Florence and the Machine lanzará sencillo

De acuerdo a la información revelada este tendrá estreno a mediados de abril.

Luego de que en 2015 Florence and the Machine diera a conocer su LP How Big, How Blue, How Beautiful, se ha dado a conocer el posible release de un track titulado "Sky Full of Song".

Esta información se subió a uno de los portales del Record Store Day con sede en Holanda, misma que fue borrada de manera inmediata. De acuerdo al sitio web, este lanzamiento será en un vinilo de 7'' el 21 de abril. Como podrán notar no se dieron más detalles, pero esto abre la posibilidad de que pronto tendremos novedades de la agrupación de Florence Welch.

La también compositora ha sido nota en estos meses ya que formará parte del mundo literario con una publicación que será lanzada el 5 de julio de 2018 bajo el titulo Useless Magic. Este contendrá poemas, un cancionero y algunos bocetos de obras pictóricas realizados por ella misma.

Por otro lado, hace unos días, Lana Del Rey compartió una fotografía en la que aparece Florence, FKA Twigs y Marina Diamandis (Marina & the Diamonds). Esta reunión logró emocionar a los fans de las cantantes creando diversos rumores de colaboración, pero simplemente se trataba de una cena entre amigas.

The Breeders — All Nerve

Guitarrazos duros para mostrar que aun hay vida.

Después de lanzar Last Splash, disco que vendió millones de copias alrededor del mundo y convirtió a The Breeders en una banda de culto, su vocalista y guitarrista Kelley Deal se hundió en las drogas y fue llevada a rehabilitación, la fama la consumió. Josephine Wiggs comenzó nuevos proyectos musicales y John McPherson junto a Kim formaron un nuevo grupo llamado The Amps, no duro mucho realmente. Kim Deal, a falta de una banda que le permitiría más libertad creativa, decidió enfocarse a Pixies.

25 años después y varios discos un poco menos memorables con otros miembros formando la banda, esta alineación vuelve a intentarlo con un disco nuevo, All Nerve. Ahora ya son mucho más grandes, hay menos drogas y tienen mucho más tiempo para un solo proyecto: The Breeders. Pero están viviendo aires muy diferentes a los que respiraban en 1993, los ritmos han cambiado, la visión es otra, hay un gran mercado con demasiadas propuestas muy interesantes e ingeniosas, ¿Qué es lo pueden ofrecernos?

El disco empieza muy bien, dándonos unos cariñosos azotes muy al estilo de los 90, con un par de canciones estridentes y disonantes de 2 minutos de duración, haciéndonos recordar inmediatamente lo tanto que gusta ese sonido, sus letras sarcásticas, sus bajos repetitivos e incluso la corta duración, ninguno de sus discos llega a ni a los 40 minutos. Al parecer todo esta ahí, todo el sello de The Breeders.

Con “All Nerve”, apenas la tercera canción, comienza el festival de baladas envueltas en capas de overdrive, que por momentos se vuelven muy oscuras, con maquillaje muy gótico, que en diferentes instantes te pueden mandar a orbitar en el espacio con todo y tu ropa de civil, para sentirte igual de aislado que en tu trabajo, la escuela, en tu casa, con tu familia y que pueden insertar en tu cabeza arpegios en cuerdas limpias de guitarra con intermitentes riffs psicodélicos, baterías y bajos monótonos, provocando que mires hacia adentro, con ojos cerrados, visualizando el escenario de una víctima a punto de asesinada.

“Archangel Thunderbirds”, cover de la banda de krautrock Amon Düül II, nos hace recordar, no solo el viejo y característico sonido de The Breeders, sino el sonido de gran parte de sus congéneres. Integrar esta canción al disco no es otra cosa más que revelar voluntariamente la verdadera procedencia del ruido creado por la mayoría de las bandas de los 90 y sus influencias más profundas.

No se puede negar que escuchar a Kim Deal maullar en “Wait in the Car”, sentir como los acordes de guitarra inundan tus oídos con reverb y delay con “Spacewoman”, escuchar la voz de Courtney Barnett haciendo coros, así como encontrar la armonía en las voces femeninas cantando al unísono, se siente muy bien en el alma.

El disco no es para nada malo, no se puede decir que es tan bueno como el último que esta alineación materializó, pero tiene un potencial enorme, solo debes escucharlo un par de veces para quitarte todos los prejuicios y comenzar a disfrutarlo.

Al final, este es un muy buen trampolín para seguir trabajando nuevo material y no dejar morir este proyecto, porque todos nos hacemos las mismas preguntas: ¿Qué hubiera pasado si esta alineación hubiera sobrevivido el resto de la década de los 90?, ¿Habrían mejorado su sonido para ser más grandes que Jesucristo?, ¿O quizás solo fue un golpe de suerte?, tal vez escuchando este disco puedan encontrar la respuesta.

DJDS le hace un remix a St. Vincent

Foto ilovestvincent.com

Escucha esta reversión de "Los Ageless" de St. Vincent.

A pesar de que la estadounidense publicó su quinto álbum de estudio MASSEDUCTION, en octubre del año pasado, sigue siendo una de las artistas más relevantes y es noticia cada semana. La última vez que dio de qué hablar fue por acompañar a Sufjan Stevens durante su presentación en los Oscar y ahora por compartir un remix de su reciente éxito "Los Ageless".

La reinterpretación del sencillo de St. Vincent estuvo a cargo de DJDS, duo de música electrónica basado en Los Ángeles. Este proyecto conformado por Jerome Potter y Sam Griesemer es muy reconocido por su trabajo de producción en el último disco de Kanye West e incluso fueron nominados a un Grammy por el tema "Ultralight Beam".

La versión de los angelinos es algo sencillo, pero excepcional, ya que se suprime casi por completo la linea del bajo, uno de los elementos más sobresalientes de la canción. El resultado es un tema que se aleja del sonido electro pop con elementos de new wave y que se acerca más a una especie de un avant pop sumamente experimental.

También se reveló que St. Vincent produjo el álbum para niños que sus tíos, Tuck & Patti, piensan sacar. Esta pareja salió de gira con la cantante en enero, durante su gira norteamericana.

Puedes escucha el remix justo aquí:

Garden City Movement, indie pop desde Israel

Foto Facebook de la agrupación

Conoce la propuesta de este trío originario de Tel Aviv.

Directamente desde Oriente Próximo llega Garden City Movement, un grupo compuesto por Roy Avital, Yoav Saar y Johnny Sharoni. A lo largo de su corta e interesante trayectoria, han logrado fusionar géneros pop y estilos experimentales que se han visto reflejados en sus cuatro EPs lanzados desde 2013.

La agrupación israelí está próxima a estrenar su LP debut Apollonia bajo el sello BLDG5 Records, mismo que fundaron para dar oportunidades a los talentos que se gestan en Israel sin importar el género. Este será liberado este 16 de marzo en distintas plataformas musicales.

A pesar de solo ser tres miembros, con ellos son suficiente, ya que todos tocan la guitarra e instrumentos electrónicos, mientras que en la cuestión vocal Avital y Sharoni son quienes llevan el mando. Las forma de interpretar y producción de sus rolas ha sido comparadas con algunos temas de Bon Iver, Jamie xx y Son Lux.

En su nación ha tenido un gran reconocimiento y eso se puede ver con su track "Move On", uno de las más populares de la banda y que les otorgó un premio en los MTV Israel Music Awards en la categoría Mejor video del año.

Escucha su más reciente sencillo y compartenos tus impresiones en redes sociales:

Checa la portada de su primer álbum y el tracklist:

Apollonia
1.- "Again"
2.- "Passion Is a Dying Theme"
3.- "Before I Fall"
4.- "Ueno Park"
5.- "A Means to an End"
6.- "Slightly All the Time"
7.- "I Knew Before I Met Her That I Would Lose Her"
8.- "Rini"
9.- "Foreign Affair"
10.- "For Tomorrow"
11.- "What If You Can't Win?"
12.- "Now"
13.- "Bitter Moon"
14.- "Zaire"
15.- "Mediterranea"
16.- "Apollonia"
17.- "Sans Titre"
18.- "Santal 33"

Burger Revolution 2018 en el Foro Indie Rocks!

El garage  de Latinoamérica se encuentra en buenas manos.

La promotora independiente denominada Violencia River nos recuerda constantemente que no nada más California tiene una exuberante escena de garage y surf rock. También Latinoamérica está dando fruto a actos con calidad de naturaleza palpitante dentro de los géneros ya mencionados.

Durante la tarde del 10 marzo se llevó a cabo el Burger Revolution 2018: evento que hizo posible la conjunción de la clase de bandas que inspiran las más puras sesiones de brincos, crowdsurfing y slam.

Desde el momento que comienza con una explosiva apertura por parte de Los Reyna Valiendo Madre hasta el excepcional cierre con el regreso de O Tortuga al presentarnos nuevo material, el evento significó una tarde de abundante diversión y conmoción con todos esos detonantes guitarrazos, ensordecedores ritmos de batería y sólidas líneas de bajo. Elementos que caracterizan a estos géneros que celebran una especie de frenesí en la juventud amante del rock.

Inicio:

Entre Los Reyna Valiendo Madre y Los Yakets se encargó de entregarnos una bonita abertura. Definitivamente eran actos con muy buenas aptitudes que lograron originar buena energía para el resto del show. No se encontraba la suficiente gente, pero de igual modo lograron brindar alboroto para los pocos asistentes que se encontraban.

Desarrollo:

Para el momento del turno de The Froys, el establecimiento ya se empezaba sentir más lleno y la energía se intensificaba. Con la contundencia que nos brindaban con ese garage, logró potenciar el vigor de los asistentes seguidos por Los Sustos que de igual modo alcanzan una respuesta por el público que pondría la piel chinita a cualquiera. Habrá que estar pendiente de lo que próximamente hagan ambas agrupaciones.

Clímax:

Para entonces la máxima cantidad de gente observando la música que se alcanzó durante la noche era evidente. Varias personas estaban especialmente interesados por ver a Señor Kino tocar con esas suaves y pegajosas melodías playeras que caracterizan al sonido de las mejores bandas del género. Con un vocalista con una personalidad sobrante de simpatía y buenas vibras, nos dieron uno de los mejores sets de la noche. También nos compartieron un par de canciones nuevas que crearon inquietud por escuchar su siguiente material de estudio.

Después de esa completa entrega de la agrupación anterior al público, llegó la sucesión de otros grandes del surf rock nacional: Dinosaurios Surf Club. Otra gran experiencia que nos regaló colaboraciones con integrantes de Señor Kino. Independientemente de eso, la talentosa banda nos dio lo suyo.

Desenlace:

Más que un espacio para brincar y empujar, The Cavernarios creó un espacio bien merecido para bailar. Riffs de guitarra, más un bajo que realmente resaltó durante la noche,  resultó en un agraciado momento para después otorgarles el escenario a O Tortuga. Si alguien representa el género en la ciudad son ellos y ya era esperado nuevo material el cual si nos presentaron. Solo queda decir que el nuevo disco se viene muy gustoso.

Festival De Frente en Jardín Ponsá

El espacio heterogeneo para el talento nacional.

En su primera edición, Festival De Frente fungió como el punto de reunión entre marcas independientes de moda y joyería como, Triangulum, Pay’s, Sabatter entre muchas más, acompañado de presentaciones en vivo a cargo de músicos pertenecientes al sello discográfico Panoram Records. Reyno, Andrea Franz, Salvador y el Unicornio, Love La Femme, Juan Moreno y un DJ set de Memory Man + Pipe Ceballos fueron los talentos que se apropiaron del escenario.

El clima era ideal para pasar una tarde chill, donde los amigos y la música generan esos momentos a lo que todos buscan escapar los fines de semana. Lentes de sol y look casual fueron una constante en los asistentes que recorrían el área de merch, donde cada stand ofrecía productos con una calidad estética y propuesta de diseño atractiva con esencia propia, atrayendo así clientes de antaño y nuevos compradores.

El Jardín Ponsá, fue el spot ideal donde los asistentes pasaron la tarde tomando cerveza y escuchando música de fondo a cargo de los DJs Human Fader y Pato Watson quienes ambientaron el escenario mientras la tarde se dejaba caer y daba paso a la hora de cantar “Pincel”, tema con el que Juan Moreno abrió el escenario. Siguiendo con “Metamórfosis", el cantautor creó una atmósfera relajada. Su proyecto, aún nuevo, transmite sus memorias y experiencias entre baladas y guitarras armónicas al estilo de esta onda de músicos emergentes que la están armando gracias a la honestidad de sus letras, en conjunto con melodías suaves al oído que conquistan así a público joven y no tanto. Usando metáforas sutiles “Atemporal” brilló en el repertorio de Moreno, mismo que al cabo de unos minutos finalizó su presentación con “El barco”.

Poco después el público comenzó a dispersarse a lo largo del evento, muchos ya hacen fila en el área de comida atraídos por el aroma de las hamburguesas al carbón, otros se acercaban con sus prendas Levi’s para que fueran intervenidas con parches y diseños en aerografía. Después de la primera presentación musical, el diseñador Jesús De La Garsa presentó su colección primavera verano, la propuesta, completamente femenina, a base de tonos nude, menta y rosa abrió el espació al tema de la moda en De Frente, mismo que sería alternado con shows musicales a lo largo del día.

Entre pláticas, risas y la llegada de más asistentes el escenario volvió a iluminarse, no solo por las luces de colores sino por la presencia de Andrea Franz, entonces cambió el mood del evento, Franz se apropió del lugar con guitarras potentes y su voz suave interpretaba temas como “Worst Curse”, “La Ciudad” y “We’ve Met” emitiendo destellos femeninos y agudos precisos. Franz se entregó al público con su característica amabilidad y constante contacto visual con sus fans, compartiendo sonrisas infantiles y amables, así la californiana se mantiene sigue crecimiento en la escena independiente.

La colección de Levi’s desprendió toques casuales cargados de la esencia propia de la marca, nada pretensioso. Conforme atardecía la afluencia crecía. Recibiendo la noche Love La Femme envolvió a la audiencia, misma que disfrutaba de la música y el ambiente general, documentando todo en redes sociales a través de selfies y fotos de las presentaciones de Nike a cargo de bailarines de break dance usando la tecnología OBE (out of body experience). Los diseños de Carla Fernández desfilaron por el escenario, la audiencia, múltiples flash y todos los celulares captando el momento en los y las modelos portaba cuidadosamente cada prenda, todas ellas únicas.

Ya de noche, Salvador y el Unicornio causó aplausos y ovaciones en el escenario, el músico mexicano puso a bailar a más de uno. Para las ocho de la noche De Frente se volvió el spot al que la gente asiste un sábado en la noche, ahora el festival se miraba más concurrido, y el ambiente se transformó en una noche elegante sin perder el toque casual. La zona VIP ya no era solo un cuadro en el centro de la pista, ahora grupos de amigos bebían y bailaban desde su zona lounge, fuera de esta valla de metal el ambiente era tan bueno como la música jocosa del cantautor mexicano, “Agua de coco”, “Carolina” y para cerrar su presentación “California” dio paso a la última pasarela a cargo del diseñador Jorge Ayala Paris.

Dentro del repertorio de artistas en De Frente, Reyno destacó como una banda que ha crecido a lo largo de sus dos álbumes, sus presentaciones por la república mexicana y el extranjero han hecho una propuesta evolutiva, prueba de esto fue el número de admiradores que resaltó de inmediato en Festival De Frente, el público ya esperaba incluso formando una pequeña multitud al pie del escenario listos para corear todos los temas, empezando por "Ahrimán" y continuando con “Parte del sol”, “Nunca me dejes” y “Química” entre otros.

Cuando Memory Man + Pipe Ceballos subieron al escenario el publico se sintió bombardeado por bits de sintetizadores que atraían inconscientemente sus cuerpos, sin pensarlo cada quien comenzó meneando la cabeza de un lado a otro, después poco a poco los pies, y de pronto gran parte de lugar bailaba sin pensar en nada más que en disfrutar la música.

Festival De Frente brindo un nuevo modelo en que la música y la moda son presentados a la par, ponderando al igual ambos mundos y dando pauta a formar nuevos lazos entre el talento mexicano, esta primera edición además brindo un nuevo esquema de venta fusionado con presentaciones en vivo y showrooms, logrando una organización adecuada, bajo un estilo sofisticado y vanguardista sin perder el toque de frescura que brindan los festivales y bazares en la actualidad.

Adan Jodorowsky en El Plaza Condesa

El único ídolo: Adan Jodorowsky en concierto.

Hace tiempo, un filósofo elogiado persignó: “Uno se vuelve sabio solo en la medida en que atraviesa su propia locura”; ¡Vaya curiosidad! El que su propio primogénito representase la locura nata, la más intensa y enamorada. Adan Jodorowsky estuvo en la CDMX como el loco que solo él sabe ser.

Tenía tiempo que las manecillas de mi reloj no avanzaban tan lento; los minutos me parecían eternos. Por fin marcaron el momento celestial: 20:28 H. El show emprendía en unos de los foros más cotizados de la CDMX –El Plaza Condesa– el encantador Adan Jodorowsky presentaría su más reciente disco Esencia Solar, siendo la primera vez que firma, actúa e interpreta con su nombre natural.

Seis músicos en escena daban la señal de su arribo. Manteniendo una pose fija, el legendario Adanowsky se mantiene de pie mirando (detrás de unas gafas de sol) al horizonte de su perfil derecho llenándose de energía pura a través de aplausos encariñados. “¡Buenas noches!” deseaba a los presentes y su euforia deslumbraba inmensamente. “Vivir con valor” fue el tema de apertura donde la ausencia de Natalia logró ser cubierta con un baile inminentemente perfecto.

La deserción de un público en exceso no fue la causante para un espectáculo rutinario, era en realidad, la muestra de esa intimidad que Jodorowsky suele trasmitir a sus seguidores, como una charla entre grandes camaradas: Él y su propia gente. Aquella confianza implementada dejó en alto lo calidez y lo bien cortejado que está, desde su gente de staff como Charly, hasta la participación de grandes artistas como Renata con su violoncelo en “Hasta la aurora” o Devendra Banhart en “You Are the One”.

Aquella noche fue la cena más romántica donde el creador de Amador complacía a sus propias almas haciéndolo con “Niña roja”, un tema interpretado a petición y donde aprovechó la oportunidad para cantársela a la musa que se encontraba entre el público: su esposa, Luna. “Abran espacio como Moisés en el mar para que pase mi inspiración”.

Entre tanto sentimiento gozado, una sorpresa piso el escenario: León Larregui, el jinete de la libertad, nos regaló a dueto “Vagabundos de otro mundo”. “Qué increíble es tener amiguitos aquí” decía Adan con su último invitado. Y así, sin más, estalló con una tanda de éxitos que nos retomaron sus versátiles facetas “Mi fe”, “Amor sin fin” y “Estoy mal”. La acústica en pleno show renació la emotividad al comenzar el tema inspirador, “Solo falta lo mejor” cerrado con broche de oro, la alegría de un cajón flamenco.

La fiesta no se detenía y Adan deslumbraba con “El ídolo”. Y como una explosión que revienta alegría, “Color café” llegó a todos los presentes, aquellos que sacudían sus brazos al ritmo de las percusiones. “Qué importa lo que la gente piense de nosotros, solo bailen conmigo” incitaba el músico al son de la canción. Un tema que dio la excitación completa representada en una batucada en toda la explanada encabezada por el mismo artista. ¡Grandísima fiesta!

Mi reloj seguía marcando las horas, mismas que me importaban un bledo porque el hijo de Alejandro estaba en la pista listo para interpretar “Collar de perlas/Déjenme llorar”, “Amor de día y de noche” y “Me siento solo”, canción con la que promovía el cierre total de esa gran, gran noctámbula, esa misma que sería recordada como la velada donde Adan vuelve a dejar en alto su elegancia sobre un escenario, sin perder ese magia, atracción y su toque personal en cada performance. Adan Jodorowsky cumplió ser el ídolo que siempre soñó.

Bonobo en la Carpa Astros

Fusión perfecta de electrónica y melancolía.

Es una delicia cuando las expectativas de un show tan esperado como el de Bonobo no solo se cumplen, sino que se superan. Simon Green y su banda dieron una cátedra musical en la Carpa Astros.

Todo tomó forma con un DJ set de Raúl Sotomayor, quien calentó la pista con beats afro y dejó el piso más que pulido para el Migration Live Tour, que marcó la primera presentación en vivo de Bonobo en México.

El show empezó de la manera más atmosférica posible, con secuencias graves que dieron paso a la integración de teclado, batería, guitarra y saxofón, y eventualmente al bajo, tocado por Green. “Figures” abrió un juego de contraluces en el que las figuras de los músicos levantaron cuerpos del piso. Canciones como “Bambro Koyo Ganda” atraparon con su alegría.

Los beats electrónicos se fusionaron a la perfección con la instrumentación, que por más sencilla que parezca, suena de forma magistral. Pero incluso “Kong”, en la que Simon se quedó solo en el escenario con su bajo y secuencias, llenó el recinto de energía y poder. Mención especial para la voz de Szjerdene Fox, quien cautivó al público con su cadencia en rolas como “Break Apart”, “Eyes Down” y “Towers”.

Mucha de la magia del concierto fue aportada por los interludios, que funcionaban como descansos a veces nostálgicos, a veces melancólicos, que crecían de a poco hasta llegar a momentos de fortaleza inigualable.

Sorpresas como el uso de la flauta en “We Could Forever” provocaron emoción y expresiones que apelaban a la genialidad de la banda.

Una noche de ensueño que, para aquellos que guardaron energía, culminó pasadas las 2 de la madrugada tras otro DJ set de Sotomayor y uno del mismo Bonobo.

Phil Collins en el Palacio de los Deportes

La fiesta de luz y color de Phil Collins.

Fue en 1969 cuando Phil Collins se adentró en la música, y hasta el día de hoy, el músico de 67 años de edad sigue llenando estadios y recintos a donde quiera que vaya. México no fue la excepción, pues el mes de marzo vio su regreso. En dicha visita, ofreció conciertos en el Auditorio Citibanamex en Monterrey, Nuevo León; en la Arena VFG de Guadalajara, Jalisco y dos en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México.

La arena ubicada en la Magdalena Mixhuca estuvo ocupada a su máxima capacidad durante la primera presentación de Collins en la CDMX. En cuanto el músico británico apareció, vestido de manera sencilla y utilizando un bastón, la gente se puso de pie para no regresar a sus lugares en toda la noche. Luego de una fuerte ovación inicial, llegó a una silla situada en el centro del escenario, del cual emanaron luces de colores durante una hora y media, y desde donde el músico y su equipo deleitaron a la audiencia.

Collins estuvo acompañado por cuatro coristas y diez músicos, entre ellos su hijo de 16 años, Nicholas, quien funge como baterista en la banda; además de Daryl Stuermer, quien era su compañero de banda en Genesis, y Ronnie Caryl, guitarrista en la primera banda de Collins, Flaming Youth. A la mitad del evento, los presentó uno a uno, y la gente no dudó en vitorear a cada integrante.

“Against All Odds” fue la primera de 16 canciones que mantuvieron a los mexicanos bailando y cantando durante el concierto. El repertorio incluyó temas como “Another Day In Paradise”, “In The Air Tonight”, y un par de baladas de la agrupación Genesis. En “I Missed Again” aparecieron los instrumentos de viento, cuya presencia hizo explotar el Palacio de los Deportes. A lo largo del evento, los músicos tuvieron varias participaciones individuales, como la corista Bridgette Bryant, con quien cantó “Separate Lives”.

Las primeras notas de “Sussudio” marcaron el inicio del final de la noche, acompañadas de una lluvia de papeles de colores que sorprendieron a todos los asistentes y llenaron el escenario de más colores. Posteriormente, Collins se reunió con su equipo al centro del escenario e hicieron tres reverencias como agradecimiento al público mexicano. Las luces se apagaron, pero la audiencia pedía más. Un par de minutos más tarde, el músico inglés volvió con algunos de sus músicos, y con “Take Me Home”, se despidió.

La banda invitada para abrir el concierto fue The Pretenders, liderada por Chrissie Hynde. Con 14 canciones, prepararon a la gente para el plato fuerte, y luego de un cover de Bob Dylan y algunos temas dedicados al mismo Collins y otros más a  los mexicanos, como el demo “Tequila”, fueron despedidos con una ovación de pie.

Daughter of Satan en Normandie

Nada importa salvo pasarla bien.

Misterio bajando las escaleras de Normandie, ni idea de qué pueda habitar en este espacio subterráneo, el reflejo en el espejo que se ve al descender es negro, como la noche, negra, como casi todos los que ya están bailando, de atuendo negro, zapatos, botas, tacones, tenis, faldas, jeans, camisas, playeras, chamarras, boinas, todo en negro. Es la primera reunión de los amantes del techno duro, abrasivo, salvaje como salvajes son los vampiros que han salido de sus cuevas para liberar su personalidad Daughter of Satan, las fiestas de estética “dulcemente oscura”, Pelada tiene dificultades para comenzar, Silent Servant detrás de sus aparatos sigue mezclando, el escenario presume el nombre del evento en neón rosa, rosas de colores claros y negro adornan el frente.

Pelada el dúo de montreal que forman Chris Vargas (dejando entrever su ropa interior debajo de un vestido transparente) y Tobias Rochman (camisa de color plata) arroja house y techno con gritos subversivos punk: “tu identidad se convierte en una mercancía”, “no hay la solución”, giro de cabeza en derredor, los antes outsiders y ahora arquetipos de un atuendo, los ravers asiduos de la escena dance, del club se agitan poseídos, embriagados con un sonido poderoso, urgente, como los describe Virginie Despentes, “habían ido para hacerse sodomizar el alma, dispuestos a tragar cualquier mercancía subversiva mientras les hicieran creer que recibirían algo de identidad extra”.

Los cuerpos chocan entre sí, el espacio se calienta, el agua se sirve en envases con forma de cráneo, hay un espacio para caminar hacia atrás, figuras oscuras continuan descendiendo las escaleras, Essaie pas sobre sus máquinas de sonidos, Marie Davidson y Pierre Guerineau, synth veloz, sonido futurista, a ratos industrial, a ratos techno, ritmo atroz que no se detiene, fuga de la realidad, luces rojas en el frente, cabezas moviéndose como péndulo, las piezas se suceden una tras otra, no hay pausa en este set, es un track que va de corrido alternando en forma, bastardos de John Carpenter y Giorgio  Moroder producen algunos sonidos siniestros… inmediato a que termina su show el plato principal es servido, Silent Servant de origen latinoamericano, afincado en EE.UU., golpea las paredes, la ropa, la piel, la carne, el rostro, los oídos, con unos beats violentos, punzantes, el cuerpo quiere imitar ese ritmo, se traba como cocainómano en sobredosis, su techno oscuro se escucha en este círculo del infierno que ni Dante pudo imaginar, aquí hay fuerzas de satán tomando a cada cuerpo, poseyéndolo, sometiéndolo a un baile entre sensual, perverso, intenso, el grupo de ravers se parece a los asistentes del “Quagmire” en San Junipero que quieren pasar su vida eternamente en donde nada importa salvo pasarla bien, intentando sentir algo, temas de las producciones más densas de Servant, post punk electrónico que va sobre el mismo eje, trance demencial.

Es tiempo de partir, afuera el frío de la madrugada, el anuncio de la próxima Daughter of Satan, los hijos del sello italiano Mannequin Records tendrán su oportunidad para adentrarnos en otro círculo de este sótano.