'10/25 Carteles de Conciertos' en el MODO

Posted on febrero 24, 2020 by -

10/25 Carteles de conciertos, la exposición que los amantes del rock no querrán perderse.

Ir a conciertos o festivales representa, para muchos, una experiencia que solo se vive una vez; pero eso creemos hasta que volvemos a ver el cartel que nos llevó hasta ese evento. Afortunadamente, para revivir estos increíbles momentos existe la muestra: 10/25 Carteles de conciertos. 

Con motivo de la conmemoración del 25º aniversario de Ames Bros, y el 10º aniversario de Mercadorama, -dos empresas de diseño-, el Museo del Objeto del Objeto, (MODO), está presentando una exposición en la que invita a todos los usuarios a que reconozcan el cartel de concierto como un objeto de arte. A lo largo de los años, este importante comunicante ha pasado por una transición que ha impactado gráficamente, a nivel mundial, la industria musical y de los impresos.

Ames Bros, una empresa estadounidense que surge durante el auge del grunge, viene a revolucionar la industria musical de la década de los 90 con una interesante propuesta visual. En sus diseños, predomina ante todo la sátira política. En la exposición, se observan tres salas repletas de carteles diseñados exclusivamente para Pearl Jam. Además, se encuentra alguno que otro proyecto en colaboración con Blondie, Metallica, The Black Keys, Blink-182, Pixies, Primus, Eddie Vedder y más.

Por otra parte, la empresa mexicana Mercadorama, comienza impulsando al talento local con carteles edición especial. Una propuesta nunca antes vista en México. Logrando trabajar en colaboración con: Café Tacvba, Enjambre, Carla Morrison y La Banda Bastön. Agregando a su listado a celebridades de talla internacional como: Interpol, Tame Impala, Jack White, Deftones, Queens of the Stone Age, TR/ST, Idles, entre otros.

Por supuesto, los que no podían faltar eran los detallados y coloridos carteles de los festivales. Ceremonia, Coachella, Corona Capital y Primavera Sound, en sus distintas ediciones, predominan en las paredes del MODO.

10/25 Carteles de conciertos te hace viajar en el tiempo y ayuda a revivir grandes eventos. Durante la exposición, aprenderás a reconocer la anatomía de un cartel de concierto, su historia, y la influencia que han tenido en el diseño, Coby Shultz, Barry Ament y Ahmed Bautista -representantes de Ames Bros y Mercadorama-. Tienes hasta abril para vivir esta gran experiencia. 

 

Metallica cancela shows por rehabilitación de James Hetfield

Posted on febrero 24, 2020 by -

James Hetfield continua en trabajos de recuperación. Por este motivo serán canceladas las fechas de Metallica en Ohio y Kentucky.

Tras la desafortunada recaída que afrontó James Hetfield en 2019, Metallica no pudo continuar con su gira en Nueva Zelanda y Australia. Y ahora en 2020, debido al tratamiento que enfrenta el vocalista, tendrán que cancelar una serie de presentaciones en Estados Unidos, las cuales se realizarían en mayo y septiembre.

Los shows que la banda canceló son Sonic Temple Festival, a realizarse entre el 15 y 17 de mayo en Ohio, así como el festival Louder Than Life del 18 al 20 de septiembre en Kentucky.

En un comunicado de prensa emitido por la banda, James Hetfield pide disculpas, ya que las fechas coinciden con el calendario de su rehabilitación.

Tengo eventos críticos de recuperación en esos fines de semana que no se pueden mover. Pido disculpas a todos nuestros fanáticos que han comprado entradas para estos festivales. Estamos trabajando con los promotores del festival para proporcionar reembolsos o intercambios. Mi intención con esta declaración es decir 'Pido disculpas' a cada uno de ustedes. La realidad es que no he priorizado mi salud en el último año de gira y ahora sé que mi salud mental es lo primero", fue lo que enunció Hetfield.

A pesar de las cancelaciones, Metallica continuará sus fechas pactadas incluyendo a James. Comenzará en abril por Latinoamérica y desde mayo hasta octubre será reservada para Estado Unidos.

Además, la banda espera continuar añadiendo shows durante 2020 y Hetfield ansía regresar al proyecto totalmente. Así lo comunicó Metallica en sus redes sociales.

A 45 años del ‘Physical Graffiti’ de Led Zeppelin

Posted on febrero 24, 2020 by -

Led Zeppelin: Rock inmortal que traspasa generaciones y se niega a envejecer.

Existen agrupaciones fundamentales dentro de la historia del rock y una de ellas es Led Zeppelin. Su papel marcó un precedente para todo lo que vendría después y a la fecha todavía es posible rastrear su influencia en bandas actuales con integrantes que podrían ser sus nietos. Aunque si se habla de uno de los momentos de mayor creatividad del cuarteto británico, muchos caminos conducen a la creación de su sexto LP de estudio.

Para mediados de los 70 el conjunto originario de Londres estaba en lo más alto de su carrera. Desde su primer material su sonido fue catalogado de revolucionario y se convirtió en un emblema para una generación que estaba ansiosa de manifestarse contra todo lo establecido. Mientras que algunos detractores alegan que lo único que “el Zeppelin de Plomo” hizo fue electrificar el blues, en realidad su legado es mucho más grande. Su estilo es un antecedente de lo que después sería llamado heavy metal y punk.

De los conciertos en pequeños foros, el combo europeo pasó a llenar estadios y vender millones de discos. Su número de fanáticos crecía exponencialmente y también las ambiciones de Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones y John Bonham dentro de la música. Con sus cinco materiales previos parecía que ya habían hecho todo… aunque todavía existía un escalón más alto al que podían acceder.

Cuando estás en la cima todavía se puede crecer

Fue el 24 de febrero de 1975 cuando fue publicado Physical Graffiti, un álbum con el que se cerraría un ciclo y al mismo tiempo iniciaría uno nuevo. Se trata del punto de transición entre una banda de jóvenes que buscaban comerse al mundo y quienes ya habían probado las mieles del éxito y disfrutado de todos los excesos posibles.

En primera instancia, se trata de un ambicioso trabajo para el que originalmente se compusieron ocho canciones. Aunque la cifra parece normal, muchas de las piezas rebasaban la duración promedio de un tema. Por lo anterior, los integrantes decidieron rescatar algunas grabaciones inéditas del pasado y así completar 15 melodías para llenar un álbum doble al estilo de Bob Dylan, The Beatles y Frank Zappa.

A su vez, una de las mayores características del material es la versatilidad musical que contiene. Durante casi 80 minutos es posible visitar puntos estratégicos que van del rock & roll hasta el folk y llegar al progresivo y los sonidos experimentales. Todo mediante un balance en el que nunca se escuchan elementos forzados porque todo fluyó de manera natural.

Canciones que desafían el paso del tiempo

La inicial “Custard Pie" arranca con un riff duro de guitarra que recuerda a los primeros trabajos del cuarteto. La fórmula parece intacta e inclusive a medio tema hace su aparición un inconfundible solo de guitarra a cargo de Jimmy. Por su parte, con “The Rover” parece ocurrir lo mismo gracias a los dulces gritos de Plant que fueron la base para el nacimiento del heavy metal.

Pero es más adelante cuando se escuchan las diferencias notorias. En especial “Kashmir” es una ambiciosa composición que incluye elementos de orquesta y una fuerte influencia de los sonidos orientales. El resultado podría considerarse dentro del rock progresivo e inclusive logró traspasar géneros. Un par de décadas después sería sampleada en la famosa “Come with Me" de Puff Daddy con la producción del propio Page y de Tom Morello de Rage Against the Machine.

Por la variedad de sonidos es que la crítica de la época catalogó a Physical Graffiti como el trabajo más completo y maduro de Led Zeppelin. A la distancia se le puede observar como el resultado de cuatro músicos que desbordaban creatividad y se encontraban en el punto más alto de su carrera.

Princess Nokia lanzará esta semana nuevo disco

Posted on febrero 24, 2020 by -

Destiny Frasqueri, mejor conocida como Princess Nokia, anuncio que esta semana dará a conocer su nueva producción discográfica dividida en dos partes.

Después de 2 años de grabación, Princess Nokia, la cantante de ascendencia puertorriqueña con residencia en Nueva York, ha informado que lanzará su más reciente material de estudio el próximo 26 de febrero.

Esta producción fue grabada en Puerto Rico, Nueva York y Los Ángeles y se trata de dos EPs que mostrarán distintos lados de la personalidad de la rapera.

Princess Nokia

Everything Is Beautiful corresponde a la parte que mostrará el lado sensible y femenino de esta artista de género fluido, mientras que Everything Sucks representará la parte más dura y despectiva de Nokia.

Ambos materiales serán publicados el mismo día y por ahora ya podemos disfrutar del primer sencillo de cada una de las partes, "Green Eggs & Ham" correspondiente a Everything Is Beautiful y "Practice" representando a Everything Sucks.

Aquí abajo te dejamos los dos cortes para que nos cuentes cual la versión de Destiny que más te agrada.

Este álbum es el que procede a 1992 Deluxe del 2017, al mixtape A Girl Cried Red del año siguiente y a los sencillos "Balenciaga" y "Sugar Honey" del año pasado.

Frasqueri, también ofrecerá una gira europea a partir de marzo para promocionar este material y tendrá apariciones en Coachella y Governors Ball.

Maroon 5 en el Foro Sol

Posted on febrero 24, 2020 by -

Recinto mexicano lleno, corazón de Maroon 5 contento.

Ayer, Maroon 5 se presentó en la primera de dos fechas en el Foro Sol como parte de su 2020 Tour, gira con la que próximamente visitarán países como Chile, Brasil y Argentina. Fue un gran domingo tanto para la banda liderada por Adam Levine como para sus seguidores, quienes no dejaron de cantar y gritar durante casi dos horas de setlist.

Antes. En punto de las 19:00 H, Okills, quinteto venezolano de rock tropical, fue el encargado de abrir el concierto y lo hará de nueva cuenta hoy lunes. Con temas como “Tiempo”, “Asesina”, “Lo mejor, lo peor” y uno nuevo, el brioso proyecto ofreció un performance más que digno para la ocasión.

Después. Alrededor de las 20:00 H, Noah Passovoy, conocido como Mr. Mailbox, productor e ingeniero de audio de Maroon 5 desde hace varios años, fungió como DJ durante casi una hora, tiempo en el que principalmente mezcló canciones de moda de reggaetón como “Tusa”, “Con Altura” y “Yo x ti, tú x mi” de Rosalía.

Exactamente a las 21:15 H, portando una llamativa chamarra negra de cuero, una playera blanca debajo, pantalón negro y tenis blancos, Adam Levine apareció en el escenario tocando un solo de guitarra. La última vez que Maroon 5 visitó México fue en el Hellow Festival 2018. Dos años después, una vez terminado el solo de Adam, el grupo californiano regresó a un Foro Sol lleno para comenzar su presentación con “It Was Always You” y continuar con uno de sus clásicos y favoritos de los fanáticos: “This Love”.

“What Lovers Do” mantuvo el júbilo a flor de piel en la mayoría de los presentes y “Makes Me Wonder”, cuya introducción interactiva se vio reflejada a través de aplausos, solo lo elevó. Una vez finalizadas ambas piezas, Levine aprovechó para externar su alegría. “How you doing, México? We love here, we love being back”, “¿Cómo estás, México? Amamos aquí, nos encanta estar de vuelta”, dijo el cantante antes de interpretar “Payphone” y “Wait”.

A lo largo del espectáculo, Adam recorrió la tarima que se encontraba entre el stage y el público, robando suspiros de los fans con —hay que decirlo— movimientos sexys que podían verse en las pantallas laterales del escenario. Siguiendo con el mood sensual y antes de tocar “Won’t Go Home Without You”, tema que no tocaban en México desde 2012, el frontman se quitó la chamarra, dejando sus brazos al descubierto y provocando, una vez más, gritos, piropos y miradas lascivas.

El baile se manifestó con “Maps”, “Moves Like Jagger” y “Lucky Strike”, canción en la que se podían apreciar luces azules y moradas en la pantalla central del escenario. Con “Tangled” y “Harder To Breathe”, las cuales fueron interpretadas de forma continua, los ánimos amainaron un poco. Sin embargo, “Sunday Morning”, que contó con hipnóticas luces violetas y un solo de guitarra de James Valentine, le devolvió la energía a los asistentes.

Los sonidos electrónicos y tropicales se hicieron presentes en “Cold” y “Don't Wanna Know”. Enseguida, Levine interactuó con los espectadores con vocalizaciones, al más puro estilo de Freddie Mercury de Queen. El final estaba cerca, habían pasado más de tres horas desde el primer acto musical, pero eso no fue impedimento para que las personas estuvieran al 100 en los temas ininterrumpidos “One More Night” y “Animals”. Este último tuvo un momento rockstar de Adam en la guitarra.

Para la suave “Daylight”, flashes de celulares se percibían en todos los sectores del Foro Sol. Al terminar, el vocalista presentó a la banda: James Valentine y Sam Farrar en las guitarras, Mickey Madden en el bajo, Matt Flynn en la batería, y Jesse Carmichael y PJ Morton en los teclados. Entonces apareció “Sugar”, la canción más coreada de la noche. Minutos después, la banda abandonó el escenario y tras una pequeña pausa regresó para tocar el infaltable encore.

La parte final de la noche la marcó su más reciente sencillo, “Memories”, una canción que habla sobre la pérdida de un ser querido, el cual, durante toda la presentación de Maroon 5 se trató del basquetbolista Kobe Bryant, fallecido hace un mes en un accidente de helicóptero y a quien realizaron un homenaje, pues la playera blanca que traía Adam mostraba en su espalda el apellido Bryant y el número 24, dorsal que usaba el deportista en Los Angeles Lakers.

“She Will Be Loved” y “Girls Like You” dieron por concluido el primero de dos shows en México, el cual dejó en claro que el proyecto encabezado por Adam Levine es uno de los más queridos por el público azteca y que mientras un recinto mexicano esté lleno, el corazón de Maroon 5 estará contento.

Nada Surf — Never Not Together

Posted on febrero 24, 2020 by -

Todos somos uno mismo: Never Not Together de Nada Surf.

Para muchos de nosotros, es difícil cada despertar; comenzar el día es más complejo que continuarlo, creemos que estamos solos. Con una visión igualmente profunda, el pasado 7 de febrero, la banda originaria de NYC, Nada Surf liberó su noveno álbum de estudio Never Not Together, que habla de la interconexión humana que establecemos, intencional o no, con otros seres humanos en el planeta y da esperanza a quienes nos sentimos solos. El disco se compone de nueve tracks que tocan temas sensibles, lo que lo hace uno de sus álbumes más empáticos y de mayor entendimiento a cierta problemática personal.

Never Not Together recibió su nombre de un famoso podcast llamado Song Exploder, donde los artistas desmenuzan sus canciones y explican el behind the scenes de las mismas; la inspiración fue en una de esas sesiones, donde el cantante Justin Vernon, líder de la banda folk Bon Iver, habló de la interconexión entre humanos. 

La primera canción es “So Much Love”, que da esperanza a encontrar el amor, no solo el de pareja, sino también el propio, el de hermanos, de familia y el amor a lo que hacemos; ahí aseguran que ‘el amor y la conexión están en el aire’. “Come Get Me” es una canción pop, un tanto melosa que contiene letra dulce, solos de guitarra y voces susurrantes. “Live Learn and Forget” incita a detener la ansiedad de la mente y a borrar los malos recuerdos, pasar los tragos amargos y vivir ligeros, algo que suena difícil de lograr.

“Just Wait” habla sobre la adolescencia y estar en esa etapa, él no ser un adulto y no estar listo para serlo, pero a la vez no poder esperar a serlo; es en sí, una canción tranquila sobre el estado actual de la cultura juvenil y les dice solo esperen. Con riffs más pesados empieza “Something I Should Do”, un pop track de la era moderna, que fue escrito en un viaje de la banda a Nashville y donde literalmente recitan ‘la empatía es buena, la falta de ella es mala suerte’ y que ‘un ente sagrado como holy math dice que nunca no estamos juntos’.

“Looking for You” es suave, melódica y relajante; tiene coros espectrales al inicio y habla sobre visitas al médico y procesos tediosos, anima a seguir, pero debemos dejarnos engañar, los dos solos de guitarra la ponen como un track fuerte. “Mathilda” cuenta la infancia de antaño, hace referencias a tiempo y espacio, mueve fibras sensibles hablando de masculinidad y trata de quitar la presión de guardar apariencias.

“Crowded Star” está para llorar en la almohada, con guitarra suave, triste y letra deprimente; enfatizan en el coro con la frase ‘I was ready for a change before you came’ y aseguran que cada día es el maestro que nos enseña lo que hay que ver; termina con guitarra acústica que le da aporta un cambio de ritmo interesante. El conjunto de temas cierra con “Ride in the Unknown”, prácticamente con el mismo ritmo monotemático que empapa al disco, así como la misma idea de estar conectados y buscar interconexiones personales.

Entrevista con Glue Trip

Posted on febrero 24, 2020 by -

Glue Trip: Música nueva luchando por sobrevivir.

Las acidas telarañas del psych se han entretejido a través de todo el globo, sigilosamente. Estas, son tan finas que son casi imperceptibles, tanto, que mientras caminas tranquilamente escuchando la “Tusa” o cualquier mugre así, puedes ser atrapado por está mágica red, de la cual es imposible escapar.

Alimentarte de la que proviene de esa adictiva red te mantendrá en un buen viaje eterno, siempre y cuando tú también pongas de tu parte buscando más alimento acido, esa búsqueda puede llevarte a lugares tan inesperados como alucinantes, como Glue Trip.

Glue Trip es una banda muy ultra nueva del Brasil, una que ha mandado a un viaje muy chido a varios gozosos del psych, por eso nos contactamos con Lucas Moura para charlar de todo lo que se nos ocurriera, de todo lo que saliera sobre la marcha y eso nos dio como mucho material bastante poderoso.

La batalla pregunta – respuesta da inicio

Cuando comienza una plática, hay puntos que son cruciales para crear una comunicación efectiva, una conversación fluida y que a la vez nos dan información relevante de la persona que estamos interrogando, un ejemplo para el buen inicio de una charla es: ¿crees en extraterrestres?

“No creo que estemos viviendo solos en la basta grandeza del universo. Yo creo que todos somos seres espirituales y nuestras vidas están conectadas, de alguna manera, con la naturaleza y con otros seres. Para mí, los extraterrestres son exploradores buscando por nuevos recursos, estudiándonos constantemente”.

Esta respuesta dice mucho de la espiritualidad de Lucas y su sensibilidad a toda esa energía mística que rige el universo. Ese es el tipo de vibra creativa que lo inspira a hacer música como “La edad del futuro” o “Tropikaoss”... Pero cuánto esfuerzo le costó hacer cosas tan chidas y lograr exhibirlas al mundo.

El violento trabajo de perseguir la música y sus beneficios

“Desveladas, muchas horas viajando y gastando dinero en terapia. Volverse un músico activo en Brasil es realmente difícil. Vivimos en un país muy grande y la gente siempre nos pregunta si tenemos un segundo trabajo, no lo tenemos, estamos vivos por y para nuestra música. No siempre ganamos mucho dinero, pero hacer arte es persistencia”.

La vida del músico es más difícil de lo que ustedes piensan, que ahora disfrutan de la inmediatez del consumo sonoro no significa que todo apareció fácil y espontáneamente. Ligado a las situaciones intensas del camino del músico, el buen Lucas nos comparte algunas anécdotas chidas.

“Uno de los mejores momentos del año pasado, fue nuestro primer tour internacional en Argentina. Pasamos un buen rato tocando con increíbles bandas nuevas, tratamos de comunicarnos en un nuevo idioma y bebimos el mejor vino del mundo en Mendoza. Y el peor momento del 2019, fue la cancelación de nuestro tour chileno, no se realizó por motivos políticos y su pelea por sus derechos. Esperamos ir a esas misteriosas tierras en 2020”.

Experiencias que se viven en el camino

Mientras las bandas giran, algunos músicos disfrutan de leer, escuchar música o crear nueva música, todos tienen un ritual diferente cuando salen de tour.

“La más maravillosa experiencia al girar es conocer gente nueva y hacer una verdadera conexión con ellos. También amamos excavar en tiendas de vinilos y comer cosas diferentes. Nos gusta conectar con un nuevo lugar a través de la comida y la música. Es como un viaje dentro del alma de la gente”.

Hay quienes dicen que los en vivos de Glue Trip son algo mágico, en algunos medios musicales comenzaron a escribir de ellos precisamente porque los toparon en concierto y se volvieron locos. Es precisamente toda la entrega del público la que los hizo descubrir que la música es su verdadero camino en la vida, pero… ¿Cuándo demonios vienen a México?

¡Glue Trip irá por fin a México! En marzo estaremos tocando en CDMX y otras ciudades, será un gran tour. Estamos muy emocionados por ir, esperamos beber algo de mezcal y conocer gente chévere”.

Ahí’sta, compas. Vayan apartando la fecha para comprobar si de verdad son tan buenos que todo mundo dice que son, eso hay que verlo.

Música nueva, inspiración y demás palabrería

El último disco de Glue Trip fue Sea At Night, una onda muy completamente distinta a su primer disco, a mí sinceramente me gusta mucho más el primero… Pero de Sea At Night ya pasaron dos años, pero eso no significa que deban crear música tan rápido, ni con todo y la inmediatez en que vivimos hoy en día. 

“Estamos trabajando en nueva música en este momento. 2019 fue un año muy creativo y creo que el nuevo álbum será más suave y más brasilero que nunca. Estamos componiendo muchas cosas con guitarra acústica y usando elementos orgánicos como diferentes estilos de voz y percusiones. Mi idea para el disco tres, es hacer un mix entre el primer y segundo disco para crear nuevas sensaciones para los fans”.

Todos los miembros de Glue Trip son de un lugar llamado João Pessoa, un lugar muy pequeño, súper tropical, muy acogedor, un paraíso creativo… Pero, al menos yo, no conozco Brasil y no sé qué lugares podrían inspirar buena música.

“Minas Gerais fue un lugar muy importante para la música en los 70, músicos como Milton Nascimento, Lô Borges y Beto Guedes son muy importantes para nosotros. Actualmente, me gusta mucho la escena electrónica de Pará y el funk de Rio de Janeiro. Brasil es un gran país con grandes diferencias y la mejor música siempre vendrá de lugares marginados”.

El espacio no es lo único que puede inspirar a mover ideas musicales, también el tiempo es una parte bastante importante para el proceso creativo y es diferente para cada mente pensante. Hay quienes funcionan mejor cuando determinan una fecha limite y quienes sirven más sin tiempo determinado.

“Eso depende mucho. Con Glue Trip me gusta trabajar sin deadline, pero el proceso creativo puede alargarse eones. Yo creo que con un deadline es más fácil mandar lo trivial al demonio y enfocarte en las cosas importantes. Cada día me vuelvo más maduro en el proceso creativo y logro más rápido lo que quiero. He notado que todo depende de lo que la música misma te pida”.

Pero, además de los elementos espacio-tiempo, hay un elemento más que le da poder musical al alma, uno muy importante y muy definitivo en la cuestión artística. Lo que uno escucha de niño, ve, siente y percibe es lo que nos asigna el camino a transitar.

“Era un niño realmente curioso y mi tío tenía una gran colección de CDs. Siempre que iba a su casa, me robaba unos cuantos discos, los guardaba en mi computadora y hacia mi propia selección de mp3. En ese tiempo descubrí todo lo que disfruto hoy en día: João Gilberto, Pink Floyd, The Doors, Caetano Veloso, Gal Costa, Os Mutantes, Can, Jorge Mautner”.

No es ningún secreto que la nueva ola de música psicodélica esta inundando el globo y en cada país del planeta hay al menos una banda de psych, en Brasil hay una suave e increíble marea psicodélica con nombres como: Quarto Sensorial, Almirante Shiva, Orquesta Abstrata, obviamente Boogarins y muchos más…

“Perdón, no conozco a ninguna de esas bandas. Pero al norte de Brasil la música psicodélica es algo grande, allá tenemos a Zé Ramalho, Chico Science, Marconi Notaro y muchos otros músicos psicodélicos que tienen una carrera bastante solida creando un status de música psicodélica brasilera”.

Es curioso que Lucas mencione esos nombres, todos ellos son grandes pioneros de la música psicodélica en Brasil, a excepción de Chico Science, quien tiene una poderosa propuesta musical a lado de Nação Zumbi en los 90. Zé Ramahlo y Marconi Notaro son grandes músicos psicodélicos de más de 40 años de trayectoria. Quizás Lucas no conozca nueva psicodelia brasilera, pero vaya que tiene noción del pasado.

Conclusiones y grandes deseos para el 2020

Amigos, esta entrevista duró mucho y quizás para una banda tan nueva y poco pudo haber sido muy innecesario dedicarle tanto tiempo a Glue Trip, pero los tiempos han cambiado amigos… Las nuevas bandas grandes son las que casi nadie conoce, porque las grandes bandas, las que ganan Grammys y gran mayoría de las que aun hacen conciertos de estadio, ya solo son grandes por la mercadotecnia y no porque de verdad satisfagan las almas de millones.

Glue Trip obviamente no van a ser los nuevos Pink Floyd, no van a ser la nueva gran banda que venda millones o la nueva mina de oro de alguna gigante disquera parasitaria y que bueno la verdad, esto para nada es queja, que bueno que sea así, que bueno exista música sincera y con alma allá afuera, bandas y artistas que prefieren construir su propio camino a esperar que la industria termine por chuparles toda la sangre.

Por último, amigos. Glue Trip nos comparten sus deseos para este 2020:

“Deseamos que la música y el amor una a Latinoamérica completa. Somos una gran cultura con gente increíble. El objetivo de Glue Trip es plantar la semilla de una Latinoamérica unida. 2019 nos mostró nuestra fragilidad política, pero el 2020 puede ser el año que reunir a través de nuestras culturas. El arte tiene el poder de cambiarlo todo y soy un gran creyente de eso”

Kraftwerk anuncia tour por 50 aniversario

Posted on febrero 24, 2020 by -

Con motivo de celebrar su 50 aniversario, Kraftwerk está preparando una gira 3D.

Kraftwerk está preparando una gira para celebrar su quincuagésimo aniversario de trayectoria en la música electrónica. El tour emprenderá el próximo mes de junio y concluirá en agosto con un total de 27 fechas alrededor de Estados Unidos y Canadá, además de complementarse con los shows de su gira europea. Mira aquí abajo las fechas completas de la gira por Norteamérica.

La agrupación está preparando una serie de sorprendentes visuales en 3D que acompañarán al espectáculo mientras mezclan en vivo. Los visuales estarán repletos de formas y colores llamativos que sin duda alguna le darán un toqué místico a las presentaciones de Kraftwerk. En 2012 los extraños visuales se presentaron en su gira Retrospective 1 2 3 4 5 6 7 8. Sin embargo, fue tanto su éxito que los oriundos de Düsseldorf optaron por añadirlos a todos sus shows.

Los tickets saldrán a la venta el próximo 27 de febrero a través del sistema Ticketmaster, mientras que los tarjetahabientes American Express podrán adquirir las entradas en preventa a partir de mañana. Da clic aquí para obtener mayor información.

Entre otras cosas los productores mostrarán sus visuales y su arte digital como parte de una exposición en Londres en compañía de The Chemical Brothers.

BETA en el Lunario del Auditorio Nacional

Posted on febrero 23, 2020 by -

BETA: el rock que te eleva, te da energía y buenas vibras.

Actitud, es lo que muchas veces se necesita para que algo funcione al cien y sobretodo si de un concierto se trata. Coincido con que la banda siempre debe de dar lo mejor, pero lo fundamental para que sea un evento inolvidable es la actitud del público, y vaya que me sorprendió ver la energía que derrochaban los fanáticos de BETA en su más reciente presentación en el Lunario del Auditorio Nacional.

La noche comenzó enérgica con algunos riffs procedentes de la guitarra principal de Umbrales, un proyecto alternativo de la CDMX que fungió como el primer acto telonero, así mismo, resonaron en el venue temas como: "Fluir", "Ni te quedas, ni te vas" y "Me afectas"; dejando a los presentes muy animados para el resto de la noche.

La gente seguía llegando, y aunque apenas eran las 20:30 H, el aforo ya se veía a más de la mitad de su capacidad. Los que ya se encontraban ahí, disfrutaron enseguida de la siguiente banda invitada, Dead Poet Society. "Lo Air", "CoDA", "Touch", "Colors" y ".burymewhole.", fueron algunos de los temas que hicieron vibrar el recinto, demostrando que los oriundos de Boston tienen una gran presencia en el escenario.

La espera para ver a BETA resultó muy amena, y es que la agrupación no demoró en subir al escenario. Los fanáticos pronto comenzaron a grabar con sus celulares, "Lejos", tema de su LP Medusa (2016), continuando con mucha energía al ritmo de "Firmamento" y "Aire", temas que pusieron a brincar a todos los presentes.

Blas Cernicchiaro, aprovechó para agradecer a todos por estar ahí, invitándolos a cantar todas sus canciones, dejando en claro que iba a ser una noche muy larga, y así, prosiguió un sencillo de su más reciente larga duración, Segunda Piel (2019), "Fantasma", continuando con "Tres"; ambas canciones fueron coreadas al unísono por los fans.

Las sorpresas vinieron y de la mano de BRATTY, con quien BETA interpretó "Salvador". Uno de los momentos más emotivos de la noche. "Secretos", "Segunda piel" y "Veneno" resonaron con mucha fuerza en el Lunario del Auditorio Nacional. El show solo iba a la mitad y la gente no se veía cansada, al contrario, todos tenían más energías que al principio.

El público pedía "Colores", y eso obtuvieron. Mientras la rola sonaba algunos visuales aparecieron detrás de la banda mismos que, adornaron su presentación; así también, montaron un pequeño video para "Pausa", y "Hombre sin nombre". 

Todo parecía ir demasiado deprisa y es que, con el buen ambiente que estaba montando BETA, el tiempo corría como el agua. Poco a poco, nos dimos cuenta de que el final de la noche se acercaba, sin embargo, Blas no dejaba de agradecer y brindar por tan bonita velada. "Yo fugaz", "Luces" y "Atlas", fueron los temas que sonaron antes del encore.

La gente coreaba "otra" y los oriundos de Cholula, Puebla regresaron al escenario para dar fin a esta presentación tan sublime. A petición del público, fue tocada "O+" uno de los temas más coreados. La agrupación aprovechó para decir que esta última parte iba a ser lo mejor de la noche y definitivamente lo fue. Lo bueno llegó con "Cavidad" y "Cassiopea II". Para entonces, todos se encontraban con las energías muy altas y no era para menos, BETA demostró que su música tiene un toque especial que logra una simpatía con chicos y grandes.

Ya para finalizar el show, el vocalista y el baterista de la agrupación, decidieron aventarse en el público y nadar entre ellos mientras cantaban "Medusa". Uno de los momentos más memorables; culminando con "Celestiales", un bonito y conmovedor final.

Doom City Fest 2020 en Sangriento

Posted on febrero 23, 2020 by -

Los ocho jinetes del Apocalipsis reunidos en el Doom City Fest.

En cuanto a la música con guitarras Scott Hill de Fu Manchu dice:

“No, nunca van a desaparecer. La gente lo dice todo el tiempo 'el rock está muerto'. No puedo ni siquiera imaginarlo, nosotros, por ejemplo, ahora somos más grandes de lo que jamás creímos, siempre va a haber un chaval que quiera aprender a tocar la guitarra y empezar una banda”.

Alec Empire de Atari Teenage Riot dice:

“La guitarra es un gran instrumento y no creo que deba desaparecer. Acá en Europa los fans del metal son muy devotos y eso está muy bien, ellos ven una guitarra en el escenario y se vuelven locos con lo que se puede lograr con ella”.

Hoy en día se ha puesto de moda decir que la música con guitarras está muriendo, algo totalmente falso, la guitarra y el formato de banda como la conocemos aun tiene mucho que dar y ha evolucionado bastante en distintas direcciones y sensaciones.

Eso mismo se conecta directamente al Doom City Fest, en su primera edición en territorios capitalinos… 

Sangre, distorsión, potencia y alto voltaje

El escenario de LSDR (Loud Slow and Distorted Riffs) abre puntualmente con cuatro hombres usando sogas en el cuello, con un muy fino triple nudo Windsor (¡ja!), y bolsas de tela negra tapándoles el rostro, 666 en guitarra, Hombre Bestia Narcosatánico en batería, Dan en el bajo y Calaca Niño en samples; Satánico Pandemonium inicia la masacre con salvajes riffs y distorsiones ocultistas.

Doom vicioso y súper degenerado sale de los pedales tanto de bajo como de su Epiphone SG y su consola de samples, el ruido es tal que desde la primera escucha nuestros oídos explotan… pues claro, son cajas Orange con cabezales Peavey y amplificadores Hartke. Ese fue el precio a pagar por un gran comienzo de festival.

Tanto en el escenario LSDR y afuera en el escenario Sangriento, aún no se ve mucha gente, todavía hay espacio para caminar, echar un vistazo a la mercancía, comprar comida y hasta para sentarse, ya veremos qué pasa sobre la marcha.

Los horarios siguen casi tal cual como estaban planeados y el trió canadiense, Tekarra, sale sin retraso a seguir llenando de bruma el ambiente con doom, pero esta vez salido de una Fender Telecaster.

A diferencia de lo que escuchamos al inicio del festival, Tekarra hace un doom un poco más elaborado, al menos en cuanto a rítmica, con Satánico Pandemonium eran acordes largos y envolventes, pero con los canadienses la rítmica provoca sacudidas de cuerpo más violentas, puños arriba y guitarras de aire, todo lo que un buen show de metal necesita.

Desde Mérida, Malamadre abre un portal de sonidos malignos, ritmos repetitivos y siguen desgarrando nuestros tímpanos, estamos de vuelta al escenario LSDR. Un clásico trío de guitarra, bajo y batería, que parecen ser mil hombres, después de capas tras capas de distorsión fusionado con otros potentes efectos.

Acá los movimientos de arriba del escenario tanto de abajo comienzan a subir de nivel, con un baterista con una técnica tan agresiva que parece dar machetazos a sus platillos, un bajista inquieto y un guitarra LTD tan negra como el abismo, nadie puede resistirse a mover los brazos sin sentido alguno, agitar la cabeza y rugir de emoción, el festival va in crescendo.

Después de tanto doom, llega 16, desde California, para liberar los demonios del hardcore y sludge. Para este punto el cúmulo de gente ya es tal que comprar cerveza o una hamburguesa comienza a complicarse un poco, el ambiente empieza a volverse un poco más caótico y violento, pues muchos fans vinieron a liberar sus males sin preocuparse por nada.

Ahora son una Gibson SG blanca con negro y una Jazzmaster negra las que sueltan riffs descontrolados, con rítmicas que sobrepasan los clásicos dieciseisavos del doom y su nivel de decibeles es tan potente que parecen haber hecho explotar un amplificador. En menos de 5 minutos el problema se resuelve y 16 termina sin problema a la hora acordada, pero sobre todo dejando satisfechos a todos los fans que se descolgaron a verlos.

De regreso al escenario LSDR, nos volvemos a encerrar con ruidos estridentes y agresivamente violentos, para escuchar a 33, muchos tuvimos que recurrir a los confiables tapones para los oídos, pero para poder seguir conservando algo de escucha después de tanto ruido.

Más talento de México, pero ahora provenientes de León, Guanajuato, 33 viene a enterrar frecuencias demoníacas directamente en nuestros sesos con una Telecaster en mano. Usando acordes de poder, interesantes cambios de rítmica y distorsiones bien configuradas, este trío hace una buena labor en el escenario derritiendo las bocinas con hardcore bien elaborado.

Después de ocultarse el sol, el escenario Sangriento guarda a algunos vampiros que no dejan el escenario para alimentarse de los riffs por venir. Sin ninguna demora y con sus fans sedientos de electricidad, The Obsessed sale a satisfacer con solos provenientes de una Gibson Les Paul para combatir la hambruna, sin piedad alguna.

Desde Maryland, el legendario Scott “Wino” viene acompañado de Reid Raley y Brian Constantino, para dar el show más lleno de guitarras de aire de todo el Doom City Fest. Y claro, una banda tan legendaria como esta no iba a permitirse hacer un show regular, arriba del escenario parecían hacer alquimia musical siguiendo recetas primigenias, el público bebía toda pócima saliente de sus instrumentos.

Al terminar la presentación de The Obsessed, salimos corriendo despavoridos del escenario Sangriento para alcanzar un espacio dentro del escenario LSDR para ver a la banda que cerrará el portal que ahí está ubicado, Fumata.

Sus gritos son entonados con alta ira, sus cantos son recitados como si fueran una oración dirigida al mismo averno, Máximo Mateo libera su oscuro cabello sobre el publico para dejarnos en completa negrura mientras que Javier Alejandre, “Mico” Cardoso y Juan Tamayo musicalizan un alucinante y hórrido pasado, presente y futuro. Así es, su música parece viajar entre dimensiones que difícilmente puedes describir, su show se tiene que vivir personalmente.

Man†ar proviene de un país muy oscuro, un lugar rodeado de un gris profundo, un ambiente muy industrial con bastantes estigmas sobre todo su territorio, Alemania. Hardcore, black, doom, toda una mezcla de ingredientes monstruosos para dejar la máxima destrucción al paso de cada acorde y cada golpe de batería.

Esa combinación por más titánicamente demoledora que suene, no parece haber causado el efecto que debería, personalmente mi cuerpo no dejó de moverse como si algo tomara posesión de él. Pero al parecer el público o ya estaba muy ebrio o muy drogado o de plano muy falto de interés que ni Hanno sin playera tocando una Gibson SG, ni Erinc golpeando en polirritmias devastadoras lograron que el público terminara de conectar con ellos.

En realidad, existe una razón muy poderosa para la apatía de la gente, no es justificación, pero lo entiendo, todos esperaban con todo el poder de sus puños a Amenra, todo el concepto detrás de ellos, la estructura de composición de sus canciones, todo es como una parálisis del sueño, no puedes hablar, no puedes moverte, pero tienes que ver todo el terror que aparece en ellos.

Sus seguidores todos están ya muy amontonados, no se logra ver nada, solo podemos escucharlos, moverse es imposible porque ya no hay lugar, pero por destellos logramos ver los visuales reproduciéndose detrás de ellos. Para muchos de los que se atrevieron a fumar grandes cantidades de hierba, el mal viaje los llevo a salirse del lugar, ir a buscar refugio en el baño o de plano salirse.

La bruma es muy espesa pasadas las 23:00 H y Amenra provoca calosfríos de solo escucharlos, pero es tan tremendamente poderoso lo que sale de lo que parece ser una Gibson Les Paul negra y una ¿Eastwood?, no se puede notar por la cantidad de gente, que no queremos dejar escucharlos, pero sobre todo en vivo, verlos en directo es la experiencia más asquerosamente tétrica que lo volvería a hacer sin pensarlo, necesito más.