Banda de Turistas — Mancho

Mancho: ¿El renacer de una promesa?

Después de ser considerados como una de las promesas de la escena indie argentina, con un sonido psicodélico presente en sus dos primeros álbumes: Mágico Corazón Radiofónico (2008) y El retorno (2009); llamar la atención con su tercera producción discográfica: Ya (2012); tener una transición con Lo que más querés (2014) y aun así enganchar con la sencilla pero atrayente canción “Química”; Bruno, Tomás, Luis, Patricio y Guido de Banda de Turistas, están de vuelta luego de tres años de ausencia con su quinta placa, Mancho.

El álbum producido por Mario Caldato Jr., conocido por su trabajo con Beastie Boys y por producir Mágico Corazón Radiofónico, abre con “Uno en un millón”, seguido de “El buen candidato”, dos temas tranquilos cantados por Bruno y con el mismo mensaje, pues mientras que el primero declara “soy el mejor de todo lo peor”, el segundo lo complementa con “no tengo tacto ni estilo”.

“Sólo para mí” es una balada románticamente enfermiza, que tiene como voz principal a Tomás“Te quiero sólo para mí, no te quiero compartir”. Continuando por el tracklist, aparece el único tema que tiene a Luis como voz principal, “Avenida Selva” y al escucharlo, el sonido remite al rock ochentero de la banda argentina Ratones Paranoicos.

A partir de aquí, la psicodelia le da un toque a las cuatro siguientes canciones, las cuales no dan tiempo a ninguna pausa, pues el final de cada una marca el inicio de la subsecuente. “Sentimental” y “Qué nos unirá” perciben la realidad de manera cruda con letras que hacen alusión a escapar del mundo y a no tener lugar en él. “Ando de nube” es una rola que va in crescendo a través de un cautivante pop interpretado por Bruno. “Si tan solo pudiera” vuelve a la línea del pesimismo de las dos primeras canciones del álbum: “Soy un tonto que alucina, una mosca en el mantel, la verdad no sé si soy alguien para vos”.

“La cosa negra” viene a darle una pausa a esa reproducción continua que ofrecieron los cuatro tracks anteriores con una rola netamente psicodélica con frases cursis como “Me haces sentir tan fácil de querer” y “Sé que en tu cuerpo siempre hay un lugar para meter mi alma”.

El cierre. El final del disco es lo mejor que le pudo pasar a mis oídos, y no por la prisa de que terminara, sino por la belleza auditiva de “Tuperso” y “Tuperso II”, una canción y una pieza instrumental que convergen como una sola con un envolvente rock psicodélico mezclado con pop y dejan ver el gran aporte vocal de Tomás y la cautivante combinación entre el sintetizador de Patricio y la batería de Guido.

Mancho es un álbum que marca el regreso de los Turistas, pero también el encuentro consigo mismos, con su identidad musical.

Entrevista con Alex Ferreira

A degustar el rico Canapé que Alex Ferreira nos preparó.

La vida es tan simple e intensa, que en un segundo se va; con todo lo ocurrido en los últimos meses en México, el deseo de sentirse vivo cobró un nuevo significado. Hace unos días, tuvimos la oportunidad de platicar con el dominicano Alex Ferreira quién, aún conmovido por los desastres en la CDMX, nos compartió sus sentimientos por nuestro país, las razones por las que enaltece a las mujeres, cómo es cuando se siente enamorado y todo sobre Canapé, su quinta producción discográfica, auspiciada por los mismos fans a través del crowdfunding.

“México no es terremoto; cuando pienso en México, pienso en el ruido del tamal, en el afilador de los cuchillos, el camotero; pienso en la gente cantando y riéndose, lo asocio al ruido, pero de la fiesta y el caos del tráfico. Mi vida se divide en tres etapas, empezando en Santo Domingo, con el joven de 17 años que no sabía qué hacer con su vida y donde tuve mi primer show pagado en Casa del Teatro; luego España, donde ya sabía qué hacer y me aventuré a vivir por mi cuenta, puedo decir que fue el lugar que me hizo hombrecito (ríe), y al final México, donde ya sé lo que quiero y lo llevo a cabo; es además mi reencuentro con Latinoamérica”, dijo Alex.

Alex Ferreira es un hombre que no pertenece a esta época pues, a pesar de ser un trotamundos, ha conservado la esencia de un caballero de antaño. “Siento que el sexo opuesto es superior al mío en muchos aspectos; fui criado por una madre soltera y por mi abuela, me atrae la tesitura de la voz femenina, soy fan de las mujeres. El trato que se le da a la mujer en Latinoamérica es muy penoso; el machismo y los problemas culturales se resuelven con educación y administrar mal los recursos desemboca en esto; me da tristeza que el machismo se vea como algo bueno”, expresó el dominicano.

Canapé es una palabra francesa que alude a ese bocadillo que estimula el sentido del gusto; para este disco, las canciones serán ese mismo amuse-bouche que tiene un trasfondo particular. “Me gusta Canapé porque las palabras con acento en la última vocal me atraen; alguna vez escuché a Luis Alberto Spinetta decir que sus canciones eran como un canapé y creí que era un buen nombre para un disco. Estos temas hablan de mis orígenes, de Santo Domingo y España, hablan de una sola mujer. Canapé saldrá el 3 de noviembre, contiene 10 temas que compuse y produje con mis amigos, fue algo que dejó el crowdfunding; de este proceso no tengo nada malo que decir y me quedo con el apoyo de los fans, les agradezco que me hayan dado esta libertad y naturalidad para crear, el álbum se marcó por esto y no me queda más que retribuir y hacer giras acústicas una vez al año, con la simpleza de la canción que llega al alma”, afirmó el cantante.

El amor puede ser una sensación extraña, cuando nos llega, la vida nos cambia. Para Alex Ferreira, el amor es una enfermedad incurable. “Cuando me enamoro, me siento aletargado, hago cosas estúpidas y se me nota mucho porque me hago débil, se me va la fuerza. El amor que me gusta al pasar del tiempo, es un amor más maduro; al principio, me enamoro pasionalmente y me vuelvo un imbécil, me pongo lento, me miró mucho al espejo. Me preocupa enamorarme porque sé que estaré así un tiempo y no me gusta estar así, el amor es una enfermedad”, dijo el cantante

Sin duda, Ferreira tiene talento en la tinta y las canciones que escribe hablan del amor desde el romanticismo, sus composiciones son de las mejores. “Soy fan de la simpleza y lo que escribo viene de mí; he escrito para Ximena Sariñana, y en Canapé coescribimos “Marea”, he escrito para Natalia Lafourcade, recién escribí una canción que imaginé con la voz de Mon Laferte, me gustaría poder mostrársela pronto y que le gustase, aunque estoy seguro que no me necesita para nada, pues ella misma es una excelente compositora. Creo que su voz en vivo es aplastante, recién la escuché en el disco de Drexler y es desgarradora”, finalizó Alex.

De pronto, el 3 de noviembre viene el lanzamiento de Canapé, un álbum con minimalismo sónico ejecutado con maestría y las presentaciones del 11 de noviembre en Puebla y del 16 de diciembre en Bajo Circuito.

Kamasi Washington — Harmony of Difference

Elementos que resultan una pieza completa, en armonía.

La reseña de un disco de jazz en una revista que habla de música alternativa e independiente en la cual los riffs de guitarra o los sonidos hechos con cajas de ritmo o con algún software puede ser un tanto desconcertante, pero no cuando se habla de Kamasi Washington, un saxofonista al que muchos han considerado el salvador del jazz, y su más reciente producción Harmony of Difference.

Con este EP, que fue editado por Young Turks, la misma disquera detrás de álbumes como In Colour de Jamie xx o Process de Sampha, Washington deja en claro el camino que tiene pensado para su proyecto musical.

Cada una de las seis canciones que conforman el EP y el cual dura apenas 31 minutos, está pensada para ser diferente entre sí pero que, al momento de escucharse en conjunto, se entiendan como una pieza completa.

Todo empieza con “Desire”. Las primeras notas de la canción están a cargo de un contrabajo que más tarde será adornado por un teclado y por supuesto, el saxofón de Kamasi. Es un inicio suave y digerible para todo aquel que no esté acostumbrado al jazz. Le sigue “Humility”, cuyo compás de 4/4 marcado por la escobetilla en la batería indica el camino que seguirá.

Pero todo cambia en el tercer track “Knowledge”, con un sonido mucho más ligero acentuado por el solo del saxofón que bien vale la pena escuchar una y otra vez.

En las siguientes canciones, “Perspective” e “Integrity”, Washington opta por explorar sonidos como el funk y R&B de los 70 e incluso el sonido del bossa nova que recuerda a Sergio Mendes. Bastan unos cuantos segundos de esta canción para imaginarte en la playa de Río de Janeiro y bailando –o al menos tratando– de imitar el característico paso de la samba.

Sin embargo, es “Truth” la pieza que engloba todas las anteriores. Una canción de poco más de 13 minutos de duración que deja claro que Kamasi Washington, quien se ha presentado en festivales como Coachella y Bonaroo y ha colaborado con artistas como Snoop Dogg y Kendrick Lamar, es parte de la oleada del nuevo jazz que intenta darle un nuevo respiro a este género y llevarlo a más oyentes con su toque muy particular que se siente fresco y propositivo.

Harmony of Difference se toma muy en serio su nombre y muestra cómo cinco piezas tan diferentes pueden tener un desenlace que termina por unir sus elementos para resultar en una pieza completa. En armonía.

A 10 años de Daft Punk en México

Fotos: Cortesía Tono.tv / Toni Francois

Desde hace 10 años existe en mi círculo de amigos que aman la música una diferencia que causa controversia, arrepentimiento y envidia: quién vio en vivo a Daft Punk y quién no.

No recuerdo demasiadas cosas sobre mi entorno hace 10 años, pero sí este día en específico marcado por un recuerdo del que pocos podemos tomarnos de guía cual horrocrux para arrastrarnos en el tiempo: el 31 de octubre en el Palacio de los Deportes, una noche de Halloween musicalizada por Daft Punk.

Las preventas de cierto banco ya eran cosa establecida, y en mi caso varios amigos tuvimos que recurrir a la tarjeta de crédito de la mamá de una amiga para conseguir todos los boletos posibles bajo la promesa del futuro pago en efectivo. Tuve que vender un pedal de guitarra para cubrir el costo de la felicidad y el casi inconseguible pase a uno de los mejores tours que se podían ver en aquel tiempo. Recuerdo que la noche comenzó con Sussie 4 y que nunca había estado tan cerca de un escenario sin temor de ser asfixiado al borde del desmayo, curiosamente cada uno de los que llegamos a la pista guardamos nuestro espacio y distancia y así nos mantuvimos durante toda la noche: juntos sin invadirnos, con el espacio suficiente para bailar y lo más importante, sin teléfonos que interrumpieran nuestra visión para tomar videos o fotos que terminarían en el olvido en alguna red social.

Y de pronto la gran efíge piramidal comenzó su epiléptico trance al compás de “Robot Rock”, y esas figuras que burdamente quisimos emular con cascos hechos de cartón o leds que dejaban de funcionar comenzaban a manipular botones y perillas a modo de nave espacial. Nosotros en un claro ejercicio de trance nos dejamos llevar por cada beat y la intrincada resolución lumínica de la estructura a modo de altar que emulábamos con nuestras manos. El triángulo luminiscente iluminati, la pirámide neón de la abundancia, como quieras que se llame, “Television Rules The Nation”, sin descanso entre cada tema, sin distracción ni vendedores de cervezas apuntando tu cara con sus lámparas.

Dos sujetos disfrazados de calaveras emulando los pasos del video de “Around the World”, una momia tratando de desenredar la cámara digital que metió de contrabando entre sus vendas, Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo rompiendo todos nuestros preceptos sobre música electrónica hasta ese día: “Harder, Better, Faster, Stronger”.

“One More Time” y su llamado a la euforia al doblar las campanas, “The Brainwasher” y el frenesí por lo que estábamos presenciando, sacudir la cabeza por un rato para olvidar lo que nos esperaba después, esperar otro gran concierto, otra preventa y la subsecuente obtención de una tarjeta de débito, intentar no titubear en la próxima entrevista de trabajo y pensar con claridad la respuesta a esa incómoda pregunta: “¿cómo te ves en 10 años?. No faltar a la escuela con el pretexto de una resaca, sobrevivir al día de muertos, darle la espalda a la aparente madurez y a lo alcanzable para nuestro confort inmediato mientras seguíamos bailando, bebiendo, queriendo que aquella noche jamás terminara.

“Human After All”, todo debe cerrar un ciclo y comenzar otro, 10 años para cambiar de acompañantes en los conciertos subsecuentes, para medir lo que has hecho y lo que has dejado de hacer, para comprender que ya no eres la misma persona, que puedes olvidar nombres, situaciones o fechas, pero no momentos en el que un par de sujetos dentro de una pirámide luminosa te dieron a entender que la música es el condensador de flujos perfecto para hacer que regreses en el tiempo.

Nation of Language estrena "Indignities"

La banda de post punk y synth pop nos comparte un nuevo tema: "Indignities".

Nation of Language lanzó su tercer sencillo este 2017. "Indignities" es la nueva pista de la banda de post punk nacida en Brooklyn, Nueva York. El single se convierte en el sucesor de “What Does The Normal Man Feel?”“I’ve Thought About Chicago”, donde exploraban en sonidos con tintes más synth pop y melancólicos, respectivamente. Ahora, la nueva canción se encarga de juntar los dos temas pasados y transportarlos por una voz rabiosa de Ian Devaney, explorando en las gamas de sus raíces punk.

El sonido nos transporta por Joy Division y en ocasiones por las facetas iniciales de New Order, pero aunque contiene una explícita nostalgia sepultada en los bajos y la batería, se revela poco a poco el trabajo único de Nation of Language, interpretando varias cepas del pasado y entretejiéndolos para su propio uso, trayendo un viejo sonido a la época contemporánea.

Fabrizio Moretti (baterista de The Strokes), recientemente se hizo fanático de Nation of Language y optó por cambiar instrumentos y reemplazar a su bajista en una gira. Y aunque tener a alguien tan experimentado en las filas (al menos para tocar en vivo) podría ser algo benéfico, la pureza de la banda no necesita de un rockstar para sobresalir por si sola. Con grandes estructuras melódicas, un sonido bien pensado y pistas profundamente contagiosas, la agrupación se ha ganado un respeto obtenido bajo sus propios méritos.

Nation of Language fue incluido en la lista de las mejores nuevas bandas de Stereogum de 2017, por lo que se ve un futuro prometedor en una agrupación que puede convertirse en un grande de la escena.

 

PREMIERE: Lng/SHT presenta el videoclip "ROMCOM"

Mira el curioso y divertido nuevo videoclip de Lng/SHT.

Previo a su presentación en el Lunario del Auditorio Nacional el próximo 17 de noviembre, Gastón Espinosa a.k.a Lng/SHT, nos comparte su más reciente clip "ROMCOM", un tema a dueto con Dromedarios Mágicos.

"'ROMCOM' (abreviación que significa Romantic Comedy o Comedia Romántica) la escribí en el 2014 casi a finales de año en un muy breve periodo de tiempo que me fui a vivir con mi hermano a Puebla, ya que sobre extendí la invitación que me hizo una pareja de amigos de vivir con ellos en CDMX y aún no tenía dinero para pagar una renta en forma. En ese entonces había una chica que me gustaba muchísimo con la que había empezado a salir pero francamente y en retrospectiva nunca se me dio luz verde, solo era una memoria bonita que tener cuando estás viajando solo en autobús por todo el país", declaró Lng/SHT sobre la creación de este track.

Dirigido por Camila Ibarra y Agustín Ortíz de Algo Súper Ocurrente podemos ver al rapero cantando sobre cómo dio todo por una chica sin ser correspondido. "Ella hace bromas no dramas, las drogas no le agradan, pero en vez de hacer panchos me calma".

Disfruta de este nuevo videoclip a continuación:

Tom Waits graba música para una exhibición de arte

La pista es "Innocent When You Dream", que el músico volvió a grabar en piano y se escucha desde el lobby del Banksy Hotel.

Thomas Alan Waits se encargó de reinterpretar uno de sus emblemáticos temas: "Innocent When You Dream". La pista es extracto de Franks Wild Years, décimo álbum de estudio del músico californiano, publicado en 1987 bajo Island Records (The Killers, Bob Dylan, Brian Eno).

Tom Waits grabó una versión instrumental de su canción para un piano situado en el lobby del Walled Off Hotel del polémico artista callejero Banksy. La nueva instalación está ubicada junto al muro que separa Palestina e Israel para conmemorar el 100 aniversario de la colonización de Palestina por parte de Gran Bretaña. Waits compartió un video del lugar a través de su página web y su cuenta oficial de Facebook con un breve mensaje. En el lobby se pueden apreciar distintas piezas del artista, como cuadros, graffitis y algunas piezas físicas, todo esto mientras suena el clásico del interprete oriundo de Pomona, California.

"Banksy ha mezclado la opulencia y la distopía con su deseo de resaltar la vida cotidiana y el arte de los palestinos. Los irlandeses no son ajenos a la lucha y la división, y Waits seleccionó este vals teñido irlandés debido a su mezcla lírica y nostálgica de remordimiento y sueños por un mundo sin paredes", se puede leer en el comunicado, que da un ligero contexto de la reciente exposición y sobre lo que significa la mezcla Banksy-Waits. No hay que olvidar las raíces de Tom, pues su padre Jesse Frank Waits, era descendiente de irlandeses y su madre, Alma Johnson McMurray, descendiente de noruegos estadounidenses.

Tom Waits anunció hace poco la remasterización de todo su material junto ANTI-Records, incluida una versión remezclada de Real Gone, que se volverá a publicar en vinilo de 180 gramos y formato CD. Waits no es el primero en colaborar con el artista, pues varios músicos prominentes han contribuido con música para ser tocada dentro del hotel, incluyendo Robert del Naja de Massive Attack (con quien se relaciona la oculta identidad del artista callejero), Flea de Red Hot Chili Peppers, el compositor Hans Zimmer, Atticus Ross y Trent Reznor de Nine Inch Nails.

 

Mira el nuevo video de Shabazz Palaces

El duo de hip hop experimental Shabazz Palaces nos presenta su más reciente audiovisual.

Shabazz Palaces ha lanzado el videoclip de su single “Since C.A.Y.A.”, una colaboración con Thundercat y que se convierte en segundo sencillo de su nueva placa, Quazarz: Born on a Gangster Star.

El clip de este track –producido por Knife Knights– se acopla al bajo mezclado con sonidos futuristas que se complementan con escenas de Palaceer Lazaro junto a dos serpientes encadenadas cruzando por subterráneos.

Bajo la dirección de Stephan Gray e imágenes de Kahlil JosephMarcus Reposar, este metraje tiene la característica de no contar con una estructura definida debido al exceso de imágenes que carga y que te obligan a ver más de una vez este video musical.

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Shabazz Palaces sorprendió este año al lanzar dos discos de manera simultánea; Quazarz: Born On A Gangster Star Quazarz vs. The Jealous Machines en donde una narración interestelar protagonizada por Quazars se encuentra entre lo absurdo y lo real. Hace algunos meses, el dúo de hip hop lanzó el track “Shine a Light”, primer sencillo de estas producciones.

Puedes descubrir la historia de este personaje escuchando los dos LPs a continuación:

Nueva canción de Bruce Springsteen

Bruce Springsteen compuso el tema "Freedom Cadence" para el recién estrenado largometraje norteamericano Thank You For Your Service.

La relación entre la leyenda Bruce Springsteen y el cine sigue dando frutos. Su música  ha formado parte de varias películas desde inicios de los años ochenta y le ha valido incluso dos nominaciones al Premio de la Academia por mejor canción original —llevándose el galardón por Streets of Philadelphia—. En octubre de este año, se estrenó Thank You For Your Service  y el músico y compositor de Nueva Jersey aportó el tema final del filme bélico protagonizado por Miles Teller (Wiplash).

Te dejamos el trailer de la película.

El tema, "Freedom Cadence" (que puedes escuchar a continuación), fue compuesto por Springsteen tras ver el filme y encantarse con él —según el director, David Finkel—.

Paralelo a este nuevo aporte, Bruce Springsteen tiene listo su material discográfico número 19. Esta nueva entrega —que sucederá a la placa High Hopesdel 2014—, sin embargo, aún no tiene fecha de estreno ni título.

Así, esta leyenda del rock sigue alimentando una de las trayectorias más exitosas en la historia de la música; una carrera que incluye el Óscar mencionado, numerosos Grammy, la inclusión al Salón de la Fama de Rock and Roll e, inclusive, un planeta bautizado en su honor.

 

 

Gene Simmons and His Band en el Pepsi Center WTC

A Kiss of a Demon: Gene Simmons y su historia.

Es un cliché, pero cuando te dicen el nombre de Gene Simmons imaginas a The Demon con el rostro pintado de blanco y negro, y la lengua afuera; acéptalo. Y es que su personaje se volvió tan icónico en la historia de la música que ya nos es difícil imaginarlo como cualquier mortal, pero ayer decidió ser solo Gene.

El bajista y vocalista de Kiss, creó un nuevo concepto y nos trajo a la Ciudad de México un show lleno de recuerdos y rock. Con cuatro musicazos en el escenario y no más que un juego de luces, Gene Simmons and His Band se presentó en el Pepsi Center WTC en una noche helada de finales de octubre.

Pasadas las 21 H, Gene Simmons, Phil Shouse, Jarred Pope, Jeremy Asbrock y Ryan Cook decidieron regalarnos “Deuce” y la gente explotó entre gritos y aplausos. “¿Cómo están Mexico City? Let me hear you” salió de los labios de Gene y el público contestó para darle paso a “Nothin’ To Lose” y tener el pretexto perfecto para alzar las manos y corear el tema del 74.

“Shout it Out Loud” continuó y el poder de las guitarras y batería fue claro y fuerte. Gene supo escoger correctamente a los músicos que interpretarían tanta historia.

Un poderoso riff desembocó en “Parasite” y nos hizo vibrar. Después, los músicos, tratando de hablar en español, hicieron su presentación de una forma muy peculiar, divertida y musical.

Con los motores ya prendidos, el corazón de México cantó frente a la leyenda de rock: “Olé, olé, olé, olé, México”, y es que últimamente ser mexicano es todo un orgullo y está bien. “Do You Love Me?”, mientras el escenario se llenaba de fans mexicanas que bailaban y aprovechaban su momento de fama.

“I Love It Loud” llegó para hacernos headbangear y bailar con su ritmo característico. “War Machine” abrió las puertas del infierno y con su riff bélico y bombo nos dio la bienvenida. Todos emitían un grito de guerra y alzaban sus brazos en alabanza.

El clásico mexicano “Cielito lindo” también formó parte del repertorio, mientras que la noche se iba tornando más oscura. “Charisma” y “Domino” prendieron a los presentes y todos, sin importar nada, disfrutaron el momento del recuerdo.

México seguía presente; “La Bamba” sonó y todos cantaron gustosos. Para terminar una noche llena de pasado, “Rock N’ Roll All Nite” rugió para hacernos bailar, aplaudir y recordar.