Entrevista con Abbacook

La música en transición del plástico al orgánico.

Tener un estudio de grabación propio siempre es una ventaja, no inviertes (tanto) dinero pero sí mucho tiempo, y tienes que ser muy responsable, pues el estudio deja de recibir ingresos, y el tiempo no se puede perder. Ser dueños de uno, solo es una faceta de Abbacook, banda de Ecuador integrada por Jorge Campoverde, Pancho Feraud, David Rivera y Marco Armijos.

¿Qué significa Abbacook? Citando al Facebook de la banda, no es abacus ni ábaco y mucho menos abbacock, es la unión de ‘abba’ que en hebreo significa ‘papá’ y cook, que es cocinero en inglés. El resultado tiene sus variaciones; ‘lo que cocinó papá’, ‘la creación de papá’, y aquellas que se les vengan a la mente, pero la pregunta más importante aquí es, ¿a qué suena Abbacook?

“Eso es algo interesante en la banda; si escuchas algo de nuestra música y analizas la guitarra que cada quién está tocando, son muy distintas pero se suman”, dijo Pancho. Y esto se debe a que su música es una forma de mezclar los gustos e intereses de cada uno. “El más predominante hoy en día para mí es la música afroamericana; blues, funk, R&B, siempre me ha gustado. En mi formación musical estuve rodeado de gente negra en mi país, pues me ayudaron a ver este lado de la música y a ser muy expresivo y espiritual”, dijo Jorge.

Por otro lado, Pancho le da oportunidad a lo independiente y alternativo. “Yo escucho mucha música independiente, indie rock, indie pop, escucho mucho a Foals, a Tame Impala, a Jungle… Por ahí lo que me gusta hacer es investigar, siempre estoy buscando en estaciones de radio y en blogs”, comentó.

Pero tomando en cuenta los gustos de los cuatro músicos, el sonido es más intenso, y más orgánico, con la intención de que cuando den conciertos se aprecie esa música ‘honesta’.  “Cuando estamos produciendo, nos preocupamos porque suene a cuatro personas haciendo música, para que cuando lo hagamos en vivo suene como el disco y se puedan percibir los instrumentos”, explicaron ambos chicos.

Checando un poco más el background de Abbacook, fue fundada por Jorge y Pancho en 2010, pero oficialmente inició en 2012, ya con David y Marco a bordo. La banda cuenta con un estudio propio, pero no por esto todo es miel sobre hojuelas. “Tener un estudio es una gran ayuda pero tienes que dejar todo y saberte organizar. Le digo a Jorge que el tiempo es vida, entonces no podemos perderlo”, platicó Pancho.

Abbacook
 

Y es que no es nada más entrar grabar y salir, es todo un proceso, aún más cuando se trabaja con otras bandas y con la tuya al mismo tiempo, porque al trabajar en un proyecto propio, ya no se reciben los mismos ingresos.

“Tenemos bastante contacto con otros artistas y siempre es bueno tener algunas canciones ahí para venderlas, o ideas para reciclarlas en otro proyecto, y en este caso fue para nosotros mismos. Estamos trabajando demasiado para otros músicos, y en un momento dijimos que ya era hora de hacer algo para el grupo, y empezamos a maquetear”, contaron los fundadores.

Abbacook es una banda que siempre se encuentra explorando cosas nuevas; el primer álbum llamado Aire Nuevo, fue un disco de exploración, fue un ‘a ver qué hacemos’, de encontrarse a ellos mismos, y era todo lo contrario al sonido orgánico de ahora, un poco ‘plástico’ en palabras de Pancho. L/R inició una etapa de fiesta, con una evolución notable, la transición del plástico a lo viviente.

Tomando en cuenta la manera de vivir que tenemos hoy en día, donde nos estresamos por esperar un minuto a que se caliente nuestra comida en el microondas, o unos segundos a que cargue una página de internet, donde si las cosas no se dan de forma instantánea las desechamos, Jorge y Pancho tienen un consejo que dar.

“En todo proyecto, cuando emprendes un negocio, o en la universidad dices ‘ya quiero salirme de esto’, y a nosotros nos pasa igual. Cuando no llegan los resultados al momento que los esperas, es ahí cuando te vuelves loco, pero tienes que ver más allá de las circunstancias, ver que hay más cosas. Quizás si no llegó la oportunidad, lo puedes hacer después y buscas otras cosas, a lo mejor tienes que seguir otro camino, pero nosotros creemos mucho en que si tienes la capacidad de soñarlo, tienes la capacidad de lograrlo”, concluyó Pancho.  

Visita el Facebook de Abbacook para seguir todas sus noticias.

The Last Shadow Puppets coverea a The Smiths

Además le hicieron un cover a The Fall.

The Last Shadow Puppets le rindió tributo a la icónica banda británica abriendo un concierto con un cover a su canción “Last Night I Dreamt That Somebody Love Me”. Pero eso no fue todo, ya que se les unió en el escenario nada más y nada menos que el guitarrista de The Smiths, Johnny Marr.


También hay información de que el baterista de la legendaria agrupación, Mike Joyce, se encontraba viendo el show desde la audiencia.

Mientras que Johnny Marr se quedó para hacer otro cover pero esta vez a la canción “Totally Wired” de The Fall.

The Last Shadow Puppets ha dado mucho de qué hablar en las últimas semanas con el tour para promocionar su más reciente álbum, Everything You've Come To Expect, ya que también ha hecho otros covers como al difunto David Bowie, a The Beatles e incluso improvisaron un canción sobre Tame Impala.

Recordemos que hace un par de meses, la dupla conformada por Alex Turner, vocalista de Artic Monkeys y Miles Kane, exvocalista de The Rascals, hicieron una parada en la Ciudad de México para tocar su disco en vivo en el Pepsi Center WTC y en este enlace puedes leer la reseña.

Autolux comparte video para "Selectallcopy"

Mira el nuevo visual que acompaña al más reciente sencillo de Autolux.

La banda Autolux publicó el video para su canción “Selectallcopy”, tema extraído de su excelente disco Pussy’s Dead a través del sello 30th Century Records. El visual fue estrenado el fin de semana por Adult Swim y fue dirigido por Thomas McMahan, además este es el último clip que da cierre a la tetralogía de visuales creados para el último álbum.

En el extravagante video podemos ver en un entorno geométrico a unos personajes animados con miradas perturbadoras que en algunas escenas bailan y se contorsionan de formas extrañas al ritmo de la melodía.

El trío originario de Los Angeles se formó en 2001 y desde entonces han publicado de tres placas: Future Perfect, Transit Transit y Pussy’s Dead que cuenta con la producción de Boots, quien había trabajado previamente con Run The Jewels, FKA Twigs y Beyoncé.

Hace unos meses, la banda Autolux, que recientemente formó parte del line up de Coachella, fue entrevistada por Indie Rocks! y nos comentaron sobre su experiencia con Boots. “Dejó que el sonido evolucionara por sí solo y dejó que nosotros, como banda, trabajáramos como siempre”. Checa la entrevista completa aquí.

Aquí te dejamos también el video para "Change My Mind", otro visual creado para Pussy's Dead.

Crystal Castles comparte "Char"

Además Crystal Castles dio detalles de su nuevo álbum Amnesty (I).

La semana pasada el dueto canadiense de música electrónica estrenó la canción “Concrete” acompañada por un enérgico video musical. Ahora, Crystal Castles nos comparte la portada de su próximo álbum de estudio Amnesty (I), así como el tracklist oficial y un nuevo track llamado "Char"

La melodía está repleta de sintetizadores los cuales hacen una excelente mancuerna con la sublime voz que aporta la nueva cantante del dúo, Edith Frances. Al final de la canción, los instrumentos y el canto se detienen de manera abrupta.

Últimamente Crystal Castles ha compartido distintas canciones que serán incluidas en su nuevo álbum, Amnesty (I), como "Concrete", "Femen" y "Frail". A continuación, te dejamos con el arte y la lista de temas que conforman el nuevo disco.

Ethan Kath y Frances comenzarán su tour en septiembre próximo por Norteamérica y un par de meses más tarde, continuarán su gira por Europa.

crystal castles amnesty

Amnesty (I):

01 Femen
02 Fleece
03 Char
04 Enth
05 Sadist
06 Teach Her How to Hunt
07 Chloroform
08 Frail
09 Concrete
10 Ornament
11 Kept
12 Their Kindness Is Charade

No olvides seguir a Crystal Castles en sus redes sociales.
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Blood Orange – Freetown Sound

Por qué Devonté Hynes es el nuevo héroe de la música.

Ahí está Michael Jackson, trae la chamarra roja que usaba cuando se transformaba en zombie en "Thriller", su entorno inmediato es negro contrastando con el color crema de la pared a la que está adherido. El rey del pop mira a dos personas que se encuentran sobre la orilla de una cama con sábanas doradas y al borde olánes blancos. Es una pareja que se abraza. Él sentado, ella de pie frente a él. Binky gira el rostro y nos lanza una mirada poderosa, parece que advierte: "voy a defender este amor", y coloca los brazos sobre el cuello de Tony mientras este la sostiene de la cintura, pone su rostro con los ojos cerrados sobre la mejilla de ella, tiene un cigarrillo en la punta de sus dedos. Binky trae unos shorts estampados de flores, un brassier negro y está descalza. Tony usa una camiseta blanca, un pantalón deportivo y unos calcetines negros con rombos azules y cafés. La fotografía se llama Binky & Tony Forever, es la portada del nuevo álbum de Blood Orange y fue capturada en 2009 por Deana Lawson.

"Siento que representa el amor juvenil sin decirlo abiertamente (...) necesitaba crear una imagen que fuera físicamente sobre el apoyo, la intimidad y los abrazos, entre jóvenes negros", narró la artista a The Fader. No recuerda por qué aparece Jackson, puede ser porque la imagen es de la época en que había muerto. Lo cierto es que la casualidad (lo arbitrario de las situaciones de cada día, de las cosas que se hacen sin pensar, sin un objetivo en mente) impone una señal que quien escuche el nuevo álbum de Devonté Hynes notará. La composición de la imagen (póster incluido) tiene una fuerza estética perceptible en cuanto se observa por primera vez, curioso que aparezca el creador de hits como "Beat it", "Thriller" y "Smooth Criminal" en una de las placas musicales más sobresalientes del año (sino es que la mejor): Freetown Sound.

Nombrado en honor del lugar de nacimiento del padre de Hynes (Sierra Leona) el álbum se compone de 17 temas producidos como un long mixtape. “Es mi versión de Paul’s Boutique” –la segunda entrega de Beastie Boys– había afirmado Dev sobre este lanzamiento que se adelantó tres días para coincidir con el día del orgullo gay y cuya temática profundiza sobre los conflictos raciales, políticos, sexuales y la llegada del cristianismo a África Occidental.

El multifacético, prolífico y talentoso Devonté en su papel más conocido presenta una composición brillante y prodigiosa que combina pop, funk, trip-hop y ritmos tropicales en ambientes nostálgicos, reflexivos y amorosos. Una compleja amalgama de sonidos que se esconden en una producción que va dando sorpresas en cada track, que lo mismo da prioridad a la guitarra, a los synths, a las percusiones, al bajo o a las voces. La música manda. El ritmo conduce, las letras conmueven; y el timbre de voz cautiva porque junto con Empress Of, participan Ava Raiin, Debbie Harry (Blondie), BEA1991, Nelly Furtado, Kelsey Lu, Carly Rae Jepsen, Zuri Marley, Ashlee Haze y Venus Extravaganza, a lo largo de los diferentes temas, en coros, en diálogos y en las voces principales.

Blood Orange podría ser el heredero del legado de Jackson, no porque reivindique el pop, sino porque su premisa es la de crear música maravillosa. En "Augustine" la batería entra a un ritmo constante, potente y contagioso, la guitarra da unos punteos al aire, casi visibles y el bajo mantiene el beat, pum-pum-pum-pum-pum-pum hasta el infinito. El cuerpo tiene que estar vibrando. Notas de piano que acompañan a su antojo. Pero la batería sigue siendo el eje. Y el coro: “See Augustine, Late have I love and choose to see, skin on his skin, a warmth that I can feel with him”. Y aún al final cuando la canción alcanza el clímax tras una pausa, en una especie de revelación mágica, la batería sigue el mismo paso, sigue marcando el ritmo, los coros llegan al éxtasis, pero la batería no se percata, tiene un solo objetivo y nada se lo va a impedir: desvanecerse.

En el trabajo de Blood Orange no hay hits ni clásicos inmediatos, por el contrario, es una obra compleja, ambiciosa, muy emocionante, a la que hay que adentrarse disfrutando de sus sonidos. No es necesario escuchar una y otra vez las canciones, no hay que entenderlas, sino contemplarlas y abrazarlas, como la pareja de la fotografía.

Visita el Facebook de Blood Orange para seguir de cerca sus movimientos.

“Magic Bullet” es lo nuevo de My Morning Jacket

La banda de Kentucky, My Morning Jacket, ha "alzado la voz" en contra de todo acto de crimen y violencia con el nuevo sencillo “Magic Bullet”.

Ante una época de violencia y atentados sin justificación alguna, My Morning Jacket hace un llamado a la humanidad por medio de su nuevo sencillo “Magic Bullet”. La banda opina que hay una solción pero que nadie podría hacerlo solo. Jim James, líder de My Morning Jacket expresa: "no pretendo que una canción pueda arreglar o cambiar el mundo inmediatamente, y no pretendo saber las razones del panorama político y la legislación para el control de armas, PERO sino decimos nada, nada va a cambiar. Y las cosas tienen que cambiar".

Escucha este track, que tienen un excelente groove y una interesante producción entre la voz, instrumentos de viento y sintes.

En la presentación de este sencillo en la redes sociales de la banda, así publicó su postura:

Aquí la letra del sencillo:

AIN’T NO MAGIC BULLET COME FROM MAGIC SHELL.
NO OTHER WAY TO PUT IT. FAR AS I CAN TELL.
AIN’T NO WAY TO SOLVE A PROBLEM OF THE STREETS.
WITH AN ITCHY TRIGGER FINGER…
SERVANT OF DISEASE.
I MEAN COME ON…

HEAR IT FROM THE PEOPLE. READ IT IN THE PRESS.
LEARN IT AT THE STEEPLE. FORGET IT IN DISTRESS.
LOOKIN FOR SALVATION…JUST A LITTLE HELP.
BUT IT NEVER SEEMS TO FIND ME…
I’M GONNA TAKE IT FOR MYSELF.
I MEAN C’MON….
(THERE’S GOT TO BE A BETTER WAY)

THAT LOW FEELIN STARTS TO GET TO ME-
NEED TO FIND ESCAPE.
SO SMOKE IT FILLS THE LUNGS…
AND DRINK CORRUPTS THE BRAIN.
AND MORALS GET CONFUSED…
IN A DESPERATE MIND.
AND THERE AIN’T NO WRONG OR RIGHT…
IN A DESPERATE TIME.

BUT I KNOW THERE’S A SOLUTION-
DEEP WITHIN MYSELF.
BUT I AIN’T NEVER GONNA REACH IT…
WITHOUT SOMEBODY’S HELP.
I MEAN A COME ON…

Death Grips estrena video

"Giving Bad People Good Ideas" es lypsinqueada por un zapato viejo.

MC RideZach Hill mejor conocidos por conformar la agrupación Death Grips, estrenaron hoy el acompañamiento visual para el tema "Giving Bad People Good Ideas", mismo que se desprende y da inicio a la quinta placa de larga duración Bottomless Pit.

En primera instancia, el dúo de Sacramento, California, ya nos había compartido un adelanto con "Hot Head", el cual contó con un video de la fallecida actriz Karen Black, leyendo un diálogo escrito por Zach Hill. Dicho audiovisual fue grabado en 2013, mismo año en que murió Black tras una larga batalla contra el cáncer.

De igual forma, Death Grips nos entregó “More Than a Fairy” con Les Claypool, corte que lamentablemente no está disponible en Bottomless Pit. Un deleite la participación del bajista de Primus. Ahora, Ride y Hill sorprenden con su característica en particular al grabar ellos mismos el videoclip al estilo casero donde, los únicos protagonistas involucrados son: una mano y un zapato. En cuyo trabajo se le ve lypsinquear al zapato viejo con la ayuda de la mano –que aparece a cuadro–, la cual hace y deshace a su antojo a este objeto que en todo momento interpreta "Giving Bad People Good Ideas".

Recientemente, los californianos también anunciaron la llegada de una nueva página llamada RUINS, la cual se describe como “canal creativo para estrenar trabajos originales, con el fin de estimular el interés en el urbanismo y ciudades futuras”. Y por otro lado, Death Grips se estará presentando en el Sound on Sound Fest en Austin, Texas, donde compartirán escenario con Beach House, Explosions in the Sky, Phantogram, Run The Jewels, Purity Ring, Descendents, Courtney Barnett, Mac DeMarco y muchos más.

Sigue de cerca las actualizaciones de Death Grips en Facebook.

Entrevista con Chakruna

 Chakruna y su sabor andino.

“Decidí que Chakruna debería existir para utilizar la música como una herramienta y con ella crear lazos y puentes, donde había brechas, divisiones, y hasta tremendos abismos que separan nuestras sociedades”, expresó Jorge Espinoza, la mente maestra detrás de uno de los productores de música electrónica más interesantes de nuestro continente.

Una bomba a punto de estallar, eso es la escena electrónica en Perú. Productores que combinan el house, el trap, con chicha, reguetón, cumbia o lo que sea, se preparan para conquistar el mundo. Chakruna es uno de los exponentes referentes de este movimiento y ha llevado sus beats a diferentes latitudes.

A los nueve años tocaba la guitarra de su hermano y con el tiempo comenzó a mezclar acid house. Las fiestas lo ayudaron a valorar  géneros como el trans, el techno y el house; sin embargo, esto no fue la meta sino la base de lo que vendría después.

“Siempre me sentía incompleto, eso me llevó a experimentar con el hip hop, que era algo más parecido a lo que hacía tocando instrumentos en bandas; y aprendiendo a producir beats, usando samples, fue que comencé a ponerle ese sabor que le faltaba a la música que me gustaba, el sabor latino, peruano, el sabor andino y amazónico”.

El productor le atribuye el renombre con el que ahora cuenta a su trabajo en redes sociales, el ser parte de los cimientos de esta movida y al trabajo en conjunto con la disquera Terror Negro Records (TNR), parte fundamental de la escena peruana.

“TNR es la netlabel  que fundó mi causa Deltatron, con el tiempo la propuesta del sello se fue inclinando hacia lo tropical, poco a poco se fueron incorporando Loko Bonó, Tribilin Sound, Elegante & La Imperial, Sonidos Profundos, Dr Pánico y Qechuaboi; hemos llegado a convertirnos en una familia”.

Además el sello londinense Tiger’s Milk Records lo eligió para un compilado con productores peruanos del género llamado Perú Boom, y se da tiempo de forjar en un instituto a los futuros productores de su país.

El acto en vivo del peruano es un reflejo de honestidad. “Dejo fluir todos los sonidos que me están influenciando en mi vida cotidiana, a veces me gusta transgredir los complejos y parámetros que tiene la gente en cuanto a sus gustos musicales, y a veces también trolear un poco. Puedo ofrecer una experiencia muy mística pero luego llevarte a un estado más eufórico, tanto de uno u otro siempre depende del tipo de evento”.

El próximo 30 de julio tendremos la oportunidad de presenciar a Chakruna en el Festival Gozadera, donde promete fuego en la pista de baile.

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Chvrches estrena video para “Bury It”

Los integrantes de Chvrches nos muestran sus habilidades de telequinesis en su nuevo video junto a Hayley Williams.

Hace un mes, la agrupación conformada por Lauren Mayberry, Iain Cook y Martin Doherty, compartió una nueva versión de “Bury It”, tema que viene incluido en su más reciente disco, Every Open Eye (2015). Esta versión incluye la participación de la cantante Hayley Williams (Paramore). Ahora, Chvrches nos presenta el video que da vida a esta canción.

El video animado nos muestra al trío escocés haciendo uso de sus habilidades de telequinesia moviendo objetos con el poder de sus mentes como si se tratarán de una especie de superhéroes salidos de una película de Marvel. Una vez que varios objetos están en el aire, desde un televisor, una patineta y varios electrodomésticos, hace su aparición triunfante Hayley Williams para después surcar los aires.

Si la animación te parece conocida es porque Jamie McKenzie estuvo a cargo. Para quienes no lo ubiquen, ha trabajado para Marvel y ha producido el arte de diferentes grupos, entre ellos ChvrchesTegan and Sara.

Disfruta aquí abajo del video para “Bury It” y recuerda que el próximo 28 de septiembre Chvrches se presentará en El Plaza Condesa luego de disfrutarlos en el Corona Capital 2014.

Bat for Lashes — The Bride

Una travesía que busca dejar el dolor atrás.

La emoción que toda persona debe sentir al escuchar “Hasta que la muerte los separe” debe ser indescriptible, pero ¿qué ocurre cuando esta trágica profecía se cumple antes de su unión? Esta es la interrogante sobre la cual se desenvuelve el cuarto álbum de estudio The Bride de Bat For Lashes.

En este disco, se explora hasta el más íntimo pensamiento que se te pueda ocurrir, el más espiritual o el más triste, cualquiera de los anteriores a través del personaje  que Khan nos presenta.

La melodía “I Do”, sirve para contextualizar la historia de una futura novia ilusionada con la felicidad que traerá el matrimonio a su vida. El arpa casi de ensueño puede transmitirnos el entusiasmo que siente previo al enlace. Más adelante en “In God’s House” –una de la canciones que más resalta–, la utopía imaginada comienza a ser menguada por la sombra de una terrible premonición, confirmada por la noticia de que su prometido, Joe, falleció. Para cuando llegamos a “Sunday Love”, el personaje principal de esta trágica historia se encuentra en una de las mayores crisis en la trama pues ella embarca un viaje por su cuenta después de enterarse de lo ocurrido para más tarde pasar su luna de miel en solitario.

Los conflictos que trae consigo la negación al haber perdido a un ser amado comienzan visibles en “Never Forgive The Angeles”, dónde se hace evidente la desolación que siente la novia después de que le arrebataron su final feliz, sin embargo, más calmada en “Close Encounters” podemos notar que su amor, iba más allá de lo terrenal. Después de un tiempo, llega la asimilación en “If I Knew”. La novia agradece a Joe por haber llegado en el momento perfecto y por lo momentos buenos y malos en los que él la ayudo a encontrar la luz. Es así como se da cuenta que su vida debe continuar y en “I Will Love Again” decide regresar a casa.

A pesar de que The Bride es un álbum que gira alrededor de una misma circunstancia, hay algunas canciones que pueden ser interpretadas desde diferentes perspectivas y esto se lo podemos atribuir a las destrezas de Khan a la hora de escribir. Lo que nos resulta ajeno, es quizá la falta de melodías fuertes y poderosas que hemos disfrutado hasta el cansancio en sus entregas pasadas, como “What’s a Girl To Do?”, o la pegadiza “Daniel” o la exquisita balada “Laura”.

No obstante, tampoco podemos dejar de lado la evidente evolución, tanto musical como lírica, que ha tenido Bat For Lashes, pues ya hace diez años que llegó Fur And Gold y después le siguieron el nominado al Mercury Prize de 2009, Two Suns y el aclamado The Haunted Man con el que consolidó ante la crítica su talento como cantante y compositora.

En conclusión, The Bride es el claro ejemplo de la habilidad de Natasha Khan de crear escenarios imaginarios y transportarlos de la mejor manera a los terrenos musicales para transmitirnos lo que el personaje en turno esta sintiendo en ese momento, y eso es algo que a muchos en este tiempo les cuesta trabajo hacer.