Entrevista con Sol Oosel

Foto por Ana Montiel

Un nuevo comienzo.

“Me parece que al día de hoy Sol Oosel es mi aportación más trascendente. Me siento fluir y evolucionar. El lograr mostrarme más desapegado y con posturas emocionales más saludables, me parece una oportuna aportación”, dijo el cantante.

Gustavo Mauricio también conocido como "Catsup" es un personaje importante en la escena nacional, su paso por grupos como Zurdok, She's A Tease o Quiero Club le ha valido el cariño del público (y un bagaje envidiable), también es fundador del sello que nos ha regalado muchas alegrías, Happy-fi, además de haber explorado diferentes disciplinas alejadas de una banda. Ahora el músico inspecciona su interior para presentar su proyecto solista.

El deseo de cristalizar un concepto de estas características llevaba décadas en la cabeza del músico, mudarse a las montañas de Morelos fue decisión clave y ahora todo está listo para ser escuchado. “Se me fue revelando poco a poco. Quise producirlo calmado y sobre todo respetando a los ingenuamente llamados ‘accidentes’. Mi objetivo es hacer una obra que muestre cariño a uno mismo, así que llegó un punto en el cual la pregunta era: ‘¿Qué sientes?’, si se siente bien se queda, más allá de lo que uno piensa que funciona o no funciona. En cuestiones sónicas me encuentro fascinado con los sintetizadores modulares, mi guitarra jaguar, y el vintage reverb de Valhalla”.

Si bien ya había experimentado una etapa similar con Black Forest, ahora en esta nueva faceta los sonidos van de la música electrónica, hasta el rock and roll, atmósferas oscuras, pero con filo, al menos eso deja ver su primer sencillo “The Hills”, ya disponible en plataformas. Pero, ¿Cómo fue el proceso de creación?

“Ha sido un intenso ejercicio de introspección. De eso se trata el álbum. Las canciones son notas personales que me canto a mí mismo. El resultado ya lo siento. No tengo expectativas de la reacción del público, siempre resulta ser distinta a lo que uno es capaz de imaginar anteriormente. Así que aprendí a disfrutar la sorpresa. El público siempre ofrece algo oportuno de regreso”.

Foto Facebook de la banda.

Hasta ahora la primera dosis de su álbum Janus (próximo a salir), nos deja un gran sabor, parece una buena carta de presentación, y es lo suficiente para estar a la expectativa de su debut en el Festival NRMAL, acontecimiento que tiene al artista muy complacido.

“Me representa un privilegio. El Festival NRMAL me parece que tiene un grado subversivo muy oportuno. Es ridículo que otros festivales tengan como bandera de mercadotecnia tras bambalinas celebrar la división entre razas, lenguajes, clases sociales, y algunos más impertinentes hasta los géneros y preferencias sexuales”, expresó.

Y es que para el solista el valor del festival es muy grande. “Son bandidos que se aprovechan de las inseguridades sociales que nos hereda el milenio pasado. Los esfuerzos de semejantes festivales resultan patéticos, caducados, miedosos y lamentablemente peligrosos. La visión de NRMAL es una bendición. ¡Bienaventurados! ¡Enhorabuena!", finalizó.

Todos los ingredientes hacen que este sea un acto imperdible y un proyecto al cual no hay que perderle la pista. Sol Oosel promete y seguro cumplirá.

Simian Mobile Disco comparte "Hey Sister"

El tema es la continuación de "Caught In a Wave" de la trilogía audiovisual de Simian Mobile Disco.

El dúo inglés de música electrónica recién anunció el lanzamiento de un nuevo álbum, que estará bajo el nombre de Murmurations y saldrá el 11 de mayo vía Wichita Recordings, sucesor de Welcome to Sideways en 2016. La nueva producción discográfica incluirá esta canción como su segundo sencillo.

Kiani Del Valle fue el director y coreógrafo del escalofriante video surrealista de Simian Mobile Disco, secuela de "Caught In a Wave". En una narrativa audiovisual Kiani cuenta una profunda historia sobre los estados de la persona.

Para "Hey Sister" el director comentó. "Quería crear una alegoría abstracta para las batallas personales de anhelo / búsqueda. Las secuencias coreográficas exploran la perseverancia, el fracaso y las fuerzas magnéticas externas y muestran así el viaje emocional de nuestro personaje femenino principal ". Agregó también. "Imaginé la letra de la canción como voces que llaman a nuestro personaje principal a "acercarse" o ir más allá por este camino desconocido ".

En la letra del tema de Simian Mobile Disco se pueden escuchar aquellas voces diciendo: "Oye hermana, ¿has venido un poco más cerca?". En la última escena aquel ser blanco misterioso le entrega una carta con la leyenda: "No te quedes tan cerca del borde".

¿Qué será lo que nos espera en el cierre de la historia? Será cuestión de esperar pero por ahora te compartimos "Hey Sister",  la continuación de esta lúgubre creación musical llena de intriga.

Camilo Séptimo estrena nuevo video

Foto Cortesía de la banda

Hoy se lanza por medio del canal de YouTube de Camilo Séptimo el audiovisual de "No te puedo olvidar".

La banda conformada por Manuel Mendoza (voz y bajo), Jonathan Meléndez (teclados) y Erik Vásquez (guitarra) ha tenido buena respuesta del público desde su formación en 2013, presentando en 2017 su primer LP titulado Óleos, del cual vienen sencillos como "Ser Humano", "Eres" y "Neón".

Manuel "Coe" Mendoza es el compositor de casi todas las letras y expresó la esencia del disco con estas palabras: "'Óleos' es una representación viva de los sentimientos y emociones que afloran en los humanos. Es un punto de encuentro entre lo visible y lo invisible".

El grupo ahora trabaja en el sexto single del álbum, que lleva de nombre "No te puedo olvidar", el clip se estrenará por medio del canal de YouTube de Camilo Séptimo.

La canción describe lo difícil que es desprenderse de los recuerdos del pasado, como nos quedamos encadenados a ideas y momentos antiguos que no nos permiten avanzar, nos detienen el hoy para llevarnos al ayer.

“Miraremos a la última estrella, así nos conectaremos... Te llevo conmigo en la piel y duele tanto" Son extractos de lo que veremos plasmado en el video de Camilo Séptimo con un sensual enfoque que permite describir el momento donde no existe la ausencia, sólo ese instante eterno.

Los melódicos beats de la canción y el seductor tono de la voz de Manuel "Coe" Mendoza crean una mezcla que permite dejar viajar la mente al baúl de recuerdos y traer el pasado de vuelta para recordar y volver a vivir de lo que ya fue.

 

 

PLAYLIST: Día Internacional de la Mujer #GrrrlPowerIR

Te compartimos una selección musical de mujeres que destacan por su talento, poder y fuerza en el escenario.

Sí, es un día oficial en el calendario, pero realmente nosotros lo utilizamos de pretexto para elegir 50 canciones de esas exponentes que ponen en alto el nombre de la música no solo en una ocasión, sino en ¡toda su trayectoria!

Es importante recalcar más allá de su condición natural de mujer, el hecho de que son músicos, escritoras, productoras, líderes, y muchas otras cosas que no han logrado por su sexo, sino por su talento.

Entonces nos unimos a conmemorar el #DíaInternacionalDeLaMujer con la finalidad de enaltecer a estas artistas que con letras de amor, desamor, ira, tristeza, política, drogas, o cualquier tema del que quieran hablar (¡porque pueden!), nos hacen sentir algo en el corazón.

Latinas, europeas, estadounidenses y mexicanas como María Rodríguez, Le Tigre, Amy Winehouse, Yeah Yeah Yeahs, Aretha FranklinM.I.A., No Doubt, Hole, Bif Naked, Veruca Salt, Garbage, Solange, PeachesThe Long Blondes, Electrocute, Vivian Girls, The Distillers, Lana Del Rey, Dum Dum Girls, Santigold, The Donnas, Björk y muchas más... ¡para todo gusto hay! Disfruta nuestra playlist y goza la existencia de la mujer, respetándola DIARIAMENTE #GRRLPOWER

The Cranberries publicará disco y reedición de su debut

La banda confirmó que "terminarán lo que comenzaron" a pesar de la pérdida de la vocalista de The Cranberries.

El 15 de enero tuvimos la amarga noticia de Dolores O'Riordan, que había sido encontrada sin vida en un hotel de Londres. No se dieron las causas del fallecimiento, pues la policía aclaró que no podía revelar los detalles hasta mínimo abril por lo que el hecho no parece ser no sospechoso.

Sin embargo, antes de partir Dolores dejó un último aliento para The Cranberries que saldrá a la luz en 2019. De acuerdo con lo expuesto por Noel Hogan (guitarra)Mike Hogan (bajo) y Fergal Lawler (batería) a través de Facebook, la banda sacará otro álbum de estudio y lanzará la reedición del de 1993 para finales de año.

Este mes se cumpliría el 25º aniversario de Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We?, su disco debut. Y antes del adiós de O'Riordan la banda se encontraba trabajando desde el verano pasado en una edición especial para la remasterización de su LP que se lanzaría en estas fecha vía Universal Music, pero con lo sucedido tuvieron que dejar todo en pausa. Aunque esto no se quedó así ya que ayer compartieron en Facebook un comunicado sobre lo que sucederá con el material.

"Después de mucha consideración, hemos decidido terminar lo que comenzamos. Pensamos en ello y decidimos que como esto es algo que comenzamos como banda, con Dolores, deberíamos seguir adelante y terminarlo. Así que ese es el plan".

"También terminaremos la grabación de un nuevo álbum de estudio como se anunció previamente, que también comenzamos el año pasado y para el cual Dolores ya había grabado la voz".

El álbum remasterizado se pretende tener para finales de 2018 mientras que el nuevo disco para principios de 2019.

En lo que llega el nuevo material, recordemos un poco de The Cranberries con un clásico de sus inicios.

Pussy Riot estrena sencillo: "Bad Apples"

El colectivo ruso de punk rock feminista colaboró con Dave Sitek para su nuevo tema.

Hablar de Pussy Riot siempre será algo sobresaliente. Su lucha contra injusticias políticas en su natal Rusia, ha colocado a sus integrantes en el ojo del huracán. Además, la batalla que iniciaron para defender los derechos de las mujeres, ha sido aplaudido por gran parte del mundo. Convirtiendo su nombre en un símbolo de lucha y rebeldía feminista.

Ahora, en el marco del Día Internacional de la Mujer, Pussy Riot estrena "Bad Apples". El sencillo, es una combinación entre acordes punk y tambores de rap, además de tener en su letra un trasfondo de denuncia. La banda trabajó con Dave Sitek, miembro de TV on the Radio, y quien previamente ha producido música para proyectos como Yeah Yeah Yeahs, Liars y Foals.

Los tambores que suenan como un loop continúo, se entrelazan con fuerza a la guitarra eléctrica distorsionada, mientras el grupo canta amenazas dirigidas a "policías asesinos" y otros que están "borrachos de poder". Pussy Riot lanzó su canción junto con una declaración que sirve como un llamado a la acción. "Espero que no te guste nuestra nueva canción, ya que está dedicada a cosas realmente repugnantes", escribió la banda. "Espero que lo apagues, salgas y actúes". Escucha "Bad Apples":

En el video dirigido por Matt Creed para la canción, la líder de Pussy Riot, Nadia Tolokonnikova, da vida al concepto de la canción cortando manzanas con un cuchillo de cocina y llenando las rebanadas con los dedos ensangrentados. El proyecto empezará su primer gira por Norte América este mes, donde además de recorrer Estados Unidos, tiene confirmada una fecha para México en la próxima edición de Vive Latino. Sin duda, uno de los shows imperdibles del festival.

TOP 10: Mujeres en el escenario

Fotografías Archivo Indie Rocks!

Roma no se hizo en un día, las mujeres tampoco.

En el arte, la mujer se considera la musa y la base exquisita de grandes obras; el cuerpo femenino ha sido el actor intelectual de pecados pasionales y obras únicas se han inspirado por el simple perfume de una dama cruzando por la calle. Así como suena, pareciera que el género femenino está puesto en un pedestal de cristal, custodiado como un tesoro invaluable; sin embargo, la realidad es otra y aunque ahora vemos una igualdad disfrazada en la sociedad, la situación no ha cambiado mucho.

A través de los años, algunas mujeres se han enfrentado a los altos mandos y han servido como lideresas de un movimiento que crece cada vez más. Para conmemorar el Día Internacional de la Mujer, les presentamos este top 10 de las presentaciones más memorables, según mi opinión, de mujeres poderosas que dejaron un buen sabor de boca con sus presentaciones y, de paso, grabaron grandes momentos en nuestra memoria, ¿Cuáles agregarían? ¿Cuáles quitarían?.

Grrrl Noise, Auditorio BlackBerry (2018)

Comenzamos con este festival hecho por mujeres y para mujeres, justo en el marco de este día tan especial para el género femenino: Grrrl Noise, que contó con mujeres talentosas vigentes como el cuarteto de Los Ángeles Warpaint, la mexa Girl Ultra, los hermanos Sotomayor liderados por Paulina, la banda emergente Best Coast y la experimentada Cat Power. Este evento se formó parte del primer fin de semana de actividades de los dos que tendrá el Women’s Weekend Citibanamex y albergó a casi 3,000 espectadores, que pacientes corearon a sus artistas favoritas.

Ceremonia 17, Foro Pegaso (2017)

Si pudiéramos calificar con una sola palabra lo que fue este festival sería sorprendente, pues desde que el cartel se anunció, vimos que grandes monstruos de los escenarios como Nicolas Jaar, M.I.A., James Blake y la propia Björk estarían en Toluca; la cosa parecía un sueño, que más tarde se convertiría en pesadilla. El relato después de la cancelación, por razones ajenas a los organizadores, era que el Centro Dinámico Pegaso no debía albergar más este festival; pero el hashtag horas después cambió a #CeremoniaenDomingo y por única ocasión, estos grandes talentos se presentaron en domingo; el día del Señor fue una locura y destacamos el show que la islandesa brindó, para dejar uno de los momentos más memorables en la quinta edición de Ceremonia.

Julieta Venegas, Teatro Metropólitan (2016)

Este majestuoso recinto ha albergado grandes presentaciones que hemos podido relatar en Indie Rocks! y en septiembre del año 2016, Julieta Venegas ofreció una presentación emotiva, llena de nostalgia por su material de antaño y agregó todos los ingredientes para hacerla inolvidable. Pocos días habían pasado después de la muerte de Juan Gabriel, y esta fue una buena oportunidad para hacerle un pequeño homenaje por parte de la Tijuanense. Con un recinto pletórico, la cantante se adueñó de su clásico acordeón y derrochó con sus éxitos y los temas de Algo sucede; su hija Simone y su sobrina subieron junto con otros pequeños a bailar con ella para el cierre de aquel concierto destacable.

Corona Capital 2016, Autódromo Hermanos Rodríguez (2016)

El 2016 fue un año lleno de caos total en el mundo; con crisis políticas generadas por la ola naranja del bronceado de Donald Trump y la separación de Gran Bretaña del continente europeo, la cosa parecía incontrolable. La música irremediablemente se empapa de cultura y el Corona Capital 2016 tenía esos tintes en su cartel; los artistas que se presentarían son grandes talentos que dejan con la boca abierta por su ostento frente al público. En aquella ocasión, artistas como LCD Soundsystem, la niña fresa del alternativo Lana Del Rey, la canadiense Grimes y uno de los nuevos, Bleached, hicieron sus apariciones bajo una tormenta eléctrica, que amenazaba con poner fin a la noche que terminó siendo mágica.

Francisca Valenzuela, Lunario del Auditorio Nacional (2014)

La cantante, escritora e instrumentista chilena promocionaba en Latam el tour de su tercera producción discográfica Tajo Abierto, un disco que habla de lo corpóreo y por momentos pareciese escrito por un cirujano; recordemos que Valenzuela se crió en la casa de padres estudiosos y que ella estaba rodeada de libros y música desde su infancia. Para su primera presentación en el Lunario, la nacida en San Francisco se enfundó en un look andrógino, usando un traje negro que, al paso de la noche fue perdiendo con sensualidad, hasta dejarla en una blusa blanca y pantalón negro simplista. Ese show tuvo como invitados a Los Bunkers, así como Ximena Sariñana y la argentina Daniela Spalla.

Ruidosa Fest, Centro Cultural de España en México (2016)

Continuando con la relevancia de Francisca Valenzuela en el movimiento feminista en la música, hablamos del festival de su autoría que en el 2016 llegó por primera vez a México; ese fue el Festival Ruidosa, que ofreció no solo los conciertos de grandes exponentes del género alternativo como Ximena Sariñana, Vanessa Zamora, Daniela Spalla, Planta Carnívora, Le Butcherettes y la propia Valenzuela, sino que contó también con paneles de discusión sobre el papel de las mujeres en la industria con Jessy Bulbo, Teri Gender Bender, Mon Laferte y ejecutivas como Olga Straffon de Arts & Crafts.

Descartes A Kant, Teatro de la Ciudad (2017)

Los ecos de la visita de Foo Fighters y Green Day todavía recorrían la CDMX; sin embargo, días después presencié uno de los conciertos mejor elaborados, que fue el de las Dolls de Jalisco. A principios de ese mismo año, la agrupación se había presentado en el Foro Indie Rocks! como parte del exitoso Circuito Indio, el cual apoyó a artistas emergentes a presentarse en los venues más importantes de ciudades como Pachuca, Toluca, Cuernavaca, entre otros. Para este show en el Teatro de la Ciudad, Descartes A Kant elaboró un concierto teatral con corte psicodélico, lleno de amor confuso y, aunque fue una presentación íntima, los asistentes las despidieron de pie.

Garbage & Blondie, Palacio de los Deportes (2017)

En agosto de ese año, dos agrupaciones con gran trayectoria y renombre en la escena del rock internacional decidieron hacer una sola presentación homogénea en el Rage and Rapture Tour, que los llevaría a presentarse en el Domo de Cobre y hacer un show inolvidable. Con una producción sobrada, el show tuvo visuales en exceso y las voces de Shirley Manson y Debbie Harry se compaginaron para crear una noche llena de nostalgia. Aquella noche, la gira del Rage and Rapture Tour llegó a su fin, por lo que ambas bandas coronaron estos gigs con presentaciones entrañables.

Björk, Auditorio Nacional (2017)

Comenzamos esta lista con aquel festival en el que la islandesa Björk se presentó en el 2017, cuya organización accidentada estuvo a nada de privar a los asistentes al Centro Dinámico Pegaso de una noche muy especial. Sin embargo, días antes de esta fatídica noche, esta maestra del arte visual nos brindó, en el Coloso de Reforma, una presentación que quedó solamente en el recuerdo. Y es que a pesar de vivir en la era de la tecnología, la cantante hizo el pedido expreso de prohibir los teléfonos celulares durante el concierto, para evitar desconcentrarse y desconcentrar a los demás tomando fotos o haciendo notas; en el escenario ella fue perfecta y cual TOC, cuido cada detalle para ofrecer no solo un concierto, sino una experiencia completa.

Natalia Lafourcade, Auditorio Nacional (2015)

Este recinto ha contado con grandes exponentes en su haber y la veracruzana Natalia Lafourcade vio, en el 2015, como la gloria estaba cerca, al abarrotar el recinto más importante de México en más de una ocasión, como parte de la promoción del multipremiado Hasta La Raíz, que la hiciera acreedora del Latín Grammy y me diera una satisfacción más a su trayectoria. Aquella noche, la talentosa cantante interpretó casi 30 canciones, incluidos sus más grandes éxitos y no se cansó de agradecer al público la calidez que le dieron. Con lágrimas en los ojos, se despidió y prometió enaltecer el nombre de México.

Belle and Sebastian — How to Solve Our Human Problems

Pienso, no desisto: la trilogía de Belle and Sebastian.

 

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How to Solve Our Human Problems, Pt. 1

La longevidad en la música está infravalorada; los grandes artistas en activo que comenzaron sus proyectos en el milenio pasado son reconocidos por su popularidad en sus campos. Por extraño que parezca, la banda indie pop Belle and Sebastian inició su aventura musical en 1996 y no muchos han oído hablar de ellos; su nombre deriva del libro francés para niños Belle et Sébastien y, a pesar de tener casi diez discos editados, siguen teniendo un estatus underground, sin el reconocimiento con el público reflejado en popularidad.

A finales del año pasado, lanzaron la primera parte de la trilogía de EPs How to Solve Our Human Problems, que son más un LP lanzado en tres pequeños canapés y cuya entidad estará completa el próximo 16 de febrero. Los 15 tracks están divididos en partes iguales y se lanzarán en diciembre, enero y febrero respectivamente; la razón, comenta el propio Stuart Murdock. “Es una manera de ayudar al público a digerir el material, a mantenerlos expectantes y no olvidarlo después de solo unos días”, una estrategia que parece estar funcionando.

Esta parte 1 fue lanzada el pasado 8 de diciembre y el primer sencillo es “We Were Beautiful”, una canción simple con cambios abruptos de ritmo que van y vienen; la que abre el disco de corta duración es “Sweet Dee Lee”, un track que, en seis minutos y medio, nos regala una melodía pausada y muy setentera, que trae de vuelta el sonido cómodo de The Beatles y expone los ritmos sintéticos in crescendo, para brindar un final inesperado. Complementan esta primera parte “The Girl Doesn’t Get It”, la balada “Fickle Season” y “Everything Is Now”, cuya versión instrumental tiene una secuela con lírica en la parte 3.

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 How to Solve Our Human Problems, Pt. 2

Con el albores del 2018, llegó la segunda parte de este compilado; la quincena de temas fue creada en seis estudios de grabación distintos y les tomó cerca de 18 meses para gestarse en su totalidad. Durante el proceso creativo de How to Solve Our Human Problems, el vocalista y líder de la banda Stuart Murdoch, experimentó el nacimiento de su primogénito y, algunas de estas canciones tienen los tintes de dicho periodo; este lapso de tiempo estuvo marcado por la paz y la tranquilidad, el proceso creativo tuvo distinciones y se eligió la naturalidad y la fluidez que la inspiración marcó en este ciclo.

El nombre de la trilogía de EPs vino del libro del monje budista Geste Kelsang Gyatso; el escrito, que tiene el mismo nombre que este álbum, fue la inspiración para Murdoch, quien encontró en este texto la respuesta a todas sus dudas existenciales. La obra amplía los conceptos básicos de la espiritualidad humana y las emociones modernas, temática principal que, de manera casi accidental, se nota en los EPs de la banda originaria de Glasgow.

Recién vista la luz apenas el pasado 19 de enero, esta secuela contiene cinco temas misteriosos que contienen momentos inesperados, como la colaboración vocal de la violinista de la banda Sarah Martin en “The Same Star”, la extravagante “Cornflakes” como antesala de “A Plague On Other Boys” y la destacada de esta segunda parte “I’ll Be Your Pilot”; dicha historia cuenta que este track tuvo como inspiración a la famosa obra del francés Antoine de Saint-Exupéry, El Principito, y está dedicada al vástago de Stuart Murdoch; la que abre esta segunda parte del compilado es la alegre “Show Me The Sun”.

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How to Solve Our Human Problems, Pt. 3

La tercera y última parte del disco comenzó a circular en el mercado el 16 de febrero y cuenta con cinco temas que muestran introspección de la banda y, sobre todo, de Murdoch en esta nueva etapa. La temática de las canciones sigue siendo la misma, la cohesión entre los tracks se genera por el folk acústico que caracteriza a los británicos y conocemos, por fin, la segunda parte de “Everything Is Now”, cuya versión instrumental se presentó en la parte 1 de How to Solve Our Human Problems.

El primer tema en este lanzamiento es “Poor Boy”, un tema cuya constante es la filosofía de la interconexión personal como camino obligatorio a la felicidad; “Everything Is Now (Part Two)” es la canción que define al álbum y es considerada la más representativa, aunque parezca nunca tener fin. En “Too Many Tears” el ritmo es pausado, “There Is An Everlasting Song” da el preludio para “Best Friend”, que muestra la colaboración de Murdoch con Carla Easton.

Lo interesante del mundo al que se enfrentó Stuart Murdoch es que logró plasmarlo en la quincena de tracks mono temáticos; el arte de este álbum incluyó a los fans que acudieron a la convocatoria que la agrupación hizo en Londres, para la cual aparecieron 80 seguidores de la banda, quienes formaron parte de la portada y el diseño basado en How to Solve Our Human Problems, Pt. 3.

Discwoman: Beats femeninos

Foto Erez Avissar/ Weird Magic

Foto Facebook Discwoman

Potentes y sin miedo.

La feminidad es una cualidad casi siempre relacionada con lo físico y que deja un poco de lado las características psicológicas o morales. En estas épocas en que los conceptos son un poco extremistas, los valores y la naturaleza de una mujer –muchas veces– refieren a lo delicado y sexy. Me parece importante empezar a ser incluyente y que una mujer pueda ser sexy y delicada, pero exitosa y decidida, que sea tomada en cuenta en campos que en algún momento fueron exclusivos de los hombres sin perder su identidad femenina y llena de coquetería, ya sea en la oficina, en la política o en la música, por mencionar algunas áreas.

Y llegaron…

Discwoman es una plataforma y agencia de booking con base en Nueva York y fundada por Frankie Hutchinson, Emma Burgess-Olson y Christine Tran. Tiene el objetivo de reunir y dar espacio al talento femenino en la música electrónica.

Este colectivo es relativamente nuevo, pero con una base muy sólida e ideas firmes. Empezó en septiembre del 2014 con un festival de dos días en el Bossa Nova Civic Club en Brooklyn, con un gran cartel que buscaba empoderar a las mujeres dejándoles el mando para llevar la corriente de muchas horas de beats.

A lo largo de este casi año y medio de trabajo, el proyecto ha recorrido 10 ciudades y ha logrado sumar un increíble historial de 160 mujeres que tienen el fin de hacer bailar al público por todo el mundo. Discwoman tiene en su  catálogo oficial a Volvox, Umfang, Bearcat y HD, exponentes que han paseado por lugares como Philadelphia, Puerto Rico, Boston y Toronto, y que en este 2016, llegaron a la Ciudad de México.

Foto Erez Avissar/ Weird Magic

“Mexican” chicas

La primera fiesta de Discwoman en la Ciudad de México duró dos días y llegó gracias a la iniciativa de Derré Tidá y Mucha Muchacha. La primera fecha, el 8 de enero, empezó con un par de workshops con entraba libre en el Hotel 333, ubicado en la colonia Roma, donde EsamiPau y Demian Licht compartieron un poco sobre CDjs y producción, para dejar que el día avanzara sin darse cuenta de que la primera fiesta llegaba.

Después, entrando a Salón Paraíso Tropical, un lugar en el Centro Histórico, ya todo era lassers, mosaicos bicolor y una atmósfera oscura, pero con mucha energía. Así empezó el festejo con talento nacional, en el que la primera en aparecer fue Janice, quien forma parte de Zombies in Miami, después siguieron Ninna Sonik y Demian Licht, para dar paso al talento internacional, y posterior al turno de Umfang llegó la cabeza de la noche The Black Madonna, quien llevó la noche al punto más alto para ceder la energía a Volvox y terminar un momento de intercambio de vibras inundadas de techno, con un ambiente femenino que ayudaba a que todos nos sintiéramos cómodos, a que todo fluyera y se moviera a un mismo ritmo con aires de estar todos en el mismo mood y explotar en la misma sintonía.

El segundo día fue un ambiente tempranero, en un lugar al aire libre entre mesas de madera, plantas y foquitos que iban destacando conforme avanzaba la tarde. Esta etapa iba un poco más hacia lo tropical, con Puma abriendo el escenario como marco perfecto para recuperarse de la noche anterior, para luego pasar la estafeta a EsamiPau, quien se ha convertido en una de las representantes más importantes de la escena electrónica-tropical nacional, y que al final abrió camino al segundo combo de invitadas internacionales: HD, Bearcat y Riobamba.

#GirlPower

Tras venir a México y dejar esa marca tan fuerte de lo que un colectivo femenino necesita y quiere, podemos darnos cuenta de que las integrantes de Discwoman han formado un equipo que busca quitar etiquetas negativas en cuanto al mundo feminista, y que, asimismo, intenta dar lugar a mujeres que son madres, profesionistas o amas de casa, pero que pueden, de la misma manera, estar interesadas por la tecnología, los sintetizadores, los sonidos y la fiesta.

Sin duda Discwoman es una plataforma que abre el panorama y demuestra cómo va tomando fuerza el #girlpower en nuestro país.

Visita el proyecto en:

Facebook / Twitter / Página oficial

 

Entrevista con Gaby Moreno

Foto Facebook Gaby Moreno

Una artista completa.

Gaby Moreno es una cantante y compositora guatemalteca, cuyo estilo musical trata de cambiar el panorama de la escena musical latinoamericana uniendo su influencia del jazz, soul y blues, con estilos como el bolero, la balada y el pop. Su talento la ha llevado a colaborar con artistas como Hugh Laurie y Jonny P; estar de gira con Tracy Chapman, Ani DiFranco y Calexico, así como ganar un Grammy Latino a Mejor Nuevo Artista. Gaby Moreno regresó a nuestro país –después de un exitoso concierto en el Lunario del Auditorio Nacional– para presentarse junto a otros magníficos músicos en Celebrating David Bowie, en lo que fue algo nunca antes visto en México.

El amor por la música venía en las venas de Gaby Moreno. Según me contó. “Desde pequeña comencé a cantar, al menos así me cuenta mi mamá, que me escuchaba cantar todo el tiempo y en Guatemala comencé a cantar profesionalmente desde los nueve años. Siempre he tenido esa inquietud por estar en un escenario, me sentía cómoda cantando a un público, entonces le decía a mi mamá ‘cuando sea grande quiero ser cantante’”. Su estilo musical se ha ido formando desde que era pequeña cuando. “Por las calles de Nueva York vi a una señora cantando un género que nunca en mi vida había escuchado y que en verdad me cautivó, le pregunté qué música era y me dijo blues. Le dije a mi mamá que me llevara a una tienda de discos, y en Guatemala me encerraba en mi cuarto y me ponía a escucharlos horas y horas”. De esta manera la música de artistas jazz como Billie Holiday, Ella Fitzgerald, rock de los sesenta como The Beatles, música de Latinoamérica que se hacia en los años 30 y 40, como el trío Los Panchos y Chavela Vargas. “Resulta en mi estilo, cuando creo mi propia música trato que tenga un poquito de esos elementos”, confesó.

Con su disco Ilusión, la cantautora trabajó con el productor Gabe Roth. “Lo elegí porque él usa un equipo analógico. Lo que hice fue grabar todo en vivo, no hubo ediciones, ni correcciones, por eso me parece un disco muy honesto y real. Hay mucho espacio, las canciones no están tan agrupadas, definitivamente lo hace muy distinto a [mi disco] anterior Postales. Hay algunos errores que tal vez solo si eres músico escuchas, lo más importante para mí era que el sentimiento y la emoción de la canción hablarán por sí mismo”, comentó. Este álbum la llevó a estar nominada en los Grammy americanos, por Mejor Disco Pop Latino y ganar un Grammy Latino a Mejor Nuevo Artista, sobre su experiencia nos dijo. “Fue un momento muy surreal para mí, porque es algo que desde pequeña uno desea, tener ese tipo de reconocimientos. Representó algo increíble para mi carrera, es una motivación para seguir adelante trabajando duro y también representa un poco de presión para seguir poniéndole todo el empeño a tu trabajo”.

Foto Facebook Gaby Moreno

David Bowie es uno de las mayores influencias de Gaby Montero –“Fue algo impresionante para mí poder descubrir toda su música y me inspiró mucho a la hora de componer mis temas”–, por lo que pertenecer a Celebrating David Bowie le llena de  mucho orgullo. De acuerdo con Moreno todo comenzó en enero de 2016, unas semanas después de que falleciera David Bowie. "un amigo músico de Los Angeles me llamó para que me uniera a un concierto que estaba organizando para rendirle tributo [a David Bowie], se reunieron muchos artistas locales de Los Angeles, pero también llegaron algunos más reconocidos; el cantante Seal, el actor Gary Oldman, y se convirtió en un concierto muy especial, generó mucho interés para hacerlo nuevamente, fuimos a San Francisco al mes, luego fuimos a Londres, a Tokio, a Sidney”.

Celebrating David Bowie aclaró. “No es un tributo, porque es con los músicos originales de David Bowie, es algo sumamente especial el poder revivir su música tal cual se escuchaba en vivo con músicos de distintas fases de su carrera. Por ejemplo, el pianista Mike Garson estuvo con él desde el disco de Aladdin Sane, desde el primer concierto que David Bowie dio en Estados Unidos, hasta el último”. La intérprete es la única latina dentro de este proyecto, al respecto señaló. “Es muy bonito poder decir que soy la única latina, sino también la única mujer que está en la banda, estoy cantando junto a estos músicos maravillosos, y junto a cantantes que admiro mucho, viene el corista de The Rolling Stones, Bernard Fowler; Joe Sumner, el hijo de Sting, y pues se siente muy lindo el poder ser parte de esta celebración”.

La importancia de un artista no solo radica en su talento, creatividad y capacidad de estar renovándose; sino también en su calidad humana. Gaby Moreno es un ejemplo de esto, ha realizado dos campañas con la organización PETA. “La primera fue para pedirle a la gente que no compre mascotas, sino que las adopte, debido a la sobrepoblación de perros y gatos, más en nuestros países en Latinoamérica. La segunda campaña era para promover el veganismo, yo soy vegana no solo mejora mi salud, sino también para poder aportar al medio ambiente”, explicó. Así mismo participó con un cover de la canción “Smiles”, original de Charles Chaplin, para el documental The Cove. De acuerdo con la cantante. “En el momento en el que sale la canción, están explicando la sonrisa que parecen tener los delfines, y es muy lindo pero a la vez muy triste, porque esos delfines están en cautiverio y  por dentro están destrozados. Ver el documental me hizo cambiar mi perspectiva hacia los parques acuáticos, te hace ver que lo que tú creías tan inocente, es algo muy malo que le hacen a los animales”. Y agregó. “Con la música puedes hacer llegar tantos mensajes, que para mí es una dicha decir que a través de la música pueda cambiar la manera de pensar de alguien para el bien”.

“Estoy por lanzar un nuevo disco este año, lo que te puedo adelantar es que es un disco hecho con arreglos para orquesta sinfónica y es algo totalmente ambicioso, nunca antes había hecho un proyecto así y estoy muy emocionada de lanzarlo y que la gente lo pueda escuchar”, concluyó.