Holy Ghost! – Crime Cutz

Tintes de dance: el contundente synthpop de Holy Ghost! que te hará mover los pies.

Nick Millhiser y Alex Frankel, mentes todo poderosas detrás del proyecto Holy Ghost! han sabido cómo jugar con los beats para llegarle a su público. Esta vez lo han hecho de nuevo con su primer EPCrime Cutzluego de no haber sacado material desde su última placa de 2013, Dynamics.

Crime Cutz cuenta con cuatro rolas. El EP cumple con su cometido: hacer que muevas los pies involuntariamente. El compilado, en cuanto a sonido puro, nos remonta a los salones de baile -bolas de espejos girando en medio de la pista, un hardstep imparable-; a los años 80, cuando la música disco estaba en su apogeo.

“Crime Cutz” es la primera canción en la pista. Siete minutos de bomba musical. Riffs, sintes y elocuencias en el sonido. En esta travesía sonora, también se encuentra “Stereotype”, una resonancia dura y elegante a la vez, que hacen que la potencia en la voz de Millhiser sea aún más llamativa.

Lo interesante del nuevo material del dúo neoyorquino es la manera en que los versos del coro quedan perfectos con los sonido, además del proceso de reproducción de cada tema –es como aquella pieza que embona a la perfección en el rompecabezas-. Es inevitable no querer mover los brazos de arriba hacia abajo.

Con un “Let’s fall in love, let´s make the same mistakes”, en “Compass Point” nos acercamos casi al final. Ecos que van y regresan. Explosiones sonoras que hipnotizan con gran furor. Nuevamente, esos riffs aplastantes. Un sonido completamente crudo. Y una letra que habla sobre de tomar riesgos.

La pista de baile se cierra con“Footsteps”, una canción no mayor a los cinco minutos. La rola más tranquila de todo el EP. A pesar de eso, el ritmo característico de Holy Ghost! sigue ahí. Como las ganas de seguir bailando.

Holy Ghost! ha logrado posicionarse como una de los dúos más representativos de la escena del dance. Con el arte de su disco, forman el anclaje perfecto entre lo visual y lo sonoro. 

Entrevista con HÆLOS

Platicamos con HÆLOS sobre su debut discográfico editado con Matador Records.

HÆLOS, agrupación salida de Londres, ha estado inundando de excitación a todos los medios especializados en música. Una nueva generación de trip hop en su primer EP sacudió las mentes de todo aquel que escuchara brevemente su música. Para no dejar picada a su creciente oleada de fanáticos, decidió lanzar su álbum debut con intenciones de sorprenderlos aún más.

Pero, ¿qué es HÆLOS? Indie Rocks! tuvo la suerte de intervenir en el día de descanso de Arthur Delaney, quien reposaba en un camastro a un lado de una piscina en un soleado hotel de San Francisco. Pudimos contactarlo por teléfono desde un día lluvioso en México con el fin de dar a conocer este proyecto a nuestra contaminada nación.

HÆLOS se crea a partir de juntarnos Lotti Benardout, Dom Goldsmith y yo con la idea de hacer música más honesta, sin pretensión. Sabes, nos llevamos muy bien. Trabajar juntos se facilita bastante porque todos estamos muy al pendiente del proceso creativo y porque pensamos en nosotros al componer, no en toda la demás gente”, palabras de Arthur.

El trío se enriquece por sí solo cuando cada uno de los tres aportan cosas en diferentes áreas. “Para mí la letra siempre ha sido mi fuerte. Lotti y Dom también escriben muy bien, pero Lotti tiene mucha facilidad al componer grandes melodías. Aunque Dom y yo creamos melodías también, el fuerte de Dom es la producción. Lotti y yo también ayudamos un poco en eso”. El proyecto se mueve por sí solo, como comentó Arthur.

Hablando un poco de su álbum debut, existe una gran diferencia de sonido entre su Earth Not Above y su disco debut, Full Circle. El EP es más trip hop, más bailable y con letras frescas de escenarios en la madrugada después de la fiesta, y en su larga duración ahora abogan por tocar algo llamado dark euphoria. ¿Qué fue lo que los hizo cambiar de rumbo?

“Necesitábamos expresar una amplia gama de emociones. Queríamos hacer algo más honesto con lo que realmente sentimos, algo de lo que estuviésemos orgullosos. Nos detuvimos a hacer una gran investigación de los pasos que hemos dado y todos los años de fiesta que tuvimos. Si te das cuenta, en la letra hay mucho acerca de regresar a sí mismo, buscar una conexión con el universo, muchos corazones rotos, integrar los pedazos de uno mismo después de la autodestrucción y regresar al lugar donde uno empezó”, dijo Delaney.

Y la música ideal para acompañar este tipo de realización espiritual tendría que ser algo más etéreo, alucinante, atmosférico, más hipnótico, lo que fue todo un proceso que empezó mucho antes de que existiera este álbum.

Ellos seguirán de gira durante el año: están terminando su tour norteamericano, y continuarán con Europa y Asia. Si todo sale bien, también Centroamérica podría estar en su itinerario, así que no demores en escucharlos.

Checa el Facebook oficial de  HÆLOS para seguir todas las noticias de la banda.

Vaya Futuro comparte el video "Congelar"

Desde Reikiavik, Islandia, la agrupación mexicana nos presenta el video de su más reciente sencillo.

En diciembre de 2015, Vaya Futuro estrenó "Congelar", canción que fue grabada en Islandia como parte del proyecto Converse Rubber Tracks‬. Este año, la agrupación originaria de Tijuana, una de las ciudades más importantes y pobladas de Baja California, regresa para presentarnos el video que acompaña a dicho tema.

En el videoclip podemos ver a los tijuaneneses desde el estudio de grabación así como algunas imágenes de su aventura por aquellas gélidas tierras. Sus rostros se desvanecen para crear una doble exposición, mientras que una densa capa de nubes se mueve a su alrededor.

vaya futuro

La banda integrada por Luis, Aldair, Miguel y Ros fue seleccionada por Converse para Rubber Tracks‬, proyecto que da a bandas alrededor del mundo la oportunidad de grabar en estudios famosos.

Es así como este cuarteto escogió Islandia como destino, donde estuvieron cuatro días para derrochar el ingenio y el talento que los caracteriza. Los estudios Greenhouse son un icono en aquel país, y artistas como Björk, Sigur Rós,CocoRosie, Feist y Damon Albarn han trabajado ahí.

Vaya Futuro se presentará próximamente en el festival de música latinoamericana Ruidofest 2016 que se llevará a cabo los días 8, 9 y 10 de julio en la ciudad de Chicago.

Radiohead – A Moon Shaped Pool

Cuando hasta el pasado suena a futuro.

La mayoría de los interesados en oír el nuevo disco de Radiohead ya lo hicieron y tienen una opinión clara: odio o amor. Aquí no hay medias tintas, sus fans se vuelven evangelizadores y sus haters dedican más tiempo a escucharlos que los propios seguidores para encontrar algún detalle criticable.

Pero, por más que se quiera demeritar su música, esta es la culpable de esas emociones extremas, más que el hype que ellos mismos han fabricado en cada etapa; más que el “carisma” de sus integrantes y más que la manera en la que revolucionan la industria de la música.

A Moon Shaped Pool no se libra del ruido mediático. Sin embargo, a diferencia de The King of Limbs (2011) –que podría ser calificado como el álbum menos bueno de la banda– A Moon Shaped Pool justifica la exposición que ha tenido hasta ahora.

El disco cuenta con 11 canciones, y 8 ya habían sido escuchadas previamente o datan de sesiones pasadas: “True Love Waits fue tocada en la gira de promoción para The Bends e incluida en el I Might Be Wrong: Live Recordings (2001), mientras que “Burn The Witch” quedó fuera de varios discos y se remonta a los tiempos de Kid A (1999).

¿Cómo un disco que poco tiene de “nuevo” acredita el gran recibimiento que ha tenido? Suena ilógico, suena a broma o engaño. Es, por lo menos, decepcionante que un nuevo disco tenga ocho canciones previamente “conocidas”, y más si tomamos en cuenta que han pasado cinco años desde el último trabajo de los ingleses. Olvida ese detalle, realmente no pesa y, de hecho, muchos escuchas ni siquiera notaron ese dato. Aunque es una colección de canciones de diferentes épocas –algunas recientes, otras antiguas– todas terminan por tener un sabor a “Radiohead 2016”: suenan nuevas y frescas.

A Moon Shaped Pool abre con “Burn The Witch”, un potente golpe de cuerdas a los oídos. Al escucharla se entiende que haya quedado fuera de trabajos anteriores, pues no suena a esos discos. Continúa el mejor de los tres temas nuevos, “Daydreaming”, una balada que tiene como protagonista un simple y triste piano y que por momentos recuerda la pesadez de “Exit Music (For a Film)”, además de la melodía profunda e hipnótica de “Weird Fishes/Arpeggi”.

Un momento cumbre es “Ful Stop” por su estresante ritmo in crescendo y su melodía sombría que explota y se convierte en un tema totalmente RadioheadDespués del bajón minimalista de “Glass Eyes” llega “Identikit”, una joya, la cual pone en marcha una gran cantidad de elementos como guitarras incisivas y puntuales, un bajo punzante y luminosos sintetizadores para gritar desesperadamente “Broken hearts, make it rain…” en repetidas ocasiones.

En “The Numbers” la banda demuestra que no solo se reinventa, sino que también hace “tributos” que pasan por propios, pues, en este corte, es fácil escuchar a Serge Gainsbourg y su afamado Histoire De Melody Nelson.

“True Love Waits”, en su nueva versión, es el cierre del disco, y adquiere una atmósfera diferente: ya no está la emotiva guitarra que acompañaba al “And true love lives on lollipops and crisps…” y al resto de la desgarradora letra.

A Moon Shaped Pool es un gran disco de Radiohead, una gran colección de temas sueltos que remontan a sus trabajos más importantes. Nunca un conjunto de canciones tan heterogéneas habían sonado en perfecta simbiosis –ese es el principal mérito en este disco–. Hay que entender que no es un greatest hits. Al contrario, es más parecido a un disco de b-sides –aunque tampoco lo es– mezclado con años de crecimiento, madurez y, sobre todo, con una nueva visión musical de la banda, aunque eso signifique un trabajo sin la fuerza de los discos de antaño. No es un The King Of Limbs, pero tampoco es un In Rainbows.

Corona Sunsets en Playa del Carmen

Corona Sunsets: la fiesta que no te puedes perder este verano.

Dos días antes de Corona Sunsets, celebridades, influencers y medios fuimos convocados a vivir una experiencia fuera de lo común. Un avión privado aguardaba nuestra llegada. Iba a dormirme cuando de la nada, ¡pum!, la iluminación se volvió tornasol y la canción de "Doctor Preasure"elegida por Dj Paper, levantó a todos de sus asientos, como si tuvieran un botón al que solo le faltaba activarse para bailar. Cuando empecé a preocuparme por la estabilidad del avión, el set desapareció como si se tratara de un truco de Copperfield.

Llegamos literalmente a un paraíso. De inmediato, probamos el ceviche de pescado más memorable del viaje. Casi pedimos que le compusieran un himno. Tras instalarnos, tuvimos la oportunidad de platicar con Caloncho, quien cálidamente nos contó sobre su gira Mon La Fruta y lo mucho que le gustaban los nuevos discos de Elsa y El Mar, Rodrigo Morante y la música latina. Después de eso nos regaló un show totalmente íntimo, en el que incluso jammeó con los invitados.

 

Al siguiente día, nos enlistamos en las diferentes actividades que ofrecía Casa Corona: paddle board, snorkel, yoga, clases de mixología y papalote. Ya peinaditos y arregladitos, nos llevaron a un escenario secreto en la que nos esperaban las mezclas insanas de Loui Fresco, del que por cierto todas estaban enamoradas, y cuando la fiesta parecía llegar a su clímax, Poolside hizo lo que quiso de nuestros cuerpos. Debo decir que esperaba algo más fresa de este último dúo, pero me sorprendieron con su selección indie que hizo temblar el hueso que no sabías que tenías.

Al otro día nos llevaron a la gran celebración de Corona Sunsets en Playa del Carmen. Una espectacular producción vistió el Griffin Stage y el Crown Stage, donde pudimos escuchar propuestas musicales como Duke Dumont, Bakermat, Sam Feldt y José Padilla, responsable de popularizar la música chill-out, así como talentos nacionales entre los que figuraron Disco Ruido!, los nuevos favoritos del rock electrónico en la escena mexicana.

Los más de 6,000 asistentes pudieron disfrutar de un mercadito de diseño con artistas locales, ofertas culinarias y productos especiales que enriquecieron la experiencia y nos hicieron sentir parte de la tribu. La edición especial de Cerveza Corona, contenida en un envase de aluminio, llevó la degustación fría a otro nivel y gozó de gran popularidad en las barras que se montaron en Playa Mamita's, convirtiéndose en el protagonista de coctéles como el Coronita Sunsets, hecho a base de maracuyá.

El domingo nos despedimos de Corona Sunsets. Sin embargo, la celebración aún no termina, ya que se tienen 3 fechas más que harán temblar de diversión las playas de Acapulco, Puerto Vallarta y Puerto Progreso. Si desean vivir la experiencia, consulten la página oficial de Corona Sunsets y corran, porque esta edición fue un total sold out a solo dos semanas de efectuarse.

The Claypool Lennon Delirium comparten un lyric video

Checa el lyric video para la canción “Cricket & The Genie (Movement I, The Delirium)” de The Claypool Lennon Delirium.

El extraordinario proyecto entre Sean Lennon y Les Claypool, llamado The Claypool Lennon Delirium hoy dio a conocer un lyric video para el primer sencillo “Cricket & The Genie (Movement I, The Delirium)”, canción estrenada hace algunos meses que formará parte del álbum titulado "The Monolith of Phobos".

El visual compartido tiene un estética colorida y psicodélica, así es como también se ha descrito que será el diseño físico del vinil y CD que estará a la venta a partir del tres de junio de este 2016 por medio de ATO Records.

Claypool Lennon _ Monolith Phobos

Para este experimento musical, el legendario bajista de Primus afirmó: “Sean es un mutante musical después de mi propio corazón. Realmente refleja sus genes, no sólo por la sensibilidad de su padre, también por la perspectiva única y abstracta de su madre”.

Escuchemos este sencillo que realmente une el talento, rareza y genialidad de ambos:

También realizando esta nota, encontramos que ya está a la escucha el audio oficial del sencillo titulado "Bubbles Burst" que formará parte de esta nueva producción:

Animal Collective lanza serie de álbumes en vivo

Animal Collective pone en distribución grabaciones en vivo en respuesta a una ley discriminatoria.

 

Father John Misty, Bruce Springsteen, Mumford & Sons, Pearl Jam, entre otros artistas, han cancelado presentaciones en Carolina del Norte en respuesta a la aprobación de la ley HB2, una propuesta que, además de negar que las personas transexuales puedan usar el baño del género con el que se definen, atacan los derechos de la comunidad LBGT, afectando sobre todo garantías laborales que atañen los sueldos y los despidos.

La posición de Animal Colletive, si bien resultó ser distinta, apoya de otra manera esta problemática a la que se enfrenta este estado. "Recientemente, Carolina del Norte aprobó una ley, conocida como HB2, que dicta cuáles sanitarios las personas transgénero pueden utilizar y que ataca los derechos de los ciudadanos LBGT, anulando sus derechos de demandar ante cualquier violación de sus garantías laborales. Consideramos que cancelar nuestras presentaciones, como otros han hecho en protesta por esta ley, sería una decepción para nuestros fans, así que decidimos continuar con lo planeado. Dicho esto, nosotros no apoyamos cualquier tipo de discriminación o de fanatismo", declaró la banda en un comunicado.

Después de definir su postura, Animal Colletive anunció que han estado grabando y mezclando algunas de sus presentaciones en vivo. Para levantar consciencia en torno a la lucha por la igualdad, la banda declaró haber escogido dos de sus recitales favoritos para ofrecerlo a la venta a través de su Bandcamp bajo un modelo "paga lo que quieras", similar al utilizado por Radiohead para In Rainbows. El dinero de las compras será destinado a Progress NC,  fundación sin fines de lucro que busca el progreso social y económico de Carolina del Norte.

Aquí abajo, te dejamos una de las canciones de su presentación en el Teatro Fonda en Los Ángeles, para que te animes a adquirir esta placa y así apoyes la causa de Carolina del Norte:


También, recordamos esta versión de "Banshee Beat", tema de su placa Feels, una presentación en vivo con mucho poder:

 

A Love Electric en el Foro Indie Rocks!

Analogías psicóticas del mundo en la música.

Hace menos de un año que la banda A Love Electric comenzó a recaudar fondos para la producción de su nuevo material discográfico, titulado Psychomonde. Esta placa ya es una realidad, y el sábado la banda decidió presentarse ante su público mexicano para dar gracias a las personas que apoyaron su proyecto mediante las plataformas digitales con un concierto muy al estilo de su disco para el que invitaron a artistas como Alex Otola, Patricio Iglesias y Los Músicos de Joséque se encargaron de darle un toque muy divertido y festivo a la presentación del disco.

Los primeros en salir al escenario para precalentar los cuerpos y los oídos de los asistentes –con melodías para bailar suavemente y deslizarse al ritmo del jazz y funk– fueron Los Músicos de José, que demostraron su versatilidad y energía en todo momento con canciones como “La Dejada de Ir”, “Us 7” y un poco de hip hop. También presentaron algunas canciones de su homenaje a Perez Prado como “Mambo en Saks”, “Cayetano” y “Lupita”. Después de levantar los ánimos de los presentes, cedieron el escenario a la banda principal. 

A Love Electric demostraron de qué están hechos. La agrupación comenzó interpretando “Hush, Pocket Full of Bones”, “Lift Me”, “Be The Evolution” y “Tlalpan Girl” con mucha energía y entusiasmo antes de invitar a subir a Alejandro Otola, con quien interpretaron la canción “This Means Love” y comenzar a darle contundencia a su presentación: el público se movía, gritaba y aplaudía para acompañar el sonido de los músicos invitados al show. Poco después, llegó el final del tema “Jungle Eart” y con él subió Patricio Iglesias, quien ejecutó “Wheres Her Money From”.

Terminó la canción y Todd Clouser convocó Loli Molina para acompañarlos con la voz en “This” dedicada a sus padres, quienes se encontraban en el foro viendo el espectáculo. “Barrio” fue otra de las dedicadas. Después, iniciaron un tiempo de música improvisada y melódica, abriendo paso a los breakdancers que bailaron con la música en medio de la pista. De pronto, en el escenario estaban todos sus invitados interpretando “Bread and Circus” que inauguró una tremenda locura antes de terminar con “Telemasque” y “War Pigs”.

Visita el Facebook de A Love Electric para seguir todas sus noticias.

Grimes comparte video para "California"

Escenarios surreales se conectan dentro del nuevo video de Grimes.

Claire Boucher, mejor conocida como Grimes, entregó al mundo el año pasado su disco Art Angels, el cual, de manera casi unánime, recibió las mejores críticas y fue descrito como un "un triunfo", además de ser nombrado uno de los mejores discos del 2015. Desde este lanzamiento, la cantautora no ha tomado un respiro. Su rostro fue la portada en múltiples revistas e imagen de la nueva fragancia de Stella McCartney. A la fecha continúa de gira, y recientemente subió al escenario de Coachella. Próximamente, tomará el de Sasquatch!, Glastonbury y Lollapalooza.

Hace unas semanas, la canadiense mencionó que estaba trabajando en nueva música, por lo que es una sorpresa que nos comparta el video que acompaña a "California", canción que se desprende de Art Angels. El visual fue codirigido por Grimes y su hermano Mac, quien también participó en "Kill V. Maim".

Al ritmo de una versión alternativa de la que se encuentra en el disco, el video captura a la cantante en escenarios tan desconectados entre ellos pero que tienen sentido dentro del concepto que Grimes siempre ha manejado. Claire baila usando una coqueta falda tableada en un estudio de arte con muchas esculturas, en un colorido gimnasio y en unos shows surreales.

Brian Eno – The Ship

Más que un “nuevo álbum”, Brian Eno crea una pieza audiovisual.  

40 años de carrera lo respaldan. Sin embargo, Brian Eno ya no solo es un músico, sino un artista integral que abarca muchas otras formas de arte, y para muestra está su reciente álbum: The Ship.

Con sólo cuatro temas, este material traspasa la línea de ser sólo un disco para convertirse en una pieza audiovisual. Seguro, si has ido a un concierto de música experimental en un museo y conoces la trayectoria de Eno, se te hará demasiado familiar. Y si esto te ha ocurrido es precisamente porque Brian fue pionero en este tipo de composiciones.

¿Cuántas veces habías escuchado la voz del artista a lo largo de su trayectoria discográfica? Han sido contadas, sólo a principios de su carrera en los 70 y esporádicamente en algunos otros discos. El ambient acompaña este último material, incluso el dark ambient en sus tres primeras pistas.

“The Ship” también es el nombre de la primera canción. Inicia con una atmósfera melancólica y oscura. La lentitud de los sintetizadores te lleva a una imagen donde caminas a lo largo de los restos de una catástrofe: hay incertidumbre, aunque sabes que algo pasó ahí. A esto se adhiere la voz de Eno completamente procesada y con un estilo gregoriano, que bien te pueden llevar a la meditación o a sentir una profunda nostalgia. Después de 21 minutos y casi bajo la misma línea, le sigue su segunda pista de 18 minutos: “Fickle Sun (i)”, pero en ella hay mayor consecución en la melodía. Después, en “Fickle Sun (ii) The Hour is Thin” parece que escuchas al autor recitar una pieza poética musicalizada con piano. Finalmente, el álbum se ilumina con “Fickle Sun (iii) I’m Set Free”, cover a The Velvet Underground que remite a la época glam del artista.

El creador de The Ship menciona en su sitio web que este material nació a raíz de dos hechos: el primero, su fascinación por el surgimiento trans-cultural, resultado de la arrogancia entre imperios durante la Primera Guerra Mundial. Posteriormente, el hundimiento del Titanic, ese barco imponente e insumergible que pudo ser el mayor triunfo del hombre sobre la naturaleza.

Estoy convencida que el arte de una obra reside en la reacción que ésta provoca en su espectador o en su escucha, y realmente, este álbum logra una variedad de reacciones muy rica. Es estruendoso, con una enorme carga emocional y visual que, además, evoca los primeros años de carrera de Eno.  

Si bien, el autor ha creado composiciones pensadas para ambientar obras artísticas o para que estas funjan como tales, es válido sólo disfrutar sus piezas en tu reproductor de música.