Molotov procede legalmente por el uso inadecuado de “Voto Latino”

Posted on junio 4, 2021 by -

La agrupación mexicana denunció al candidato de Morena.

Las campañas electorales continúan en México y como siempre, están dando de qué hablar. Arturo Ávila, candidato a la Presidencia municipal de Aguascalientes se tomó la libertad de hacer su propia versión de "Voto Latino", uno de los clásicos de Molotov. ¡Así como lo leíste! Lo que en algún momento resonó con fuerza a finales de los 90, con el lanzamiento de ¿Dónde jugarán las niñas? (1997), hoy toma una intención distinta a favor del aspirante de Morena.

Ávila compartió la canción a través de sus redes sociales con la leyenda "¡Voto Masivo! ¡Morena Arrasa!". En el clip se observa al candidato interpretar la rola en compañía de personas de su localidad. ¡Chécala!

Bueno, ¿Y qué dijo Molotov al respecto? Como era de esperarse, la agrupación manifestó su descontento ante el uso inadecuado de sus canciones. En un reciente comunicado, la banda dio a conocer que a lo largo de toda su trayectoria, su música ha logrado caracterizarse por manifestar "sátira política y aguda crítica a los gobernantes de nuestro país". Por lo cual procedió legalmente con una denuncia hacia el candidato en cuestión.

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Sabemos que esta no es la primera vez que un político usa una canción para apoyar su campaña. Sin embargo, si no lo hacen de la "manera adecuada" se pueden ver envueltos en problemas legales por los derechos. Por su parte Arturo Ávila declaró que Molotov había servido de inspiración "claramente se cambiaron las partituras y la letra. No soy político soy un ciudadano que quiere transformar la ciudad", explicó en redes sociales.

Y tú ¿qué opinas al respecto? ¡Cuéntanos en Indie Rocks!

“Be The Light”, lo nuevo de The Orchid Room

Posted on junio 4, 2021 by -

La distancia se puede superar siempre y cuando lo desees.

En su trayectoria musical, John Hassall ha trabajado como bajista de The Libertines y de igual forma, ha creado proyectos alternos a los que hoy se suma The Orchid Room, una dupla especial que creó en colaboración con la cantante danesa Annekei, gracias a la fortuna de coincidir en el mismo país.

Además de la casualidad, el interés por compartir música inspiradora fue lo que unió al duo en este proyecto que se compone por la armonía de una guitarra acústica y una instrumentación suave con tintes de los 70, por lo menos así resuena en "Be The Light", su nuevo sencillo que anima al escucha a sobrellevar los tiempos difíciles.

La canción es un estímulo para todos los que sólo pude conocer por teléfono o por la pantalla de la computadora. Quería recordarles que podemos superar toda la distancia, la agitación emocional y los problemas que ha causado COVID-19. Siempre que podamos aguantar y apoyarnos unos a otros", expresó The Orchid Room en un comunicado de prensa.

La canción llega en compañía de un video musical realizado por Niels Vogensen y Per Nissen en el que se observa a los cantantes interpretar la melodía, mientras unos clips en blanco y negro pasan por detrás de ellos. Te lo compartimos a continuación para que lo disfrutes:

Entrevista con Black Midi

Posted on junio 4, 2021 by -

Antes los rockeros decían que el jazz era para idiotas.

Dentro de 10 o 20 años quizá lo sabremos, todo depende de si la escena siga vibrando y logre crear un ente auténtico, único, que emane luz, brillante y resplandeciente, y nos haga mirar atónitos. Por ahora nos queda contemplarlo, pero la pregunta ya nació ¿Qué está sucediendo en Reino Unido? Porque algo está ocurriendo ahí. Se está gestando una escena de punk experimental y post punk de la que cuelgan tentáculos de jazz, rock progresivo, spoken word y uno que otro sintetizador. Actos con músculo, cargados de poesía o de letras iracundas están orientando el sonido de vuelta hacia los terrenos olvidados de un género que nació en ese punto del orbe. Shame, Black Country, New Road, Dry Cleaning, Working Men’s Club, Billy Nomates, Squid, Goat Girl, Fontaines D.C., y los más salvajes y arriesgados, black midi, forman una cabalgada que galopa fuerte.

“No sólo es rock, está floreciendo el jazz o el afro beat, hay todo un espectro con el rock en medio. En el pasado no tenías una conexión entre el jazz y el rock, la gente del rock solía ser reaccionaria, diciendo que el jazz era para idiotas o no les resultaba interesante. Ahora los músicos están abiertos a todo lo que es emocionante. Mucho está inspirado por las condiciones de los venues que estaban en crisis, las bandas tocaban en venues pequeños y una vez que se movían a espacios más grandes ya no volvían, pero ahora tocan en un club de 100 personas después de haber tocado para 2000”, narra Cameron Picton, el bajista de black midi.

La banda londinense, llamada así por el género musical japonés Black MIDI, cabalga de nuevo con su segundo álbum, Cavalcade, una pieza con la que han mantenido su composición atípica, y al mismo tiempo han dado un giro de 160 grados, construyendo un relato musical consistente. Cameron Picton dice a Indie Rocks! la razón de esto. “Con los primeros sencillos era necesario seguir apegados al sonido del primer disco, queríamos que cuando saliera todo el álbum los sonidos y las canciones fueran completamente diferentes de lo que habíamos hecho, queríamos sorprender, considerando que no habíamos hecho gira o algo parecido”.

Cavalcade se desmarca de su primer trabajo, Schlagenheim, en su ritmo y en su proceso de grabación. Para el nuevo álbum se fueron a las afuera de Dublin y trabajaron más en estudio, sin horarios estrictos, en una producción y composición más “pensada”, con sonidos más “alocados” y que permitieran sacar lo mejor de la banda. En Schlagenheim el grupo grabó guiado por los shows que había hecho en vivo, recién aterrizado de una gira en Bélgica y trabajando con horarios fijos. El resultado se percibe, mientras que el primero captura la esencia de una banda poseída en directo, sin muchos efectos en las canciones; el segundo es una obra ambiciosa, cerebral, a ratos endiablada y a ratos, más pacífica.

La razón de que intentáramos otra manera de componer fue porque al final de la gira pasada sentimos que la improvisación que sucedía en el escenario no era improvisación precisamente, no tenía lo emocionante que es que en cualquier momento se puede venir abajo la canción o que en cualquier segundo puedes entrar en ritmo increíble. Tocábamos los riffs que sabíamos que sonaban bien, pero eso es algo mediocre, porque no tomas el riesgo de ser terrible a cambio del reconocimiento de sonar increíble. Cambiamos el proceso porque estuvimos mucho tiempo juntos, hicimos canciones más en forma, construimos melodías. Era importante para nosotros tomar otro pasillo e ir adonde no hay limitaciones con lo que podemos hacer”, relata Cameron Picton.

Cavalcade podría ser equiparable a OK Computer de Radiohead en tanto su edificación se basa en un gran relato musical dinámico, en volteretas entre canción y canción, en su capacidad para transformarse en un todo manteniendo elocuencia entre las distantes partes. “Eso fue algo que pensamos antes de empezar las grabaciones, que lo que fuera loco, fuera loco, y lo suave, fuera más suave y más hermoso”. El cuarteto que por el momento es un trío, ya que Matt Kwasniewski-Kelvin se separó temporalmente para atender su salud mental, va narrando a lo largo del álbum historias sobre personajes que en suma podrían decir algo. En “John L”, el protagonista es un líder que termina abandonado por sus ya no fieles seguidores; en “Marlene Dietrich”, la protagonista es la famosa actriz alemana, ícono que robó aliento y entretuvo a un público mientras sufría por dentro; y en “Dethroned” la agrupación cuenta sobre el que alguna vez tuvo todo el poder y ahora se ha quedado sin nada, muy parecido a “John L”, solo que a este rey le ha ido peor.

Cameron Picton puntualiza sobre las letras de las canciones y si es que hay algo detrás de ellas. “Los temas del álbum son personajes coloridos, locos e interesantes. Hay temas políticos, pero no creo que sea político en sí, es a través de las historias de estos personajes donde salen las ideas. No es sobre este tiempo, es sobre épocas pasadas. De ahí viene el título del álbum, es una cabalgada o un carnaval de personajes. Probablemente las letras tengan más cohesión que las canciones”.

¿Qué sucede en Reino Unido?, ¿Es el Brexit?, ¿Es el resultado de los diferentes géneros musicales al alcance de la nueva generación?, ¿Es la ausencia de protesta en la música que ha despertado la inquietud de las nuevas voces? ¿Es algo económico? El surgimiento del post punk en Inglaterra estuvo vinculado con las condiciones sociales y la falta de oportunidades, al igual que el grunge en Seattle. Esta vez un turba de grupos traen un peculiar sonido, en algunos casos, la presencia del bajo sigue pesando, en otros, el sintetizador tiene un protagonismo, pero las características principales son la fuerza que genera la combinación de otros instrumentos, las trompetas o las cuerdas; y una voluntad por componer de manera ambiciosa en canciones aventuradas. Por ahora, black midi al frente del contingente. Escuchar sus pasos.

Zemmoa y Tessa Ia presentan su sencillo “Mi Amor Soy Yo”

Posted on junio 4, 2021 by -

¡Ámate primero a ti y después a los demás!

Por ahí dicen que para poder amar a alguien más, primero debes amarte a ti mismo. Y es verdad, o por lo menos eso plantea Zemmoa en "Mi Amor Soy Yo", el cuarto sencillo de su próximo álbum de estudio Lo Que Me Haces Sentir, que llegará en octubre vía Zemmporio Records. 

Para este lanzamiento la cantautora convocó a Tessa Ia, con quien hace un interesante dueto que fluye entre ondas de electro pop. Juan Soto se encargó de producir la melodía utilizando un ketytar de Trans-X. Los sonidos calmos, frescos y dulces abrazan el mensaje de las intérpretes que tal como indicamos anteriormente, se centran en reconocer al self love como prioridad en la vida. Hay que valorar lo que sentimos. Si es necesario cuestiónate, realiza una introspección y ¡ámate a ti mismo!

He tenido una vida de mucha resiliencia y también de mucho privilegio, pero he vivido un proceso muy largo para poder cantar esta canción que es importante que salga en el mes del Pride", explicó Zemmoa en un comunicado de prensa.

Te compartimos a continuación la canción ¡Disfrútala!

"Mi Amor Soy Yo" continúa a la publicación de temas como "Velocidad" y "Ya Te Vi", que también serán incluidos en el nuevo álbum de Zemmoa. Por su parte, Tessa Ia liberó recientemente su EP Naïf (2021). Si aún no lo has escuchado te invitamos a hacerlo.

Low Roar libera el tema “Everything To Lose” y anuncia álbum 

Posted on junio 4, 2021 by -

Inmiscuye tus sentidos en la espacialidad del próximo sencillo del cantante islandés.

Un día nublado de enero dentro de una habitación solitaria, ambientado con texturas suaves y tonos brillantes que contrastan “con un sentimiento semi-apocalíptico”: Este es “Everything To Lose”, lo nuevo del proyecto norteamericano Low Roar y el primer adelanto de su quinto álbum de estudio maybe tomorrow…, que será publicado el 30 de julio a través de Pedro Y El Lobo. 

El músico y cantautor Ryan Karazija replica voces melancólicas, letras profundamente personales, y amplias atmósferas con las que retoma secuencias electrónicas con instrumentos de cuerda y aire. Para esta producción, el cantante apela a una estructura más evolutiva, en la que “ya no está preocupado en presentar hooks pegajosos que atrapen inmediatamente, sino en construir ambientes que se desenvuelven lentamente y en los que el escucha se puede desvanecer”. 

Producido por Andrew Scheps (ganador del Grammy por su trabajo con Red Hot Chili Peppers/Adele) y Mike Lindsay (miembro de la banda británica Tunng), este sencillo nos conduce con una repetitivo loop inicial que genera tensión durante los cinco minutos de tema, y transiciona lentamente hasta abrir el espacio por completo. 

maybe tomorrow… promete ser “un álbum hecho y derecho, para escucharse de principio a fin”, repleto de folk, dream-pop, ambient y electrónica. 

Escucha “Everything To Lose” a continuación:

 

A 25 años del 'Load' de Metallica

Posted on junio 4, 2021 by -

Cinco años tardaría Metallica, desde la publicación de su llamado “Black Album”, para crear las canciones de Load, su sexto material discográfico, en el que la mancuerna Hetfield-Ulrich volvería a hacer de las suyas, acaparando gran parte del proceso creativo, el cual, dicho sea de paso, ya presentaba síntomas fuertes de saturación emocional en su interior.

De nueva cuenta, el encargado de la producción sería Bob Rock, tan odiado por los viejos fans de Metallica, haciéndolo responsable de que la banda se inclinara más hacia el mainstream y dejar en el olvido ese thrash metal que los llevó hasta lo más alto en la escena y por el que, hoy en día, se hicieron de millones de seguidores en todo el mundo.

Una vez posicionados en el mainstream, con millones de discos vendidos por Metallica -el álbum-, ¿cuál sería la apuesta para Load? La banda, en aquel entonces, se mantuvo hermética al respecto y, entre los fans, había una leve esperanza de que Metallica retomara el camino del thrash después de experimentar con su álbum homónimo.

La respuesta llegaría el 4 de junio de 1996, fecha oficial del lanzamiento de Load, y Metallica parecía cavar su propia tumba. El mensaje de unos renovados James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett y Jason Newsted era claro: conquistar a una nueva oleada de seguidores que comenzaba a crecer con MTV y una oferta musical más accesible y no tan compleja.

De entrada, cada uno de los miembros de Metallica se cortaría el cabello (Jason lo haría unos años antes), dando pie a una nueva etapa en la historia del grupo, una nueva era de experimentación que, para nada, cayó bien en su séquito de fans y en la crítica especializada, pese a que James, Lars, Kirk y Jason decían sentirse orgullosos del trabajo realizado en Load.

No es que Load sea un mal disco en su totalidad, pues, pese a todo, posee canciones que recuerdan un poco al viejo Metallica (“The Outlaw Torn”) y en algunos temas la experimentación rindió buenos frutos (“Mama Said”, “Until It Sleeps”), pero es claro que no es el mejor trabajo del cuarteto y es, quizás, un álbum olvidable.

Musical y líricamente, Metallica dio un cambio radical; era como si se tratara de otro grupo y no el creador de una obra maestra como Master Of Puppets (1986). Incluso, las canciones de Load, de haber sido interpretadas por otra banda, habrían funcionado muy bien, pero tratándose de Metallica resultaba inconcebible.

Por otro lado, el éxito de Load se vio reflejado en las ventas del disco y, principalmente, en los nuevos fans que se acercaron a la banda gracias a MTV y a la exposición mediática. En ese sentido, James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett y Jason Newsted lograron su cometido.

Las sesiones de grabación, incluso, dieron el material suficiente para lanzar un álbum doble, pero, por decisión de la banda, para 1997 llegaría ReLoad y, con él, se cerraría el ciclo de experimentación fallida de Metallica; fallida porque, si bien dejó algunas buenas impresiones (“Fuel”, “The Memory Remains”, “Fixxxer”, “Carpe Diem Baby”), al final hablamos de dos de las peores producciones de Hetfield y compañía, dos discos, sencillamente, intrascendentes.

El rock infiltrado: algunas referencias en la música urbana

Posted on junio 4, 2021 by -

Conoce o redescubre la historia de distintos samples y referencias musicales que géneros como el hip hop, rap, trap y reggaetón le han hecho al rock en hispanoamérica.

Así como cualquier género musical globalizado, el rock ha trascendido su país de origen con los años y se ha extendido por el mundo de manera exitosa durante al menos cinco o seis décadas. Hoy en día es normal que casi todas las naciones, al menos del mundo occidental, cuenten su propia historia del rock, con sus artistas, festivales e impactos culturales respectivos.

Dejando del lado cualquier tipo de fanatismo que pudiera existir, es posible afirmar que muchas vertientes sonoras se influencian, mezclan y conviven entre sí para darle a la música un valor diferente y ayudar a su evolución. Incluso algunas escenas que parecerían completamente alejadas pueden acercarse, ya sea con un sample, una referencia o algún homenaje, y es positivo pensar que nada está peleado con nada.

A continuación te presentamos algunos guiños que artistas de la música conocida popularmente como urbana, de donde se incluyen géneros como el rap, trap, electrónica, hip hop y reggaetón, le han hecho a las leyendas del rock en español.

De Calle 13 y Gustavo Santaolalla.

Hay que decirlo, "Latinoamérica" es una de esas canciones que nos tocan una fibra sensible a todas las personas que vivimos en el continente. Hace poco más de una década que fue concebida para el legendario Entren Los Que Quieran, y la emoción aún es fuertísima al escucharla y también al disfrutar de su conmovedor video musical. Una de las historias conocidas, aunque ya lejanas, de este tema es la base sobre la que fue escrita por Residente, quien se inspiró en una de las canciones más significativas de la carrera de Gustavo Santaolalla.

Eduardo Cabra, conocido como Visitante, cuenta como testimonio en una entrevista al periodista argentino Fede Bareiro que la primer letra escrita por René Pérez Joglar se hizo sobre un sample en loop del tema de "Apertura", hecho por Gustavo Santaolalla para la película Diarios de Motocicleta. Esta canción fue compuesta en compañía de Don Markese, Braulio Barrera, Javier Casalla y Anibal Kerpel.

El soundtrack que sirve para el filme de 2004 que ilustra los viajes realizados por Ernesto "El Che" Guevara y Alberto Granado por América del Sur durante los cincuentas, y que además ganó el Óscar a Mejor Canción Original gracias a "Al Otro Lado Del Río" de Jorge Drexler, serviría de inspiración seis años después para ser la base de "Latinoamérica", una de esas obras que siguen conmoviendo. Otro motivo importante de este sampleo es el ritmo, que está a seis octavos. Para la canción de Calle 13 se usa un ritmo tradicional del continente que se puede escuchar en la jarana, el son jarocho y la chacarera. Además, Santaolalla colabora con su instrumento de cuerdas, el ronroco.

Escúchalas y compáralas a continuación.

Calle 13

De Eminem y Flying Lotus a Luis Alberto Spinetta

2020 nos dio durante el mes de enero un par de noticias un tanto inesperadas, la primera era la llegada de un segundo álbum póstumo de Luis Alberto Spinetta llamado Ya No Mires Atrás y la segunda fue un sample a una de las canciones del "Flaco", que llegaría desde Estados Unidos por parte de un rapero consagrado como Eminem.

En Music To Be Murdered By, específicamente para la canción "Stepdad", el rapero crea una base con el riff de guitarra hecho en 1973 del tema "Ámame Peteribí", que pertenece al disco Pescado Rabioso 2 y es encarnado por la leyenda del rock argentino. Además, Eminem iguala la melodía de voz de Luis Alberto Spinetta en los coros de su track. Disfruta de esta referencia a continuación que tiene una tonalidad un poco más alta respecto a la original.

En uno de los muchos trabajos brillantes que ha hecho Flying Lotus como productor se encargó de tomar parte de "A Estos Hombres Tristes" del álbum homónimo de Almendra, la primer banda que lideró Spinetta y que fue un génesis en el rock argentino, específicamente del segundo 45 hasta el primer minuto. Esto para la canción "Gone Fishing", lanzada en 2012 por Captain Murphy.

Podemos escuchar esos 15 segundos en bucle con una tonalidad más grave, aunque mientras se desarrolla la canción aparecen otras secciones musicales del tema de Almendra. Pasa a escuchar aquí abajo.

De WOS a Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota

En 2019 llegó Caravana, uno de los discos más importantes de la música en Argentina que venía de la mano de uno del referente número uno del freestyle en ese país, WOS. A lo largo de poco más de 20 minutos se percibe un disco lleno de energía, con muchos sonidos que provienen del rock, y justamente en la canción más agresiva de todo el álbum que lleva como nombre "Luz Delito", Valentín Oliva toma un riff de guitarra perteneciente a Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota.

"Luz Delito" está inspirada en "Luzbelito y Las Sirenas", canción que abre el álbum de 1996 de la agrupación liderada por "El Indio" Solari y Skay Belinson. Además del riff de guitarra, la letra de WOS parece contradecir al personaje que protagoniza la historia que cuenta la legendaria banda de rock argentino, ya que el de 2019 se torna contestatario y harto de la situación, mientras que el de hace 25 años es un personaje retraído, pese a ser rudo. Finalmente, el primer track de Caravana, llamado "Canguro" enuncia "Fijate de que lado de la mecha te encontrás", haciendo referencia a "Queso Ruso", también de Los Redondos.

De Ca7riel, Duki, 2 Many DJ's y Earl Sweatshirt a Charly García

La avanzada del trap en Argentina detonó de una manera tan rápida que brotaron exponentes por todos lados. Uno de los más exitosos al día de hoy es Ca7riel, quien a veces hace dupla con Paco Amoroso, y para su EP de 2018 llamado Povre, aprovecha para samplear siete segundos de "La Grasa de Las Capitales" de Serú Girán, esto en su tema "Terrible Kiko". Es justo la parte instrumental de la canción de1979 que va del minuto dos con dos segundos que el artista recorta, baja el ritmo y pega, todo para repetir en loop las pequeñas notas de piano que se mezclan con beats.

Otro ejemplo interesante llega desde Estados Unidos con el rapero Earl Sweatshirt, quien en su canción de 2019 llamada "Whole World" se inspira en la base de "Tango En Segunda", obra que pertenece a Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones de Sui Generis, haciendo énfasis en el ritmo y la armonía a partir del minuto uno con cuarenta segundos. Checa a continuación.

Uno de los representantes del trap más importantes en Latinoamérica es Duki, quien ha rendido homenajes a Charly en distintas ocasiones a través de su música y de declaraciones a la prensa. El tema "Ferrari" es un ejemplo y la siguiente declaración también: "Si es por mí, Charly me puede decir que soy un mocho de mierda, hijo de mil putas, y va a estar todo bien. Lo amo. Lo fui a ver a Vélez en 2009, ese día que no paró de llover, y la rompió".

Duki

2 Many DJ's estaba de visita en Buenos Aires durante 2014 y querían usar música que fuera bandera de Argentina, por lo que le preguntaron a una de las personas encargadas de cuidarles si era posible decirles alguna canción de los setentas u ochentas para incluir en su DJ Set. Esta persona respondió con 15 temas, de donde el proyecto que a veces se llama Soulwax determinó usar "No Me Dejan Salir", que casualmente es el primer sample en la historia del rock argentino y pertenece a Clics Modernos. ¿El resultado? un éxito, que además culminó en un mashup con "Lotus" de Mumbai Science.

De J Balvin y Bad Bunny a Enanitos Verdes

Oasis es uno de los discos más exitosos en la historia reciente del reggaetón. La obra de ocho tracks que unió a Bad Bunny con J Balvin tiene un impresionante trabajo en producción liderado por personajes como Tainy, quien es uno de los referentes actuales en el estudio, y que ha colaborado con artistas como Kali Uchis. Curiosamente, para la canción "Un Peso" aparecería una referencia al legendario "Lamento Boliviano" de Enanitos Verdes.

Al minuto uno con cinco segundos podemos escuchar a J Balvin entonar "Y tu corazón idiota siempre me extrañará" bajo la misma métrica del "Y mi corazón idiota siempre brillará" del clásico del rock en español. Y bueno, al final del tema colabora el mismo Marciano Cantero con algunas líneas. Escucha a continuación.

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De C.Tangana y Andrés Calamaro

El Madrileño está lleno de referencias a la música con la que C.Tangana creció. Podemos ubicar una pequeña referencia a "Corazón Partido" de Alejandro Sanz, un sample de "Campanera" de Joselito y un homenaje a una de las frases más famosas hechas por Andrés Calamaro. "Tengo un cohete en el pantalón", que pertenece a "Mil Horas" de Los Abuelos de La Nada se interpreta en los coros de "Hong Kong", pista que cierra el disco y donde colabora el mismo cantante argentino.

Si bien es muy obvio este guiño, dentro del video musical se puede escuchar un diálogo donde Anton le agradece a Andrés haberle dado esa frase a modo de regalo. Si lo miramos en retrospectiva parece que esa frase ha evolucionado de forma positiva en su andar, esto al haber sonado en new wave, cumbia y ahora llegar en un tema roquero.

C tangana_andrés calamaro

De Ill Máscaras a Caifanes

Sabemos que "La Negra Tomasa" no pertenece a Caifanes, más bien es una obra de Guillermo Rodríguez Fiffe. Lo que si sabemos es que la versión de la legendaria agrupación mexicana fue revolucionaria para el rock nacional, ya que abrió paso a la experimentación con otros géneros. Esta canción ha sido llevada a distintos géneros, ha tenido cambios importantes en su letra, pero la versión de los antes Jaguares es tan importante que también ha sido sampleada.

El afamado rapero mexicano llamada Ill Máscaras toma la métrica de la canción de "La Negra Tomasa" para los coros de "Enmascarado y Enamorado" como han hecho muchos, pero curiosamente decide samplear las guitarras hechas por Caifanes para la parte de los versos. Un detalle muy interesante que te invitamos a conocer.

De Alemán a Molotov

Es bien sabida la mezcla de sonidos e interacciones culturales que puede implicar la obra que ha construido Alemán a lo largo de su trayectoria y en su sencillo de 2019 llamado "Del 98" hace un homenaje a todas las canciones y bandas de rock con las que creció. Desde el video musical donde aparecen infinidades de nombres hasta referencias a bandas consagradas en su letra, es un repaso por la cultura musical con la que muchos crecimos.

Justo al minuto con cuarenta segundos Alemán samplea en un ritmo más lento del original el coro de "Puto", la canción legendaria de Molotov, principalmente en el aspecto de las voces. Te invitamos a oírlo.

De Quebonafide a Héroes del Silencio

¿Quién es Quebonafide? es entendible no reconocer su nombre cuando nos damos cuenta que es un afamado rapero de origen polaco. Curioso hablar de ese país, y sobre todo al hacer mención de una referencia tan directa, ya que en 2016 lanzó la canción "Quebahombre", un trap oscuro donde aprovecha para hacer mención a su amor por lugares como México.

A partir del minuto tres con dieciocho segundos la cosa se pone rara. Las voces del verso final que encarna Enrique Bunbury para "La Chispa Adecuada" son sampleadas de una forma tan brillante que ayudan a dar un final épico a una canción que por su idioma está lejos del registro, pero que emula una pasión ya conocida. Disfruta a continuación.

BONUS TRACK: De Kanye West a Armando Manzanero

Esta historia se ha hecho popular los últimos meses, pero vámonos por partes. "Somos Novios" de Armando Manzanero fue un éxito brutal en los sesentas, al grado de ser traducida al inglés por Syd Wayne y que llevaría el nombre de "It's Impossible". Sería interpretada en primera instancia por Perry Como, aunque después aparecerían versiones de Elvis Presley, Christina Aguilera y Andrea Bocelli.

En 2006, cuarenta años después, aparecería Kanye West con "Impossible", una canción que tomaría los coros "It's Impossible" de la versión en inglés, que para el español sería el tradicional coro "Somos Novios". Te invitamos a descubrir por partes esta obra.

¿Qué otros samples al rock en español conoces? Unete a la conversación en las redes sociales de Indie Rocks!

Andrés Calamaro — Dios Los Cría

Posted on junio 4, 2021 by -

La sutileza de galopar por caminos desconocidos. En Dios Los Cría, Andrés Calamaro cambia las vestiduras de sus clásicos y nos embarca en una nueva aventura llena de elegancia y melancolía.

"Siempre seguí la misma dirección, la difícil, la que usa el Salmón" pronunciaba Andrés Calamaro hace 21 años en la canción que sería una de sus obras que lo definirían, al grado de dejarle como apodo el título. Si, "El Salmón" era una especie de visión de lo que siempre ha sido el autor de Buenos Aires, un hombre que suele tomar decisiones complicadas, ir por los caminos complejos y enfrentarse, con su voz de cantante, a cada uno de los ruedos que ha visitado musicalmente hablando. Dios Los Cría es un rumbo distinto, donde se reinterpreta a sí mismo.

Fue grabado y producido en 2017, así que estuvo enlatado cuatro años. El encargado de la producción fue Carlos Narea, quien ha colaborado en obras memorables dentro de la música hispana como El Amor Después del Amor de Fito Páez, En Esta Ciudad de Cecilia Toussaint, así como algunos trabajos discográficos de Hombres G, Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina, solo por mencionar algunos ejemplos. Liderando los arreglos de piano y del trío estuvo a cargo Germán Wiedemer, quien ha sido un brazo derecho para Andrés desde hace ya tiempo.

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"Aferrarse a las espinas de las rosas..."

Dios Los Cría es una obra que lleva los clásicos de Andrés Calamaro hechos entre 1989 y 2013 al ritmo del bolero, aunque también se mezcla con el flamenco y el tango. Se podría decir que estos géneros ya han sido utilizados por el cantante, de inmediato viene a la memoria aquel cover a "Mareo" de Babasónicos para Volumen 11, las interacciones con la música tradicional española en Los Rodríguez y el tango de "Jugar Con Fuego" de Honestidad Brutal. Lo importante para este nuevo álbum es, que todas las diecisiete obras están completamente cercanas al ya mencionado bolero.

La selección de temas para este disco se retoman de sus obras en solitario mayoritariamente, pertenecen a registros como Nadie Sale Vivo de Aquí del 89, Alta Suciedad y Honestidad Brutal de los noventas, El Salmón, El Cantante y El Palacio de Las Flores, lanzados entre 2000 y 2006, así como Bohemio de 2013. Además incluye tres piezas que Calamaro compuso para Los Rodríguez, específicamente tomados de Buena Suerte y Palabras Más, Palabras Menos, además de la canción "En Algún Lugar Encontraré", que fue hecha para la película Caballos Salvajes de 1995.

Diecinueve invitados ayudan a mostrar esta nueva perspectiva de las grandes canciones en Dios Los Cría. Tenemos desde leyendas de la música como el ex portero del Real Madrid, Julio Iglesias, Raphael y León Gieco hasta cantantes que protagonizan la escena musical en España y Latinoamérica como puede ser Leiva, Mon Laferte y Sebastián Yatra. No se puede dejar del lado a otros grandes de la historia musical en nuestro idioma como puede ser Vicentico, Julieta Venegas, Lila Downs, Saúl Hernández y Alejandro Sanz.

La evolución sonora, además del cambió en la instrumentación, es protagonizada por lo que es el aspecto más importante del álbum, la interpretación. Este disco de duetos respeta las líneas melódicas originales, aunque aprovecha para darle giros radicales en algunos momentos, si ya conocías las canciones entonces el factor sorpresa es un detalle lindo.

Tracks como "Flaca", "Tuyo Siempre", "Algún Lugar Encontraré", "Jugar Con Fuego" y "En Un Hotel de Mil Estrellas" se muestran respetuosas en el aspecto melódico de voces al ya conocido. El mérito de estas obras son los espacios instrumentales, donde el protagonismo de música sublime es el encargado de colorear los oídos con arreglos de piano, vientos y percusiones bajo estilos tan elegantes que te hacen sentir en medio de una bohemia, llena de bebidas oscuras, trajes negros y melancolía nocturna.

Andrés Calamaro

Resignificación.

Andrés me comentaba hace unos días en una entrevista que temas como "Paloma" se hacen en vivo "como siempre y como nunca, nunca dos veces iguales". Lo anterior lo señala porque con el tiempo ha evolucionado él como interprete, y está claro que no es el mismo que en el 98 grabó Honestidad Brutal. Curiosamente "Paloma", que es uno de los himnos más grandes del "Salmón", tuvo antes otra reversión, la de Romaphonic Sessions que estuvo hecha a puro piano y en un tono y medio más grave.

Para esta ocasión adquiere un valor nuevo, ya que aquellas guitarras crujientes salen del campo y entran unos pianos dulces que con las percusiones crean una pista envolvente, que levanta las ganas de llorar. Enorme mérito el de Ivan Ferreiro, Leiva y Sebastián Yatra, que cada uno es fiel a su estilo y hacen de la textura de "Paloma" algo muy satisfactorio, creo que para nada se queda corta.

"Estadio Azteca" tiene una interpretación completamente distinta al resto y mucho tiene que ver el trabajo de Lila Downs. De entrada puedes desorientarte un poco, pero vale la pena conocerle este giro a una obra que nació grande. Entre las teclas que quizás dejan de ser tan dramáticas como las tradicionales, Lila y Andrés enuncian al final algunos versos, donde el de Buenos Aires repite aquella frase que evocó durante el famoso cover de "Crimen" en homenaje a Gustavo Cerati junto a Enrique Bunbury en 2014: "Gracias le doy a la vida, gracias le doy al señor, porque entre tanto rigor y habiendo perdido tanto, no perdí mi amor al canto ni mi voz como cantor".

Por supuesto que tampoco se puede dejar de pensar en el fallecido Diego Armando Maradona y el vivo Marcelo Scornik, quienes dejan su alma y esencia para siempre en este tema.

Para dos de las reversiones de Los Rodríguez, Andrés optó por el flamenco, es así que "Engánchate Conmigo" del treintañero Buena Suerte tiene un ritmo fluido y poderoso junto a las voces de juanes y los arreglos de Niño Josele. Por otra parte, "Para No Olvidar", que en su versión de Palabras Más, Palabras Menos era un poco más tropical, enfrenta un cambio de ritmo que te obliga a bailar, acompañado de un poderoso solo de guitarra acústica. Tal vez es el tema más rabioso del álbum.

Sorprende mucho escuchar nuevamente algunas piezas que parecían olvidadas como podría ser "Horizontes" y "Gaviotas" de El Salmón. También se rescata "Mi Bandera" de El Palacio de Las Flores, "En Un Hotel de Mil Estrellas" de Los Rodríguez y "Pasemos a Otro Tema", que recuerda su errante primer etapa solista, de donde Nadie Sale Vivo de Aquí logró hacer mucho con pocos reflectores.

Dios Los Cría me hace pensar siempre en Bohemio. Se podría decir que fue su último gran álbum (por ahora), una estocada brillante que le hizo ser todavía más legendario de lo que ya era en una década donde estaba destinado a las tierras del olvido. Tal vez desde ese lanzamiento muchos pensábamos en Andrés como esa figura de torero elegante, no solo era un roquero histórico, era un hombre de la noche, era el cine, los tragos y los lentes oscuros. El nuevo disco tal vez era algo que imaginábamos algunos desde aquel entonces.

Justo la canción homónima a ese registro le hizo ponerse mano a mano con Julio Iglesias, un hombre que si que sabe lo que es ser bohemio y que relata con su interpretación un umbral más suave, pero igual de impactante. El otro tema es "Tantas Veces" donde las voces de Mon Laferte y Calamaro se funden en un pasional cántico que conmueve desde los primeros alientos, es tal vez el punto más alto en todo el disco.

Andrés Calamaro_

"Dentro de la propia sombra de una canción... está la vida"

Dios Los Cría concluye en ser un acercamiento muy humano a la obra de Andrés. Detrás de todo ese personaje tan histórico y provocativo existe una visión muy humana de lo que puede ser la pasión, los dolores y las múltiples faenas a las que nos enfrentamos día a día. No puedo dejar del lado esa frase de "Dentro de Una Canción" (que no fue reversionada) como una síntesis de las cosas que uno se encuentra al recurrir a su discografía.

No son los grandes himnos lo que son por sus ventas, tampoco lo son por el personaje que está detrás de ellos. Es la conexión que existe con el escucha y la bandera que pueden representar para ellos en momentos de gloria o adversidad dentro de su vida lo que los vuelve himnos, canciones que incluso la gente quiere oír el día de su boda, o que quieren que sea la música de fondo en sus velorios. Andrés Calamaro es el claro ejemplo de la importancia de hacer letras inteligentes, y con Dios Los Cría les da un nuevo aire, para que conecten con el mundo desde una nueva óptica. Disfrútalo a continuación.

Andrés_Calamaro

Entrevista con Gaspard Augé

Posted on junio 4, 2021 by -

La mitad de Justice presenta Escapade(s) su álbum solista.

Su melena rizada, un tanto despeinada como quien se acaba de despertar. Una camisa entre gris y morada y unas gafas de sol. Atrás: unas repisas repletas de libros. Gaspard Augé está en París, listo para escapar de la ciudad. No se refiere a ir de gira y mucho menos a extrañar la vida nocturna. Simplemente quiere un respiro de la capital francesa. “Hemos viajado mucho con Justice, pero de alguna manera no vemos mucho de los lugares a los que vamos. Estar de gira no es tan glamoroso como la gente piensa, es como la película Groundhog Day (Harold Ramis, 1993), un loop en el que tocas, te subes al autobús, apareces en otra ciudad, tocas, te subes al autobús… Además hay muchos períodos de inactividad”, explicó.

Ya que ha mencionado la banda que lo llevó a la fama, Gaspard aprovecha para aclarar que su disco solista no quiere decir que la dupla se acaba. “Es muy agradable, no hubo un descanso, yo seguía trabajando con Xavier [De Rosnay, el otro miembro de Justice] mientras grababa mi álbum. Estábamos colaborando en un proyecto de Grimes y grabando nuestro próximo disco. Todo sigue muy conectado y no hay un truene de la banda”, dijo.

Y es que a lo largo de casi 20 años de trayectoria, la banda ha logrado un perfecto equilibrio. “Todo es muy democrático, si a uno no le gusta algo, se quita. Pero claro, hay un nivel de compromiso, una necesidad de llegar a acuerdos. Creo que justamente eso es lo distinto o difícil de trabajar solo; no tienes esa limitación ni esa retroalimentación entonces puedes perderte. Sin embargo creo que eso es positivo; sales de tu zona de confort. También mentiría si el pensamiento de que ya tuve cierto éxito con la banda no pasó por mi mente durante mi proceso creativo en solitario, pero luego recordé que el éxito no era la motivación para Escapade(s). Simplemente estoy orgulloso de lanzar nueva música, es algo accesible, no es un álbum de free jazz, si bien es música sin letra y sin la estructura pop de verso-coro, son rolas fáciles de escuchar, con emociones y melodías que pueden absorberse fácilmente”.

Ahora Gaspard se levanta de su silla y a través de la cámara comparte un recorrido por su estudio: “Este teléfono (negro y con forma de gato) lo uso para grabar mi voz y lograr ciertos efectos. Lo compré en un mercado de pulgas y lo mandé modificar. Estos son cuatro sintetizadores. Visualmente mi favorito es el que tiene muchos colores (amarillo, verde y rojo), es una especie de Frankenstein, porque tiene el sintetizador, el piano clásico y partes de un órgano, todo en uno. Pero quizá mi favorito sea otro que es plateado. En realidad a cada uno le doy un uso específico según el sonido que quiero lograr. Luego, tengo este robot blanco que sólo es decorativo pero apareció en un video de Justice”.

Ese último objeto ejemplifica a la perfección el interés de Gaspard por lo visual. “Siempre me ha interesado el diseño gráfico, esa es la escena que me emociona más además de la música. Colecciono álbumes desde hace mucho tiempo, no tengo tantos pero me encanta elegirlos por sus portadas, muchos de ellos los compré por eso sin saber de qué música eran. Por eso me empeño en tener buenas portadas en mis proyectos, me gusta que sean objetos que provoquen una emoción fuerte y estimulen tu imaginación. Es interesante imaginar la música con sólo ver una imagen, como entrar en un mundo de fantasía”, explicó.

De hecho, fue gracias a una portada que de adolescente se adentró en el metal. “Las portadas de Tool me fascinaban al igual que el diseño gráfico de Iron Maiden con sus criaturas zombies. Yo creo que esas imágenes son una de las razones por las que esa música atrae tanto a los chavitos. También soy fan de lo que hizo Hipgnosis, un estudio de diseño en los 70, 80 y 90. Hicieron el prisma de Pink Floyd, por ejemplo. Aunque pensando en una perspectiva más de sonido, quizá lo primero que me influenció fue Metallica. Tenían todo el paquete: las portadas, la música, los videos”, dijo.

Ese espíritu de lograr “todo el paquete” quedó plasmado en el video de “Force Majeure”. “El trabajo en bronce fue una inspiración. Es casi mitológico, muy de los elementos naturales; aire, tierra, agua, fuego.  El hecho de que se trabaje a mano, las chispas que se crean, es algo muy bello y artesanal. Pero para nada es un paralelismo a la forma en que grabamos el álbum; sí usamos equipo análogo e instrumentos de cuerdas, pero también utilizamos mucho la computadora. Lo que fue divertido de ese simbolismo es que es un proceso brutal y rudo, de tener fuerza para martillar todo el día, es algo que requiere mucho esfuerzo físico pero que tiene como resultado objetos muy refinados y brillantes que son musicales. En ese aspecto, el video si refleja lo que es hacer música”, contó.

Otra cosa que caracteriza el disco fue grabarlo en un estudio profesional y no en uno casero. “Eso hace que tengas un programa de trabajo muy específico, el tiempo se agota, eso limita el proceso de retoque, tienes que tomar decisiones difíciles de forma rápida, hay menos tiempo para procrastinar en cada toma, pero eso fue benéfico. También fue interesante trabajar con mi amigo multinstrumentista. Yo había hecho todas las composiciones en mi estudio en casa, y llegar y probarlas con él y mezclarlas con los sintetizadores fue algo muy ágil. Además tuvimos a un coro femenino cantando en casi todas las rolas. Las contacté a través de amigos, todo fue muy family style. El papá de otro amigo es un gran flautista y un día vino al estudio a experimentar. Era una improvisación controlada pues ya todo estaba compuesto, pero a la vez hubo mucha libertad en el proceso de producción. Mucho mejor que trabajar solo en mi computadora”, concluyó.

Por ahora Gaspard no tiene planes de ir de tour para promocionar este álbum, pero espera en 2022 girar para promover lo nuevo de Justice.

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Posted on junio 4, 2021 by -

¡Junio va iniciando y lo hace con todo!

El tiempo nunca se detiene y la música tampoco. Parece que fue apenas ayer cuando Kali Uchis envolvió al mundo entero con "Telepatía", pero no, han pasado meses enteros desde que eso sucedió. En el lapso de este tiempo hemos conocido un montón de canciones nuevas de distintos géneros que nos han hecho suspirar, reír, bailar, llorar y por supuesto cantar.

Para que esta bonita tradición no se detenga y al contrario, siga creciendo, el equipo editorial de Indie Rocks! recopiló con mucha precisión los mejores cinco tracks que nos dejaron los últimos siete días. Desde Camila Moreno en colaboración con Ximena Sariñana y Lido Pimienta, hasta Anika y su regreso triunfal después de 11 años de ausencia, aquí te dejamos la selección de la semana.

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