Tegan and Sara comparte el video "U-Turn"

Posted on mayo 4, 2016 by -

Recorre las calles de Los Ángeles muy al estilo de Tegan and Sara.

En diciembre de 2015, las hermanas Tegan Rain Quin y Sara Kiersten Quin confirmaron el lanzamiento de un nuevo disco para este año. Desde ese entonces, nos han dado a conocer algunos detalles como la fecha de lanzamiento, el tracklist y el primer sencillo titulado "Boyfriend" acompañado de su propio video musical. En esta ocasión nos presentan el video para "U-Turn", su segundo single.

tegan and sara

En el videoclip podemos ver a las hermanas Quin conduciendo un auto deportivo de color amarillo hecho con cartón, mientras dan un paseo por las calles llenas de animaciones y texturas que parecen haber salido de un universo paralelo. La dirección estuvo a cargo de Seth Bogart, frontman de la banda Hunx and His Punx.

El octavo disco de Tegan and Sara, Love You To Death, contará con la producción de Greg Kurstin -Adele, Sia, Lily Allen- y tiene fecha de salida para el próximo 3 de junio a través del sello Warner Bros.

Aquí abajo te dejamos el video para "U-Turn" y el tracklist:

Tracklist de Love You To Death:

  1. That Girl
  2. Faint of Heart
  3. Boyfriend
  4. Dying to Know
  5. Stop Desire
  6. White Knuckles
  7. 100x
  8. BWU
  9. U-turn
  10. Hang on to the Night

Virgin Mobile presenta: Entrevista con Mariaxibit

Posted on mayo 4, 2016 by -

El disco Homónimo, los nacionalismos y la diversión dentro del coche en el tráfico.

Después de unos minutos de pensar cómo pronunciar correctamente el nombre, desde “mariacsibit”, “mariashibit” y “maria-Xzibit” (sí, como el de Pimp My Ride!), llegué a la conclusión de que “mariachibit” era lo correcto, y no solo por ser una mezcla entre el mariachi y el beat: esto va más allá.

“Realmente nosotros lo pronunciamos así porque nos damos la licencia de hacerlo, y queríamos que desde el nombre fuera algo que identificaran con México, y que vieran que son rolas originales, y sí, con ciertos toques como las trompetas, el cencerro, las cuerdas y percusiones, pero no que la gente pensara que eran canciones de mariachi con electrónica”, comentó Mariaxibit.

Con un look de barbita y lentes, Jordi y Ricardo platicaron con Indie Rocks! dentro de la estación de Metro Zapata, donde Mariaxibit dio un pequeño show presentado por Virgin Mobile en el pasillo de transborde entre la línea 3 y la línea 12, después de haberse presentado en Caradura y en Bajo Circuito el 23 de abril.

“La verdad es que fue un día difícil porque estaba el Vive Latino, estaba The Prodigy en El Plaza, y todo se atrasó. Tocamos un poco tarde y antes de ahí estuvimos en Caradura y estuvo muy bien, ¡fue barra libre! Pero tocar dos veces en una noche es pesado”, dijo Ricardo.

El concierto de Bajo Circuito fue un after del Vive Latino junto a Funker y La Chiva Gantiva, mientras que en Caradura compartieron escenario con Sikiti Boom, y en ambas esta dupla, orgullosamente, presentó su disco Homónimo. No, no se llama Mariaxibit, se llama Homónimo.

“Se iba a llamar Mariaxibit el disco, pero cada vez que nos entrevistaban nos decían ‘ah, ¿es homónimo?’, y ya llegó un momento en el que dijimos pues ya hay que ponerle así. Lo empezamos por ahí del 2013 pero estuvo realmente terminado a principios de 2014. Sacamos el primer sencillo, y el disco salió todavía un año después, así que lleva circulando unos 7 meses”, dijo Jordi.

Estos mexicanos cuentan con la ventaja de tener un estudio propio por lo que siempre se encuentran haciendo música nueva. Hasta ahora llevan ya la mitad del segundo disco, pero al mismo tiempo pueden hacer canciones comisionadas, como la vez que les pidieron una rola que formaría parte de un disco para el equipo de los Tigres de Monterrey.

Mariaxibit es un dúo que integra los talentos por separado de sus miembros, quienes están conscientes de que la música que crean solos nunca suena a Mariaxibit. “Por eso sé que él nunca se va poder robar el proyecto, porque no sonaría a lo mismo”, bromeó Jordi.

Se formaron como músicos profesionales de manera muy distinta: Jordi aprendió en casa pues nació en una familia de músicos, mientras que Ricardo comenzó tocando la guitarra y descargando tablaturas en Internet, y ahora tienen habilidades que se complementan para crear el sonido de Mariaxibit.

Ambos saben que, a pesar de tener más oportunidades para darse a conocer en esta época digital, es muy difícil que te pongan atención si no eres alguien con una carrera establecida, por lo que no descartan conseguir el éxito fuera de su propio país con la ayuda de las plataformas musicales cibernéticas, como muchas bandas y solistas han hecho a lo largo de sus carreras, aunque nunca está de más recibir algo de apoyo de la gente que los rodea, así que puedes escucharlos en Soundcloud o Spotify, y si quieres contactarlos en sus redes sociales serán ellos mismos los que te respondan.

Clemente Castillo - Eureka

Posted on mayo 4, 2016 by -

No todo es Jumbo en la carrera de Clemente Castillo.

A través de los años, Jumbo, una banda de Monterrey que llegó con fuerza al rock mexicano a finales de los 90, poco a poco se fue estancando en un sonido, que si bien le funcionó en sus primeros años, con el paso del tiempo provocó que no cosechara nuevos fans y que algunos de sus viejos seguidores los mantuvieran relegados ante la salida de nuevas propuestas. No es que se volvieran malos, más bien les faltaba el ingrediente clave que debe tener cualquier agrupación que quiera trascender: frescura. Eureka tiene esa frescura que necesita Jumbo. Desgraciadamente el disco solo tiene el crédito de su vocalista, Clemente Castillo.

El álbum podría dividirse en dos partes. La primera serían las canciones que parecen haber quedado relegadas por los regiomontanos -el vocalista debería de agradecer a sus compañeros si este es el caso-. En esta lista podemos incluir tracks como “Fantasmas”, primer sencillo, alegre musicalmente y con letra motivacional; “Cápsula”, en la que comparte la voz con su amigo Chetes; y “¿Ves o No Ves?” así como “Cosas Infinitas”, que complementan la mitad jumbesca del disco.

La segunda parte se aleja del sonido tradicional de Clemente. En ella podemos encontrar reggae (“¿Dónde Están?”, con un rap de Pato Machete) o pop alegre (“Todavía No”). “Guarida” y “¿Qué Nos Trajo Aquí?” representan tranquilidad. La primera es un rock tranquilo, mientras que la segunda es una balada pop que cuenta con la participación de Daniela Spalla.

Existen dos canciones que hay que mencionar aparte. Una es la versión de “Calaveras y Diablitos”, original de Los Fabulosos Cadillacs, en la que colabora Celso Piña con su voz y acordeón. El cover le sale bien, adaptándola del reggae a una especie de bolero moderno. Aunque no es la mejor interpretación de este tema, es buena y queda muy bien con el concepto del disco.

La otra que merece una atención especial es “Dum Dum”, último track del disco, que resalta por ser instrumental y por usa el tarareo para llevar la melodía.

Clemente Castillo ha demostrado que todavía tiene música para dar. Ojalá sus colegas de Jumbo se den cuenta de eso y refresquen su sonido. Y si no, pues tenemos Clemente para rato.

John Carpenter – Lost Themes II

Posted on mayo 4, 2016 by -

John Carpenter no solo hace cine. Acá la reseña de la segunda parte de su Lost Themes.

El aclamado director de cine John Carpenter, conocido en los 70 y 80 por aquellas películas de terror de dudosa calidad en la producción, pero chidísimos pósters promocionales, ha regresado para seguir desarrollando su faceta como compositor. No es un simple capricho. Más de cuatro décadas de composición de soundtracks lo avalan, prácticamente compuso la música entera para la mayoría de sus largometrajes. Y cuando no lo hacía, dejaba la tarea a manos expertas, como a un tal Ennio Morricone en The Thing de 1982.

Los soundtracks para películas de terror influenciados por Carpenter están de regreso, con ominosas piezas en el sintetizador puntualizando sutilmente las escenas climáticas dentro del género, pero no esperen encontrar eso en Lost Themes II. En este nuevo álbum, Carpenter parece que se ha tragado a Yanni y le ha dado unos mordiscos a Vangelis. Desde el primer número, “Distant Dream”, Carpenter se deshace de la sutileza y la insinuación para atacar a su escucha con sonidos electrónicos agresivos, una batería esquizofrénica y un bajo -ecualizado al estilo grunge/nü-metal- muy insistente.

“White Pulse” empieza con la musicalización que le conocemos, un piano nervioso que indica que algo no anda bien a nuestros alrededores, antes de que se aparezca un tipo que se cree Neil Peart para pegarle duro a la batería eléctrica. De todos modos, el buen gusto nunca ha sido precisamente uno de los mejores atributos de Carpenter.

Muy a su -nueva- manera, el compositor entrega piezas musicales que sí inspiran, tal como la emocionante “Angel’s Asylum” y la épica “Utopian Facade”, aparte de que, para nuestro deleite, Carpenter utiliza el truco de poner dos canciones seguidas muy similares: “Virtual Survivor” parece el reflejo de la rola anterior, “Dark Blues”, algo parecido a lo que hicieron los Smashing Pumpkins con “Where Boys Fear To Tread” y “Bodies” en el Mellon Collie , creando un leve pero dulce sentimiento de déjà-vu en el escucha.

Sobreproducido, aunque con algunos destellos musicales épicos, Lost Themes II no es de las mejores secuelas de John Carpenter.

Torres de Hanói – Líneas Paralelas

Posted on mayo 4, 2016 by -

Fórmulas de pop revelador que te robarán el aliento en lo nuevo de Torres de Hanói.

El ejercicio de crear música puede ser complejo, un juego matemático como lo manifiesta Torres de Hanói. Ellos son un trío de músicos ensoñadores que bautizan su proyecto de pop rock gracias al invento del francés Édouard Lucas, planteado en 1883. La joven agrupación está estrenando su segundo álbum de estudio, titulado Líneas Paralelas. Los sonidos geométricos de esta nueva producción hacen que seamos más fieles a su esencia, composición lírica y, sobre todo, confianza en su estilo.

Armando Lara en la voz y guitarra, Axel Cisneros en el bajo y Jesús Torres en la batería han hecho las cosas ellos mismos: grabaron y produjeron junto a Andrés Torres V. en la Ciudad de México y mezclaron con Bill Rancine en Los Ángeles el sonido de Líneas Paralelas.

Este decálogo de canciones, más un bonus track, expone una propuesta natural y nada pretenciosa dentro de la materia del pop rock. “Sobrenatural” inaugura el álbum con algunos leads y algo de reverb en la guitarra. El compás de la batería es sencillo, pero funciona como buen complemento junto al poder del bajo, mientras que la voz de Armando nos dice: “ya estás aquí, no esperes que el silencio te reviva”. La misma base rítmica sigue su curso en “Frío” con un mensaje que ahonda sobre pensar, olvidar y perdonar.

“Líneas Paralelas”, “Palabras Exactas” y “Días Como Hoy” nos seducen con sus ritmos perfectos para sacarle brillo al piso y bailar sin pudor, tal como se demuestra en el video de “Palabras Exactas” que produjo el fotógrafo y especialista en generación de GIF, Jaime Martínez.

El encanto de las profundidades del pop mezclado con distorsión y rock radica en lo agridulce de los resultados, como sucede en “Más Profundo”, donde escuchamos la voz femenina de Karen Ruiz de Haciendo El Mal que la da un toque romanticón.

Torres de Hanói sonaba más a folk. Ahora se involucraron más con sintetizadores y efectos. Sin duda es un pop que suena intelectual, alternativo y no vacío, que se siente sabio y en movimiento. “No Busques”, “Mundos”, “Luz O Sombra” y el bonus “Más Cerca” son parte de la fórmula de pop experimental que nutre la escena independiente. Resta fuerza al escepticismo de que el pop no es bueno, no sirve o es aburrido. La pasión y diversión palpitan en cada compás del álbum que verá la luz en formato vinil, gracias a su exitosa campaña en Fondeadora.

Visita su Facebook para seguir todas las actualizaciones de la banda.

Belafonte Sensacional tiene nuevo video para "Torreón"

Posted on mayo 4, 2016 by -

"Torreón" hecho de dibujos con plumón, recortes y un stop motion inspirado en el mito griego de Orfeo.

La banda oriunda de la mismísima Ciudad de México, Belafonte Sensacional, comenzó su carrera en la industria musical hace 8 años con el EP Le Petit Riot. En el 2014, la agrupación lanzó su primer disco de larga duración titulado Gazapo, nombre sacado de una novela de Gustavo Sainz. De ella salieron canciones como "Valedor" y "Como Kerouac On The Road". 

Ahora, tras dos años de haber compartido este material, Belafonte Sensacional cierra este ciclo con el video de "Torreón". Aquí la artista visual, Andrea Grain Hayton, mejor conocida como Androida Andrea, perfecciona las artes manuales y las proyecta en un visual en dos dimensiones hecho con objetos de tres.

Inspirada en el mito griego de Ofreo, Andrea sincroniza dibujos hechos con plumón, recortes y pequeños objetos en un stop motion al ritmo de "Torreón". Aunque hayas pasado con honores bolitas y palitos en kinder y domines las tijeras, no podrás reproducir lo que hay aquí acoplado a la letra de "Y yo te quiero de aqui a Torreón, y yo te quiero que tengas tos".

El folk rock urbano de Belafonte Sensacional pretende lanzar nuevas canciones pronto.

El nuevo disco de M.I.A. está terminado

Posted on mayo 3, 2016 by -

Está en manos de la disquera de M.I.A. que Matahdata, su quinto álbum, sea lanzado o no.

Mathangi Arulpragasam, mejor conocida como M.I.A., anunció a través de sus redes sociales que su quinta producción ya está completa. Tras un año de trabajo –y la colaboración de Skrillex–, la compositora inglesa finalmente ha entregado el audio final a su sello en Estados Unidos. Sin embargo, comenta que no está segura de si la disquera lo sacará a la luz o no.

Esta nueva producción lleva por título Matahdata y de ella se supone que se extraen las canciones que ha liberado previamente, es decir, "Borders", "MIA OLA" y "Foreign Friend". También existe la posibilidad de que esté incluido el tems que realizó para la marca de ropa H&M: "Rewear It".

La situación que complica las cosas es la siguiente: la señorita Arulpragasam no tiene visa que le permita entrar a los Estados Unidos. Por esta razón, la disquera –se presume que se trata de Interscope– podría tener reservas para lanzar Matahdata ya que la artista no podría promocionar el álbum ni dar conciertos en el país. M.I.A. no se nota preocupada al respecto y hasta ha bromeado al respecto diciendo que tal vez tenga que escribir canciones para Selena Gómez con tal de que sus obras sean escuchadas.

Anohni: la vida después de Antony and The Johnsons

Posted on mayo 3, 2016 by -

Conoce un poco más acerca de la vida de Anohni, quien está lista para lanzar su próximo álbum de estudio Hopelessness.

Anohni, originalmente conocida como Antony Hegarty, es una cantante, compositora y artista visual nacida en la ciudad de Chichester, en Inglaterra. En 1981, ella y su familia se mudaron a San Francisco. De adolescente, estuvo fuertemente influenciada por artistas como Kate Bush, Boy George, Divine, Nina Simone, Otis Redding, entre otros.

En 1990, Anohni nuevamente se mudó, pero esta vez a Manhattan. Ahí estudio en la Universidad de Nueva York, donde fundó Blacklips, un colectivo teatral con Johanna Constantine. Durante varios años, pasaba las noches cantando en bares además de escribir y dirigir producciones de teatro.

Al empezar su carrera musical, empezó a hacer presentaciones con un ensamble de músicos de Nueva York haciéndose llamar Antony and The Johnsons. Su álbum debut homónimo fue publicado en 2000. Un segundo disco titulado I Am a Bird Now llegó cinco años más tarde y fue maravillosamente acogido por la crítica, además de ganar el prestigioso Mercury Music Prize.

Las congratulaciones y cumplidos persiguieron los siguientes trabajos de Antony and The Johnsons, y brotaron colaboraciones con Björk, Matmos y Lou Reed, por mencionar solo algunos.

anohni abramovic

En 2011, Anohni regresó a las artes escénicas en una fusión de teatro, ópera y arte visual creada por Robert Wilson para representar la vida y obra de la artista de performance Marina Abramović: The Life and Death of Marina Abramović.

Con Antony and The Johnsons, la cantante ha explorado los terrenos más oscuros, melancólicos y hasta apocalípticos tanto en la música como las letras.

A principios del año pasado, anunció que su próximo disco se titularía Hopelessness y que contaría con la producción de Oneohtrix Point Never, Hudson Mohawke así como de ella misma, declarando también que sería publicado bajo el nombre Anohni.

Anohi es el siguiente paso en el camino para encontrarse a sí misma, desde su juventud en Inglaterra hasta su vida actual en Nueva York.

También ha comentado que el próximo disco será diferente a todo lo que ha hecho previamente, y que aún no está segura que aquellos que la seguían por el tipo de música que hacía disfrutarán de este nuevo estilo. Incluso ha llegado a categorizarlo como un disco de dance y electrónica experimental con una temática oscura.

Con este álbum pone también fin al lamento, pues ahora Anohni está furiosa: “No he utilizado mucho tiempo para expresar el enojo en mi vida, así que este disco es un nuevo capítulo. La furia es energetizante, es bastante empoderante". En esta nueva placa, ella canta sobre el mundo en que vivimos y sus conflictos, sobre tecnología siniestra y la avaricia que podría llevarnos a la perdición.

En agosto de 2015, y en colaboración con Josh Ralph, Anohni escribió una canción llamada “Manta Ray” para el documental Racing Extintion (2015) acerca de las especies en peligro. La canción fue nominada para “Mejor Canción Original” en los Premios Óscar y a pesar de esto, los organizadores decidieron no darles la oportunidad de presentar la canción debido a lo “limitado” que tenían el tiempo para las presentaciones.

A pesar de tener invitación para asistir al evento, ella se indignó al no ser considerada para un show en la ceremonia de premiación por ser transgénero y publicó una carta titulada “Why I Am Not Attending The Academy Awards” con el fin de sabotear a la academia.

Cabe mencionar que Anohni siempre se ha asimilado como mujer. “Mi familia y amigos más cercanos utilizan pronombre femeninos para mí[…] En mi vida personal prefiero ‘ella’. Creo que las palabras son importantes. Llamar a una persona como ella quiere, es un honor para su alma y su vida. ‘Èl’ es invisible para mí, me niega”.

Anohni ha compartido dos sencillos del nuevo disco: “4 Degrees” y “Drone Bomb Me” en los que es evidente el cambio de estilo musical que ha desarrollado en compañía de sus compañeros de producción, además del nuevo enfoque que le está dando a la escritura de sus canciones, alejadas de la abrumadora tristeza de sus discos previos.

Hopelessness estará disponible a partir del 6 de Mayo a través de Rough Trade.

(Not) Levitation 2016

Posted on mayo 3, 2016 by -

De cómo sobrevivimos al #NotLevitation.

¿Cómo resuelves la cancelación de un festival debido al mal clima y a la posibilidad de un desastre? No lo haces, improvisas. Este fin de semana esperábamos con ansias llegar a Carson Creek Ranch (Austin, TX) para ser testigos de un movimiento: el ya famoso y célebre Levitation. Lo que empezó como una fiesta, ahora es un festival que se lleva a cabo desde hace ya 9 años, reuniendo bandas de todo el mundo en un homenaje a la psicodelia y al garage en todas sus versiones.

El jueves, mientras esperábamos para ir a la precelebración, nos llegó un mail, y las diez mil personas que asistiríamos al festival quedamos varadas. En el contenido, una imagen con el texto Levitation has been cancelled. Para algunos era su primera vez, vírgenes al alto contenido de elevación espiritual que invoca este ritual de fin de semana. Otros, esperaron y ahorraron todo el año para dejar su trabajo y su hogar para regresar al oasis, como ya es tradición. La situación incluso dejó a todos los que suponían acampar sin lugar donde dormir, en las calles.

 

También existió el caso de las bandas que viajaron o pasaron por la ciudad con la ilusión de presentar su proyecto a un público que atiende realmente por la música, antes que por la fiesta. Y de eso precisamente quiero hablar: de la labor de comunidad entre músicos y público que se organizó, en lugar de velar. En el momento que recibimos ese amargo mail, amigos y desconocidos, músicos, foros y marcas de todo el mundo que estaban involucradas en el concierto, tomaron el control. Los venues de la ciudad abrieron sus puertas a las bandas, gente abrió grupos posteando fotos de sus jardines donde invitaban a los que no tenían techo a montar sus casas de campaña, incluso montando escenarios en salas de ensayos, garages y ranchos a la redonda.

El viernes, al despertar, ya había carteles en internet anunciando escenarios y ventas de boletos para conciertos de reposición en más de siete venues durante los siguientes cuatro días, con alineaciones surreales para cualquier tipo de gusto. Animal Collective en el Emo’s y The Brian Jonestown Massacre en el Scoot Inn un día y al que siguió The Black Angels con Allah-Las y Mild High Club; Boogarins con Uncle Acid y Dungen en el Empire y la grandísima alineación en el Barracuda que incluía a King Gizzard & The Wizard Lizard, The Murlocs, Mystic Braves, Holy Wave  más 16 bandas con los visuales del genio Mad Alchemy. De un día para otro ya se había convertido en una versión espontánea de South by Southwest.

Not Levitation 2016

En un segundo ya había muchas opciones, claro que conseguir boletos fue una pesadilla y separó al público en varios foros propagados por la ciudad. Sin embargo, amigos corrían la voz. Alguien de alguna banda te pasaba el dato de una fiesta en algún lugar y otros te colaban a ver agrupaciones que te importaba ver.

Tomemos este esfuerzo como ejemplo de la fuerza que tiene el festival, apoyemos el talento y comercio local tanto como apoyamos lo foráneo. Unámonos en comunidad y hagamos que nuestra escena crezca a la par de este y otros movimientos culturales a nivel global, e involucrémonos como personas en lo que más nos apasiona.

De no ser nada, pasó a ser todo: un fin de semana entero lleno de música y conciertos donde el único sentimiento era la hermandad. El trabajo que hicieron las bandas mismas uniendo fuerzas con los foros que conseguían, así como la gente que tanto esperaba verlos en vivo, fue un respiro de fe, tanto en la música como en el público que ha creado.

Visita el Facebook de Levitation para seguir todas sus actualizaciones.

James Blake comparte el arte de su nuevo disco

Posted on mayo 3, 2016 by -

El músico británico nos comparte el artwork de su próximo material de larga duración.

Poco a poco, James Blake nos ha dado a conocer lo que será su siguiente esfuerzo discográfico. En julio de 2015 conocimos el primer sencillo titulado "Radio Silence", canción que supuestamente le daría nombre al disco. Posteriormente, escuchamos “Modern Soul” y luego “Timeless”. Ahora el cantante y productor de música electrónica nos comparte el arte de su nuevo álbum, que llevará por nombre The Colour in Anything.

@quentinblake

Una foto publicada por James Blake (@jamesblake) el

A través de su cuenta en Instagram, Blake subió una fotografía en la que se puede ver al artista Sir Quentin Blake pintando un mural en las calles de Londres, una manera bastante creativa para promocionar su nuevo trabajo. Cabe señalar que The Colour in Anything es el tercer álbum de estudio del compositor británico y será el consecuente a Overgrown (2013).

james blake 5

De acuerdo con información dada por el londinense, el álbum tendrá 18 canciones, incluyendo una que casi dura 20 minutos. Asimismo, se espera la colaboración de Kanye West y Justin Vernon de Bon Iver en este disco que podría incluir algunos cortes de su primer EP 200 Press.

Actualización:

James Blake ha anunciado en el programa de Annie Mac, BBC Radio 1, que el disco The Colour in Anything será estrenado hoy a la media noche. El artista compartió el tracklist en su cuenta de Instagram:

The Colour In Anything. Released this evening at midnight (bst)

Una foto publicada por James Blake (@jamesblake) el