Jamie xx anuncia el estreno de un videoclip

El británico Jamie Smith comparte un teaser para el nuevo audiovisual de "Gosh".

Jamie xxmejor conocido por formar parte de la agrupación The xx, estrenó el año pasado en solitario su placa discográfica In Colour, la cual nos regaló cortes como "Loud Places", "Sleep Sound", "Girl", "I Know There's Gonna Be (Good Times)" y "Gosh", este último contará el día de mañana 1 de julio con su acompañamiento visual.  A pesar de que ya se conoce un clip para este tema, al parecer se decidió producir otro. Ya veremos qué tal el resultado.

El sello del músico, Young Turks, compartió a través de su red social un trailer de lo que será el nuevo videoclip de Jamie xx. Este trabajo para "Gosh" fue dirigido por Romain Gavras, que de igual manera estuvo a cargo de los visuales para los tracks "Born Free" y "Bad Girls" de M.I.A. 

La incógnita se hizo presente en el teaser, ya que lo poco que se puede apreciar es a un par de jóvenes vestidos de blanco trasladándose en un automóvil por una ciudad decrépita.

A pesar de que el productor y DJ continúa con la promoción de In Colour, Jamie xx sigue cosechando éxitos tanto con el grupo The xx —que esperemos muy pronto regresen con nuevo material—, como en su faceta de solista, por lo que solo nos queda esperar unas cuantas horas para descubrir de qué va este videoclip y cuáles serán sus próximas presentaciones en lo que resta del año.

Actualización: El día de hoy 1 de julio, Jamie xx ha publicado el video completo de "Gosh", dirigido por Romain Gavras. Una producción muy interesante, filmada en el pueblo de Tianducheng, China, con la participación de más de 400 actores.

Sigue los estrenos de Jamie xx en Facebook.

Jake Bugg - On My One

Previo a su show en El Plaza Condesa, te contamos a qué suena el nuevo disco de Jake Bugg.

Vivimos en una época en la que la tecnología se ha adueñado de la música. Ya sea en su distribución o en su ejecución, lo digital domina la manera en la que se producen y consumen las canciones que nos acompañan en el día a día. Sin embargo, aún existen quienes apelan a lo orgánico, lo acústico, lo old school. Este es el caso de Jake Bugg, un británico que decidió regresar a las raíces del folk y country para demostrar que no todo en el mundo es digital, lo que reafirma con su tercer disco, On My One.

El álbum empieza con la canción que le da nombre al disco, una melodía que remonta al country de Woody Guthrie, dejando a un lado el contenido social, claro. Con solo su guitarra y voz -demasiado madura para un joven británico de 22 años de edad- logra transportar en el tiempo al escucha a una época en la que las guitarras eléctricas eran cosa de ciencia ficción, y las historias cantadas viajaban de boca en boca.

“Love, Hope & Misery”, continúa con este sonido pero con el agregado de la batería y una guitarra bluesera que acompañan a Jake logrando un sonido un poco más rockero, sonido que se extingue en “The Love We’re Hoping For”, que regresa a la balada folk, aunque esta vez de manera menos dramática que en la canción encargada de abrir este material. El country y sus subgéneros siguen con “Put Out the Fire”, una canción hillbilly muy al estilo sureño estadounidense.

Una referencia a Beck se puede percibir en “Ain’t No Rhyme” pues se trata de una base de batería al estilo hip hop, una guitarra country y un Jake que rapea encima: cualquier parecido con “Loser” es mera coincidencia.

Y así como en este disco se pueden encontrar parecidos con Beck, también se puede escuchar la influencia de clásicos como Bob Dylan o Neil Young, en específico en “Livin’ Up Country”, la cual claramente te transporta a la época en que Dylan se hizo de una guitarra eléctrica o bien, cuando Neil agarró una acústica.

“All That”, una balada al estilo Ryan Adams interpretada a voz y guitarra le da un toque oscuro y nostálgico al disco mientras que “Hold On You” se va hacia un lado más blues, dando por cerrado un álbum que rinde tributo a los orígenes del rock recorriendo el country, folk, hillbilly y otros géneros pioneros de manera fresca y actual.

Hasta aquí todo parece perfecto, un disco sólido, tradicional, bien producido y mejor logrado. Sin embargo, existen canciones como “Gimme The Love” que arruinan por completo la experiencia. En específico, esta melodía suena más a brit pop que a otra cosa, lo cual hace que se convierta en un trabajo sin identidad. Lo mismo pasa con “Bitter Salt”, que recuerda a Interpol en lugar de a Dylan. Al parecer, a este muchacho aún le falta definir el camino que quiere seguir: si quiere tocar country está bien, lo hace de maravilla, pero si lo que desea es un sonido más rockero -que también domina a la perfección- debería de, al menos, no mezclar ambos géneros en el mismo LP.

Sigue a Jake Bugg en Facebook para enterarte de todas sus noticias.

Entrevista con Leitvox

Leitvox: ingeniería en el sonido.

De Miami a Ciudad de México, un hombre llega a la aduana. Alto, con lentes ovalados y camisa abierta, parecería más ingeniero o programador que músico. Justo antes de salir le toca luz roja. En su maleta encuentran un paquete de CD cuyo propietario, argumenta, son de su autoría. Escépticos, los de seguridad lo dejan ir después de unos minutos. Él es Christian Cooley, en otro contexto conocido como Leitvox.

Desde joven, el productor mexicano enfocó su vida a la música, nutriéndose de conocimientos en Boston, donde estudió la carrera de diseño y programación de audio, para después comenzar su carrera en Londres. Sin hacer mucho ruido, Christian ha colaborado con cuanto artista ha querido, desde Nortec hasta Phil Vinall. El creador platicó para Indie Rocks! acerca de su experiencia y de futuros planes.

Leitvox es un proyecto que ha tomado el trip hop como su principal sazón. Nacido en Londres, el sonido se nutrió de la fuerte escena británica. Christian nos compartió sus inicios en el género.

“Yo seguía el trip hop desde hace muchos años, desde que empezó Portishead, Massive Attack, a mediados de los 90 y estando en Inglaterra obviamente vi que ese género es uno de los fuertes. Eso me hizo un poco más fan de otros proyectos que también están por allá y es un estilo que no me he quitado. Siempre que compongo, tengo algo de trip hop”, mencionó.

Y qué mejor que Gavin Clark, ex miembro del mítico grupo UNKLE, para apadrinar el proyecto. El músico recientemente fallecido alcanzó a colaborar con el productor mexicano.  

“Cuando estaba allá conocí al manager de UNKLE y con él estuve platicando de una posible colaboración, le gustó el material de Leitvox y fue cuando me presentó a Gavin y a los demás [de UNKLE] y así producimos dos o tres canciones con Pablo Clements y con James Griffith”, recordó Cooley.

Como parte de su último álbum de estudio, Floating Promises, se estrenó el video del sencillo “A Whole Other Country” donde colabora Gavin Clarke. El clip fue dirigido por las “señoritas más cool en el mundo de la animación”, aka Flaminguettes.

“Me involucro mucho en la historia, en el cuidado de la fotografía, aunque esta vez ellas [Flaminguettes] prácticamente hicieron todo. Ellas son un poco pop, pero me gustó mucho la combinación de esta canción que es un poco lenta y llevarlo con esta mezcla de algo un poco más soluble, que no sea tan oscuro y creo que ellas lo lograron, creo que hicieron un balance muy bueno”, dijo Christian.

La promoción de Floating Promises, material que cuenta con colaboraciones de Gus Gus, Nortec, Ladytron, entre otros, seguirá por México y Latinoamérica. Leitvox planea girar por estos rumbos, inicialmente como DJ set.

“La idea es promocionarlo por México, Latinoamérica y Miami. Quiero hacer un DJ set y en un futuro, una presentación como grupo. Es un poco complicado porque todos los artistas están en diferentes países, pero puedo llegar a lograrlo”, finalizó Christian.

Visita el Facebook de Leitvox para seguir todas sus noticias.

Air – Twentyears

Air deja puntos suspensivos con el álbum compilación Twentyears.

Conmemorando 20 años de la existencia de Air, el dúo francés ha lanzado un álbum doble con un compilado de lo que ellos llaman Best Of and Rarities. A simple vista, Twentyears se siente como una especie de Victory Lap para una banda que ha combinado elementos sonoros aparentemente incompatibles para crear un universo musical sumamente propio. Sea a través de cinco discos de estudio, soundtracks para filmes como Virgin Suicides e incluso trabajos por comisión para museos, Nicolas Godin y Jean-Benoît Dunckel han probado ser capaces de reinventarse y mantenerse vigentes pese al cambio de épocas.

Así es como se veía Air a principios de 2016. Sin embargo, a dos años de Music For Museum (2014) y a casi siete años de su último álbum de estudio –Love 2, 2009– no parece haber señales de un nuevo álbum de estudio en el horizonte. En una entrevista de 2012 con Pitchfork, Nicolas Godin mencionó: “Mucha gente mayor que hemos mencionado [como influencias] están haciendo discos horribles ahora. Es una maldición: después de los 40, haces discos culeros. Nuestra generación está consciente de eso así que estamos repensando todo”. Tanto Godin como Dunckel tenían 42 en ese momento.

Con eso en mente, el lanzamiento de Twentyears bien podría significar que aquella maldición de la que Godin hablaba en 2012 haya probado ser una profecía autodetonante. Teniendo la ligera preocupación de que los días de este dúo magnifico dúo de downbeat-electro estén tras nosotros, este último lanzamiento y la gira que lo acompaña se sienten un tanto…, extraños.

Aunque el álbum puede ser una excelente forma de revivir viejos éxitos sin comprometerse a un álbum de estudio entero, o una puerta de referencias para quien apenas comienza a interesarse en la música de Air, no deja de sentirse como más que una compilación. Sin duda, debe haber habido una mejor forma de conmemorar los 20 años de Air que lo que uno obtiene al escuchar Twentyears de principio a fin. Un documental, un disco en vivo o un álbum de material completamente inédito quizás hubieran sido más memorables. Si el dúo francés está guardando las ideas atrevidas para el próximo lanzamiento o solo han adoptado un estilo de vida más tranquilo y enfocado en sus familias -algo que no tiene nada de malo-, solo el tiempo lo dirá.

Björk transmite en realidad virtual/360º

Mira esta transmisión única de Björk en realidad virtual y en 360º.

El día de ayer, la artista de origen islandés Björk, transmitió en vivo una presentación en realidad virtual y en 360 grados de su canción “Quicksand”, extraída de su más reciente álbum de estudio, Vulnicura.

En el video podemos ver a la cantautora bailar al ritmo de esta melodía, mientras la vemos rodeada de diversos efectos especiales. El stream oficial fue borrado de Youtube, pero aquí te dejamos un video en 2D de esta presentación.

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Este suceso ocurrió en el Miraikan, el Museo Nacional de Ciencia e Innovación en Tokyo, dónde realizó anteriormente una residencia para su gira en apoyo a Biophilia.

De acuerdo con una publicación de la cantante, ella usó una máscara especial, creada con tecnología 3D, la cual fue diseñada por Neri Oxman. Esta presentación forma parte del tour de su exhibición Björk Digital, y fue una colaboración entre Björk y Dentsu Lab Tokyo. Se espera que esta muestra visite otras ciudades a lo largo del año, incluyendo Londres, Paris y Houston.

Esta no es la primera vez que Björk explora la tecnología en 360 grados, recordemos que hace un año publicó el video para “Stonemilker”.

of Montreal estrena video para "it's different for girls"

of Montreal nos invita a bailar con el nuevo video, "it's different for girls".

A principios de este mes, of Montreal anunció la llegada de un nuevo material de estudio que lleva por nombre Innocence Reaches, y con esta noticia, la banda también compartió lo que sería el primer corte de su catorceava placa discográfica, "it's different for girls".

El día de hoy, Kevin Barnes y compañía liberaron el acompañamiento visual para esta primera entrega vía Huffington Post. Globos, bailarines y mucho color se dieron cita en la fiesta que dio como resultado este trabajo tan característico dirigido por Stephen Winter, que en todo momento resaltó el protagonismo de Barnes, donde se le observa vestido y maquillado de mujer a lado de muchas personas que están situadas en la pista de baile dentro de un cuarto blanco.

Hablando acerca de la canción y la decisión de representarla como lo es en el visual, Kevin Barnes dijo que "no es exclusivamente la variedad biológica femenina. Las chicas sobre las que estoy cantando en la canción, es más de un canto a todos los grupos salvajes de corazón de nuestra especie. En cierto modo me siento como la mayoría de nosotros, en una transición de ida y vuelta psicológicamente entre mujeres y hombres, ya que la identidad sexual es un concepto fluido. Tengo un historial de actuaciones en el cambio de sexo, porque siempre ha sido una parte de mi identidad como ser humano", expresó.
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Por otra parte, Stephen Winter comentó que "este video muestra un mundo especial donde las niñas, las personas LGBTTTI y aliados celebran su afirmación".
Antes de entrar al estudio para trabajar en Innocence Reaches, Barnes escuchó un poco de Jack ÜArcaChairlift, pero será hasta el 12 de agosto en que podremos escuchar por completo el resultado de este nuevo álbum que saldrá a la venta a través del sello Polyvinyl. Mientras, te compartimos el tracklist y el arte de la portada que fue diseñada por David Barnes -hermano de Kevin- donde también expresa su asombro por la anatomía femenina.

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Tracklist de Innocence Reaches
1. let's relate
2. it's different for girls
3 gratuitous abysses
4. my fair lady
5. les chants de maldoror
6. a sport and a pastime
7. ambassador bridge
8. def pacts
9. chaos arpeggiating
10. nursing slopes
11. trashed exes
12. chap pilot

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Angel Olsen tiene un nuevo video

De su nuevo disco My Woman, Angel Olsen estrenó el video de su sencillo "Shut Up Kiss Me".

El próximo 2 de septiembre será la fecha en que My Woman, el tercer álbum de estudio en la carrera de Angel Olsen esté disponible en todas las tiendas de discos y plataformas digitales, el cual saldrá firmado bajo la disquera Jagjaguwar.

Hace un par de días, la cantante presentó el trailer de la canción "Intern", tema que abre su nuevo material. Ahora, Olsen compartió el video de su nuevo y ruidoso sencillo "Shut Up Kiss Me", escrito, dirigido y estelarizado por ella misma. Esta canción la produjo en compañía de Justin Raisen, quien ha trabajado con artistas como Charli XCX, Sky Ferreira, Santigold .

La preventa de My Woman, misma que puedes realizar aquí, incluye un vinilo de color azul de 7 pulgadas con covers a "For You" de Roky Erickson y "Tougher Than The Rest" de Bruce Springsteen

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My Woman

Tracklist

Intern
Never Be Mine
Shut Up Kiss Me
Give It Up
Not Gonna Kill You
Heart Shaped Face
Sister
Those Were The Days
Woman
Pops

¡Sintoniza aquí el streaming oficial del Festival Roskilde por Red Bull TV!

No te quedes fuera y sigue aquí la transmisión del Festival Roskilde.

¡Ya estamos disfrutando de una edición más del Festival Roskilde! Para ser exactos, la número 46, misma que lo consagra como uno de los festivales más longevos del mundo.

Este año hay variedad y para todos los gustos gracias a los actos que van desde Red Hot Chili Peppers Foals, hasta Bomba Estéreo y Bring Me The Horizon –quienes encabezan el cartel–, además de nombres no tan conocidos como Calypso o Danko Jones. Incluso, no solo los colombianos de Bomba Estéreo representarán a Latinoamérica, la rapera chilena Ana Tijoux también tendrá una presentación.

El Festival Roskilde es conocido por tener una mezcla equilibrada de los artistas grandes y bien conocidos, artistas de todos los géneros contemporáneos, actos populares, además de cabezas de cartel escandinavos y talentos locales. Además de un festival de música, presenta instalaciones de arte, así como proyectos de ciencia innovadora y culinarios.

Obviamente si no pudiste ir hasta Dinamarca, checa aquí los horarios y disfruta de la transmisión gracias a Red Bull TV e Indie Rocks!

Miércoles 29 de junio

Channel 1

12:10 pm – Syrian National Orchestra for Arabic Music with Damon Albarn & Guests
02:10 pm – Bring Me The Horizon
03:45 pm – Red Hot Chili Peppers

Jueves 30 de junio

Channel 1

12:05 pm -  Red Hot Chili Peppers (Encore)
01:30 pm – Choir of Young Believers
02:45 pm – Courtney Barnett
05:30 pm – Tenacious D
07:00 pm – Bomba Estéreo (Encore)

Channel 2

 

12:15 pm – Bring Me The Horizon (Encore)
01:15 pm – Blue Pills
02:15 pm – Destroyer
13:15 pm – Bomba Estéreo
04:15 pm – Birdy Nam Nam
05:15 pm – Courtney Barnett
06:15 pm – Kvelertak

Viernes 1 de julio

Channel 1

12:05 pm – Broadcast starts
01:20 pm – Mac DeMarco
02:20 pm – Biffy Clyro
02:40 pm - Stormzy
06:50 pm – Young Thug

Channel 2

12:15 pm – BadBadNotGood
01:15 pm – Young Thug
02:10 pm – Calypso Rose
03:10 pm –  Blaue Blume
04:10 pm – Tal National
05:25 pm – Highasakite
06:30 pm – Stormzy (Encore)

Sábado 2 de julio

Channel 1

12:05 pm – Danko Jones
01:20 pm – M83
03:50 pm – New Order
04:50 pm – MIIKE SNOW

Channel 2

12:15 pm – Gojira
01:15 pm – Balani Show Business De Bamako
03:15 pm – David August
03:20 pm – Ana Tijoux
04:35 pm –
05:25 pm – Shades
07:00 pm – Minds of 99

 

@Roskilde
#Roskilde
@RedBullTV
#RedBullTV
#tedaalas

Plaid — The Digging Remedy

Los pros y contras de la experiencia.

La experiencia, ¿fortaleza o debilidad? Por un lado, un artista experimentado compone mejor, domina el escenario, toca su instrumento con maestría y ya demostró su vocación al sobrevivir al paso del tiempo. Por otro lado, un artista nuevo tiende a arriesgarse más, innova, experimenta y no está cansado.

Plaid, el reconocido dúo inglés de música electrónica integrado por Andy Turner y Ed Handley, ejemplifica este debate en su más reciente entrega, The Diggin Remedy, un álbum bien compuesto y producido pero, a la vez, repetitivo y predecible si has escuchado sus antecesores.

Desde el primer sonido se nota la planeación y el trabajo previo a la realización del material. Sin embargo, también es evidente que los músicos ingleses repiten la fórmula que les ha funcionado en sus últimas placas.

El primer track, “Do Matter”, inicia con un intro pegajoso, ritmos monótonos y generando una atmosfera agradable que instantáneamente capta la atención. Posteriormente, una vez que tienen tu interés, las canciones se tornan más psicodélicas y los beats comienzan a sonar más estilo IDM. Y, así, continuará hasta finalizar con tres pistas que se van tornando más relajadas, disminuyendo el frenesí que causaron los temas intermedios y anunciando el final de este viaje.

Si bien, la fórmula en cuanto al orden es la misma que les han funcionado a lo largo del tiempo -siendo francos es la fórmula obvia y que casi cualquier artista utilizaría-, la composición sí dista mucho de su entrega pasada.

Este es un disco mucho más ecléctico, en el que los británicos combinan perfectamente géneros como el math rock -especialmente en “Yu Mountain” y “Lambswood”-, rock progresivo, synth pop, house, R&B, rock alternativo, disco, funk, mucho techno e, incluso, un poco de new wave.

Se distingue claramente la influencia de artistas tan consolidados como Kraftwerk, Daft Punk y The Chemical Brothers, hasta músicos en apogeo del calibre de Animal Collective en “Dilatone” o Julian Casablancas en “Melifer”.

Destacan “Clock”, el mejor track del disco y, tal vez, uno de los mejores de su carrera por sus cambios de ritmo y sonido experimental con toques de funk y disco; “The Bee” por eso sonido R&B tan notorio y agradable; “Lambswood” por su combinación de math rock, electrónica y sonidos asiáticos; “Held” y “Wen”, los cortes más lentos pero con un ambiente tranquilizante y agradable.

Quisiera concluir esta reseña diciendo lo que Plaid demuestra, pero Plaid ya no tiene nada que demostrar, simplemente refuerzan lo que ya sabemos: que saben producir un buen disco, darle el orden óptimo, combinar géneros sin perder su esencia y mostrar que, contrario a lo que muchos dicen, componer música electrónica -buena música electrónica- requiere de talento. The Digging Remedy no será el disco del año, o el hit de la carrera de Plaid, pero es un buen disco que, definitivamente, vale la pena escuchar.

Visita el Facebook de Plaid para seguir todas sus noticias.

Entrevista con Black Overdrive

Rock duro entre baterías, bajos y poderosos riffs de guitarras.

México ha sido testigo del surgimiento de muchas bandas que se han inclinado por tocar un rock que sea más pesado al que suele interpretar el resto de las agrupaciones nacionales del género. Uno de esos casos es  Black Overdrive, cuarteto formado por Iván Nieblas –voz y guitarra–, Ángel Castillo –bajo y coros–, René Villanueva –guitarra– y Julio César Pintor –batería– que tomó al stoner y al metal como sonidos propios y que, luego de tres años de su formación, en 2015 lanzó su primer álbum, titulado Discord, el cual se está promocionando actualmente y que llevó a sus autores a tocar este año por primera vez en el Vive Latino.

La experiencia de haberse presentado en la Carpa Intolerante durante la pasada edición del festival iberoamericano fue una muy importante para el grupo debido a que se tenían ciertas expectativas por tocar frente a un público no metalero. El resultado fue exitoso, lograron llegar a los oídos de muchos que no suelen escucharlos. Al final, el disco debut de la banda sigue cosechado cosas buenas para sus cuatro integrantes, quienes continúan trabajando para poder crecer más y que se han sorprendido al ver la respuesta de su nuevos fans.

“Hemos tenido que ir tocando donde se pueda, donde te inviten, hasta ir viendo cómo sacar tu disco y sacar dinero para crear cosas o cómo conseguir un mejor equipo. Le hemos hecho como le tienen que hacer todas las bandas, porque nadie llega y te pone toda la producción en charola de plata, eso dejó de pasar en los ochenta, ahí sí pasaba. Ahora, tienes que apoyarte con tus amigos y con las mismas bandas que llegas a conocer, debe haber una sinergia para, incluso, construir escenas. Todos los que tienen una banda y que están soñando con la fama y la fortuna, tienen que trabajar para llegar a eso”, comentó Iván Nieblas sobre el largo camino que uno debe recorrer como músico para poder conseguir sus objetivos.

La banda sigue promocionando Discord de diferentes formas, aunque las circunstancias no les han permitido hacer todo como ellos quisieran, sobre todo por mantenerse en la independencia. “Claro que funciona promover el disco por sencillos, pero el tema siempre será el dinero, no hay mucho capital, queremos sacar un video y también queremos sacar un nuevo disco, entonces hay prioridades”, nos dijo Julio César Pintor sobre la estrategia de promoción que ha resultado mejor para Black Overdrive, a lo cual Iván Nieblas agregó: “Ya hemos lanzado tres sencillos desde hace rato, sencillos en el sentido de estar promocionando una sola rola y no específicamente editar un sencillo para ello, la respuesta ha sido bastante chida y ya sabemos más o menos que hay canciones para cierto tipo de público. La promoción ha estado bien y desde hace mucho tiempo tenemos la idea de hacer un video, pero ya tenemos el tiempo encima”.

Black Overdrive lleva ya un buen rato tocando en distintos lugares de México, principalmente en la CDMX. Sus letras son inglés e interpretan un género del cual existen muchos festivales a lo largo del mundo, teniendo como la opción más cercana a Estados Unidos, por lo que podría darse la posibilidad de que se aventurara a probar suerte en otros territorios. Al respecto, Julio César Pintor piensa que salir a tocar a otros países es algo que el grupo hará pronto ya sea con su actual álbum o con el siguiente, mientras que Iván Nieblas opina que el inglés es un arma de dos filos debido a que si van a Estados Unidos, por ejemplo, se les puede ver como una agrupación más del género y cree que antes de tomar ese riesgo es mejor llegarle primero a la gente en Sudamérica para seguirse afianzando en el mercado de habla hispana.

Así que Black Overdrive va por buen camino y todavía le quedan muchas cosas buenas por delante. Mientras el grupo se anima a sorprendernos con un video o se mete de regreso al estudio para grabar su segundo disco, podemos seguir escuchando Discord y esperando a que llegue su siguiente gran presentación en un festival, lo cual sucederá en el Hell and Heaven Metal Fest 2016.