Mykki Blanco en el Foro Normandie

Una noche de riottt dance con Mykki Blanco.

N.A.A.F.I. es un sello discográfico que desde 2010 ha organizado una serie de fiestas underground y que con el tiempo han adquirido fama debido a la peculiaridad y originalidad de sus invitados. En este caso unió fuerzas con 8106 para presentar a Lao, Paul Marmota y Wasted Fates, miembros del colectivo, además de los actos principales, Maluca y Mykki Blanco.

Poco después de las 10 de la noche se abrieron las puertas del Foro Normandie. Al entrar se podía percibir un olor a cemento, acorde con las instalaciones aún inconclusas, disfrazadas con una serie de costales de color negro. Los asistentes aún eran pocos, pero no importó para que todos bailaran al ritmo de los beats del regiomontano Octavio Kh (Wasted Fates), quien tuvo un set de más de una hora. Acompañado de su estilo hyper-rave, dominó los ritmos rápidos y la música oriental.

Casi al final de su presentación, Paul Marmota comenzó a mezclar junto a él, hasta que Octavio abandonó el escenario. Paul logró atraer más la atención de la gente mezclando géneros como reguetón, tribal, hip hop y música techno de los noventa. La gente bailó al ritmo de “Papi Chulo...Te traigo el Mmmm” de Lorna y demás canciones que se pegaban a la primera escucha.

Las personas comenzaron a congregarse cerca del escenario. Era el turno de Maluca, quien tuvo un repertorio corto, pero logró hacer bailar a todos los asistentes. El humo comenzó a expandirse por todo el lugar, y fue en ese momento cuando una silueta de mujer vistiendo una blusa transparente logró observarse. "I'm happy to be back", dijo para comenzar la fiesta. Minutos después sonaron los primeros acordes de “Vernáculo”, colaboración que realizó con Future Brown, y todos perrearon al ritmo de "yo soy la madura, yo soy la tortura, tú no sabe' na' tú eres basura", terminando la canción con la frase característica "日本語できますか。私のお名前わマルカです。[¿Puedes hablar japonés? Mi nombre es Maluca]”, mientras hacía un saludo tradicional.

Continuó con un mix de sus dos singles: “El Tigeraso” y “Mala”, llegando al clímax de su presentación, en el que todos corearon "tengo fly, tengo party, tengo una sabrosura" y "i be the M-A-L-A, holler at me, if you want, you can see me”, respectivamente. El DJ continuó mezclando la canción “Text Message” de Busy Signal, mientras ella decía adiós a todos sus fans.

Lauro Robles, mejor conocido como Lao, comenzó con sonidos bass potentes mientras movía su característica cabellera rubia. En algunos momentos ponía pausas, confundiendo a la hora de bailar. Logró realizar una gran mezcla de géneros durante su set, desde cumbia, reguetón y electrónica, hasta una remezcla de “Toxic” de Britney Spears y “Vuela Más Alto” de Onda Vaselina, ahora OV7. En algunos momentos agregó voces al estilo PC Music, como “tráigame la leche, tráigame la leche”, que lograron reconstruir la música electrónica de los años noventa.

Todos estaban disfrutando de Lao, cuando Michael David Quattlebaum Jr. aka Mykki Blanco apareció en el escenario para lanzar sus primeras rimas, “Hey Mexico City, I wanna be loved by you”, dijo mientras recorría el escenario de un lado a otro. Después interpretó “Haze.Boogie.Life” de su mixtape Cosmic Angel: Illuminati Prince/ss, convirtiendo el lugar en una celebración. En momentos Mykki bajó del escenario para interpretar algunas canciones, e incluso bailó dentro de un círculo que formaron las personas, y como ya es característico de él, se paseó por todo el venue sin importar si empujaba a alguien.

“Wavvy” fue otra de los hits que interpretó de dicho mixtape. Mientras movía sus brazos simulando que eran olas cantaba el coro “We getting wavvy, getting wavvy, getting wavvy” e invitaba a la audiencia: “Get too wavvy”. Interpretó algunas canciones nuevas que tienen un estilo más agresivo que sus trabajos anteriores, prueba de esto fueron los momentos en que la gente subió al escenario y bailó junto a él, mientras decía “hands in the air” y agitaba la peluca rubia que llevó puesta la mayoría del tiempo.

Durante la última canción se podía oír “You are mine, angel baby boy” mientras David hacía de una serie de movimientos sensuales, para después bajar del escenario y perderse entre la gente hasta el final de su presentación. Quattlebaum comprobó que no sólo es un excelente rapero, sino que también logró construir un performance lleno de actitud y personalidad, dándole una mayor contundencia a sus conciertos.

El encargado de cerrar la noche fue Zakmatic, quien hizo de DJ en los sets de Mykki Blanco y Maluca. Logró cautivar a los asistentes aún cuando eran cerca de las cuatro de la mañana. Entre beats de reguetón, la audiencia –principalmente drags, raperos, entre otros– subió al escenario para bailar. El lugar salió de control, todos hacían lo que querían sin prejuicio o estigma alguno, no hubo impedimento para que siguieran disfrutando de una noche llena de buena música y baile.

Lust For Youth – Compassion

Compassion de Lust For Youth tiene evocaciones sonoras del "Madchester" ochentero.

Dance y pop de tintes ochenteros. Lúcidas armonías, sintetizadores y baterías sampleadas. Sus orígenes fuertemente arraigados a la época industrial del minimal synth y lo más crudo del punk británico apenas son perceptibles en la superficie de los ocho temas que conforman la nueva producción discográfica de Lust For Youth.

Dos años después de International, disco que intentaba evocar la movida de Manchester con canciones como “Illune” o “New”, el trío sueco lanza Compassion, álbum en el que -por fin- parecen haber logrado reconstruir ese periodo en la música.

Los primeros acordes de “Stardom” subrayan los preceptos de su nueva estética musical, en los que viran varios de los cortes intermedios como “Limerence” y “Tokyo”.

“Easy Window” es un interludio sonoro en el que aún se distinguen ciertos vestigios del post-punk, mantenidos también en “Better Looking Brother”, aunque este tema explora el lado más electrónico del álbum.

Atmosférico y suave, “In Return” regresa a los orígenes de la banda liderada por Hannes Norrvide y los combina adecuadamente con su nueva efigie melódica.

Además de los sintetizadores en primer plano, en el nuevo material discográfico también emanan voces más cuidadas y preponderantes. La voz de Hannes ahora suena al frente. Sin embargo, mantiene el estilo apático que lo caracteriza y que contrasta irreprochablemente con las melodías.

Es inevitable notar algunas similitudes con Depeche Mode –la influencia es evidente–, tal vez en el registro vocal Norrvide análogo al de David Gahan o en los ritmos de visualización que se repiten una y otra vez.

Compassion no es un disco propositivo o innovador, pero cumple perfectamente su objetivo: evocar la época dorada de la escena “Madchester” que se desarrolló en Reino Unido.

2manydjs en SALA Corona

Una fiesta a medias con 2manydjs en SALA Corona.

Desde que se anunció a 2ManyDjs como parte la inauguración oficial del ahora llamado Sala Corona, lo único que pasó por nuestras cabezas era que llegara el 30 de abril. Sería una noche épica. La fecha por fin llegó, y lo que se perfilaba para ser una de las mejores fiestas del año, estuvo llena de fallas de sonido, y terminó por no ser para nada de lo que se esperaba.

Emilio Acevedo, sí, el mismo de Sonido Lasser Drakar y Titán, fue el encargado en abrir la pista de baile mientras las almas deseosas de fiesta poco a poco iban llegando a Sala Corona, lugar que prácticamente sigue siendo igual solo por el cambió de nombre, mismo que se puede ver en un bonito y luminoso letrero a las afueras de la calle de Puebla #186.

Una pantalla anunciaba que Radio Soulwax estaba en la casa. La media noche recibió a los elegantes hermanos Dewaele, justo antes de que el primer éxtasis de la noche llegara con los beats y la locura que reinara al ver a dos de los mejores DJ del mundo frente a nuestros ojos, pero el bajón comenzó con la primera falla de sonido de la noche.

Algo extraño pasó con las tornamesas durante toda la presentación, que sin tregua alguna para los que sudaban las cervezas que traían encima con el baile, dejaban de sonar de un momento a otro. Después de la tercera vez que pasó en un inicio bastante accidentado, algunas rechiflas y muecas comenzaban a correr entre el público. Mientras 2ManyDjs con la misma cara de confusión que reinaba en el ambiente, trataban de que no decayera la fiesta ante las pausas y fallas técnicas.

Aunque no estamos para ver solo lo malo: su set tuvo grandes momentos. Las caderas se contonearon sin control al escuchar el “Sucu Tucu” de Matías Aguayo y ni de cuando sonó la sensual “I Feel Love” en la voz de la reina Donna Summer. No pudo faltar “Blue Monday” de New Order para poner el piso a temblar, a la que le siguió un remix atascado de "Let It Happen" de Tame Impala.

"Pump Up the Jam" de Technotronic nos hizo recordar lo mucho que amamos la fiesta. Cuando esta ya estaba en su punto más alto y todos gritaban y se descontrolaban, la última y más “grave” falla llegó. Con una pausa de unos cinco minutos  en lo que lo que cambiaban de mezcladoras, las caras de todos predecían que la fiesta estaba a punto de llegar a su final. "You Wanted A Hit" de LCD Soundsystem retumbó para dar paso a unos mashups con canciones de Daft Punk, y mientras “Lets Dance” de David Bowie ponía la locura total, 2ManyDjs comenzó a bajar el sonido de sus mezcladoras, agarraron sus cosas y salieron del escenario. Así, sin más, todo llegó a su fin.

Después de que los hermanos Dewaele nos dejaran con la sensación de que quedaron algo a deber, un DJ salió para divertirse solo: para ese momento la gente que estaba en Sala Corona buscaba la salida para seguir la fiesta que no tuvieron.

Kanaku y el Tigre y LosPetitFellas en el Foro Indie Rocks!

Kanaku Y El Tigre y Los Petit Fellas: la refrescante escena de música sudamericana presente en el Foro Indie Rocks!

El pasado 30 de abril se presentaron en el Foro Indie Rocks! dos bandas de la nueva escena sudamericana, que sin duda han logrado dejar huella en diferentes escenarios tanto de México como de diferentes países latinoamericanos: hablamos de Kanaku Y El Tigre y LosPetitFellas.

Los encargados de abrir la noche fueron Kanaku y el Tigre, banda peruana de fusión que logró, desde el primer instante, conectar con los presentes gracias a los diferentes ritmos ejecutados en cada melodía. De alguna manera se podía sentir la intención de la música al ver a los integrantes tocar y unir su talento,  y demostraron hacer lo que más les gusta. Transmitían al público tanto con el sonido como con los cambios de luces y lograban una conexión entre los que ya conocían la propuesta y los que estaban descubriendo la esencia de su música.

Casi para cerrar su participación, Kanaku Y El Trigre invitó a Juan Manuel Torreblanca para cantar y tocar el teclado en el tema “Quema, Quema, Quema”que da título a su último disco editado por Terrícolas Imbéciles en México, y con el que lograron poner a bailar a todos los presentes.

 

Más tarde, después de un descanso, aparecieron LosPetitFellas –debo decir que esta banda, sin duda, es la que más me impactó–. Desde el preámbulo, antes de saltar sobre el escenario, se percibía un ambiente histriónico. Apagaron las luces y una pista lenta dio el anuncio de que estaba a punto de pasar algo increíble.

LosPetitFellas sobresalieron por el mensaje que envían a su audiencia. De alguna forma, hacen creer que es posible. Es de esas bandas que tienen presente que lo más importante es la música y su efecto en quienes la reciben. Están conscientes del poder que tiene la palabra para hacer el bien.

Entre rimas y canciones como “Astronauta” y “Antes de Morir”, Nicolai Fella, vocal de la agrupación, dijo: “Bendita sea la música que no separa a la gente, porque la  música está hecha para vivir, para sentir. Con la música todo va a estar bien. Paz y amor con la música, que la música nos una”.

En resumen, LosPetitFellas lograron desde el inicio que el público se sintiera parte del espectáculo al hacerlos participar en dinámicas, como cantar o bailar. A veces sólo señalaban a los asistentes, haciéndoles saber que estaban pendientes de que todos lo pasaran de lo mejor.

Nota: Como recomendación NO PLATIQUEN EN LOS CONCIERTOS de bandas tan buenas, estos espacios son para escuchar las propuestas, no para actualizarse sobre sus importantes actividades.

Las 5 mejores canciones de la semana

Disfruta aquí abajo de las cinco mejores canciones que presentamos en Indie Rocks!

La última semana de abril estuvo llena de estrenos y algunas bandas nos sorprendieron con su regreso después de varios años de ausencia, tal es el caso de Blink 182 y Local Natives. Asimismo, nos enteramos de un nuevo supergrupo a cargo de Chino Moreno (Deftones) y conformado por integrantes de Bad Brains y CrossesSaudade.

En lo que todas estas bandas trabajan en nueva música, ¡disfruta nuestras cinco mejores canciones de la semana!

 

5. Nothing - “The Dead Are Dumb”

Falta muy poco para escuchar el nuevo disco de Nothing, Tired of Tomorrow. Previo a su lanzamiento, la banda estadounidense nos comparte “The Dead Are Dumb”, una melódica pieza musical que te sumergirá en un viaje por paisajes oníricos gracias a su sonido ensoñador con toques dream pop. Bien vale la pena escuchar justo antes de irse a dormir.

4. Death Valley Girls - “Glow in The Dark”

El rock and roll sigue más vigente que nunca y para muestra lo nuevo de Death Valley Girls. Este cuarteto, también oriundo de California, se convertirá en el soundtrack de tu próximo viaje, pues su música se antoja escuchar mientras vas en carretera sin rumbo alguno. “Glow in The Dark” es el nombre que le da vida a su siguiente álbum de estudio.

3. The Raveonettes - “Junko Ozawa”

Como parte de la serie Rave-Sound-Of-The-Month, The Raveonettes estrenó esta semana el tema “Junko Ozawa”, un track bastante diferente a lo que nos tenía acostumbrados este dúo danés y que está dedicado a la compositora japonesa del mismo nombre. Si eres amante de la música para videojuegos, entonces esta canción será de tu agrado.

2. Cat’s Eyes - “Be Careful Where You Park Your Car”

El dúo conformado por la canadiense Rachel Zeffira y el inglés Faris Badwan -The Horrors- nos dio a conocer un tercer adelanto de su próximo material de larga duración titulado Treasure House. A diferencia de los dos primeros sencillos, “Be Careful Where You Park Your Car” deja de lado la melancolía para sumergirnos en una canción más divertida y alegre.

1. Band of Skulls - “So Good”

Después de tres materiales discográficos es momento de renovarse. Russell Marsden, frontman del grupo, ha declarado que para su cuarta entrega tomaron un respiro, echaron un vistazo a lo que ya habían hecho y comenzaron desde cero. Eso se nota en su más reciente single, que hace honor al título de la canción.

¿Te gustaron los estrenos de esta semana? Dinos cuál fue tu canción favorita y sigue nuestras redes sociales para conocer los tracks más recientes de tus artistas favoritos.

Escucha "Junko Ozawa" de The Raveonettes

"Junko Ozawa": 4/12 entrega de The Raveonettes.

Como ya lo esperamos cada último viernes del mes, The Raveonettes estrenó una nueva canción. "Junko Ozawa" es la cuarta entrega de su serie Rave-Sound-Of-The-Month. No se trata de un nuevo disco -las canciones no tienen un tema que las controle-, son creaciones que surgen el mismo mes que se estrenan.

TheRaveonettes_JunkoOzawa

Previamente conocimos “The World is Empty (Without You)”"Run Mascara Run"“Excuses”. Si bien todos sus videos abren con una advertencia de luces estroboscópicas para aquellos que sufren de epilepsia, cada una tiene tintes distintos, hay sonidos oscuros, otros melancólicos y un poco de dream pop.

"Junko Ozawa" es completamente diferente a todo lo que The Raveonettes haya dado a conocer antes. Se trata de una canción dedicada a Junko Ozawa, compositora de música para videojuegos y sí, eso se nota. Con una instrumentación en el rango de los 8-12 bits y guitarras que funcionan bajo synths, la letra nos habla del enojo que surge del engaño de la pareja y la pérdida de un amigo a causa de esa situación.

Muchos se han cuestionado si una vez que salgan a la luz las 12 canciones prometidas por el dúo, existirá una presentación que las compile. The Raveonettes no lo tenía planeado pero dadas las peticiones abrió una "cuenta" en donde los interesados pueden preordenar una de las 300 copias que harán disponibles. Puedes comprarlos aquí.

Travis – Everything at Once

Everything at Once: la reafirmación de la identidad ya conocida de Travis.

Con veinte años de carrera sería imposible que una banda no hubiera ya establecido o descubierto su sonido característico. Con el lanzamiento de su anterior producción Where You Stand en 2013, efectivamente la banda ya tenía claro donde estaba parada. Ahora, su octava entrega Everything at Once reafirma que Travis ya tiene una esencia, una identidad.

Este esfuerzo comienza con “What Will Come” que con una letra optimista marca la pauta de las nueve canciones que le siguen. “Magnificent Time”, que ya se había dejado escuchar previamente, tiene todas las características para ser una de las canciones más coreadas en un concierto: ritmo, letra y sentimiento.

“Radio Song” me recuerda en momentos a uno de los clásicos de la banda, “Love Will Come True”. Si bien se tratan de cosas completamente distintas, evocan el mismo grado de romanticismo. Este romanticismo se detiene con “Paralysed” y “Animals”, las cuales bien podrían ser canciones de Coldplay aunque tengan la intención de innovar utilizando cuerdas y unos excelentes acordes de bajo que tristemente se ven desperdiciados aquí.

A estas alturas, el disco se ha tornado ligeramente monótono por lo que resulta sumamente adecuado que “Everything at Once” esté en este lugar; es elegantemente llamativa con un poco de energía y vitalidad. “3 Miles High” pasa sin pena ni gloria, al igual que su sucesora “All of the Places”.

Sin embargo, “Idlewild” destaca entre este mar de familiaridad. Con un cambio de tono y voz para el coro, es la canción más arriesgada. Logra de alguna manera salirse del radar sin alejarse de la esencia de Travis.  El final llega con “Strangers on a Train” que, sin ser memorable, es un buen cierre con un dejo de espiritualidad.

En general, Everything at Once es escuchable porque es cohesivo: sigue la misma línea en todas las canciones. No es mejor o peor que sus predecesores, es un esfuerzo bien producido y ejecutado pero es igual de predecible. Esto puede significar dos cosas: Travis ha establecido su sonido ideal y ha llegado al tope de su talento –espero no sea el caso–, o ha decidido quedarse en su zona de confort porque funciona para sus seguidores.

Digitalism estrena "Go Time"

Checa el video y escucha el remix del cuarto sencillo del nuevo disco de Digitalism.

Este año Digitalism, conformado por Jence Moelle e Ismail Tufekci, ha confirmado su regreso después de 5 años de pausa tras el lanzamiento de su último disco I Love You Dude. Su nueva producción tiene por nombre Mirage y verá la luz el próximo 13 de mayo a través de Magnetism Recordings/PIAS.

Hasta el momento el dúo aleman de música electrónica ha compartido ya tres sencillos: "Battlecry""The Ism""Utopia". Todos con estilos diferentes, que van desde el disco hasta synths de punk-pop y hip hop, pero se unen en una propuesta que, según Digitalism, intenta evocar algo fantástico y hermoso pero a la vez frágil.

El cuarto sencillo que comparten tiene también otro estilo. "Go Time" nos muestra un lado más feliz, más up beat que suena excelente para la pista de baile. Al respecto, el dúo comentó al medio Clash que el loop principal lo tenían guardado desde hace tiempo y por fin decidieron hacer algo con él. "La primera linea era 'Let's get Friday out of the way', no nos la pudimos sacar de la cabeza, nos gustó y la utilizamos." Entonces la utilizaron y comenzaron a escribir frases que congeniaran con ella.

"Go Time" viene acompañada de un video dirigido por un joven director de Barcelona: Joan Guasch. El dúo lo conocía por sus trabajos con ilusiones ópticas, así que lo contactaron y le dieron una lista de palabras claves sobre las cuales desarrollar el visual. El resultado es una mezcla de diferentes dimensiones con casas y bosques de espejos en los que Jence e Ismail se encuentran con clones de ellos mismos.

Y por si fuera poco, Digitalism también dio a conocer el remix que Mumbai Science, dúo de música electrónica de Bélgica, le hizo a "Go Time". Aquí te la dejamos también porque si te gusta la onda rave, este remix se quedará contigo.

¡Local Natives está de regreso!

Local Natives comparte "Past Lives". ¿Es este el primer sencillo de un nuevo disco?

Hace tres años, la banda californiana Local Natives estrenó su segundo álbum Hummingbird, que contó con la producción de Aaron Dressner de The National. Conciertos sucedieron –incluyendo Lollapalooza 2013– y con ellos, "Breakers", "Heavy Feet" "You & I" se establecieron como distintivos de la banda.

Después de ese hype, la banda se salió del radar. Sus cuentas en redes sociales tenían mínima actividad con posts poco significativos. Participaron con "Stella Blue" en el álbum tributo a Grateful Death que The National organizó pero ninguno de los miembros de la banda se detuvo a comentar al respecto siquiera.

Hoy, la banda estrenó una nueva canción titulada "Past Lives", introspectiva como bien saben hacerlo y con todo su sonido característico. La pregunta es: ¿es este el primer sencillo de su tercera producción?

No hay nada confirmado pero si ponemos atención, Local Natives ha estado documentando el proceso de un nuevo álbum. A finales de 2014 publicaron una fotografía de la construcción del estudio de grabación que utilizarían posteriormente y desde mitades del año pasado, la banda ha documentado sus viajes por Tailandia y Nicaragua con comentarios sobre la escritura de canciones y su inspiración en estos lugares. En especial, llamó la atención una publicación titulada #blackdays con la fotografía de un cuaderno con la letra de lo que, por lógica sería, una nueva canción.

#darkdays

Una foto publicada por Local Natives (@localnatives) el

Todas las cosas que valen la pena toman su tiempo y dedicación, es por eso que esperamos pronto el anuncio formal de la banda sobre su nuevo disco que con suerte llegará antes de su presentación este año en los 25 años de Lollapalooza.

Alex Anwandter – Amiga

Dos discos, de reciente lanzamiento, han cartografiado circunstancias sociales. Revisamos a PJ Harvey, hoy a Alex Anwandter.

El pop, en su acepción más amplia, ha tenido en Latinoamérica enunciaciones políticas –los personajes marginales de Rita Indiana; la sátira del Tercer Mundo construida por Eblis Álvarez–, pero podemos escuchar cierta diferencia en la producción chilena, al menos en aquellos nombres que han tenido proyección internacional. Gepe, Javiera Mena, Dënver y Astro son propuestas que han buscado las fórmulas más bailables del pop a través de registros distintos, desde aquellos que han buscado capturar a la adolescencia hispanohablante hasta los más susceptibles a la televisación más vulgar –Mena es un ejemplo de ello; en poco tiempo, transitó del “un audífono tú, un audífono yo” al “quiero que tu espada me atraviese solamente a mí”–. En este panorama, la figura de Alex Anwandter resulta singular. Recordemos Odisea, su primer proyecto solista desde Teleradio Donoso. Sin olvidar las licencias que el pop puede darse a sí mismo, en 2011 lanzó un único disco que puede funcionar como un retrato desasosegado del Chile después de la dictadura de Pinochet. “Otra víctima del siglo XX, que empezó y terminó de repente, y tengo dudas sobre qué hacer”, se escucha en “Casa Latina”, la canción más reconocible de aquella placa oscura y políticamente desencantada.

5 años después, Alex Anwandter evolucionó el mismo discurso y nos trae Amiga, un disco que pone entre paréntesis los procedimientos del pop, haciendo del género un soporte ambiguo, una vía capaz de poner en términos del mainstream los desencantos del presente. Detrás de los sintetizadores más festivos y de los estribillos más pegajosos, trabaja una letra frontalmente combativa. Si en Rebeldes abordaba la represión sobre los cuerpos, en Amiga esa preocupación se vuelve central y se ancla en las manifestaciones más radicales de la literatura y de la canción chilena. “Siempre Es Viernes En Mi Corazón” se traviste de una celebración del fin de semana al tiempo que arroja un mensaje en torno a la enajenación laboral y a los deseos de emancipación. “Viernes: cansado y el trabajo se hace eterno. De a poco creo que estoy entendiendo. No quiero estar en llamas porque sí. Si quiero prenderle fuego a algo que sea a la iglesia y al congreso”, canta Alex como si se tratara de una fiesta. Por su lado, “Mujer”, una canción que podría enmarcarse en el mejor aliento de la música disco, describe paródicamente a la mujer como un ente sin voluntad que sólo existe para provocar a los hombres –“y yo sé lo que quieres decir con ‘no’”, reza la letra de un álbum que se estrenó poco después de la partida de la periodista Andrea Noel tras recibir amenazas de muerte después de denunciar un acto de acoso sexual en las calles de la Ciudad de México–.

Amiga contiene dos puntos conmovedores, un par de subtextos que resuenan en figuras que resultaron incomodas para un país que atravesó uno de los regímenes gubernamentales más siniestros del Cono Sur. Por un lado está “Manifiesto”, balada que continúa la tristeza por el crimen de odio contra Daniel Zamudio esbozada en ¿Cómo Puedes Vivir Contigo Mismo? de la placa Rebeldes. “El maricón del pueblo: aunque me prendan fuego, brillaré como las estrellas brillan”, dice Alex acompañado únicamente de un piano. Esa altisonancia, esa declaración que desestabilizaría a cualquier disco pop, es una cita al texto Hablo Por Mi Diferencia del escritor Pedro Lemebel, quien en pleno totalitarismo leyó en voz alta este texto donde habla de su comunismo y de su diferencia sexual. En otro extremo, se encuentra “Caminando A La Fabrica”. “Voy caminando a la fábrica otra vez, pensando en ti, de nuevo” son los versos iniciales, cita de “te recuerdo Amanda, camino a la fábrica, donde trabajaba Manuel”, canción de amor de Víctor Jara, otro militante que sí fue asesinado por la dictadura chilena.

Amiga es un trabajo contestario que altera todas las nociones de la música bubblegum. Desde su propio contexto y lengua, el disco es una respuesta estética a las condiciones de “la diferencia”; de los cuerpos, las preferencias y las clases sociales minoritarias cuya existencia persiste.