Entrevista con Silvana Estrada

Foto Sofía López Bravo

Una voz poderosa y pasional: Silvana Estrada.

Hay raíces que están destinadas a seguir un mismo camino, para Silvana Estrada la música sería el suyo. Al tener padres músicos la sorpresa hubiera sido que decidiera dedicarse a las leyes o a la medicina.  Silvana comenzó a formar su camino en Xalapa, Veracruz, pero la búsqueda de su sonido la llevó a emigrar a ciudades como Nueva York y ahora establecerse en la Ciudad de México.

“Mis papas son músicos clásicos y se fueron a Italia de lauderos, por lo que crecí rodeada de mucha música latinoamericana y mi decisión de ser músico fue muy natural. Comencé a estudiar en la Universidad de Veracruz y me mantuve ahí por dos años, pero sentí que no era lo que yo estaba buscando, lo que yo necesitaba era estar en un escenario tocando, y en los salones de clases sentía que el tiempo se me escapaba”.

La voz de esta cantante quería ser escuchada y teniendo en mente que en las artes un papel no refleja el talento y mucho menos se solicita antes de pararse sobre un escenario, Silvana dejó la carrera y se aventuró a conocer los sonidos de Europa. “En Xalapa no existe como tal una escena de world music o jazz, no hay bares ni lugares que se dediquen solo a estos géneros musicales, hay muchos espacios que se abren sí, pero en su mayoría se dedican a la música indie. Yo no tenía un lugar en donde me encontrara con el sonido que quería, y tampoco me sentía a gusto en los salones de clases, por eso la dejé, creo que la mejor escuela es la calle y así es como logré trabajar con Charlie Hunter”.

Lo sagrado, el primer disco de estudio de Silvana fue lanzado en 2017 y cuenta con la colaboración de Charlie y La ciudad de las flores (Alex Lozano y Octavio Álvarez), su sonido está cargado de jazz, riffs que muestran la maestría de Hunter y toques tradicionales que deleitan a los oídos por su cuidado. Pero lo más destacable de estos 10 temas es la voz de Silvana que eriza la piel y deja escuchar en cada línea la gran pasión y entrega que esta cantante le pone a sus composiciones.

“La literatura es algo que me llena, es uno de mis grandes motores cuando estoy super cansada a las cinco de la mañana y me pide seguir, porque hay algo que decir. En especial la literatura es de gran inspiración en mi vida, por eso trato que mis letras sean poesía musicalizada, más que una canción con un coro repetitivo o fácil de aprender, busco que mis temas tengan esa pasión tan natural y fuerte que tiene la literatura”.

Silvana ya está en proceso de publicar su siguiente álbum y "Te guardo", el primer sencillo que ya ha sido lanzado, está lleno de melancolía y recuerdos, porque todos llevamos dentro una historia que siempre vale la pena recordar. “'Te guardo', para mí fue un proceso de sanación, es un bálsamo, la música para mí y todas las canciones de este disco lo son. Es un álbum que surge de canciones dolorosas, de un amor que me dejó muy marcada. Sí hay letras con mucha esperanza, pero también con mucho dolor por el proceso de cuidarme y sanar, para con el tiempo recordar cada momento de una forma ligera y ver como después de contar lo que fue esta historia, puedo comenzar un nuevo ciclo”.

“Te guardo” tiene un sentido muy humano, cada frase se siente en las venas, por lo que los comentarios de gratitud e identificación le han llegado sin parar a esta cantante, que no puede sentirse más agradecida con todo el público que la escucha.

“Ha sido muy impactante para mí ver todos los comentarios hermosos que me mandan tanto las personas que ya me seguían y los que con este tema empiezan a conocer mi carrera, son frases que me hacen bien y me motivan a cada día mejorar”.

La voz de Silvana es poderosa y pasional, se deja llevar por el viento hasta llegar a los oídos correctos. Con apenas 21 años de edad, ya ha pisado grandes escenarios en diferentes países, y ha colaborado con grandes artistas como la también veracruzana Natalia Lafourcade, por lo que no podemos esperar por escuchar completo su siguiente material.

Field Trip 2018

Un colorido festival en una gran Ciudad. Cobertura presentada por Tourism Toronto.

Llegamos a Canadá gracias al apoyo de Tourism Toronto, exploramos la ciudad, conocimos su cultura, saboreamos sus platillos tradiciones, disfrutamos de la amabilidad de la gente y, por supuesto, escuchamos a sus bandas locales —nuestro tema favorito—.

Además, aprovechamos para asistir a Field Trip, un festival que nos ofreció dos días de comedia, comida, arte y buena música con presentaciones de bandas como MetricYeah Yeah YeahsDamian “Jr. Gong” MarleyBahamas, AlvvaysAllan RaymanJapandroidsTrombone Shorty, Cuco y más, todo esto en un ambiente muy familiar.

Día 1

El comienzo de este festival estuvo prácticamente dedicado a apoyar talento local: Maddee, Chris LaRocca, los hermanos Dizzy, PartnerReuben And The DarkPierre Kwenders, Charlotte CardinThe Barr Brothers y una de las bandas favoritas de los canadienses: Bahamas. Las familias disfrutaban de la música y el clima veraniego sentados en sillas plegables, mantas y hamacas. Los niños corrían descalzos, jugaban con el hula hula o dormían en el pasto.

El festival dio un giro inesperado cuando llegó Damian "Jr. Gong" Marley, el heredero de la corona del reggae puso a bailar a cada uno de los asistentes y honró a su padre con canciones como "War", "Could You Be Loved", "No More Trouble" y por supuesto también pudimos escuchar sus éxitos: "Medication" y "Welcome to Jamrock".

Finalmente llegó Metric y el Fort York & Garrison Common lucía concurrido. Era una noche especial, la banda liderada por la vocalista y teclista Emily Haine estaba en su tierra y nos deleitó tocando el disco Fantasies: "Help I'm Alive", "Gold Guns Girls", "Gimme Sympathy", hasta llegar a "Stadium Love". El cierre estuvo conformado por "Youth Without Youth", "Breathing Underwater" y "On a Slow Night".

Día 2

Nubes y posibilidades de lluvia en el segundo día de actividades de Field Trip. Esta vez comenzamos con la presentación de Allie X, continuamos con los neoyorkinos Haerts y llegamos a la fiesta total con Trombone Shorty & Orleans Avenue, que nos puso a bailar y nos sorprendió con un cover a "Brain Stew" de Green Day y  "Give It Away" de Red Hot Chili Peppers.

Llegó la hora de Cuco, era su primera vez en la vida que visitaba Canadá y fue bien recibido a pesar de que comenzaban a caer las primeras gotas de lluvia. La banda comenzó su set  cantando "Happy B Day" a su tecladista. "Lo que siento", "Melting" y "Sunnyside" fueron algunos temas que escuchamos.

La lluvia no paraba, pero eso no nos detuvo para correr hacia el escenario principal para ver a Japandrois. Este dúo canadiense conformado por Brian King (guitarra, vocales) y David Prowse (percusiones, vocales) encendió Field Trip con canciones como "Near to the Wild Heart of Life", "Fire's Highway", "Wet Hair", "North East South West" y "The House That Heaven Built".

El final se acercaba, pero no podíamos quedarnos sin ver a Alvvays, otra de las bandas consentidas de los asistentes. Molly Rankin nos cautivó con su dulce voz y el humor que la caracteriza.

El reloj marcaba las 20:30 H., era momento de presenciar uno de los actos más esperados por nosotros: Yeah Yeah Yeahs, que regresaba a los escenarios luego de que Karen O se convirtiera en madre. Los de Nueva York entraron con fuerza y comenzaron con "Rich", seguida de "Cold Light" y "Black Tongue" del disco Fever To Tell del 2003. Karen O nunca paró de saltar y de correr por el escenario, además jugaba con el micrófono: se lo metía a la boca y sostenía como una cuerda.

Sonaron "Zero" y "Sacrilege" hasta que comenzó "Maps", canción que Karen O dedicó a los amores no correspondidos, a las parejas enamoradas, a las mujeres que son madres y a el amor, porque como ella lo dijo: "Yeah Yeah Yeahs es amor".

El encore llegó ninguna banda lo había hecho durante el festival y regresaron para tocar "Date With the Night" y cerrar con broche de oro el Field Trip 2018.

Nos llevamos una grata sorpresa, los canadienses nos transmitieron su tranquilidad, su alegría y su amabilidad. Field Trip es un festival al que tienes que ir alguna vez en tu vida.

Si quieres visitar Canadá y otros destinos musicales, tu mejor opción es consultar Tourism Toronto #SeeTorontoNow

 

Quiero Club en el Foro Indie Rocks!

Quiero Club: Prueba Superada

Probablemente Quiero Club no está pasando por su mejor momento de popularidad. La salida de Marcela Viejo, el cambio generacional y el hecho de que los más jóvenes están volteando a ver otros géneros no ayuda a aquellas bandas que no suelen encajar con los estereotipos marcados en la industria. Sin embargo, al igual que el título de su nuevo disco, anoche en el Foro Indie Rocks! fue una Oportunidad de Oro para demostrar qué tipo de banda son, una que no se asusta ante la adversidad y que no tiene nada que demostrar.

Era una noche rara, las calles de la Roma están sospechosamente tranquilas. No hay tráfico y los bares están vacíos, ni siquiera la quincena y el partido de la selección parecen atraer a la gente. Así parecía la historia en el Foro Indie. La cita era a las 9:00 pm y afuera solo hay un par de decenas de personas, quizás atraídos por el meet & greet que se ofreció a los veinte que estuvieran dispuestos a pagarlo.

9:30 pm, la cosa empieza a mejorar. Poco a poco la gente empieza a llegar, justo a tiempo para ver una interpretación acústica de Belafonte Sensacional. Su presentación es intensa a pesar de ser solo una persona en el escenario, es una pena que muchos se la perdieron, algunos por llegar tarde, otros por preferir una chela en el lounge del lugar.

Cerca de las 10:00 pm subió al escenario Un Planeta, banda argentina cuyo sonido se acerca a los principales de la noche. Para esa hora el Foro se acercaba más a un lleno, eso no significó que todos prestaran atención a lo que pasaba en el escenario, sin embargo aquellos que lo hicieron se llevaron a casa un buen show de una banda digna de seguir, sobre todo si lo tuyo es el rock con toques electrónicos.

Por fin llegó el momento de la verdad. Por primera vez Quiero Club se subiría a dar un show solos, un show suyo, personal, desde la salida de Marcela.

El disco tenía apenas 24 horas de publicado, así que no es difícil suponer que la reacción ante los nuevos temas fue de simple escucha y aplausos al final, aunque debo decir que al parecer sus fans tendrán una respuesta positiva hacia el nuevo álbum.

El verdadera reto eran aquellas canciones que todos conocían. “No Coke”, por ejemplo, sonó impecable, no parece que el paso del tiempo pase por esta melodía, mismo caso con “Let Da Music”. La presentación en general fue un éxito, como dije al principio se trataba de una prueba además de una presentación de un disco y la banda aprobó.

Si pudiera mencionar algo malo sería que al publicar los horarios de las bandas provocó que el lugar se llenara (o casi llenara) hasta la presentación de los estelares, me parece que se trata de una mala decisión que cada vez es más común. Entiendo que la gente quiere saber a qué hora va a salir su banda favorita, pero el saber el momento preciso solo resulta contraproducente para aquellas bandas que apenas se están labrando un camino.

Leon Bridges en El Plaza

Una mezcla nostálgica de soul, blues y R&B detuvo el tiempo ayer por la noche en el Plaza Condesa a manos de Leon Bridges y sus secuaces.

20 hr. El Plaza se percibe poco concurrido; apenas formamos unas cuantas filas quienes, huyendo de la ola de calor que nos azota, hemos llegado temprano. Minutos después la regiomontana Fer Casillas sube al escenario con su guitarra Mustang colgada del cuello, y acompañada solo de bajo y batería nos ofrece un set breve con influencias de neo-soul, jazz y synth pop de los setentas.

A mí lado un hijo de unos veintitantos comparte una cerveza con su madre –bajita, de pelo grisaceo quizá en sus cincuentas-. Del otro lado un padre de poco más 30 levanta a su pequeña de seis en hombros, la niña mira con curiosa emoción al escenario –tal vez en algunos años esta noche podrá convertirse en el recuerdo que definirá su amor por la música, la motivación que la impulse a subirse a un escenario-. Fer se mece con ojos cerrados en temas que van de lo baladesco a un tempo no mucho más acelerado pero delicadamente ejecutado.

Es una pena que los formatos abridores tengan que ser sencillos, valdría la pena verla con su banda completa, ya que es posible apreciar en sus secuencias muchos elementos interesantes (sintetizadores, metales, armonías vocales). "Imagenes" y “Quédate” dan por terminada su participación, y tras presentar a sus músicos Casillas abandona los reflectores para dar paso al acto principal de nuestra noche.

El montaje es ágil, y poco a poco se va revelando sobre la tarima el arsenal vintage que ha de hacer sonar la noche: Amplificadores de bulbos para las guitarras, sintetizadores de modelos viejos, incluso los micrófonos de la batería parecen antiguos. Al parecer cada detalle es cuidado con esmero.

Debió ser que el calor aletargó a todos haciendólos salir tarde de casa, porque ahora -minutos antes de que Leon salga al escenario, el espacio está completamente lleno. Es posible ver que algunos de los músicos comienzan a rondar por las piernas del escenario y a punto de empezar, un miembro del crew nos toma con discreción una foto que más tarde atestiguará nuestra presencia.

21.15hr Rico Allen (batería); Erskine Hawkins (sintetizadores/dirección musical); Kenny Wayne (guitarra); Andrew Skates (bajo); Brandon Thomas (guitarra); y Brittni Jessi (coros y percusión) ocupan sus lugares en el escenario, y tras una breve introducción Leon Bridges (guitarra y voz principal) aparece con su figura impecable de dandy arrancando una gran ovación que no se detendrá a lo largo de la noche.

“Smooth Sailin'” (Coming Home, 2015), es la primera en la lista y a la menor provocación todo el mundo se encuentra bailando, la emoción se desborda arrancando gritos agudos de la multitud que se come la música (acostumbrada a los altos decibeles de pronto el sonido me parece algo falto de potencia).

Sin decir palabra, la banda continúa con “Bet Ain’t Worth The Hand” y “Bad Bad News” ambas lanzadas como sencillos de Good Thing (material lanzado hace apenas unas semanas) y nuestra voz no se hace esperar.

Bridges recorre de un lado a otro el escenario, balanceando el cuerpo y ondulando su voz aterciopelada con un presencia tan magnética que es imposible quitarle los ojos de encima.

 De su primer álbum -Coming Home- editado en 2015 le siguen “Better Man” y el tema “Brown Skin Girl” cuya introducción en español -“Para mis morenitas”- hace que a más de alguna chica se le acelere el corazón. Bridges nos invita a cantar el puente y nuestras voces responden con agilidad y fuerza (sabes que será una gran noche cuando, a donde quiera que vaya la mirada hay alguien dibujando una sonrisa).

La ejecución de los músicos es precisa y es posible apreciar cada detalle con entereza. Se suman al set “Anna” y sus sonidos de soul setentero; la balada de acento sureño de “Beyond”; y “Shy” (Good Thing, 2018).

Algo que se agradece es sin duda, la complicidad constante de Bridges con nosotros–consideración de mucho peso en tiempos en los que algunos shows que pueden ser conceptualmente abrumadores y fríos-.

No hay mucho que analizar, la noche es ligera y simple: Nuestros cuerpos indistintamente se rinden al encanto de una figura completamente seductora que congela el tiempo y lo transporta a un lugar en donde moverse y gozar es lo único que importa. Me hace pensar en los sesentas, cuando el soul y el rock and roll rompían las barreras del color y sus distinciones en los salones de baile de Estados Unidos.

“Outta Line” , “Coming Home ” (Coming Home, 2015) y “Mrs” (Good Thing, 2018) se suman al set. ¿Recuerdan a la madre y al hijo que mencioné hace un rato? No han en toda la noche. Ella se ve radiante recordando sus tiempos de juventud, él la mira con felicidad haciendo a un lado generaciones que los separan.

Con “Lisa Sawyer” (Coming Home, 2015), Bridges rinde tributo a su propia madre y disminuye la velocidad del cuerpo solo para continuar con un bloque  compuesto por “If It Feels Good”, “Flowers” y  “Twistin' & Groovin' ”) que hace que el piso del Plaza se cimbre de tanto movimiento.

 Sabemos que el final se acerca al escuchar los acordes de “River” en la totalidad de nuestras voces se suman a un gospel que se hace acompañar tan solo por una guitarra Gibson de media caja.

El encore se compone de dos temas más “Pussy Footin’ ” y “Mississippi Kisses” en medio del total frenesí el sudor nos escurre chorreando las sonrisas, y despedimos a los músicos con un batir de palmas que parece interminable. Las luces se encienden y por unos minutos Leon se queda firmando fotos y boletos en el escenario. Son apenas las 22.35, afuera un viento tímido se hace presente. Volveremos temprano a casa.

A 20 años de 'Adore' de The Smashing Pumpkins

Que nada nos separe nunca.

"Lately, I just can't seem to believe, discard my friends to change the scenery.  It meant the world to hold a bruising faith, but now it's just a matter of grace. A summer storm graces all of me, highway warm sing silent poetry . And I could bring you the light and take you home into the night."
-"To Sheila"

Hola Sheila, tu arpegio inicial me sigue conmoviendo de la misma forma desde hace 20 años, the sky's cruel touch, calentamiento global, el futuro antes idealizado, lo que ahora son difusos recuerdos de estar frente a un anaquel y admirar la portada de Adore para rendirle honores a su legado oscuro. Hace tanto tiempo y aún me haces sentir.

Hasta ese momento y a pesar de las rupturas internas, The Smashing Pumpkins me daba a entender en una frase que siempre estarían conmigo: “we must never be apart”, y a pesar de la densa bruma que encierra “Ava Adore” a diferencia de la luminiscencia de la anterior melancolía infinita, cada letra y acorde embonarían perfecto con mi vida en aquel momento cual travesía adolescente en la preparatoria, cuando intentabas ser perfecto para alguien que como tú debía encontrar entre los libros, los ensayos, las ecuaciones y los planes a futuro, alguna pequeña razón para sonreír: amigos, amantes, cartas con tinta morada en hojas de colores dobladas de tal forma que encajaban con un encanto difuso, tímidas miradas, el acuerdo de verse a la salida, un beso torpe bajo la sombra de un árbol, jacarandas muertas en el pavimento: “Angel, you know it's not the end we'll always be good friends, the letters have been sent on”.

Daphne desciende en una espiral de extrañeza, de doloroso rechazo, porque también hay sueños rotos entre clases, niñas que nunca te harán caso, pero que a pesar de eso, un ánimo enfermizo de atención hace que les ayudes con sus análisis sobre textos de Franz Kafka. Piensas que “Once Upon a Time” musicaliza perfectamente tu idilio y la ilusión por caminar más allá  de las cuadras que separan a la escuela de tu transporte a casa con ella, a un palacio abandonado con una fuente de agua estancada, paredes a punto de caer cuál último adiós. Finalmente llegará la realidad, “Tear”, el dramatismo de Billy Corgan, James Iha invocando el duelo, D’Arcy cual Magdalena penitente con una mano en su rostro en lamento y otra en tu hombro cuando abatido figuras como todo se desintegra, “where is your heart run to?”.

“Crestfallen” como condición permanente: “who am I to need you when I’m down?”, hace 2 décadas, hace 4  meses, hay cosas que no cambian, solo duelen de diferente forma. Canciones que en su momento figuraron una extraña transformación de la banda, cambiando el filoso grunge por el mood gótico, el teñir de la gracia plena hacia la experimentación, el descubrir que los fans permanecen a pesar de la desgracia. Jonathan Melvoin como la víctima de las siniestras adicciones, Jimmy Chamberlin como daño colateral, la desconcentración y el hastío que llevarían a un final inevitable. Pero a pesar de las discordias la lírica siempre saldría triunfante, y las mismas cajas de ritmos que acompañarían a The Smashing Pumpkins como en sus primeros días volverían a ofrecer maravillas como “Appels + Oranjes” y “The Tale of Dusty and Pistol Pete”.

“For Martha” como dulce y entrañable réquiem para la madre de Billy Corgan, el amargo adiós que nunca esperaste vivir y que te cambió completamente la vida. Décadas seguirán pasando cual 17 segundos, el último track de Adore como ejercicio de compasión, paz, como recordatorio de que el amor es la energía detrás de todo lo creado, para recordar todo lo que es bueno, las heridas y el dolor, la fe, volver a creer en ti, resplandor, elevar una plegaria, 17 segundos es todo lo que necesitas.  

Conoce al nuevo integrante de Gorillaz

Seguramente notaste que Gorillaz sustituyó a Murdoc por alguien que fue parte de tu infancia.

Luego de que Gorillaz diera a conocer más detalles de The Now Now y los tracks “Lake Zurich” y "Humility", muchos integrantes del fandom se preguntaron: ¿qué ocurrió con Murdoc y por qué aparece otro personaje?

De acuerdo a la agrupación, Murdoc se encuentra en prisión y para sustituirlo se buscó a Ace, nada más y nada menos que el líder de La Banda Gangrena, conocido por la serie animada Las Chicas Superpoderosas transmitida hace algunos años.

"Con el cabello azul y un carisma dulce 2D se presenta como vocalista; la badass e inteligente japonesa Noodle se presenta en la guitarra; sin olvidar al filósofo nacido en Brooklyn Russel Hobbs en los tambores. Con Murdoc Niccals temporalmente indispuesto, las facultades de bajista en el disco han sido relegadas al antiguo líder de La Banda Gangrena, Ace", se lee en el newsletter que enviaron a sus fans.

Te dejamos el videoclip oficial de "Humility" para verlo con tus propios ojos y de paso cheques la participación de Jack Black.

Da clic en la portada para los detalles del próximo lanzamiento de la agrupación comandada por Damon Albarn y Jamie Hewlett.

The 1975 está de regreso

Foto Jack Caldwell

Mira algunos los detalles del siguiente disco de The 1975 y escucha su nueva canción.

Después de meses de rumores y declaraciones por parte de su líder Matt Healy, por fin el grupo termina con la incertidumbre de su tercer álbum de estudio, el tan esperado sucesor de I Like it When You Sleep, for You Are so Beautiful Yet so Unaware of It.

Lo nuevo de The 1975 llevará el nombre de A Brief Inquiry into Online Relationships, título que sorprendió por hacer referencia a las relaciones a distancia, pero también porque el grupo había declarado previamente que se llamaría Music For Cars. Este saldrá en el mes de octubre a través de los sellos discográficos Polydor y Dirty Hit Records.

También, se comentó en el programa que tiene Annie Mac la BBC Radio 1, que la agrupación tiene planeado revelar dos discos, uno este año y el otro en mayo del 2019, que se llamará Notes on a Conditional Form.

The 1975  ya compartió el primer sencillo promocional del disco, su primer estreno en dos años. La canción, "Give Yourself a Try", es bastante dinámica, con una caja de ritmos que recuerda a un space pop y con guitarras que bien podrían estar en un tema de garage rock. Sin duda es un track que pone las expectativas altas para el disco.

Puedes escuchar "Give Yourself a Try", y ver el video que dirigió Diane Martel, justo aquí:

Escucha lo nuevo de Tayrell

Foto cortesía de la banda

Luego de tener algunas presentaciones, Tayrell ha dado a conocer un track.

Seguramente ya has escuchado hablar de Tayrell, el dúo conformado por los hermanos Miguel y Hugo Galicia que la están rompiendo con su estilo en distintos festivales y que además están preparando su próximo LP debut titulado Shapes.

Siguiendo con su filosofía de no publicar nada hasta que no estén satisfechos han presentado como segundo sencillo el tema "Stop By", una canción de corte electro con un toque tropical y que cuenta con la colaboración con la australiana Your Girl Pho. Con este trabajo en conjunto buscan seguir dando de que hablar y tener un alcance más grande.

Escúchala a continuación:

Si no has escuchado sobre ellos te estás perdiendo de su estilo french house, funk y R&B que los ha llevado a tourear en festivales como Ceremonia y Vaiven.

Recordemos una de las declaraciones que nos regalaron cuando recién iniciaban su carrera luego de pertenecer a Affer, banda que tenía como integrantes a Girl Ultra y Wet Baes. “La verdad nos sorprendió la respuesta de la gente cuando subimos nuestro primer track en SoundCloud. Hemos tenido muy buena respuesta tanto nacional como internacional, tanta que muchos de los artistas que admiramos nos comenzaron a seguir, tales como Cezaire –Roche Musique–, Jensen SportagAnton BorinPakemColor KTora, entre otros”.

Yob comparte álbum

Un gran adelanto de lo que será el octavo álbum de estudio a cargo de Yob.

Después de cuatro años sin escuchar nuevo material de estudio por parte de la banda estadounidense Yob, ahora tenemos un gran adelanto de lo que conforma su octavo álbum Our Raw Heart, ya que la banda compartió a través de NPR First Listen todos y cada uno de los temas de lo conforman.

Our Raw Heart es un disco ecléctico que presenta la evolución de la banda a través de sus dos décadas de existencia. Este nuevo material es el sucesor del álbum Clearing the Path to Ascend, lanzado en el 2014, y será estrenado de manera oficial el próximo 8 de junio.

Durante una entrevista realizada por Cvlt Natión, Mike Scheidt, vocalista y guitarrista de la banda, habló predominantemente del concepto que él tiene acerca de la vida y la muerte, platicó también acerca de la cirugía a la que se sometió a principios del año pasado en contra de la diverticulitis aguda que padeció, siendo probablemente esta situación, una especie de inspiración para realizar el último álbum de Yob.

Our Raw Heart es un material colaborativo que cuenta con el trabajo de la misma banda y Billy Barnett en la producción y masterización dirigida por Heba Kadry, conocida por su trabajo con bandas como The Mars VoltaDiamanda Galas, Slowdive, entre otras.

Escucha el nuevo álbum aquí.

St. Vincent estrena sencillo

De manera oficial, St. Vincent estrena un sencillo que nos suena familiar.

El año pasado disfrutábamos uno de los discos más mediáticos del 2017, MASSEDUCTION a cargo de Annie Clark, mejor conocida como St. Vincent. Hoy, la artista estadounidense estrena una versión enérgica del penúltimo tema de éste álbum, "Slow Disco".

Esta nueva materialización es un tema que a más de uno le resulta familiar, ya que fue presentado al público durante la presentación de St. Vincent en la última edición de Coachella, dentro de un show que fácilmente nos recuerda al estilo de actuaciones en vivo de Nine Inch Nails o hasta Kraftwerk

La re edición de "Slow Disco" lleva curiosamente el nombre de "Fast Slow Disco" y en efecto es una canción más rítmica que la original, con un incesante beat y un intermitente ruido de sintetizador que atrapa desde el inició de la canción, un sonido más pop industrial a diferencia de la versión original que es una canción suave en la que predomina el acompañamiento melódico de cuerdas.

Por el momento St. Vincent no ha hablado acerca de planes para presentar un nuevo disco, siendo "Fast Slow Disco" un sencillo para consentir a sus fans.

Escucha la nueva versión de "Slow Disco" aquí.