Café Tacvba interpreta canción para la serie 'Diablero'

El integrante de la banda, Quique Rangel está adentrándose en el oscuro mundo de la serie de Netflix: Diablero.

La plataforma de entretenimiento streaming Netflix está iniciando 2020 al máximo, eso incluye el estreno de la próxima temporada de la serie original Diablero. En esta ocasión el integrante de Café Tacvba, Quique Rangel se sumó a esta rara y tenebrosa serie al interpretar el tema "Una canción desde el inframundo".

El sencillo llegó acompañado de un clip donde vemos algunos extractos de lo que nos espera en esta segunda temporada, incluyendo nuevos personajes y demonios que atormentarán a los protagonistas a más no poder. Mientras que el bajista de la banda nacional deleita una suave pero oscura melodía en compañía de su guitarra.

Dale play a "Una canción desde el inframundo":

No es la primer vez que aparece una canción de la banda liderada por Rubén Albarrán en la serie. Pues el tema principal de Diablero es la canción "Futuro", del disco Jei Beibi, lanzado en 2017.

El próximo 31 de enero, llegará el estreno de esta segunda temporada, acompañado de muchos más demonios y las nuevas aventuras que emprenderán los protagonistas con tal de encontrar al último ángel que habita en el planeta. ¡No te la pierdas!

Radiohead comparte temas inéditos en su nueva biblioteca

En la nueva biblioteca pública de la banda encontrarás fotografías, música y más.

Radiohead sorprendió a sus seguidores con el lanzamiento de su biblioteca pública online. Thom Yorke y compañía decidieron publicar su EP debut de 1992 Drill, entre otros temas, fotografías, presentaciones en vivo y raros visuales. Todo este material está disponible a partir del día de hoy. Para poder ser miembro de esta biblioteca, debes seguir un breve proceso de registro, ya que se te otorgará un folio y deberás adjuntar una fotografía para poder ser parte de este raro club.

Y por sí fuera poco, como parte de la conmemoración de apertura, durante esta semana los integrantes de la banda se turnarán como bibliotecarios. Cada uno presentará una selección de los materiales que encontraremos en el sitio, además de presentar sus credenciales de miembros.

Da un vistazo a lo que encontrarás aquí.

Todo el material está en perfecto orden y sin publicidad, esto se debe a que la agrupación liderada por Yorke está batallando contra el Internet y sus desventajas, para así ofrecerle a los miembros material de calidad, preciso y detallado. Si estás interesado en ser miembro de esta rara biblioteca, da clic en el siguiente enlace ¡y regístrate ahora!


Recuerda que Thom visitará la ciudad de México el próximo 25 de abril para presentarse en la próxima edición de Ceremonia. Sí quieres conocer los detalles de este festival, visita nuestra agenda dando clic aquí.

Mira el trailer del documental de Ozzy Osbourne

Personalidad múltiple, alcohol y drogas son solo algunas de las cosas que encontraremos en esta ansiada producción sobre Ozzy Osbourne.

Ya puedes ver las primeras imágenes de Biography: Nine Lives of Ozzy, el documental que mostrará la historia de Ozzy Osbourne, "Príncipe de las Tinieblas", desde su infancia en Birmingham, Inglaterra, su consolidación como rockstar en Black Sabbath, hasta el éxito alcanzado como solista. 

En el tráiler mostrado recientemente podemos encontrar adelantos sobre los temas que se abordarán en este material visual, tales como la adicción con el alcohol, drogas, los encuentros cercanos con la muerte que el cantante ha tenido a lo largo de su vida y la división de personalidad que existe entre John Osbourne y Ozzy

El documental es narrado con testimonios personales del artista, su familia, colegas y amigos que en algún momento han colaborado con el y que son parte de su trayectoria, tales como: Marilyn Manson, Rob Zombie, Post Malone, Ice-T, Jonathan Davis de Korn y el afamado productor Rick Rubin.

Greg Johnston, ex productor de The Osbournes, es el encargado de dirigir este rodaje, mientras que Sharon, Jack Osbourne y Ozzy participan como los productores ejecutivos de esta cinta.

Aunque aún no existe información o pistas sobre la fecha en la cual se estrenará esta producción, sí podemos darnos una idea de lo que está por venir con estas imágenes.

OB_TRAILER from T GROUP Productions on Vimeo.

31 Minutos lanza "Lucía, la sandía”

¿Quién no recuerda al maguito explosivo? o ¿Cantar al revés? 31 Minutos lanza nuevo single interpretado por el dúo Pe & Pa.

31 Minutos, la serie y la banda musical chilena, lanza una nueva canción que habla sobre Lucía, una sandía ejemplar nacida en la capital de las sandías de Chile. El track es bastante pegajoso y muy singular al escuchar, todo el tiempo te llena de alegría y no puedes dejar de tararear lo mucho que quieres a esta fruta jugosa. La letra es bastante ingeniosa, rima muchísimo, a la vez que la melodía es demasiado entretenida. Simplemente no te cansas de ella.

El video es de lo más original que he visto. Con todos esos colores y cosas irracionales que simplemente no podrían pasar jamás. Muy al estilo de estas marionetas que ya son icono en nuestra cultura popular. 

Seguramente "Lucía, la sandía” tiene un significado social y un punto de vista más elevado. Es increíble que 31 Minutos, al ser creadores de contenido para niños, puedan hacer esta clase de cosas. Dale play a continuación:

Próximamente 31 Minutos visitará la Ciudad de México para presentarse en el festival Vive Latino 2020 junto a bandas de la talla de Guns N' RosesThe CardigansSoulwaxMilky Chance, The Rasmus, Portugal. The ManCarlos Vives, Nortec: Bostich + Fussible y muchos más. Conoce la información completa aquí.

Escucha "Deleters", lo nuevo de Holy Fuck

La agrupación canadiense colaboró con Angus Andrew para la creación de "Deleters".

Holy Fuck inició el año con nueva música y en compañía de grandes amigos, pues un par de días previo al lanzamiento de su nuevo álbum, compartieron un último sencillo: "Deleters". En compañía de Angus Andrew, vocalista y guitarrista del grupo Liars, la agrupación estrenó un sencillo con voces un tanto distorsionadas y con ecos. Sin embargo, al fusionarse con la batería, sintetizadores y cuerdas que las respaldan, se crea una melodía cargada de fuerza y energía.

Los músicos crearon la canción durante una fiesta en un bosque rural de Quebec, dónde tuvieron que hacer un set improvisado para las personas que estaban presentes. Dicho set fue todo un éxito, pues todas las personas bailaron al ritmo de la música, incluido Andrew.

En esta ocasión nos presentaron un visual con animaciones coloridas y un poco psicodélicas, creadas por Rapapawn, Óscar Raña Cynthia Alfonso. Posteriormente los círculos saltan de un lugar a otro mientras el mismo Angus baila con frenesí en un bosque tropical. ¡Míralo ahora!

La banda liderada por Brian Borcherdt, iniciará en marzo una gira mundial para promocionar su álbum Deleter, lanzado el día de hoy vía Last Gang Records. Da clic aquí para escuchar el nuevo material discográfico de Holy Fuck.

The Cure anuncia mercancía de San Valentín

Es viernes y estamos enamorados... The Cure lanza mercancía de San Valentín.

Si aún no tienes idea de qué regalarle a esa persona especial este 14 de febrero, Robert Smith tiene la respuesta para ti. La página oficial de The Cure, lanzó una colección de mercancía especial para celebrar el Día del Amor y la Amistad. Todas las piezas están basadas en una de las canciones favoritas de los enamorados góticos; "Friday I'm In Love". La canción fue lanzada en 1992, y apareció por primera vez en el álbum Wish.

La mercancía tiene una paleta de colores bastante contrastante, utilizan rojo, azul, negro y blanco, y la colección está compuesta por una playera en dos cortes distintos disponible en rojo y negro, dos sudaderas disponibles en blanco y negro, dos tazas, tote bags y porta vasos en los mismos tonos, y un set de parches.

Los precios varían dependiendo del producto, los parches están en $10 dls, mientras que el resto de las cosas tienen un precio de entre $12 y $20 dls. La ropa es lo que tiene un costo más elevado, pues van de $20 a $60 dls. La mercancía ya puede ser preordenada en la página oficial de The Cure, y toda será enviada para llegar el 14 de febrero.

 

Renee Mooi — Beetle

Beetle, el disco que faltaba.

Renee Mooi sentía una deuda con ella y con los suyos, logró apropiarse de una base de fieles fans, girar, dar a luz sencillos y consolidarse en el medio desde otra trinchera (Mooi Collective), sin embargo, el disco seguía a la expectativa. Las circunstancias obligaron a Renee a dejar en el tintero el material que estaba prácticamente listo, pero hoy está al alcance de nuestros oídos, Beetle es el nombre con el que la cantante se pone a mano con ella, y con los suyos.

En Beetle participa Sacha Triujeque (productor que trabajó con Gustavo Cerati), y donde encontramos canciones que ya conocíamos y que han logrado colocar a la artista en el mapa. “Libélula”, “Black”, “Bees” canción donde colabora con Sandrushka Petrova de Descartes a Kant o “Beetle” donde también participa Teri Gender Bender.

Como podemos darnos cuenta es una recopilación de lo que ha pasado Mooi en este tiempo, sin embargo es una producción con una personalidad definida que parece tener el rumbo claro, un disco donde las canciones cuentan con nombre de insectos o de frutas, un ejercicio introspectivo, una metáfora. 

En cuanto a sonido la característica principal tiene que ver con lo experimental, por salirse del molde y explorar con las texturas, es un sonido que a veces se inclina al trip hop, juega con el rock, es oscuro, y que en todo momento deja claro la clase de voz de Renee. A veces es de atmósferas como en “Ants” o en “Robot”, explosivo como en “Bees” o sumamente vocal como en “Nymph”, lo que es una constante es la calidad en todas las canciones, se disfruta del principio al final. 

Si habría que elegir una referencia, puede ir de Nine Inch Nails, pasando por Björk, Portishead o hasta algo de King Gizzard & the Lizard Wizard, o tal vez no, es solo el background musical de años que Mooi ha ido digiriendo, su historia de vida. 

La cantante ha expresado lo complicado que ha sido llegar a darle vida al disco, el miedo que ha sentido y cómo lo ha superado, el resultado es emocionante, redondo y ha valido la pena la espera, Mooi debe estar muy orgullosa y nosotros felices de escucharla. 

En resumen Beetle es como Renee Mooi, intenso, honesto y cálido; son casi 40 minutos de un paisaje sonoro que merece atención, de igual forma puede ser la consolidación para trabajos futuros que después de escuchar el álbum, ya lo estamos esperando.

Desire Marea — Desire

Desire: Calentura ceremonial.

En pleno 2020, escribir que "el Internet nos ha permitido llegar a todo tipo de música en cualquier rincón del mundo" parece un lugar común; sin embargo, en la ejecución, es una expresión que todavía tiene muchos matices por analizar y posibilidades por explotar. No solo nos obsequió el acceso a artistas independientes, proyectos emergentes o joyas del underground en las urbes convencionales de Europa, Asia, y el mundo anglosajón, también nos abrió los oídos hacia propuestas que rompen los esquemas tradicionales de la industria. Desde Centroamérica, islas en Oceanía, países que no entran en el juego del k pop, y por supuesto, África, llegan sonidos frescos con la suficiente solidez para reclamar un lugar en el juego. Es en ese proceso donde encontramos a Desire Marea, la nueva sensación de la escena sudafricana. 

Sin muchos reflectores llega a nosotros su esperado álbum debut: DESIRE, nueve tracks y cuarenta minutos de un diálogo desenfrenado entre la música tradicional zulú, los sintetizadores industriales y el jazz en su versión más vanguardista. 

A partir el corte inicial podemos ver la audacia del autor para manipular su cuidado falsetto con la intención de divinizarlo en un espectro sonoro lleno de salvajismo. Y es que las cartas están sobre la mesa desde el minuto uno: la sexualidad y la espiritualidad se debaten en una alegoría ceremonial que incluso tiene guiños al krautrock. 

Para poner en perspectiva, DESIRE podía ser miembro de esa familia conformada por el disco homónimo de Arca y Yeezus de Kanye West. Sus beats extraídos de un rave en el 2049 son extensiones de una corporalidad en efervescencia, siempre cuestionada y relegada por los cánones eurocéntricos y que ahora busca transgreder a través del baile. 

La producción de este álbum también da espacio para explotar otros recursos más orgánicos. “Tavern Kween” y la osada “Studies in Black Trauma” se valen de secciones de vientos y cuerdas para fortalecer esa convergencia entre lo tradicional y el glitch de las percusiones entre cortadas. 

Otras vertientes como el house y el post soul se ven manipuladas en "Thokozani", un track cuyas capas melódicas emulan la figura de un túnel que se hace casa tramo más profundo y oscuro, tal cual una manera de reconocimiento entre su creador y el inconsciente. 

El futuro es aún incierto para Desire Marea; pero no cabe duda que un inicio lleno de tanta vitalidad catapulta su proyecto hacia las listas de lo más emocionante que está sucediendo justo ahora. Una aventura multi-sensorial que resulta imperdible para este inicio de década.

Mon Laferte en el Palacio de los Deportes

Entre un mar de rosas Mon Laferte despide su gira Norma.

El cierre de una gira siempre viene acompañado de muchas sorpresas; artistas invitados, grandes escenarios y un show de más de dos horas. Anoche, Mon Laferte culminó esa serie de conciertos que dieron promoción a Norma (2018), su más reciente LP, dejando a los invitados conmovidos por tremenda presentación.

Mientras los fanáticos comenzaban a llegar al Palacio de los Deportes, Marco Mares subió al escenario para dar inicio al acto telonero. "Bonito", "La Sanadora" y "Flaquita", fueron las canciones que resonaron en el recinto. Con su simpatía, el mexicano logró animar la primera parte de la velada, haciendo que la espera para ver a la chilena fuera más amena.

Pasados pocos minutos, las luces se apagaron y el venue recibió a Mon Laferte quien inició la noche con mucha energía y derrochando sensualidad, poniendo a bailar a todos al ritmo de: “Por qué me fui a Enamorar de ti”“Ronroneo”, “Cumbia para olvidar”, “Si alguna vez”, “Quédate esta noche”, singles que conforman su álbum Norma.

Muchas gracias por venir aquí. Sé que hay muchas personas que no son de aquí, y sabemos lo que mucho cuesta venir; transporte, comida y la entrada. Estamos en el cierre de la gira y pues ahora unos boleritos pa' llorar. Que los disfruten", fueron las palabras que la cantante pronunció para dar inicio a la parte más triste de la noche.

“Funeral”, “Chilango blues”, “Amor completo”, “Si tú me quisieras”, “Bonita” y “Pa’ dónde se fue”, pusieron los sentimientos de los fanáticos a flor de piel, y es que Mon Laferte interpreta con tanto sentimiento que es imposible no llegar a sentir todo lo que expresa en sus letras; y aunque para entonces la mayoría ya estaban muy sensibles, todos sabíamos que el climax de la noche aún no llegaba.

Con guitarra acústica en mano, la cantante comenzó a explicar lo agradecida que se siente de vivir en la CDMX desde hace ya 13 años. Así con esa felicidad que la embargaba, interpretó en acústico: “Vendaval”, “El Cristal”, “Caderas blancas”, “Primaveral” y “Paisaje Japonés”.

Joy Huerta fue la primera sorpresa de la noche; Laferte interpretó junto a ella "Mi buen amor”, tema de su LP La Trenza (2017), continuando con "El Mambo", canción que alegró la noche con el colorido juego de luces y los visuales que lo acompañaban. Así después, cuando todos ya estaban animados, la cantante presentó a su segundo invitado, Guaynaa, con quien bailó y cantó “Plata Ta Tá”, acompañados de Yalitza Aparicio, quien protestó un discurso inclusivo.

La chilena nos demostró su versatilidad con los géneros con: “Amárrame”, “El Beso”, “No te fumes mi mariguana” y “El Diablo”; para después cautivarnos con un cover de “Cucurrucucú Paloma”, interpretado por un coro de más de cuarenta mujeres.

“Tormento”, “Antes de ti” “Tu falta de querer”, fueron las canciones que hicieron que más de uno de los fanáticos derramaran una lágrima por aquellos malos amores; culminando así, una noche espectacular.

No Joy en Departamento

No Joy: Una noche grata, pero nos quedamos con ganas de más.

En la calle de Álvaro Obregón, en medio de una de las zonas más transitadas de la ciudad, debido a las múltiples cafeterías, taquerías y opciones de vida nocturna, se encuentra Departamento: un espacio que, como su nombre lo indica, ofrece una estancia, una sala, una cocina y un mood hogareño. 

El tercer viernes del año llegaba a su cúspide, el venue recibía a su concurrencia habitual, mezclada entre chicos con playeras del acto de la noche: No Joy. Al inicio el ambiente era tranquilo, casi como una noche de bar, pocas pistas había de que en pocos minutos el lugar se llenaría de feedbacks de guitarra y paisajes envueltos en reverberación. 

No Joy es el proyecto de Jasamine White-Gluz, quien desde 2009 ha impulsado su banda y lanzado tres discos de estudio, varios EPs y sencillos. Pese a la amplia presencia que la banda tuvo en los 2010s y que el sello que los firmó al inicio fue Mexican Summer, la banda nunca había pisado tierras mexas. 

Los canadienses abrieron la pista 20 minutos antes de las 23 H. Hasta el lejano balcón donde los usuarios salen a fumar, un río de texturas y reverberación llegaba colándose en la atención de la gente, quienes tan pronto percibieron esto; entraron a la sala como hipnotizados. 

Como es costumbre en Departamento, si quieres observar a la banda tienes tres opciones: ponerte del lado donde la gente pasa al baño y nunca lograr una estabilidad física, quedarte atrás y aprovechar que está cerca la barra, aunque no veas una sola silueta del escenario. O bien, meterte enfrente de los que ya estaban ahí antes que tú. Elegí la tercera. 

“Lizard Kids”, y “Lunar Phobia” fueron algunas de las primeras rolas en sonar. Jasamine agradecía a los asistentes a través de un micrófono cuyo volumen era insuficiente para entender algunas palabras. La gama de reverbs y distorsión eran abrazantes y cálidas. No Joy tiene ese tipo de shoegaze que opta por lo estruendoso y etéreo, evocando a My Bloody Valentine o Pity Sex, no obstante con un ingrediente franco, fresco y genuino.

Si bien el show de la banda era tremendamente grato, hubo áreas en las que el sonido pudo mejorar. Por un lado la voz era irreconocible y por el otro el bajista llego en modalidad fantasma, ya que el grupo llevó las lineas de bajo pre-grabadas. Lo cual no me parece mal, simplemente creo que siempre es mejor sentir la vibra de un músico más. Más en un acto de noise.

Breve, el show terminó después de 40 minutos y 10 canciones (aprox). La emblemática “Hawaii” fue uno de los últimos tracks que la banda tocó para después retirarse tan rápido como llegó. En síntesis, fue una noche grata, pero nos quedamos con ganas de más. Esperemos encontrarnos en el futuro, No Joy.