Festival Marvin: Entrevista con Planeta No

Planeta No viene a México a ponernos a bailar.

La escena chilena lleva varios años conquistando corazones mexicanos, y Planeta No es una de las bandas que con poco material logró meterse en el gusto del público, el grupo formado por Gonzalo García (voz, guitarra), Camilo Molina (bajo) y Juan Pablo Garín (batería) es muy querido por su estética y por manejar un discurso con mucho filo.

Los andinos están próximos a visitar el país para tomar uno de los escenarios del Festival Marvin, y platicamos con Juan Pablo para ahondar en el tema y sobre el momento en el que se encuentran. Para empezar, la conexión entre los dos países y las muestras de apoyo que han recibido han sido muy especiales.

“Hay una relación de mucho amor entre México y Chile y desde la primera vez, siempre hemos sido bien recibidos, todos conocían las canciones, todos cantando fue muy gratificante darte cuenta que por muy lejos que estés de tu país, hay gente que conoce tu música, incluso más que acá (Chile), en ese entonces”, dijo el baterista.

Quien además asegura que estar en México es como estar en su país, y que las similitudes culturales e históricas detonan un intercambio musical exitoso, ahora a casi un año de su última visita se declaran listos para encarar el compromiso, además de asegurar que el Festival Marvin estaba en su listas de objetivos desde hace varios años, por lo que como aseguran ellos. “Estamos con hartas ganas”.

Si bien ven el festival sin expectativas sobre el resultado, entienden que tienen una base de fans que los esperan con muchas ganas y asumen la responsabilidad. “Sabemos que tenemos público a través de la web y nos damos cuenta que la gente está expectante, no sé con qué músicos nos vamos a encontrar, hay muchas bandas y los vemos como una oportunidad de conquistar nuevo público, estamos preparando un show específico para el festival, con un par de canciones nuevas, tenemos ansiedad por poder conquistar nueva gente”, expresó el músico.

Además ya sabemos qué esperar cuando se monten en la tarima. “Será un show mucho más bailable que en el disco, sin tantas pausas, algo muy, muy arriba, con mucha energía, somos cinco músicos, muchos piensan que somos tres, pero en el escenario somos cinco, ojalá la pasen muy bien”, agregó.

Sobré lo nuevo del grupo, Juan Pablo asegura que está presupuestado que esté listo para agosto, argumenta que son muy lentos para componer, además que un artista debe tener un discurso alguna respuesta a las interrogantes de la sociedad, y asumen esa responsabilidad. ¿Pero qué esperar del nuevo disco?

“El disco Odio es muy adolescente, se compuso cuando Gonzalo tenía 19 años y lo sacamos muy tarde, y empezamos esta estética muy juvenil teniendo 25 años, ahora el momento actual de la banda es mucho más maduro, el estilo musical sigue manteniéndose, pero el discurso no es tan revolucionario, quizás es más tranquilo un poco más ad hoc a lo que estamos viviendo, el bajista fue papá hace un año, estamos más viejos y vemos las cosas que mucho más calma que antes, que era más de quemarlo todo”.

Juan Pablo acepta que artistas como Javiera Mena o Gepe han sido una punta de lanza para la escena independiente chilena, lo que ha provocado que muchos jóvenes se contagien y haya muchas bandas, lo cual califica como bacán, sin embargo también reconoce que el camino no ha sido fácil, pero vale mucho la pena.

“Es un desafío mantener una relación de cuatro o cinco personas y más aún en la independencia, acá en Chile hay cero industria musical, hay un montón de ideas, pero no hay cómo desarrollarlas, no hay recursos y no hay consumo, y hemos tenido un camino complicado, y el paso es buscar otros países para seguir creciendo”, finalizó.

Frankie Cosmos estrena "Apathy"

Como parte de su más reciente material, Frankie Cosmos dio a conocer un nuevo visual.

La era Vessel ha dado otro videoclip, se trata de "Apathy", track de corte rock pop que nos habla sobre la experiencia de una chica y su desinterés por conocer a alguien.

El clip dirigido por Tom Scharpling nos muestra una historia de dos bandas que comparten el mismo nombre: Frankie Cosmos. Luego de encontrarse en una tocada, las dos agrupaciones discuten sobre el nombre, pero pasa algo inesperado. Descúbrelo a continuación:

El pasado 30 de marzo Greta Kline —mente detrás de Frankie Cosmos— dio a conocer Vessel, un material en el que los tópicos de independencia, crecimiento y sobre todo, amor se hacen presentes a lo largo de 18 temas. Además, cuenta con la participación de Vishal NarangAnna McClellan y Alex Bailey.

Para darle promoción a este proyecto la banda compuesta por GretaLuke PyensonDavid Maine y Lauren Martin estará de gira en distintas ciudades de los Estados Unidos y países como Alemania, Países Bajos, Francia, Reino Unido e Italia. Durante su paso por estas naciones contarán con la presencia de The Goon Sax, Nadine y Florist and Lala Lala.

Escucha lo más reciente del grupo aquí:

A Perfect Circle estrena disco holograma

El primer álbum del mundo representado en hologramas a manos de A Perfect Circle.

Después de 14 años de inactividad, la espera del lanzamiento del álbum Eat The Elephant a cargo de los estadounidenses A Perfect Circle venia acompañado de grandes expectativas y es así como la banda decide realizar el primer álbum holograma en la historia de la música.

Adicional a lo que podríamos esperar del lanzamiento de colección: la versión en vinilo de Eat The Elephant, tarjeta para su descarga digital, CD y hasta una baraja de cartas; llega también, para complementar el box set, la recreación visual de todo el álbum en holograma.

El documentalista Steven Sebring fue el encargado de recrear este álbum en forma de holograma. "Tener la confianza de Maynard y Billy para crear esto para A Perfect Circle fue el sueño de un verdadero artista", afirmó Sebring durante un comunicado. "Su descanso de 14 años permitió que la tecnología se pusiera al día con su música innovadora y me dio la oportunidad de aplicar nuevas ideas de captura dimensional a este impresionante álbum".

Para poder ver este holograma basta con colocar, sobre un smartphone, el prisma que viene dentro del box set y registrar un código por internet.

Mira el unboxing de este lanzamiento aquí.

U2 estrena video

"Love Is Bigger Than Anything in Its Way" de U2 pertenece a Songs of Experience y tiene un visual que busca promover la igualdad.

David Mushegain fotógrafo de la revista de moda Vogue, estuvo a cargo de la dirección del video de la banda de Dublín, lugar que inspiró al director para su creación, pues el visual documenta el estilo de vida de aquella cultura adolescente con un enfoque igualitario.

Mushegain regresó repetitivas veces a Dublín para darle seguimiento a este proyecto que lo había cautivado. "Hice amistad con muchas personas y me mantuve en contacto con ellos. Me di cuenta que tenían un toque único en su expresión personal, la forma en que creaban sus estilos, sus colores, lo que hacían con su ropa y peinado.

La idea de expresar la belleza y diversidad de la juventud estaba en la mente de David, pero no encontraba el medio adecuado hasta que –platicando al respecto con el manager de U2, Guy Oseary le mostró el último disco del grupo  Songs of Experience y ahí conoció "Love Is Bigger Than Anything" en ese momento supo que ahí estaba el material que necesitaba para culminar su proyecto.

El trabajo inicial era enfocado a la comunidad LGTBQ, pero el resultado fue más allá de lo que se buscaba. "La comunidad LGBTQ se compone por supuesto de personas que son LGBTQ, pero la comunidad también incluye a amigos y familiares, por lo que realmente incluye a todos. Se trata de ser joven y expresarse, se trata de cómo todos tenemos amigos y parientes que se visten, se miran o se marcan de otra manera pero, como dice la canción, el amor es más grande que cualquier cosa en su camino. Siempre me ha encantado la comunidad LGBTQ, voy a desfiles de orgullo por todo el mundo, no puedo imaginar una fiesta mejor, y la idea detrás del video es sobre una celebración, celebrar el amor, celebrar la individualidad, celebrar a todos".

Te compartimos el visual a continuación.

Melvins — Pinkus Abortion Technician

35 años de una institución, el inalcanzable King Buzzo.

Un material discográfico de Melvins siempre será noticia, nunca pasará desapercibido. Su prolífica carrera ha sido cimentada por medio de puro ruido, sonidos rebeldes, letras con un alto grado de simplicidad y el terrible fuzz. No existe la calma, ni algún respeto de tronar uno o dos amplificadores en el trayecto para lograr la distorsión adecuada. El deseo de siempre estar en una tarima explotando cabezas ha llevado a Buzz Osborne y Dale Crover a subsistir con miembros rotativos, pero conservando en cada producción dicho concepto en el mayor estado de pureza posible.

Ahora, después de más de 20 discos en su historia nos presentan Pinkus Abortion Technician, un álbum que resulta complicado encasillar en un género –caso similar a Melvins–. La placa comienza con “Stop Moving To Florida”, sencillo que nos habían dejado escuchar hace unos meses y en el cual pareciera que J. Mascis hubiera estado presente en el día de la grabación guiando a la mítica banda. Un cover con dos caras que parte en el noise y que culmina con el poder del grunge. Los de Washington crearon una conjunción única donde el poder de sus dos bajistas se denota. Un notable primer balazo.

“Embrace The Rub” es punk, puro y sucio punk. Acordes simples, una batería poderosa y bajos ejecutados de forma rápida y concisa. No hay mucho qué criticar, solo se aprecia una banda que no le teme a rayar en la nostalgia y puede tocar cualquier género cuando lo decida. Un poco de caos en una canción que no rebasa los dos minutos de duración.

“Don’t Forget To Breathe” regresa al noise, pero con un bajo aletargado funcionando como base. Las guitarras con distorsión y el hipnótico coro que auspicia un funeral generan un ambiente lúgubre y con detalles bastante siniestros. Melvins sigue con una intensidad fulminante y sus 35 años de vida son relativos. Un King Buzzo que solo su cabello canoso da la impresión de más años en su espalda, pero que la actitud de vándalo sigue vigente.

Y cómo si fuera un disco completamente distinto, una guitarra acústica da pie a “Flamboyant Duck”, pista que posteriormente tiene una ruptura con riffs de grunge y un final apocalíptico dónde un solo de guitarra es el personaje principal. Con cambios bruscos de género, Melvins crea un disco que hace una reverencia a toda su historia y su concepción. Sigue su amor hacia Black Flag y el sonido del sludge metal. Nada ha cambiado en una banda que se niega a ser eclipsada por la historia y el poco reconocimiento que se le ha otorgado. Cosa que nunca les ha importado y que al parecer no lo necesitan.

Tal vez uno de los momentos más divertidos de Pinkus Abortion Technician sea el cover de “I Wanna Hold Your Hand” de The Beatles. Emblemático y clásico tema que se respeta hasta el último minuto, pero que claro, tiene la esencia y poderío de la banda de Montesano, Washington.

“Prenup Butter” sin lugar a duda es uno de los mejores temas del álbum. Sonidos densos y voces graves que dan a luz un espectro que quema las entrañas de una manera ralentizada. Todo para abrir camino al glorioso final, “Graveyard”, que casi como una advertencia, abre con un riff pantanoso que cubre nuestros oídos para adentrarnos en un terreno que te hace hundir a cada minuto. Una de las mejores canciones de Melvins hechas hasta hoy en día.

Y sí, aunque parezca extraño, este disco de Melvins suena bastante extraño. Pero la misma banda lo es y lo ha sido en toda su carrera. Un popurrí que rebobina en la historia y también un recordatorio de que son grandes y pueden hacer sumergirte en pesados acordes cuando lo decidan. Cabe aclarar que no es su mejor disco, pero si es una de sus mejores producciones en su era actual.

Festival Vaivén 2018

Calor, energía y belleza por doquier.

Nos llevamos una muy agradable experiencia en la edición 2018 del Festival Vaivén, quienes han emergido y aprendido de los errores del pasado para brindarnos un mágico evento lleno de buena música, color y diversas opciones de hacer de este festival una posible tradición a repetir año con año.

Lejos de la rutina citadina, en Jardines de México deleitamos nuestra pupila desde el acceso principal, pues luego de atravesar un bonito puente de madera sobre una laguna y ser recibidos por un inmenso pavo real hecho con miles de flores, una gran rotonda con una fuente interactiva al centro distribuía los caminos hacia los diferentes puntos y escenarios del festival.

Tayrell con su live show fue responsable de iniciar las acciones en el festival, repitiendo su participación por segundo año consecutivo, pero ahora en el escenario principal Vaivén. Frente, el Globo de Experiencias Vaivén saltaba inmediatamente a la vista, ofreciendo la oportunidad de que sus pasajeros tuvieran una vista periférica de todas las amenidades con las que contaba este festival.

El escenario Áurea fue mi favorito por su ubicación, pues se aísla del flujo constante de la gente, está montado a los pies de una colina que favorece una buena visión de la banda sobre el escenario y el camino que hay que tomar para llegar a él está rodeado de flores, verdes pastos y árboles de denso follaje. Wet Baes inauguró este bonito escenario trayendo lo mejor de su live set para iniciar a calentar los ánimos.

¡Vaya calor! El clima en Vaivén es algo que lo caracteriza, pues con temperaturas entre los 36° por el día y 21° por la noche, aunado a la humedad de la región, hizo sacar a los asistentes sus más frescos, y en algunos casos diminutos outfits para no sufrir este primaveral ambiente. Afortunadamente a lo largo y ancho del festival, se dispusieron zonas de descanso con amplias palapas y tapetes para tomar un descanso.

CLUBZ fue una acertada alineación en este festival, pues sus beats bailables y letras pegadizas de "Épocas", "Afrika" y "Popscuro" ponen de buen ánimo. Al finalizar, tenemos de nuevo en un escenario de festival a Hello Seahorse!, que viene con su nuevo sencillo bajo el brazo "Dónde estabas (azul)", un buen momento para refrescarse con una cerveza.

Continuando su participación en festivales nacionales, Rey Pila sigue haciendo bailar a la gente con su último EP Wall of Goth, mientras que en el escenario contrario, muchas parejas disfrutaban de una dulce presentación de Caloncho, que con "Bésame morenita", "Palmar" y "El derroche" complementaban el caer del sol a las espaldas del escenario Vaivén.

Pues bien, una experiencia distinta estaba por comenzar, pues en contraste con el ambiente bailable, cantable y hasta cierto punto pasivo del día, la noche trae consigo a sus bestias nocturnas, quienes con la ayuda de beats más sensuales, densos, psicodélicos y duros de los actos finales, hacen que la euforia colectiva lograda sea el clímax de este festival.

Neon Indian llena de colores psicodélicos los nítidos páneles del escenario Vaivén, que pese algunas fallas técnicas al tocar "Baby's Eyes", supo ganarse al público con su energía sobre el escenario.

Momento de bailar fuerte sobre el pasto con el trance de Goldroom, quen armó una gran fiesta dentro del Bud Light Warehouse, llena de luces, ágiles visuales y un celebrado remix de "Lady" de Modjo.

Los alrededores de los jardines y la fuente principal eran iluminados por múltiples colores, dándole muchísima vistosidad a los trayectos entre escenarios, situación que percaté mientras iba de vuelta al escenario Vaivén a ver una nueva presentación de Bob Moses en México, dando un show de gran calidad, ideal para este festival y para inyectar sensualidad a la noche.

El escenario Áurea se convierte en una pista de baile verde cuando Claptone está en los controles, pues sabe cómo manejar a su público y no dejarlo descansar, siendo la perfecta antesala al impresionante show que estábamos por contemplar de la mano del dúo francés Justice.

El show más esperado por muchos llegaba. Justice cierra el escenario Vaivén, con una excelente respuesta por parte de sus espectadores, pues logré observar júbilo, fascinación y asombro entre la gente que me rodeaba. Dado a las dimensiones estrechas del escenario Vaivén y mi cercanía, mi campo visual estaba rodeado por toda la infraestructura que su imponente show tiene, y si a esto sumamos sus temas llenos de energía y de otra dimensión parecía cual si una nave nodriza estuviera por abducirnos. Mis momentos favoritos: "LOVE S.O.S." coreada por la multitud, "Waters Of Nazareth" que nos llevo al frenesí, "Chorus" y sus miles de luces bajo la luna llena, y la apertura y clausura con la mezcla de "Safe and Sound" y "D.A.N.C.E".

Finaliza este festival para la mayoría de los asistentes, sin embargo la fiesta continuó para aquellos que optaron por la zona de camping o simplemente continuaban con energía suficiente para seguir bailando hasta las 5 H.

Vaivén es toda una aventura en la que vale la pena adentrarse, con un ambiente agradable y con una logística, producción y cartel mejorados notablemente en esta edición, por lo que esperamos regresar y sorprendernos nuevamente el próximo año.

PREMIERE: Yokozuna estrena video

El más reciente material de Yokozuna.

“Canción para mi” es el nombre de la nueva creación de los hermanos Arturo y Antonio Tranquilino, mejor conocidos por su trabajo en conjunto con Yokozuna.

Una autentica historia de amor que en su relato lleva el juramento de un final feliz sin la seguridad de que efectivamente sea así. Rompiendo esquemas, el sencillo “Canción para mi”, en cuanto a estilo, es un material distinto a comparación del que estamos acostumbrados a escuchar por parte de Yokozuna ya que contiene sintetizadores y un sonido de piano distorsionado que juntos le dan un tinte psicodélico a la canción.

El tema fue producido en los estudios Noviembre y cuenta con la voz en los coros de Armando Aguilar, quien es integrante de la banda oriunda de Tijuana: Vaya Futuro.

El estreno de este sencillo se presentó acompañado de un video que fue producido por Tropique y en el se muestran una serie de imágenes y situaciones que te hacen no despegar la mirada durante todo el video.

La idea para la producción se desarrolla desde el pasado 19 de diciembre. A causa del temblor se dejó al aire y posteriormente, después de un show de la banda, el equipo de producción presentó el video que capta a la perfección la energía de la canción.

Escucha el nuevo sencillo y mira el video aquí.

Test: Adivina quién es (edición #DíaDelNiño)

Diviértete en este reto llamado Adivina quién es, desafía a tus amigos y demuestra tus conocimientos musicales.

Se acerca el 30 de abril y en México –además del Día Internacional del Jazz– celebramos el Día del Niñ@, es por eso que preparamos para ti algo muy especial y divertido. Se trata del Test: Adivina quién es, en el que te presentamos una serie de fotografías de músicos cuando eran niñ@s, hay personajes de todas las épocas, nacionalidades y géneros ¿serás capaz de reconocer a tus artistas favoritos? No será nada sencillo, así que te damos algunas pistas con respuestas de opción múltiple.

Ahora que ya sabes cómo funciona solo tienes que comenzar el reto... ¿Encontrarás a Kurt Cobain?, ¿a una mini Carla Morrison?, ¿a David Bowie?, ¿a John Lennon? ¿Rubén de Café Tacvba?, ¿Josh Homme de Queens of the Stone Age?, ¿Robert Smith de The Cure?, ¿Morrissey? ¿Kendrick Lamar?, ¿Tom Morello de Prophets of Rage?, o ¿Anthony Kiedis de Red Hot Chili Peppers? Estás a punto de averiguarlo.

¡Comienza ya! Podrás compartir tus resultados en redes sociales, así que no dejes de hacerlo porque seguramente alguno de tus amigos va a querer desafiarte.

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CNTRL Fest en Pepsi Center WTC

La perfección de una noche.

A pesar de la tromba que nos tomó a todos por sorpresa y que se llevó consigo una de las puertas de cristal del Pepsi Center WTC, además de provocar que explotaran los baños, la primera edición del CNTRL Fest inició sin contratiempos e impecable con la presentación de Nonotak Studio.

Sin importar que en el público hubiera menos de un centenar de personas, el dúo, conformado por la artista visual Noemi Schipfer y el arquitecto-músico Takami Nakamoto nos regaló un set potente, aunque distinto al presentado durante su última visita como parte de Mutek México. Con menos melodías que invitaran a bailar, pero igual de inmersivo gracias a la instalación de luz y sonido.

Conocido por tocar los teclados con The Horrors, Tom Furse subió al escenario como el segundo acto del festival. Mientras esperábamos pacientemente con una cerveza en la mano, lo que algunos creían que sería un DJ set cualquiera para pasar el rato dejó con la boca abierta y el ojo cuadrado a quienes esperaban música para mover los pies.

Mientras la tarde llegaba a su fin, Richard Devine fue el encargado de preparar el ambiente para The Horrors. Aunque al principio su set tornó bastante experimental, al final decidió tocar algo más amigable para los chicos con playeras de Gorillaz y Arctic Monkeys que comenzaban a apretujarse alrededor del escenario.

Exactamente a las 19:45 H, ni un minuto antes ni uno después, uno a uno los integrantes de The Horrors tomó sus posiciones en el escenario para presentar por primera vez en la Ciudad de México: V, su quinto álbum de estudio y el que logró consolidar a la banda como una de las más importantes de la escena psych a nivel mundial.

Para no perder la costumbre, las fallas de audio fueron el invitado especial de la noche. Afortunadamente, el ingeniero logró controlar la situación tras solo un par de canciones, haciendo que incluso “Sea Within a Sea”, que pase lo que pase siempre se escucha horrible, conservara su dignidad e hiciera cantar a los más jóvenes que se dieron cita en el lugar.

Tras poco más de una hora, sin encore ni ninguna otra sopresa, Faris Badwan y compañía se retiraron de nuevo tras bambalinas, dejando un muy grato sabor de boca para los más fans de la banda, los que los conocimos 11 años atrás, pero les perdimos la pista y aquellos que no tenían idea de por qué los habían incluido en el cartel.

Después de una corta pausa para recargar energías e ir al baño, Mateo Lafontaine apareció detrás de la consola para presentar una nueva versión de Década 2, proyecto legendario que puso a México en el mapa de la música electrónica y que, 27 años atrás, compartió escenario con Front 242 en su primera visita a nuestro país.

Lo que en su momento fuera un dúo, ahora es solo Mateo soltando secuencias y haciendo las voces de canciones icónicas como “Música electrónica” y “Los decretos del poder”. Si bien hasta ese momento todos los actos del festival habían sido buenos, Década 2 prendió la chispa y espantó a quienes seguían esperando encontrarse entre la gente a alguno de los integrantes de The Horrors.

Cerrando su set con “Der Mussolini” de DAF, Mateo nos dejó más que listos para lo que venía. Playeras de Skinny Puppy, Suicide Commando y Einstürzende Neubauten pululaban por todos lados cuando Doug McCarthy tomó entarimado al lado de su más reciente proyecto, Black Line.

A ocho años de haber visitado la Ciudad de México con Nitzer Ebb, McCArthy apareció frente un público fiel para presentar un set de nuevas canciones que a pesar de que poseen la fuerza que lo caracteriza, se quedan un tanto cortas. Incluso, algunas bien podrían ser baladas más que algo para agarrarse a patadas en la pista de baile.

Sin importar que muchos lo esperamos y rogamos porque pasara, Black Line no tocó ninguna canción de Nitzer Ebb; aunque esto no significó para nada una pérdida de tiempo. Su presentación fue impecable, solo que puede llegar a ser complicado quitarse de encima el peso tan grande de una banda como Nitzer Ebb.

Pasaban de las 23 H. y los pies comenzaban a hincharse mientras varios desafortunados caían en las esquinas de lugar víctimas del alcohol. Justo cuando era su momento de salir al escenario, el staff de Gary Numan se tomó 10 minutos más para terminar de montar. Dando lugar al único retraso de todo el evento.

Por fin, las luces se apagaron y un incandescente sol fue proyectado en las pantallas, cegando de manera instantánea a cualquier incauto que volteara a verlas directamente. Desde el primer segundo, “Ghost Nation” derritió oídos y pegó directo en el pecho de los miles que para ese momento abarrotaban la plancha del Pepsi Center WTC.

Fieles a la temática postapocalíptica de su nuevo disco, Savage (Songs from a Broken World), Gary y su banda aparecieron ataviados con raídos camisones. Sin tregua alguna soltaron “Halo” seguida de la clásica “Metal” y “The Fall”, mientras el cerebro se nos escurría por la nariz.

Como era de esperarse, la más bailada, coreada y grabada fue “Cars”, mientras que una de las más impactantes fue “My Name is Ruin” para la que aunque no salió a cantar su hija, quien originalmente hace los coros de la canción, fue proyectada en las pantallas para acompañar a su papá.

Por tratarse de una de las presentaciones más especiales del festival, después de tocar 14 canciones Gary Numan volvió para dar un encore que originalmente estaba compuesto por tres temas, pero se quedó solo con “Are ‘Friends’ Electric?” para compensar el retraso al inicio de su presentación.

Sin importar que fuera casi la 1 H., las filas para la cerveza seguían siendo interminables. Viejos amigos se saludaban y se tomaban fotos mientras esperaban el plato fuerte para la pista de baile. Incluso, entre el público se distinguían stompers alemanes (¿o belgas?) uniformados y listos para ver a Front 242.

Por fin empezó a sonar “Happiness/Modern Angel” y la tierra se detuvo. Gracias a los litros de cerveza derramada el piso era una trampa mortal, aunque no fue pretexto para apretujarse al centro, saltar y bailar. “Body to Body” fue la primera en ser coreada con los puños en el aire, mientras que con “Moldavia” empezaron a caer al suelo los primeros distraídos que no veían dónde pisaban.

Contrario a lo que uno se espera cuando escucha Pepsi Center WTC, el audio fue casi perfecto y canciones como “Commando Mix” siguen y seguirán sonando en nuestra cabeza por un par de días más. No hay una sola persona que pueda decir lo contrario.

Tras hora y media que se fue como agua entre los dedos, Front 242 se despidió del CNTRL Fest dejando claro que, por mucho, este show quedará grabado como uno de los más memorables.

El cansancio ya era casi insoportable para muchos que se enfilaron hacia la salida, pero para otros la noche aún era joven y decidieron volver a la pista para bailar con Luke Vibert. Algunos pocos, aún conscientes, trataban de mantener la compostura al moverse, mientras que otros menos afortunados se retorcían cual gusano con sal; era de entenderse tras más de 10 H. de música y aparentes tragos sin fondo.

Con esta grandiosa primera edición, Euritmia y Noiselab se han ganado el cariño y la fidelidad de un público que es capaz de seguir a sus bandas al fin del mundo. El tiempo dirá si podrán superarse a sí mismo o, por lo menos, continuar con la misma calidad de este primer CNTRL Fest.

Top 12: Los mejores videos de abril

12 videos, 12 años de Indie Rocks!: abril.

El mes de abril culminó y hubo muchos estrenos: sencillos, discos y sobretodo videos. Es por eso que, después de una larga discusión editorial con el equipo de Indie Rocks!, te compartimos una selección especial en nuestro #TopIR con los 12 mejores videos del mes.

Aquí verás el video de “Colors” de Beck, realizado por Edgar Wright, director de Baby Driver, y con la participación de la actriz Alison Brie“Apricot Dreams” de Descartes a Kant que llegó junto al anunció de su participación en el festival Iceland Airwaves del 7 al 10 de noviembre en Islandia; “Ash to Bone” de Zola Jesus en su versión remix a cargo de Johnny Jewel; “Carried From The Start” de Black Rebel Motorcycle Club como parte de la promoción de su más reciente placa Wrong Creatures, estrenada el 12 de enero vía Vagrant Records“Glimpses of Love” de Franz Ferdinand, quienes recientemente se presentaron en el Pepsi Center WTC de la CDMX; “Tambalea” de Niña Dioz, un sencillo realizado en colaboración con la colombiana Lido Pimienta y la mexicana Ceci Bastida; "The Day The Music Dies" de Iceage“Mr. Tillman” de Father John Misty, dirigido por Josh Tillman —nombre real del cantante— y co-dirigido por Jeff Desom y Carlos López Estrada; y muchos más.