Bat For Lashes comparte EP 'The Boys of Summer'

El nuevo EP de Bat For Lashes contiene temas en vivo durante su presentación en Londres.

Natasha Khan, mejor conocida como Bat for Lashes sorprendió a sus seguidores esta mañana con el lanzamiento de su EP The Boys of Summer en plataformas digitales. En esta ocasión, Natasha compartió un total de cuatro temas para conformar este pequeño material,  el cual se compone de distintas versiones en vivo de canciones como "Daniel""Desert Man", "The Hunger" y el cover de Don Henley "The Boys of Summer", canción con el mismo título que el EP.

Mira aquí la portada.

Lashes

El material se grabó en noviembre durante el pasado show de Khan en el teatro Evolutionary Arts Hackney (EartH), en Londres. Las canciones que componen The Boys of Summer son diferentes a las versiones originales, más íntimas, suaves y melancólicas, dejando a un lado los alborotados elementos que las complementaban en su versión original, sin embargo, continúan teniendo ese toque místico.

Dale play al EP completo.

 

Durante este concierto, la compositora no solo interpretó el cover del tema de Don Henley, también homenajeó a Cyndi Lauper al interpretar el tema "I Drove All Night", sin embargo, la canción no aparece en el EP recién lanzado. Esperamos que pronto podamos escuchar nuevas versiones de los temas con los que encantó al público londinense aquella mágica velada de noviembre. Quédate al pendiente de Indie Rocks! para mayor información.

Pearl Jam lanza "River Cross" en el Super Bowl

Unos segundos de "River Cross", tema del esperado Gigaton de Pearl Jam, vieron la luz durante un comercial del Super Bowl este domingo.

Pearl Jam se encuentra próximo a estrenar su onceavo disco Gigaton, del cual ya ha lanzado su primer single, "Dance of the Clairvoyants". Este domingo, durante los famosos segmentos de comerciales del Super Bowl, la banda lanzó nueva música. Se trata de un minuto de "River Cross", la cual acompañó un comercial de la marca telefónica Verizon.

Harrison Ford se encarga de narrar el anuncio mientras el grupo de Eddie Vedder suena en el fondo. De una manera muy poética, relata lo que la nueva red 5G jamás sustituirá de las profesiones que año tras año salvan miles de vidas, como los bomberos y los médicos.

Esta es la primera vez que el actor participa haciendo un voice-over en un comercial.

Este tema puede resultar familiar para aquellos fans más acérrimos de la agrupación estadounidense, pues Eddie Vedder lleva varios años tocándola durante sus conciertos como solista. A pesar de ello, "River Cross" será publicada en su versión de estudio por primera vez el próximo 27 de marzo cuando finalmente llegue Gigaton.

La canción completa tendrá una duración de 5:53 minutos y será la encargada de cerrar el onceavo álbum de estudio de Pearl Jam. Los rumores dicen que la agrupación lanzará la versión completa en algún momento de esta semana. La banda se está alistando para comenzar una gira mundial promocionando Gigaton. Empezará en Canadá y Estados Unidos una semana antes de la publicación del disco. Después girarán por Europa para tocar tanto shows en solitario como siendo headliners de festivales.

Puedes ordenar Gigaton y checar su tour entero en su página oficial.

Radiohead publicará un libro de su disco 'Kid A'

This Isn’t Happening: Radiohead’s “Kid A” and the Beginning of the 21st Century llegará a finales de septiembre.

Con su cuarto álbum de estudio Kid A, Radiohead dio un giro total a su música, experimentando nuevos sonidos y melodías electrónicas a finales del año 2000. El reconocido crítico de rock, Steven Hyden se encargó de plasmar todo lo que la banda logró y experimentó a inicios del siglo 21 en su nuevo libro This Isn’t Happening: Radiohead’s “Kid A” and the Beginning of the 21st Century. La publicación estará disponible a partir del próximo 29 de septiembre a través de la editorial Hachette Books.

Mira aquí la portada del libro.

Kid A

A finales del año 2000, fue un momento importante para la agrupación, ya que con el lanzamiento del álbum, Yorke y compañía dividieron a los críticos musicales en dos bandos, unos decían que Kid A era "un clásico instantáneo", mientras que otros lo definieron como ostentoso o basura.

Dos décadas después, el crítico explorará a detalle la historia de como la banda liderada por Thom Yorke emprendió un nuevo viaje a través de la música y la innovación. Sin dejar de lado el impacto que tuvo en ese año y el legado que dejó a los seguidores de la agrupación.

Si estás interesado en adquirir el libro da clic en el siguiente enlace para pre-ordenarlo.

Anuncian colaboración de Tame Impala con Gorillaz

Noodle, la guitarrista oficial de Gorillaz, insinúa a través de su cuenta de Instagram que Tame Impala podría ser el siguiente invitado en la producción de Song Machine.

La semana pasada la banda virtual, Gorillaz anuncio el estreno de su más reciente proyecto titulado Song Machine; una serie animada que muestra parte del proceso creativo que la agrupación vive en los estudios Kong.

Gorillaz

Semana a semana la banda liderada por 2-D compartirá un capítulo nuevo que contará con la colaboración musical de distintos artistas, entrevistas y conversaciones con la banda.

https://youtu.be/cqIZ1ErmRiA
El primer episodio, contó con la participación de Slowthai y Slaves para la creación de “Momentary Bliss” y el día de hoy, Noodle nos ha dado una pista del siguiente colaborador, a través de su cuenta de Instagram. Se trata nada más y nada menos que de Tame Impala.

La guitarrista posteó una imagen que es un híbrido de portadas entre el primer disco homónimo de Gorillaz y Currents de Tame Impala.

 

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@tameimpala ✌️⭐️

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La publicación ya supera los 150 mil likes y tiene más de 2 mil comentarios que exponen la emoción y aprobación de los seguidores del proyecto creado por Damon Albarn y Jamie Hewlett.

¡Mantente al pendiente de Indie Rocks! para ver de qué se trata todo esto!

Mira a Axl Rose salvar el mundo con los Looney Tunes

Axl Rose, el vocalista de Guns N' Roses, aparece en un nuevo capítulo al lado de Bugs Bunny y compañía.

En diciembre de 2018, Axl Rose hizo una aparición sorpresa en uno de los episodios de la nueva serie de los Looney Tunes. En este capítulo, el vocalista de Guns N' Roses interpretó su primer canción nueva en más de una década, titulada "Rock the Rock".

Hay caricaturas que marcaron nuestra infancia, y sin duda los Looney Tunes son una de ellas. Ahora, Bugs Bunny y sus amigos están de vuelta con un nuevo estilo animado y acompañados por el legendario líder de Guns N' Roses, Axl Rose.

En esta aventura, nuestros amigos animados necesitan salvar el mundo de un gran asteroide que impactará la Tierra. Para lograrlo, reclutan al cantante de rock para que juntos toquen una canción tan potente que la música destruya a la roca y el mundo pueda continuar existiendo.

A pesar de que este episodio fue transmitido mediante la cadena Boomerang en navidad de 2018, la banda anunció mediante un tuit que ya está disponible para verse en Internet. Lamentablemente solo funciona para quienes se encuentren dentro de los Estados Unidos, pero puedes disfrutar un clip a continuación.

Guns N' Roses estará de vuelta en nuestro país en el marco de la vigésima primera edición del festival Vive Latino. Tocará el sábado 14 de marzo en el Foro Sol, como parte de su gira latinoamericana que también los llevará a los Lollapalooza de Sudamérica y al Estéreo Picnic de Colombia.

 

Francisca Valenzuela — La Fortaleza

Que nunca falte la fortaleza.

La fortaleza es relativa, depende de nosotros mismos y nuestras batallas internas, el campo minado de nuestra autodestrucción, “Nunca Quise Herirte” a modo de introducción a una nueva aventura sonora de Francisca Valenzuela, que poco a poco se deshace de la tela orgánica para desnudar su alma más allá de solo sencillos. Y como el sol que sale por la mañana este primer tema es una intempestiva marea de ritmo y esa voz que clama por el perdón a un mismo. 

“Héroe” y su cadencia electrónica tan característica del pop actual, no de aquel que pretende revivir carreras muertas de ex integrantes de boybands o que generan relaciones efectivas arribistas a modo de feature para titular un single con un término en castellano para ganar adeptos latinos y likes en Instagram. Esto es artesanía musical, y Francisca se encarga de cada detalle, desde la voz que madura (y quemadura), los coros y la mística natural de producir grandes canciones. 

“Tómame” a modo de soneto o juego de trap, sílabas y métrica bien pensada, un sensual devaneo de frases que llaman al coqueteo y la sensualidad, el gusto por si misma que se convierte en una sutil invitación al amor encarnizado, sudoroso, de una o demasiadas noches. “Ven a Buscarlo”, ese amor que tanto hace falta en tiempos donde culpamos a los astros por nuestros desequilibrios sentimentales, donde la atención se centra en las pantallas, donde un like desata la tercera guerra mundial y las sospechas de infidelidad. El piano siempre implacable de Fran, que siempre encuentra la forma de ir más allá del gran instrumento y jugar con su voz mutante y maravillosa. “Flotando” seguimos nuestro camino en un disco dinámico y de producción impecable, “Al Final del Mundo” enmarca la colaboración de Claudio Parra, pianista de la legendaria agrupación chilena Los Jaivas, y que se une a Fran en un hermoso trabajo a 2 manos en el solo de piano. Ese reconocimiento a la música que nos curte y a las manos que como las propias crean e inspiran, universos diferentes que convergen en una obra de arte. 

“Ya no se trata de ti”, entre el amor y la obsesión, el reconocimiento y la indiferencia, la aprobación propia y la ignominia, el cambiar por quien al final nos cambia por alguien más, caer y levantarse, como debe de suceder. “No te Alcanzo” con un tono que personalmente me evocó a un alegre Billy Corgan, el piano solitario que trásfuga en una delicada tormenta de cuerdas, un cuarteto que asemeja una orquesta, una canción que asemeja a una sinfonía, Francisca y ese ímpetu de gloria que desboca en música ideal y letras que nos describen a la perfección aún sin conocernos: “Ansiedad (Peleo con las sombras)”, la historia de mi vida, pensé inmediatamente como paciente diagnosticado con esta enfermedad, una bella metáfora del insomnio, las fallas al respirar, el daño mental que se convierte en somático, el difícil entender que se tiene un problema y la salvación pertinente, necesaria e ideal. La identificación con la artista como persona que sufre los mismos desórdenes que nosotros. 

“Normal Mujer” como episodio de muestra de la nueva música latinoamericana, “Amiga Cruel” y su juego con los ritmos y las frases, un canto a sí misma desde el alma creativa para la mujer inspirada por la revolución que acontece en su natal Chile. “Boca” y sus devaneos vocales, no hay género que defina la vértice de esta obra, el escucha sacará sus propias conclusiones, pero de cualquier forma las etiquetas no sirven, la calidad es lo que resalta. 

“Una Noche Contigo” y ese afán de renovación, “Todo lo que ha pasado me ha llevado hasta hoy”, esta primera línea de “La Fortaleza” define a la perfección la intención de Francisca Valenzuela por inspirarse en su vida propia para ofrecer un disco que definitivamente arrasará con lo que venga, en la calma y la tormenta, hasta el centro de la tierra, su propia fortaleza que la ha llevado a ser parte fundamental de la música chilena y de un continente entero.

Entrevista con Tame Impala

Tame Impala: El elogio del tiempo.

“Quizás es tiempo de reconocerlo, no eres tan genial como solías serlo”, reflexiona Kevin Parker en el nuevo álbum de su proyecto musical Tame Impala. Cinco años después del aplaudido Currents el tiempo ha transformado algunas cosas alrededor del mundo. No somos lo que solíamos ser porque estamos cambiando como dice la letra de “Yes I’m Changing”. Luego de los incendios en California en 2018 que acabaron con su estudio, Parker voló hacia Australia para continuar la producción del cuarto álbum. Cuando reparó en ello había transcurrido mucho tiempo desde que publicó el disco anterior. Esa sensación relativa a la nostalgia y lo que implica, el tornado de emociones inundando la mente, es la que impregna en The Slow Rush.

El mundo arde, literalmente. Australia lleva un par de meses sin contener en su totalidad los incendios que han acabado con flora y fauna. “Es muy loco lo de los incendios, parece que me están siguiendo, que están siguiendo a todos, me siento de la misma manera en que se sienten todos, es algo a lo que debemos prestar atención y no ignorar”, dice Kevin Parker a Indie Rocks! desde Perth, Australia. Sobre el incidente en California confiesa que sucedió muy rápido, despertó un día y estaba incendiándose alrededor, dejó el Airbnb y se trasladó a Los Angeles. “Al final nos dijeron que toda la casa se había quemado, fue impactante, no sabíamos qué decir, solo teníamos la boca abierta. Alcancé a sacar mi computadora y mi disco duro, así que no perdí ninguna grabación, solo el equipo. Iba a estar una semana, lo curioso es que solo estuve una noche, si hubiera estado el resto de la semana algunas de las canciones que están en el álbum no las hubiera escrito y al revés, hay canciones que no existen porque no estuve ahí”.

El tiempo es una unidad de medida relativa. Es común decir que no tenemos tiempo, pero el tiempo no se puede tener, es intangible, y su efecto es real. Su “poder” es tan certero como un hielo, duro y frío, sólido, cuando se derrite solo nos queda imaginar la forma que tuvo alguna vez. Tame Impala presenta su nuevo trabajo con un manto diferente, sigue siendo rock progresivo con elementos de psicodelia, pero trabaja mucho en la filosofía de su música hasta llevarla al punto en que letras y concepto empatan con el sonido. Un sonido que es disco, cuasi dance, que es muy bailable.

The Slow Rush es infinito, parece que nunca se detendrá y que el vinilo dará vueltas eternamente. Uno se adentra en él como si fuera un viaje tubular sin retorno. La composición de los temas es en su mayoría cual “Let It Happen”, una progresión y reinvención de los mismos, como si se tratara de dos canciones en una. Con ustedes el mejor álbum de la banda y uno de los mejores de la década por venir. Una ópera disco-rock de carácter épico.

“Con este disco quiero describir cómo se siente el paso del tiempo, se está acelerando y nuestras vidas pasan muy rápido, solo que no nos damos cuenta, se siente que avanzan lento, pero no es así", comenta Parker, el único miembro del proyecto. La aguja del reloj tuvo que dar miles de vueltas antes de que se conociera lo que preparaba desde mediados de 2018 el músico australiano. El proceso de composición y grabación duró un año aproximadamente, el tiempo más corto que le ha tomado la producción de un álbum, pero curiosamente ha sido la pausa más larga. "El tiempo fue justo. No quería forzarme, no creí que la música fuera a sentirse bien si me obligaba a tenerlo antes, quería que se sintiera natural. Mi alma y mi corazón no hubieran estado puestos ahí tanto como lo están ahora". Dice que el tiempo fue justo, pero el tiempo nunca es justo, tampoco injusto, simplemente es, y nuestra vida y los cambios que vivimos son daños colaterales. El tiempo es Dios. Rige todo. Y nadie puede contenerlo. Ni el Dios que hemos inventando.

Entre 2015 y 2019 Parker dio muchos conciertos, fue cabeza de varios festivales importantes y trabajó con otros músicos como Lady Gaga, Travis Scott, Mark Ronson y Kali Uchis. “Quería trabajar con gente diferente, quería un cambio, normalmente trabajo por mi cuenta. Quería hacer cosas por las que no me tuviera que preocupar, porque Tame Impala es una parte profunda de mi alma, pero trabajar con otras personas es divertido”, confiesa el compositor. La nueva entrega desarrolla algunas ideas sobre el tiempo y su relatividad.

La primera de ellas es que contrario a lo que dice en su tema "It Might Be Time", Parker piensa que a medida que el individuo crece o madura, se vuelve más interesante. “Todos tenemos miedo de envejecer, pero las personas se vuelven mejores con el tiempo, yo soy más genial de lo que solía ser y es igual con las personas, aunque pueden sentir que no es así y pueden volverse paranoicos creyendo eso”.

La segunda idea es que mirar hacia atrás implica contemplar lo que hicimos mal y, si estamos satisfechos con esas decisiones, podemos sostener esos momentos como parte del aprendizaje, como parte de lo que somos ahora, como en esas reuniones con los viejos amigos en los que el relato sobre los incidentes asciende y todos se ríen porque han librado el peligro. “Hay cosas que me hubiera gustado hacer diferente, como cualquier persona, todos nos arrepentimos de algo. Intento no lamentarlo todo, aunque el arrepentimiento se te queda clavado. A veces me gustaría regresar al pasado, pero lo mejor que se puede hacer en la vida es aceptar que las cosas pasan”. El tiempo sucede y somos daños colaterales.

La tercer idea se relaciona con el presente y la forma en que lo asimilamos. “Un día miraremos nuestra época y la veremos casi de manera romántica, de que estaban sucediendo muchas de las que no nos percatamos; todo es muy incierto ahora, pero un día seremos nostálgicos por este tiempo”. El reloj no se puede detener. No se puede pausar. No hay forma de congelarlo. Su paso firme es imparable. El consuelo que tenemos es que lo próximo que nos suceda sea algo bueno. De eso nos sostenemos. De una esperanza. Kevin Parker dice que The Slow Rush no es un álbum conceptual. "Es un álbum que tiene un tema, va a un lugar, me gusta la sensación que se produce cuando llegas al final de un álbum y sientes que llegas al final de un viaje, empieza en un punto y termina en otro, es como llegar al final de una película, o al final de un capítulo en tu vida”.

La cuarta idea es sobre el infinito, sobre una vida interminable, un ciclo que nunca se concreta, un círculo que no se cierra, una canción que jamás se termina, un libro que se sigue escribiendo por siempre. "Todo lo que quiero hacer es música que haga que las personas sientan lo que yo siento cuando escucho música de alguien más. Es triste porque cuando termino una canción la conozco muy bien, la conozco desde adentro, me cuesta trabajo que me regrese esa sensación de transportarme a otro lugar, es como una droga, siempre estoy buscando que me regrese esa sensación primaria. Es un sacrificio, sacrifico mi propio placer de la canción para poder mostrarla al mundo, siento que si nunca tuviera que entregarla, la disfrutaría para siempre. En cuanto la termino la odio, pero tengo que hacerlo para que la gente la tenga, es un sacrificio de alguna manera".

Si pensamos que el tiempo es Dios y que nuestras vidas son partículas absorbidas hacia él, no tiene mucho sentido pelear por ganarle. Lo transformará todo inevitablemente. El tiempo sucederá. Las cosas solo pasan, no es necesario ir de prisa, correr, desgastarse, igual habremos de llegar a nuestro destino si así lo queremos. Abracemos este segundo que tenemos y que es momentáneo e ilusoriamente nuestro. Justo este, este, este, este, este...

Álvaro Díaz en El Plaza Condesa

El fuego de sus tracks: Álvaro Díaz en concierto.

De nuevo, una noche más. Sin duda alguna una de las más dominantes en cuanto a este género se trata; siempre logro derrochar la noción del dónde, el porqué y el cómo. Pero el cuestionar que más disfruto es: cuánto… se repetirá.

Un momento más que brinda espectáculo en nuestra ciudad; sin embargo, el recinto lo engrandece rotundamente; no por el nombre del foro, sino por su presencia en el mismo: Álvaro Díaz llega a El Plaza Condesa. Una cita inesperada en donde, sin importar la prontitud, los tickets se movieron rápidamente. Un show de más de 1000 personas es, sin duda, un fruto memorablemente exitoso.

El evento estalló, como es ritual, con Lara Project (Félix Lara el vocalista, Manu Lara en la batería), presentando su más reciente: Una semana antes del paraíso, con especiales como "Toda la noche" y "Regresar".

La noche se avivaba. Álvaro estaba ya aquí. Para la gente, para El Plaza, para la noche. Para él mismo. “O.K.” fue el inicio de todo, un track insinuador, como para calentar la tarima, el ambiente, la velada. El público estaba ardiendo, el puertorriqueño lo conseguía: prendiendo su espectáculo; tal como el goza. Con un atuendo peculiar como suele saborearse, Álvaro fundió el momento, y con éste, la tanda de éxitos: “Pro”, “Carro rápido” y “Asiento de atrás” fue la mecha que activó la noche. Minifaldas, tops y cadenas; jeans holgados, gorras y tenis gruesos; la euforia vibraba calurosamente. Me bebí un tonic y no mentiré al decir que lo deleité distinto.

Y continuamos: “Todas mías” (tema que suele acompañar de C. Tangana), “Superxclusivo” y “Grosero Remix” –en compañía de Big Soto– fueron tracks halagados, el bienestar del músico se retumbaba exquisitamente. “Siempre”, seguida de “Miles de mujeres”, congratularon la noche: el fuego estaba encendido.

En un foro inmaculado, Álvaro Díaz llenó de flamas y rap ardiente la noche. Murmuraba lento, como rezando hacia él mismo. “Reina Pepiada” y “Una vez más” culminaron la noche; el ambiente, la masa… estaba extasiada; mucho fuego en El Plaza. “Tortura china” fue aquello, el track con una insinuante motivación para bailar, lo que despertó almas perdidas… y las retomó en su danza sensual.

Sí, “La champaña” fue el clásico más coreado, o uno de los tantos. La noctámbula estaba ardiente, con fuego, con vida en los ritmos. La música estremecía a los vivos, a los perdidos, a los ebrios de deleite; era una noche estupenda. Y con calma, pero sin bajar la energía, –no sin antes dedicar 24 aplausos al basquetbolista Kobe Bryant“Todo bien” y “Gongoli” terminaron por glorificar el momento, la cita y, notablemente, la furia de querer más, más, más…

El 1 de febrero será una fecha que recordaremos. Seguramente con turbación, placidez y ritmo. Una noche en donde se demuestra que los ritmos latinos no están enfrentados con el clásico género del rap; una noche en la que existiremos sanos por combinar ritmos con emociones, intenciones con generaciones y sonidos con fiesta, pues la final, lo que importa es el deleite de un buen track… sin importar el cómo suene.

Less Than Jake en el Foro Indie Rocks!

Less Than Jake: Noche de paranoia por cada sonido.

Pasaron un poco menos de cuatro años para que Less Than Jake regresara a la ciudad de México, esta vez como headliner y como siempre con una actitud encantadora para su público mexicano.

Los encargados de abrir el show fueron Niño Zombi de la CDMX y Rikita Banana de Mérida quienes calentaron el Foro Indie Rocks! con sus sets antes de que el foro estuviera repleto de personas ansiosas porque Less Than Jake tomara su turno en el escenario y nos pusiera a saltar con su ska punk desde Gainesville, Florida.

Y fue justo así como empezó su show, con "Gainesville Rock City", el foro entero empezó a corear y la emoción y felicidad de todos en el escenario se podía notar desde la barricada hasta la consola de audio, Roger Lima no dejaba de expresar lo feliz que se sentía por estar en México nuevamente ni lo increíble que le parecía el público mexicano. Chris Demakes intentando hablar al español todo el tiempo e interactuando todo el momento con la gente, haciendo sentir aún más cercano al público y al artista que lo que el Foro ya nos hace sentir, el setlist continúo con "Johnny Quest Thinks We’re Sellouts",y "Dopeman" mientras se formaba un pequeño circle pit lleno de amigos y conocidos del skapunk mexicano, esos que son los importantes, donde nadie busca ser agresivo y solo buscas compartir un par de horas bailando y expresándote al ritmo de canciones que has escuchado durante toda tu vida, un momento muy bello que estoy seguro que todos recordarán por mucho tiempo.

lessthanjake

El show avanzaba, canciones como "The Science of Selling Yourself Short", "Automatic" y "Bomb Drop" retumbaban en el foro en donde difícilmente cabía una persona más, la parte de arriba también estaba repleta. Las bromas constantes de Roger y Chris nos hacían reír, subieron al escenario a un par de personas para que bailaran mientras ellos tocaban y luego también a un joven al que nombraron “el mexican Fat Mike” por su ligero parecido con el líder de NOFX y dueño de la disquera que ha editado y publicado en varias ocasiones sus propios discos (Fat Wreck Chords). Más tarde también apareció una bella calavera con un traje rojo increíble quien no dejaba de amenizar a todos

El encore llegó y por fin "All my Friends are Metalheads" sonó y todos fuimos los más felices, Roger Lima parecía no caber en la emoción de este show, diciendo que lo hacían sentir como si fuera una banda que recién estaba en sus primeros shows y que la próxima vez que regresaran probablemente iban a estar en el Estadio Azteca, era muy genuino lo que decía y podía verse el júbilo en el rostro de todos los miembros de la banda y creo que al final es parte de lo que quieres como espectador, que el artista se sienta tan bien de ti como público como tú te sientes con ellos, en este show creo que existía esa armonía, todo perfectamente balanceado, luego de un par de canciones la broma recurrente de “this is our last song” dejó de serlo y Less Than Jake concluiría su presentación en la Ciudad de México y sin duda esperamos que no sea la última vez que nos visiten, seguro no será el Estadio Azteca, pero los estaremos esperando tal vez con un setlist distinto, un mejor audio pero con la misma emoción y alegría que esta ocasión.

'Silent Alarm' de Bloc Party cumple 15 años

Silent Alarm celebra su decimoquinto aniversario. La sangrienta fiesta fue en Londres. 

No es una sátira política, su nombre es Bloc Party y simplemente quiere fiesta. Pero, ¿qué pasaba hace 15 años? ¿Cómo se movía el mundo? Y, sobre todo, ¿cómo giraba la música más rápido alrededor de todos nosotros? Estamos hablando de 15 años. Nokia y Sony Ericsson eran los reyes de la telefonía móvil, el Internet corría por un cable ethernet desconectado de la línea telefónica y el iPod comenzaba a sustituir las grandes carpetas repletas de discos. Son 15 largos años, querido amigo lector. Vaya, el Vive Latino era de un solo día. 

Y, pasada esa década sumada más lustro, el Silent Alarm de Okereke y compañía sigue siendo relevante. A manera personal, eso hace que cierta clase de música sea de verdad notable. Puedes conocer a muchísimas bandas, pero si un disco –en su totalidad– no queda grabado en tu memoria, no fue un gran disco. El cuarteto londinense creó un material para la posteridad que se ganó a la crítica y al público. Lo que pasó con la banda después, es historia. Pero, hace 15 años, se grabaron las bases para muchos proyectos que hoy en día siguen haciendo vibrar escenarios. Hola, Foals 

Porque recordar es volver a vivir, se debe recalcar que el Silent Alarm no fue una coincidencia, su sonido tenía un significado gigantesco. Otras bandas que en ese momento iban en ascenso hacían lo propio. Interpol recién lanzaba Antics; Franz Ferdinand hacía lo propio con su segundo LP You Could Have It So Much Better tras su inmejorable debut homónimo; Alex Turner y compañía seguían ensayando para conquistar con Whatever People Say I Am, That's What I'm NotThe Horrors se formaba en el verano de ese año para un par después lanzar Strange House; y The Libertines, se despedía de los escenarios en París ya sin el problemático Doherty. Nada era una casualidad. Los nuevos headliners nacían tras ensayar por horas en sucios garage o en un apartamento. Ahora todo suena a nostalgia, en ese momento era todo o nada. 

Para Silent Alarm, Bloc Party acudió con Paul Epworth para la producción, que en ese momento aún no era el monstruo que es ahora. El disco va de más a menos, tal vez por ello la banda toque el setlist del álbum a la inversa en su gira. Iniciando con Like Eating Glass y Helicopter, el cuarteto trae su dance-punk a nuestros oídos. Letras bien construidas, arreglos limpios y todos los ganchos en su lugar. La banda creaba puentes que siempre te llevaban a mirar fuegos artificiales. Utilizaba sintetizadores, pero no se abusaba de ellos. Este era el tan mal y bien llamado “indie” rock. La voz de Kele, le daba gran parte de la grandeza a la banda. 

La magia en el debut de Bloc Party son las joyas incrustadas entre los sencillos. Sabemos que existe She’s Hearing Voices, Banquet y This Modern Love”, pero antes de llegar a cada una de ellas hay que pasar por “Positive Tension, “Blue Light” y “Luno”. Transiciones que recorrían nuestra piel pasando desde inquietantes y desesperados ritmos de urgencia hasta puntos de anclaje que rayaban en lo cursi. Son los dos obsequios del cuarteto: el sonido de la alarma donde el terremoto se aproxima; y la calma, en ocasiones pesada, que llega tras el derrumbe.  

Silent Alarm es adictivo. Tiene ese chip en su interior, cada que lo escuchas de nueva cuenta notas un nuevo arreglo. Ese otro chillido. Una vibración externa en su sistema. Parece que se corrompe para encantar a un nuevo público. Como pasa con Is this It Antidotes. Los londinenses no huyen al mostrarse completamente desnudos. Sus sentimientos, hartazgo y hasta vulnerabilidad lo reflejan sin miedo. La alarma silenciosa es adictiva porque, al final de cuentas, no es tan silenciosa. Al contrario, es una máquina que suena y lo hace fuerte. 

Para Russell Lissack y Kele Okereke la idea nacía en 1999 en el mítico Reading. Nosotros lo seguimos celebrando en 2020. Tal vez Bloc Party no brilló como debía, quizá faltó un poco de ambición tras tumbar las listas de popularidad. Las ideas se agotaron rápido o la fórmula no fue tan efectiva como con sus homónimos antes mencionados, pero lo que pasó en Silent Alarm, son 47 minutos que siempre serán alabados con méritos plausibles. La fiesta nació en Londres. Se advirtió, es adictiva.