Ximena Sariñana colabora con Ben & Frank

Posted on enero 16, 2020 by -

La compositora mexicana lanzará una colección con la marca de lentes Ben & Frank.

Ximena Sariñana inicia 2020 al máximo y con nuevos proyectos, eso incluye su próxima colaboración con la marca nacional de anteojos Ben & Frank. Connie x Ximena es el nombre de la colección de lentes en la cuál, la música intenta traer de vuelta los diseños vintage clásicos.

El próximo 12 de febrero podrás adquirir en tiendas físicas y online Ben & Frank cualquiera de los extravagantes armazones de esta colección a un costo de $2,400 pesos mexicanos. Mira aquí abajo un poco de lo que nos traerá Sariñana en esta serie.

Ben

Ben

Ximena hizo un pequeño homenaje a la compositora estadounidense Connie Converse, quién desapareció espontáneamente sin dejar rastro alguno. Además, declaró que ella misma creó un universo alterno en donde se encuentran todas las cosas perdidas, entre ellas, los lentes que extravió años atrás.

Connie Converse es una cantautora de los 60 que desapareció misteriosamente y además también era una #cuatroojos, me pareció que era el ícono perfecto para representar estos lentes que viven en este mundo paralelo y que se formaron como híbrido de todos los lentes que perdí misteriosamente, porque además cuando uno pierde algo casi siempre es de forma misteriosa. Uno no recuerda dónde están ni en donde terminaron", declaró Ximena.

Los armazones estarán disponibles en metal con acetato y con tres colores diferentes: vainilla, neptuno y néctar. Además, incluirán un paño conmemorativo y vienen dentro de un elegante estuche de piel color azul marino. ¡No te quedes sin los tuyos!

Ben

Low Roar en el Teatro Milán

Posted on enero 16, 2020 by -

Low Roar: Un concierto para caldear el corazón.

Empezaré la reseña de Low Roar con la frase de una película que me parece acertada para esta circunstancia: “El trabajo del crítico es sencillo en más de un sentido. Arriesgamos muy poco y, sin embargo, tenemos poder sobre de quienes someten su trabajo y su persona a nuestro juicio. Prosperamos gracias a nuestras críticas negativas, que resultan divertidas cuando se las escribe y cuando se las lee. Pero la cruda verdad que los críticos debemos enfrentar es que, en términos generales, la producción de basura promedio es más valiosa que lo que nuestros artículos pretenden señalar. Sin embargo, a veces el crítico realmente arriesga algo, y eso sucede en nombre y en defensa de algo nuevo. Anoche experimenté algo nuevo… logró conmover lo más profundo de mi ser”. Pero ¿en realidad fue de esta manera? Sí, con creces.

La noche empezaba lento: la entrada al pequeño lobby que comparten el Teatro Milán y Foro Lucerna comenzó a abarrotarse desde las 20:00 H y terminó sofocándose hasta alrededor de las 20:30 H que se permitió el acceso al teatro. Ya ahí tuvimos que esperar 30 minutos más para poder escuchar un espectáculo único. A las 21:02 H, después de que la tercera llamada fuese anunciada por el equipo del lugar, las luces se apagaron y Ryan Karazija apareció en el escenario entre aplausos y silbidos de todo el público. “I’m a man of my word I could say, probably, maybe not….” fueron las primera palabras que brotaron de la boca del artista. No miento al decir que el ambiente entre las butacas se tensó de una manera tan indescriptible que la piel de muchos de los presentes se erizó y los suspiros se escaparon de nuestros pulmones. Con apenas una guitarra y un par de micrófonos, en los que Ryan alternaba para crear diferentes atmósferas sonoras, el cantante logró una sublime catarsis con quienes nos encontrábamos ahí. Fue cuestión de un instante, un momento apenas medible, un parpadeo en el que la melancolía y la calidez se entremezclaron con las historias personales de cada asiento. Al terminar “Slow Down” entraron un chelista y un violinista, virtuosos en su instrumento ambos, que acompañaron la versión a piano de “I’ll Keep Coming”.

El recuento de cada canción haría de esta una reseña por demás larga, pero para dar una idea a quienes leen de lo que fue este show puedo resumirlo como un viaje a través de su discografía magistralmente armado para que, la mayor parte del tiempo al piano o la guitarra sin acompañamiento, el corazón de todos los presentes se caldeara de una manera tan bella que puedo asegurar que ha sido uno de los mejores conciertos de mi vida… aunque a decir verdad fue un recital. Por momentos, el músico, dejaba de rasguear las cuerdas de su instrumento para cantar a capella y mientras se alejaba del micrófono (sin que su voz dejase de escucharse en todo el recinto) cantaba junto con el público que coreaba canciones como “Easy Way Out” o “Friends Make Garbage (Good Friends Take It Out)”. Entre algunos de los temas se daba el tiempo de contar las historias que habían inspirado piezas como “Blue Eyes” o “St. Eriksplan”. Para el final del show, justo después de despedirse y regresar con un encore sobrecogedor, relató la historia de la creación de “Bones”, la cual fue concebida en 2016 después de su presentación en la Ciudad de México y en conjunto con uno de los ingenieros de audio llamado Juan Pablo. La historia, por demás cálida se convirtió en una invitación al co-creador del tema para que, en el piano y junto con Ryan, tocara y cantara para aderezar la noche con una gota más de emociones.

Demás momentos pueden ser contados como un mito transmitido de generación en generación, pues la presentación de Low Roar en el Teatro Milán fue sin duda alguna uno de los momentos más bellos de este inicio de año. Musicalidad magistralmente ejecutada, poesía a través de las letras del artista americano-islandés y que inundaron el lugar con esa característica y tersa voz que se cuela por los oídos para llegar al fondo del alma… todo un espectáculo que no necesitó más que unas luces a nivel del escenario y algunos reflectores que apenas iluminaban la tarima para ahogarnos en un mar de sentimientos y sueños de los que uno nunca quisiera salir. Gracias, Ryan.

'Reject False Icons' de Gorillaz ya está en YouTube

Posted on enero 16, 2020 by -

¡Mira aquí el documental de Gorillaz!

Vaya sorpresa que nos dio Gorillaz con su documental Reject False Icons, ya que ahora está disponible en YouTube, después de que solo se proyectó la noche del pasado 16 de diciembre. Este fue dirigido por Denholm Hewlett, hijo mayor de Jamie Hewlett y que se ha encargado de fotografiar y documentar algunos momentos de las recientes giras de la banda virtual.

Reject False Icons se encuentra en el canal oficial de la banda y aunque está dividido en tres partes, basta con el simple hecho de poder disfrutarlo sino pudiste asistir a la proyección en cines.

Aquí abajo te dejamos las tres partes del documental ¡Dale play ahora!

El título de este documental nos remonta al año 2007 al sencillo "Rock It" en el que se hizo mención por primera vez de esa frase la cual es una invitación a los fans a pensar por sí mismos y eliminar a los iconos falsos que abundan en los medios masivos.

Aquí el poster oficial:

Gorillaz

La prestigiada empresa Trafalgar Releasing se encargó de distribuir el metraje, pues ha proyectado diversos eventos musicales alrededor del mundo como son los conciertos/documentales de Shakira, The Cure, Depeche Mode, entre otros.

 

Elliot Moss estrena “Bodyintoshapes”

Posted on enero 16, 2020 by -

Imágenes vívidas e introspectivas es lo que presenta Elliot Moss en este 2020.

Estamos a unas horas del estreno de A Change In Diet, el nuevo material discográfico que Elliot Moss presentará a través de Grand Jury. Es por eso que el compositor, productor y artista visual nos comparte un último adelanto titulado “Bodyintoshapes”.

La canción habla sobre moldear las necesidades de alguien: acordar cambiar para ellos. Hacer todo para preservar el amor, incluso si eso significa sacrificar lo que te hace feliz...”, explicó Moss en un comunicado de prensa.

Dale play a continuación:

Este nuevo álbum marca una pauta en la carrera del neoyorquino ya que surgió después de que terminara una década de relación romántica y una larga lucha contra la depresión.

El título es casi una broma porque se siente como una loca simplificación excesiva de tu problema. Pero al mismo tiempo no está equivocado. Rara vez, se requiere de un solo cambio, son muchos cambios graduales. Y todo suma", comentó el músico.

Mira la portada y el tracklist a continuación:

A Change In Diet tracklist:

1. "July 4"
2. "Off By One"
3. "Barricade"
4. "Smile In The Rain"
5. "Bodyintoshapes"
6. "Untroubled Mind"
7. "Rabbit Roads"
8. "In The Same Place"
9. "Silver + Gold"
10. "Dogcatcher"
11. "A Change In Diner"

A 25 años de ‘The Rapture’ de Siouxsie and the Banshees

Posted on enero 16, 2020 by -

The Rapture: Entre un buen preámbulo para las tendencias musicales en el siglo XXI y una clausura poco convincente para recordar a una banda que cautivó con las promesas del Bromley Contingent.

¿Que habría sucedido si Tim Burton hubiese aplazado siete años el estreno de Beetlejuice (1988)? Posiblemente, su co-guionista (Larry Wilson) habría seguido el instinto de convertir en cenizas a Lydia Deetz. Una lástima para aquellos que recuerdan “Jump In The Line” bajo el ritmo de Winona Ryder. Una fortuna para las y los que quisiéramos trasladar la escena a los destellos poperos y experimentales de Siouxsie and The Banshees en “Not Forgotten”:

Ahora la resurrección del fénix en llamas, con orgullo y vanidad.

(***)

A finales de abril del año 2000, Eric Weisbard (The New York Times) bautizó a la década de los 90 como “la era del todo y para todos”. La industria musical parecía abrir sus puertas a todo tipo de escuchas. Exaltaba el respeto hacia Pixies, era testigo de la atmósfera futurista de Björk, perseguía el éxito del álbum debut de Supergrass y dedicaba especiales a Nirvana y Sonic Youth en los programas de mayor audiencia de MTV.

Al ser parte de un contexto en el que la popularidad de The Cranberries convivía con los primeros hits de Alanis Morissette y las piezas vanguardistas de Glenn Branca, para los entonces integrantes de Siouxsie and The Banshees optar por la experimentación con un disco pop no parecía un riesgo, sino más bien una posibilidad de –como entonaría Siouxsie en los versos de “The Rapture”- renacer en un éxtasis sostenido en tinta de media noche y nubes mercuriales.

El proceso creativo llegó a ser frustrante. Sin embargo podríamos decir que es una reacción en contra de nuestro último disco (Superstition). En The Rapture (1995) faltan elementos centrales de nuestros trabajos anteriores, pero eso se debe (en gran parte) a la forma en la que fue grabado. De ser en otros momentos, habríamos recurrido a las computadoras, pero nos era primordial mantener nuestra costumbre de trasladar nuestra experiencia en vivo hacia el estudio. Comenzamos a producir por nuestra cuenta y contactamos a un ingeniero de nuestra confianza”, expresó Steven Severin en una entrevista con Alternative Press Magazine.

Después de 10 álbumes en los que la agrupación enalteció el legado artístico de Alfred Hitchcock y Lewis Carroll, perfiló las ambiciones estéticas de Pam Hogg y que se apropió de la poesía para expresar su rechazo al racismo, denunciar el abuso infantil y abogar por el cuidado de la salud mental, The Rapture representó un desenlace agridulce. “Un cúmulo de canciones que, si hubiesen estado en su época de principiantes o en manos de alguien más, pudieron ser oro”, escribiría Jef Rouner en 2013.

Disregard for bone and flesh. How can I be in such a mesh of unlikeliness?

A cutter in a forest of industry

Nostalgia por las ciudades polvorientas

Semanas después del lanzamiento de The Rapture, los tabloides londinenses sustituyeron las comparaciones de Sioux con Madonna, Sheena Easton y Louise Brooks por un eco orquestado hacia la dura (e irritante) crítica por parte de uno de los periodistas de SPIN (Joy Press). “Siouxsie se ha convertido en su peor pesadilla: Una burla sofisticada y un zumbido en forma de muñeca que quiere trinar canciones bobas de amor. En estos días, la banda ya no tiene identidad propia”.

Si bien temas como “O Baby”, “Falling Down” y “The Lonely One” evidenciaron un vacío lírico en el repertorio de “Hall Of Mirrors”, “Turn to Stone”, “Carousel" y “Voodoo Dolly”, las evaluaciones negativas por parte de las y los fans se apoyaron en tres factores: La participación de John Cale (The Velvet Underground) como productor, la (posible) preferencia creativa que pudo implicar The Creatures y el hecho de que durante poco más de 24 meses Siouxsie and the Banshees tocó en secreto.

Posterior a los halagos que recibieron por su presentación en el Lollapalooza de 1991, el álbum synth pop que lograron al lado de Stephen Hague (Pet Shop Boys, New Order) y el videoclip de “Face To Face”, Steven Severin, Martin McCarrik y Siouxsie Sioux establecieron un itinerario a largo plazo. Los cuatro años que separaron Superstition y The Rapture se caracterizaron por la toma de distancia de la rutina de celebridades y la adaptación al nuevo (y más acelerado) ritmo de la industria musical.

En aquellos días, cachamos a las compañías discográficas dormidas; realmente no sabían lo que estaba sucediendo. Todas estas bandas surgieron de la nada y no sabían qué hacer con ellas; eran muy distintas a lo que estaban acostumbradas a trabajar”.

A su vez, durante ese periodo, Sioux se mudó a París con Peter Edward Clarke (a.k.a Budgie) y ambos apoyaron a Hector Zazou con la producción de su cuarto material discográfico: Glyph (1995). Dentro del equipo de colaboradores de Zazou se encontraba Cale, quien -además de tener una participación previa con the Banshees en 1987- fue la pieza final (distintiva y para algunos, perjudicial) de The Rapture.

(***)

A escasas semanas de cumplirse 24 años de la disolución de Siouxsie and the Banshees, adultos que crecieron bajo el resguardo de “Happy House” se integran a las discusiones de jóvenes -ahora ya en sus late 20s- que vieron más de siete veces The Craft (1996). Y entonces cabe plantear las interrogantes: ¿The Rapture o The Rupture?, ¿Un buen preámbulo para las tendencias musicales en el siglo XXI o una clausura poco convincente para recordar a una banda que (nos) cautivó con las promesas del Bromley Contingent?

King of moon gloomy afternoon

Losing track of word and meter

Still shaking in this tear room like a sick child.

Sin duda, las preguntas retóricas entre el Doctor Jekyll y el Señor Hyde (“The Double Life”), así como el retrato sonoro de una disolución en soliloquios (“Forever”) escapan a ser simples refritos de MTV o lloriqueos bobalicones. En palabras de la propia Siouxsie Sioux, The Rapture nunca estuvo alejado de los anhelos por ser un catálogo de canciones pop que narraran el ir y venir de la inocencia y felicidad.

But you've learnt that as you grow weaker

There's less hurt because there's much less to hurt.

10 000 Russos — Kompromat

Posted on enero 16, 2020 by -

Kompromat: Sonidos sombríos para iniciar con todo el 2020.

Pedro Pestana (guitarra), André Couto (bajo) y João Pimenta (batería y voz) son músicos muy experimentados y con una confianza titánica, pues antes de formar 10 000 Russos pasaron muchos años tocando en diferentes bandas, uniendo ideas con todo tipo de cerebros, creando distintos sonidos y aprendiendo de todo lo vivido sobre la marcha.

Por eso, al momento de unificar sonoridades y compartir experiencia, se entendieron de inmediato y así la fusión musical se hizo poderosamente alucinógena.

Kompromat, su tercer disco ya, se eleva desde el principio a distancias indecibles a una velocidad de beats en octavos y de ahí no baja nunca, la velocidad se vuelve una constante, pero la intensidad, los subidones de distorsión, los adornos creados por el juego de pedales y los gritos hacen un interesante, y desquiciante, juego de matices estridentes.

Desde el momento en que “It Grows Under”, la canción más larga del disco, proyecta el disco hasta las alturas, la música parece no tener pausa ni fin, pasamos a “Runnin’ Escapin’” y no hay ni un solo segundo de calma entre pistas, sigue corriendo a “The People” y por la falta de respiros esto ya parece un medley de tres canciones de larga duración, cual banda de progresivo.

Pero antes de comenzar con “Quite a Charade” hay una larga pausa de un par de segundos, seguido por medio segundo de levedad musical, uno pensaría que viene “¿una balada?”, pero las guitarras con distorsión configurada en el punto exacto, de inmediato derrumban la leve calma para generar capas tras capas de alucinantes efectos psicodélicos, esto por nada es queja.

A partir de aquí, ustedes están solos, ya no habrá mayor explicación de las canciones. El disco habla por sí mismo, las canciones son tan increíblemente bien orquestadas que, poner la mayor atención posible, puede otorgarte satisfacciones indescriptibles. 

Este trio de músicos se han embriagado con la cantidad suficiente de música, lectura, filosofía y demás bagaje que es igual de complejo que sencillo entender sus canciones. Hay un equilibrio entre letra y musicalidad, es una charla efectiva entre todo lo que suena y gran coherencia en sensaciones.

El sonido que logran es muy sombrío, un sonido muy europeo, algo que quizás les recuerde fríos escenarios alemanes, pero en Portugal también hubo, hay y puede que siga existiendo mucha frialdad, es un país con gran historia bélica y ultra comunismo, quizás por eso Kompromat tiene ese sentimiento en todo su sonido.

Entrevista con Kongos

Posted on enero 16, 2020 by -

Burbujas de creatividad y la música en las venas: Kongos.

Los hermanos sudafricanos se han mantenido bastante ocupados el último año entre su gira, su proyecto 1929 que abarca tres discos y hasta un podcast. En medio de su apretada agenda y las fiestas decembrinas, Kongos nos contestó algunas preguntas para darnos una idea de lo que viene de la banda en 2020.

El año pasado tuvimos la oportunidad de escuchar la primera y la segunda parte de 1929, este año podremos escuchar la tercera y última de este disco. “La parte tres fue escrita en un momento similar, así que los temas también lo son. Además será el tercer disco grabado en nuestros estudios en Los Angeles”.

“Honestamente no estamos seguros todavía, aunque mucho ya fue compuesto, aún falta mucho trabajo de grabación. Definitivamente algunos de los sonidos de batería y de sintetizadores analógicos harán su camino a esta parte, ya que lo haremos en el mismo estudio”, nos comentan sobre el progreso de 1929 Part 3.

Esta trilogía fue grabada de manera independiente a través de la propia disquera de Kongos, Tokoloshe Records. A pesar de la distancia con las disqueras grandes, los hermanos no descartan volver a una de estas un día, siempre y cuando mantengan el control creativo.

El título de este material nos remite al año de la Gran Depresión en Estados Unidos, un momento bastante lúgubre de la historia, una vibra que flota a través de todas estas canciones. “Revisando las canciones nos dimos cuenta de que había una especie de tema recurrente, aquel de burbujas, psicológicas y emocionales”. Esta metáfora la podemos ver representada en la portada de la primera parte de 1929.

La música es un asunto de familia

Los hermanos Johnny, Jesse, Dylan y Danny Kongos nacieron en medio de un entorno musical, su padre John Kongos, un músico que tuvo algunos éxitos en los años 70. Desde 2003 que oficialmente iniciaron la banda han trabajado juntos y a la fecha nos han dado cinco álbumes de estudio, por lo cual han tenido que aprender a convivir y trabajar juntos constantemente.

En una banda como Kongos es difícil apuntar el dedo a un líder del grupo, se consideran a sí mismos como un “monstruo de cuatro cabezas” donde las tareas de composición se reparten entre los cuatro hermanos, incluso las vocales principales varían de canción a canción y generalmente quien la escribe, la canta.

Escribimos de manera separada la mayor parte del tiempo, eso nos ayuda ya que nos da cuatro voces. Pegamos y juntamos las canciones con el sonido Kongos más adelante en producción. Mientras crecemos parece que tomamos un acercamiento más democrático a las cosas en general”.

A pesar de que en el sonido de Kongos encontramos rastros de rock, reggae y electropop, la música local sudafricana también tuvo un papel importante en la creación de su sonido. Ritmos como el maskandi y el kwaito han sido una influencia, así como el uso del acordeón para darle un sonido y sensación reminiscente al folclor de su patria.

Documentando la vida en el camino

Además de estar ocupados con producir tres álbumes de estudio, la banda también ha encontrado tiempo para dos proyectos más: en primer lugar el documental de su vida de gira titulado Bus Call –disponible en su canal oficial de YouTube- y en segundo, su podcast titulado The Front Lounge en el cual discuten sobre música con otros artistas, profesionales de gira, empresarios, entre otros.

“Parte de salir de gira es simplemente sentarnos en el autobús a platicar. Queríamos recrear eso con un montón de invitados interesantes y amigos que hemos conocido con los años. No tenemos límite en los temas, hemos tenido físicos, chefs, directores, músicos, entre otros”.

Bienvenidos de vuelta

Parece que fue ayer cuando Kongos debutó en México durante el Festival Corona Capital en 2014 con su disco Lunatic, a partir de dicha presentación se ha hecho de una considerable base de seguidores. “El entusiasmo por la música aquí no tiene comparación en ninguna parte del mundo, por lo cual tocar para esta audiencia siempre es genial. Algunas de las mejores comidas que hemos tenido han sido en México, además la vibra es muy especial, así que buscamos cualquier pretexto para regresar”.

En 2020 tendremos dos oportunidades para escuchar a Kongos y su nueva trilogía en vivo, el 20 de marzo formará parte del Festival Pa'l Norte donde también estarán bandas como Tame Impala, The Strokes, MGMT y Foster The People; pero si no quieres viajar tan al norte, también se estarán presentando el 28 del mismo mes en Morelos durante el Festival Vaivén con actos como The Whitest Boy Alive y Hercules & Love Affair.

Twin Peaks lanza dos nuevos sencillos en apoyo a Australia

Posted on enero 16, 2020 by -

La banda de garage, Twin Peaks, ha lanzado un vinilo de 7 pulgadas con dos canciones. El total de las ventas serán para apoyar a Australia.

Twin Peaks ha lanzado “Cawfee” y “St. Vulgar ST.” a través de Grand Jury Music. Este par de canciones ya se encuentran disponibles en las distintas plataformas de streaming, pero lo más atractivo de este estreno es el formato en físico.

Se trata de un vinilo de 7 pulgadas en color rojo y negro con el que se pretende apoyar a la desafortunada situación que atraviesa Australia con el tema de los incendios forestales que han azotado la zona.

El vinilo será lanzado el próximo 14 de febrero y el total de sus ganancias serán donadas a la iniciativa WIRES que ha apoyado a Australia desde el día uno en esta lamentable situación y ha recaudado cientos de millones de dólares.

El costo será de 7 dólares y lo puedes conseguir en la tienda en línea de la banda y si deseas hacer una donación extra la plataforma te ayuda a realizarla. 

Disfruta del estreno de Twin Peaks acá abajo.

Twin Peaks se preparan para su gira que tendrá lugar en Europa y Estados Unidos entre febrero y marzo, ahí la banda interpretará las canciones de su último disco Lookout Now, lanzado el año pasado.

Nortec Collective cuenta las historias de sus hits

Posted on enero 15, 2020 by -

Nortec continúa en la celebración de dos décadas de carrera, ahora lo hacen hablando acerca de las canciones que forman su Greatest Hits.

El pasado 18 de octubre Nortec Collective lanzó un compilado de sus canciones más memorables, en las repasan la historia desde que comenzaron a trabajar en conjunto. Fue así que el disco Nortec Collective Presents: Bostich + Fussible Greatest Hits vio luz y pudo marcar pauta al regreso a los escenarios de los artistas encargados de mezclar la música popular mexicana y la electrónica desde hace dos décadas.

En el disco se muestran canciones que se consolidaron a través de los años en la música, que les hicieron llegar a escenarios internacionales y que han marcado a un par de generaciones que las ha bailado en festivales, conciertos y demás lugares alrededor de todo el país.

La banda quiere que esta celebración no pase desapercibida, así que nos han contado las historias de algunas de las 10 canciones que enmarcan su material recopilatorio.

Aquí te contamos algunas de sus historias:

“Tijuana Sound Machine” es una de las canciones más aclamadas del colectivo de artistas. Con influencias de Giorgio Moroder, este tema logró consolidarse por su acordeón particular. Lanzada en 2015 nunca falta en sus shows y para ellos la ocasión más memorable fue en el Vive Latino de 2009.

“Tengo la voz” fue utilizada en algunos videojuegos, esto ayudó a que la canción llegara a oídos distintos. Colaboró el trompetista Zorrita y en el video tienen como reparto a la banda Agua Caliente.

“Tijuana Bass” es uno de los primeros temas de la banda. La han reversionado en distintas ocasiones y la canción ha logrado sobrevivir a través de los años. Los integrantes recuerdan que cuando tocaban en festivales codeándose con artistas europeos esta canción prendía mucho.

“Polaris” se escuchó en comerciales de cerveza en Reino Unido, en el recibimiento del nuevo milenio hace 20 años en el Zócalo y también en la apertura de los Juegos Panaméricanos de Guadalajara en 2011 donde tuvo un espacio estelar.

"Norteña del Sur" fue compuesta por Bostich en 2006, un año muy violento para Tijuana. Para el proyecto fue muy especial saber que esta canción era símbolo de alegría para la gente de su ciudad. Tuvo mucha fama en su ciudad, siendo dedicada entre personas mediante redes sociales. Se la escribió a su esposa y este corte viajó por toda Europa siendo presentada.

Con el paso de los días se revelarán más historias, pero por ahora te invitamos a que escuches su disco recopilatorio.

Khruangbin y Leon Bridges estrenan “C-Side”

Posted on enero 15, 2020 by -

Por fin ha salido a la luz un nuevo sencillo de Texas Sun, el EP que surge de la brillante colaboración entre Khruangbin y Leon Bridges.

El próximo 7 de febrero saldrá Texas Sun a través de Dead Oceans, es por eso que Khruangbin y Leon Bridges nos comparten otro adelanto de este EP. Se trata de “C-Side”, una extraordinaria fusión de soul y psicodelia con una letra que nos permite enamorarnos súbitamente. Los arreglos llenos de magia y ternura que corren siempre hacia el funk, son ingredientes que estos dos proyectos han utilizado para renovar la música setentera y hacerla mil veces mejor. 

Envuelto en un ritmo hipnotizante, Leon Bridges le canta a una mujer que parece ser el amor de su vida, y le dice que Dios la ha creado para él.

Baby got me high like a kite. Got me high and don’t need no green. Just two lovers dancin' in the night. While the horns blast in the street. Baby got me high like a kite. Got me high and don’t need no green. Just two lovers dancin' in the night. While the horns blast in the Street”, se escucha en la música de Laura Lee, Mark Speer y Donald Ray "DJ" Johnson Jr.

Dale play a continuación: