musical y letra.

Escucha las tres canciones a continuación:

La versión en la que participó Daniela Spalla ya cuenta con video musical. El metraje se grabó en las inmediaciones del Teatro Fru Fru en el Centro Histórico de la Ciudad de México y en el se puede observar a Spalla bailando al compás de la canción en los distintos espacios del clásico recinto.

Dale play a continuación:

El próximo 24 de noviembre los venezolanos pisarán el Foro Indie Rocks! promocionando por última vez su LP América Supersónica donde el sonido folclórico y letras atrevidas pondrán a bailar y a corear a los asistentes.

Entrevista con Anti-Flag

Posted on octubre 30, 2017 by -

Anti-Flag y su mensaje de esperanza desde el caos.

El cuarteto de punk rock originario de Pittsburgh, Pensilvania regresa a México para presentar su nuevo álbum American Fall en el Knot Fest con un mensaje de solidaridad. Por primera vez en la existencia de la banda, participarán en el festival de música, que se realizará el sábado 28 de octubre en el Centro Dinámico Pegaso.

“Cuando nos invitaron aceptamos porque Anti-Flag siempre va a tocar para todos. Esta es una buena oportunidad para hablar de que en Estados Unidos tenemos un presidente racista que está intentando construir un muro ilegal entre nosotros. Estamos en contra, y vamos a demostrar nuestra solidaridad con los mexicanos”, comentó Chris #2, bajista de la agrupación.

En esta ocasión, tocarán canciones de su nuevo material, el cual realizaron en un mes. Comenzaron a escribir en su estado natal, y después se trasladaron a Los Ángeles, California para grabar con dos de los integrantes de Good Charlotte, los hermanos Benji y Joel Madden bajo el sello discográfico de estos MDDN.

“Cuando empezamos a escribir el disco, teníamos una visión diferente del mundo. Creo que nadie esperaba que Donald Trump se convirtiera en presidente y que esa sería nuestra realidad en tan poco tiempo. Algunos creyeron que se merecía una oportunidad, pero nosotros no consideramos que una persona fascista y racista merezca nuestro respeto”.

Aseguró que uno de los factores sorpresivos del disco es el sonido optimista que tiene y la esperanza que está impresa en las letras de las canciones. Con esto, buscan demostrar que pueden tomar la situación actual de los Estados Unidos para crear un mundo mejor, teniendo una buena actitud ante el reto para crear un mejor futuro.

“Pienso que la música es una herramienta para unir a la gente y crear conciencia sobre temas importantes. Si no lo creyera, no estaría haciendo nada de esto. Yo no estaría aquí si no hubiese encontrado el punk a temprana edad. Sé que el mundo puede cambiar a través de la música porque puede generar un cambio en las personas”.

Para la portada de este material, trabajaron con el artista Doug Dean, quien también diseñó la portada de su disco anterior American Spring. Inspirados por el trabajo de Noah Scalin, quien hace esculturas tridimensionales que, vistas desde un ángulo específico, muestran una imagen, pero desde otro punto solo se ve una pila de cosas sin forma.

“Es un montón de dinero, que desde un lado se ve como un cráneo. Creo que es muy representativo de la administración de Trump, porque de cierta manera es un desastre, pero también la guerra y el negocio están ganando una disfunción muy grande está saliendo de la Casa Blanca. Este es el mensaje del disco, y quisimos representarlo de manera visual”, explicó.

Durante 2018, saldrán de gira para seguir llevando su mensaje a la mayor cantidad de gente posible. “Este es nuestro décimo álbum, y el próximo año la banda cumple 25 años. Nos pusimos mucha presión, queríamos crear algo nuevo y demostrar que es posible evolucionar y hacer comentarios sobre lo que está pasando en el mundo”.

Esta será la tercera visita de Anti-Flag al país, y la segunda en un festival dentro del mismo. “Estamos muy emocionados de regresar a México, sabemos que la situación del sismo fue difícil y lo sigue siendo, estoy consciente de que un show no arregla lo que pasó o cura esa herida, pero creo que podemos distraerlos un rato”, finalizó el bajista.

 

Jim James de My Morning Jacket estrena disco de covers

Posted on octubre 30, 2017 by -

¿Cómo suena “I Just Wasn’t Made For These Times” de The Beach Boys en la voz de Jim James? Descúbrelo aquí. 

El próximo 8 de diciembre de este año el cantautor y productor Jim James, conocido por ser el líder de la banda estadounidense My Morning Jacket lanzará a través de ATO Records: Tribute To 2, un disco que incluirá versiones de canciones de Bob Dylan, Sonny & Cher, Elvis Presley, Willie Nelson y hasta Emerson, Lake & Palmer.

Hoy ya podemos escuchar el primer adelanto, se trata de “I Just Wasn’t Made For These Times”, canción original de The Beach Boys, incluida en su álbum Pet Sounds publicado en 1966.

Además, esta nueva versión viene acompañada de un visual realizado por W.G. Rickel y Stashia "Sparkles", míralo a continuación:

Aquí puedes escuchar la versión original:

Te compartimos la portada del disco y el tracklist:

Tribute To 2 tracklist:

01 “I Just Wasn’t Made For These Times” (The Beach Boys)
02 “Baby Don’t Go” (Sonny & Cher)
03 “Wild Honey” (Dianne Izzo)
04 “Midnight, the Stars and You” (Ray Noble & al Bowlly)
05 “Crying in the Chapel” (Elvis Presley)
06 “Funny How Time Slips Away” (Willie Nelson)
07 “Love Is The Sweetest Thing” (Ray Noble & Al Bowlly)
08 “I’ll Be Your Baby Tonight” (Bob Dylan)
09 “Lucky Man” (Emerson, Lake & Palmer)
10 “The World is Falling Down” (Abbey Lincoln)
11 “Blue Skies” (Irving Berlin)

Da clic aquí para adquirir el disco en preventa.

División Minúscula en el Teatro Metropólitan

Posted on octubre 29, 2017 by -

Voces cursis que nunca se callan e incendian corazones.

Ayer, las luces del Teatro Metropólitan recibieron a la banda originaria de Matamoros, Tamaulipas, División Minúscula, para que los cientos de fans saciaran su sed auditiva con el antídoto musical que encuentran en cada canción. Dicha sed, sigue fiel desde hace más de quince años y anoche no fue la excepción.

Antes. Exactamente a las 19:40 H, el trío español de powerpop, Correos le daba la bienvenida a los asistentes con “Todo el mundo necesita un corazón”. Con atractivos arreglos electrónicos en “Canción de cuna” y “No creas las promesas”, los originarios de Donostia incitaron a pararse del asiento con ese par de temas bailables. Así, después de unas cuantas canciones más, entre las que destacan “Jóvenes” y “Animal salvaje”, Correos agradecía al público mexicano por el recibimiento y a División Minúscula por la invitación.

Más tarde. Minutos después de las 20:20 H, Javier y Kiko Blake, Alex Luque, Efrén Barón, Ricci Pérez y Bucho aparecieron en el escenario con los primeros acordes de “Humanos como tú”, para abrir la celebración de la mejor forma.

“Miss terrorista”, “Cada martes” y “Juego” fueron las siguientes en el set list, antes de darle paso a “Frenesí” y al headbanging que provocó “Negligencia (El último linaje de hombres lobo)”.

La emoción y la euforia eran cada vez más palpables, pero “Sed” y “Diamantina” fueron el combo perfecto para que ambas sensaciones se potenciaran. Inmediatamente, los acordes de la guitarra acústica con la que inicia “Préstame tu piel”, penetraban los oídos de los presentes, quienes no dudaron en acompañar a Javier Blake mientras cantaba “¡Hey, hey, hey! No seas tan egoísta y préstame tu piel, otra vez”.

Pausa política. El momento reflexivo lo imprimió “Sin nombre”, antes de que Javier dijera que División nunca se ha caracterizado por hacer canciones que hablen de política, pero que dicha canción era necesaria.

El rock maduro de “Cazador de sueños”, del disco División (2012) y el punk de “Betty Boop”, del álbum Extrañando Casa (2001), dejó en evidencia la evolución de la banda, pues marcaron un contraste entre el último y el primer disco.

“Muchas gracias”, fueron las palabras de Javier, para que, sin tiempo que perder, el público enloqueciera con una versión lenta de “Sognare”. Ideal para regresar al 2007 y con él, una ola de sentimientos, recuerdos y amores que sin duda inundaron la mente y tal vez los ojos de algunos.

Cada vez se hacía más de noche y temas como “Cursi”, “Señales” en versión acústica, “Me tomé una pastilla...”, “Año nuevo”, la cual, de hecho, pocas veces la tocan en vivo y “Veneno es antídoto (S.O.S.)”, no podían faltar en la presentación.

“Salud, quiero brindar por todos ustedes, por venir, por estar vivos”, mencionó el hombre que nunca envejece sin importar cuántos años pasen, es decir, Javier Blake, para interpretar la nostálgica dupla “Las luces de esta ciudad” y “Sismo”, en la cual, tras deshacerse en agradecimientos a los asistentes, presentar a la banda y recibir miles de aplausos, él y la banda abandonarían el escenario.

¿Eso era todo? ¡No! División Minúscula regresaría al escenario en compañía de Luis Fara de Quiero Club, para realizar un homenaje al fallecido músico Tom Petty, con un cover de “Free Fallin’”, que cuenta con la frase “I’m gonna leave this world for a while”. Ad hoc. Después, para gusto de una petición que se escuchó a lo lejos en la voz de una gran cantidad de fans, la banda tocaría “Simple”, seguida de “Tan fuerte, tan frágil”.

Después de más de dos horas y media de rock, Javier Blake tomó el micrófono por última vez para decir “Esta es su canción”: “Voces”, que solo vino a reafirmar el hecho de que “somos las voces que nunca se callan, somos el fuego que nunca se apaga”. ¿Mejor manera de cerrar la noche? ¡Imposible!

Paul McCartney en el Estadio Azteca

Posted on octubre 29, 2017 by -

Amor, rock y palabras de esperanza; así es como debe ser un buen show.

Tuvieron que pasar cinco años para que Paul McCartney regresará a nuestro país luego de haberse presentado en el Estadio Azteca y en el Zócalo capitalino como parte de su entonces On The Run Tour. Cinco largos años para cantar juntos canciones hechas famosas por The Beatles y Wings, y como siempre, no decepcionó ni a sus más fieles seguidores.

Es de admirarse la energía y jovialidad de esta leyenda del rock que a sus 75 años nos sigue dando cátedra de cómo hacer un buen show sin la necesidad de tanta parafernalia, pues desde que se encontraba en la mítica banda The Quarrymen ya era considerado un showman nato.

Gente de diferentes generaciones se da cita en el Coloso de Santa Úrsula, algunos vestidos con abrigos coloridos emulando los personajes del clásico Sargento Pimienta y otros más con la playera o gorra del recuerdo. Varios coinciden que esta podría ser la última vez que el ex Beatle pise tierra azteca por lo que es un día especial.

A unos cuantos minutos para que el espectáculo de inicio, un par de olas monumentales comienzan a recorrer el estadio de extremo a extremo. Algunos no dudan en cantar el “Cielito Lindo” para amenizar el ambiente, mientras que una línea del tiempo nos lleva de la mano para recordar bellos momentos en la vida de Paul. La euforia está en su máxima expresión.

"A Hard Day's Night", "Save Us" y "Can't Buy Me Love" inauguran la noche en medio de gritos y aplausos. Con un español cuasi perfecto, Paul McCartney nos saluda y promete una verdadera fiesta. “Esta noche voy a tratar de hablar un poquito español. ¡Es increíble estar de vuelta!”, nos dice.

Canciones entrañables como “Let It Be”, “Yesterday” y “Hey Jude” hacen sacar nuestros celulares a modo de encendedores y levantarlos en alto formando un tapiz resplandeciente que parece cobrar vida propia por el movimiento de todos los ahí reunidos.

Debo decir que uno de los momentos más emotivos fue cuando Paul interpretó “Something” con un ukulele y la cual dedicó a su amigo George, al mismo tiempo que unas imágenes eran proyectadas en pantalla. Pero ese no fue el único tema con especial dedicatoria, también “My Valentine”. “Escribí esta canción para mi esposa Nancy, ella está aquí esta noche”, nos comparte el antiguo Fab Four.

Con “Back In The USSR” y “Live and Let Die” los ánimos se prenden y una gran pirotecnia ilumina el Estadio Azteca. La gente grita. Canta. Corea. Treinta minutos antes de la media noche Paul se despide y se apagan las luces, pero los aplausos y ovaciones hacen salir nuevamente al cantante británico investido como Sir Paul por la Reina Isabel.

Consigo trae una bandera mexicana que ondea de un lado a otro y aprovecha el momento para decirnos "¡Fuerza México!" en alusión a los recientes sismos que afectaron parte de nuestro país. La respuesta por parte de los asistentes es inmediata y el "México, México, México" no se hace esperar. El sentimiento es profundo.

Esta vez no hubo mariachis en “Obladi Oblada” a diferencia de su concierto en el Zócalo, tampoco innumerables interrupciones por parte del público que se enfocó más a disfrutar del concierto, pero sí una increíble empatía que hizo rápidamente conectar con los fans chilangos al escucharle decir palabras como "carnal", "rola" y "cuate", además del "ustedes son a toda madre". Y qué decir de su baile con todo y movimiento de cadera robándose los chiflidos de hombres y mujeres. Él es Paul, un chico en cuerpo de adulto que nos demuestra una vez más que con su carisma y talento, es suficiente para darnos un buen show.

Knot Fest México 2017

Posted on octubre 29, 2017 by -

La tercera edición del Festival Knot Fest México se llevó acabo en el Centro Dinámico Pegaso, lleno de subgéneros del metal y con el cierre del primer concierto en México de A Perfect Circle.

El sol a plomo del medio día de ayer en Toluca calentaba el Centro Dinámico Pegaso mientras recibía, poco a poco, a los asistentes de esta nueva edición del Knot Fest México. El público —con muchos niños en él— mostraba orgulloso en el pecho el logo de su banda favorita.

Nubes de polvo se levantaban en el camino largo que llevaba al acceso principal. En las afueras, los comerciantes se aprovechaban de los bolsillos del público metalero que, curiosamente, es uno de los que menos escatima en gastar. Al llegar, una fila interminable iba y venía varias veces. Tiempo aproximado de entrada: una hora.

El panorama se abría al pasar el marco de entrada y dejaba ver la rueda de la fortuna al fondo, los tres escenarios —de considerable distancia entre sí—, así como las incontables carpas como parte del concepto del festival.

El evento inició oficialmente con la escena local: en el Tecate Stage, los mexicanos Cerberus, mientras que en el Magoots Stage daba apertura el estilo progresivo intrumental de Parazit, trío de Guadalajara. Por su parte, desde Cuernavaca, el baconmetal (subgénero que involucra sonidos de puercos en su música) de Lack of Remorse inauguraba el Day of The Gusano Stage.

Tras el show de deathcore y numetal de los hidrocálidos Here Comes the Kraken y la previa cancelación de los siempre brutales Asesino (sustituidos por S7N), se dio pasó a las bandas internacionales. De Canada, el trío de rock industrial Deadly Apples y el sexteto de metal progresivo ONI. Desde Atlanta, el metalcore de Atila. De California, el deathcore de Suicide Silence y desde Kansas, el rap y hip hop del productor, y compositor Tech N9ne, quien ha colaborado con el vocalista y líder de Slipknot, Core Taylor. 

El show de los japoneses Maximum the Hormone y su punk pop funk metal puso de buenas al escenario principal. Su baterista y cofundadora Nawo Kawakita así como su vocalista Daisuke Tsuda animaban al público en su idioma y en el nuestro (o al menos lo intentaban). Un refrescante y muy animado show con temas como "Bikini Sports Ponchin", "F" y "Shimi". Acto seguido, la banda de raíces latinas que cerró el Vive Latino del 2004 Ill Niño dio muestra de su estilo nu y tribal metal, con muy buena respuesta de sus espectadores

Entre traslados de un escenario a otro, las filas cada vez más largas para servicios denotaban el aumento de asistencia, mientras el sol cedía un poco.

Hatebreed regresó por segundo año consecutivo al festival celebrando dos décadas de su primer LP Satisfaction is the Death of Desire. Simultáneamente, Periphery y sus tres guitarras afinadas en tonos muy bajos (estilo Meshuggah) se presentaba en el escenario menos concurrido del festival.

Un consentido en México y una de las bandas finlandesas más importantes para el metal tomaba el Day of the Gusano: Children of Bodom (otra banda que se encuentra celebrando 20 años de su primer disco) y su líder y guitarrista —uno de los mejores del metal, según la crítica—, Alexi Laiho.

La banda más política del cartel tomó sus instrumentos. Anti-Flag, único grupo de punk del festival. De líricas anti-imperialistas y pro derechos humanos, el grupo de Pennsylvania dejó toda su energía en temas como "American Attraction", "This is the End" o el acelerado cover a la banda sin la cual no estarían ahí: The Clash y su clásico "Should I Stay or Should I Go".

Por su parte, el grupo más brutal del cartel se dejó ver. Desde Buffalo, Cannibal Corpse —afectados claramente por una mala ecualización de sonido que no solo se notaría en este acto— demostró que es una banda auténtica de metal, sin pretensiones ni poses, y con una carrera fiel al death metal, sin bemoles ni experimentos. La voz gutural de George "Corpsegrinder" Fisher (una de las más pulidas del género) dejó ver su poder en canciones como "I Cum Blood", "Stripped, Raped and Strangled" y "Hammer Smashed Face" (tema que interpretan en la película Ace Ventura).

Llegó el turno de uno de los cuatro grandes del trash metal. Anthrax, banda clásica de Nueva York —también afectada por el sonido— que llenó el Day of the Gusano de seguidores que no tardaron en hacer slam y bailar en círculos bajo los acordes de canciones como "Got the time", "Madhouse" o "Breathing Lightning"; Joey Belladonna respondió a esto con un claro "Te amamos México". Para entonces, ya caída la noche y con ella el frío penetrante, el recinto lucía repleto.

Tras la esperada intervención del metalcore melódico de Bullet for my Valentine (grupo originario de las tierras celtas de Gales), puso pie en el escenario principal Corey Taylor y su banda Stone Sour. El líder del grupo —que tomó varias veces la guitarra— lució encantado con nuestro país (uno de mis favoritos para tocar) y su público al que llama "mi familia". El set list dejó, entre otros, los temas "Say You'll Haunt Me" y "Absolute Zero" en una presentación de metal digerible —con todo y pistola de confeti brillante incluida— que dio paso a el acto más esperado por la mayoría: Korn.

El Tecate Stage fue adornado con un muro blanco de amplificadores Mesa Boogie (los más usados del festival) en cuya mitad lucía la traslúcida batería Pearl en color rojizo de Ray Luzier; un verdadero showman que bien podría competir como el mejor baterista de todo el evento. La banda tomó lugar y presentó un set lleno de temas coreados como "Falling Away from Me", "Y'all Want a Single", "Shoots and Ladders"(con la gaita del vocalista Jonathan Davis, cuya voz, con ese particular timbre, aún se mantiene), "Got the Life", "Blind" y "Freak on a Leash". Al terminar, una parte importante de los asistentes abandonaban el foro.

Finalmente, llegó la hora de la primera presentación de A Perfect Circle en México. Una manta blanca gigante cubría el escenario. Tras varios minutos de espera, los tonos de "The Package" sonaron mientras en la manta veíamos las sombras de los integrantes, con Maynard James Keenan en el centro. Al caer la manta, en la parte de la canción donde explotan las guitarras, el grupo completo se dejó apreciar, con los gritos del público de fondo. Siguió "The hollow", uno de los temas consentidos, y la melancolía de "The Noose" enmarcada por la noche del Estado de México. "Weak and Powerless" después, con un previo "Gusto en conocerlos" de Maynard (de traje negro y peluca) . Al finalizar "Rose", Billy Howerdel agradeció con señas al los seguidores más cercanos a la tarima. El primer cover de la noche, "Imagine" puso a cantar a la mayoría. "By and Down" dio una idea del gusto por el también vocalista de Tool por las sombras del escenario, al desaparecer varias veces. "Thomas", seguido del segundo cover, "People Are People"  de Depeche Mode. Después de temas como "Magdalena", "Stranger" o su propio remix de "3 Libras" el final se acercaba. La penúltima pieza fue a la vez la más nueva de su repertorio: "The Doomed", recién estrenada. El cierre del set y del Knot Fest México de este año llegó con el poder "The Outsider". Así, su primer concierto en nuestro país nos dejó una ejecución impecable y la presencia escénica única y armonía en voz de la dupla Maynard-Howerdel (en conjunto al apoyo de Iha, McJunkins y Friedl (también baterista de Puscifer). Un gran debut en nuestro país que esperamos no sea el único.

Así, el Knot Fest México regresó a su edición de solo un día lleno de riffs, headbangings, distorsión, dobles bombos y una gama de géneros para todos los gustos. Cuestiones como cierta desorganización, el empate sonoro de algunas bandas que se llegó a escuchar, el personal que no se da abasto, entre otras (ninguna de ellas sin resolución) deberían de tomarse en cuenta en uno de los festivales más importantes del metal en nuestro país.