Luz y Fuerza del Centro está de estreno con “Sigue al Humo”

Posted on septiembre 6, 2021 by -

Y tú sabes ¿qué hay al final de tanto humo?

Tras la publicación de su álbum debut homónimo en 2019, Tito Txmx y Pepe Luxbel han continuado escribiendo nuevas rolas que pronto podrás escuchar en Grimorio Negro, su nuevo álbum que prevé llegar a finales de este 2021. Mientras eso sucede Luz y Fuerza del Centro comparte un desgarrador track que te va a erizar la piel en el primer segundo en el que lo escuches.

Se trata de “Sigue al Humo”, una rola casi instrumental de más de cuatro minutos que se caracteriza por un sonido estridente y unos riffs potentes que se complementan con esta caótica y reflexiva lírica que se centra en el cuestionamiento de ese humo que habita en nuestra cabeza. A veces es difícil lograr que se dispersen tantas cuestiones, toma su tiempo, pero todo es posible. Es momento de que pases a disfrutar el video dirigido, producido, animado y editado por Pepe Luxbél / El Frilancer:

"Sigue Al Humo" continúa a la publicación de “Quiero Morir”, “La Bestia” y "Mi Cicatriz", temas que también formarán parte de esta nueva larga duración que promete mantener esta simbología cósmica que tanto define a la banda con sus particulares vivencias y desdichas que simpatizan con su público escucha.

No olvides estar al pendiente de los detalles referentes a lo más nuevo de Luz y Fuerza del Centro a través de Indie Rocks!

Kanye West — Donda

Posted on septiembre 6, 2021 by -

Kanye West y la última batalla por el culto a la personalidad.

A principios de 2021 y bajo la coyuntura del espectáculo de medio tiempo del Super Bowl a cargo de The Weeknd, la organización de medios de comunicación NPR MUSIC coordinó un estudio que pretendía analizar hábitos de consumo de adolescentes y jóvenes entre los 12 y los 20 años. El diseño del experimento fue el siguiente: tomar el número de reproducciones generadas por la audiencia casual (o sea, personas que no pertenecen a la industria musical ni a algún fandom en particular) y contrastarlas con sus búsquedas en Internet relacionadas con la música; el resultado fue, en palabras de Bob Boilen –titular del espacio All Songs Considered en NPR- sorprendente: el grupo seleccionado mostró poco interés por conocer datos sobre la identidad y la vida personal de los artistas que interpretan sus canciones favoritas; por lo que concentran su atención en la experiencia despersonalizada de la escucha; es decir: no importa quién la canta o cuál es la historia detrás de ella, solo importa que la puedan escuchar con sus amigos. 

Por otro lado, en 2020, el proyecto Hip Hop By The Numbers, especializado en el análisis estadístico de todo lo que tenga relación con dicho género, lanzó una encuesta para preguntar a sus seguidores por el número de veces que habían escuchado de principio a fin el álbum My Beautiful Twisted Dark Fantasy. El resultado de este ejercicio también fue sorprendente: un 42% de su audiencia entre los 15 y los 25 años aceptó jamás haber escuchado el disco en su orden canónico. La elección no fue aleatoria: además de ser una de las producciones que recibió mayor reconocimiento por la prensa especializada durante la última década, también es el tema que más interacciones les genera en sus redes sociales. 

¿Cuál es el vínculo entre esos dos experimentos aparentemente aislados?

Kanye West. Y no sólo por la manera en que su ente mediático contradice una tendencia de consumo, sino también por lo que representa esa ruptura para la opinión pública: tratándose de Ye, su figura como artista, diseñador o socialité está totalmente rebasada por la discusión que genera. Lo que digamos de su persona –sea bueno o malo- es más grande que él mismo. 

Al ser lecturas tan regionales y sesgadas, podemos intuir que ni NPR ni Hip Hop By The Numbers arrojaron verdades irrefutables; sin embargo, sí pueden darnos un panorama de lo que puede significar un nuevo disco de Kanye West en 2021: el último bastión masivo del culto a la personalidad. 

 Y así llegó DONDA, su décimo álbum de estudio: después de una campaña maratónica que incluyó listening parties multitudinarias en estadios Atlanta y Chicago, sus típicas promesas incumplidas, mercancía diseñada por el director creativo de Balenciaga, apariciones polémicas de personajes sumamente cuestionables y a él –literalmente- en llamas.

Heaven & Hell

DONDA encuentra a Kanye en un momento muy similar al que vivía cuando lanzó My Beautiful Twisted Dark Fantasy: en aquella época, cancelado por el acto de machismo que ejerció contra Taylor Swift en ese deplorable episodio de los VMA’s; ahora, cancelado por sus posturas ideológicas y políticas. En ese momento, devastado por la muerte de su madre; ahora, golpeado por la disolución de su matrimonio con Kim Kardashian. Bajo tal premisa, MBTDF y DONDA son paralelos en sus intenciones: ambos son esfuerzos de reivindicación… Proyectos donde el autor busca encontrarle razón de ser a una visión creativa tergiversada por su estilo de vida; la diferencia radica en que, diez años después, tiene hijos, su fortuna se quintuplicó, su salud mental está deteriorada, su círculo social es otro, halló nuevos intereses y por lo tanto, somos conscientes de los alcances que tiene. 

DONDA se construye a partir de cuatro líneas temáticas principales: la nostalgia que siente por su madre, su vínculo con Dios, el arrepentimiento por los errores que cometió dentro de su matrimonio y el hartazgo de su personaje farandulero.

Así como en su placa anterior, en este material recurre constantemente al pasaje bíblico en el que Jesucristo le dice a sus apóstoles que ‘’deben sufrir para poder purificarse’’ (1 Pedro 4:12-16). Y es en este contexto en el que se abre para sincerarse y clamar que necesita un nuevo comienzo. Ya lo de decía Kim en el capítulo número once de la última temporada de Keeping Up With The Kardashians:‘’Una de sus motivos para querer el divorcio es porque dice que se dio cuenta que tiene todo, excepto una vida normal… Y una vida normal es lo que más desea en este momento’’. 

Entre su egomanía y la necesidad de desprenderse del título de rey del jetset, la participación de DaBaby, Marilyn Manson y Chris Brown en DONDA cobran sentido como una provocación: el llamado a que se le cancele definitivamente para acceder a una libertad que perdió hace mucho.

Keep My Spirit Alive

Por primera vez en la historia de su discografía, este material no se produjo desde ceros; de hecho podríamos definirlo como una especie de recopilación de ideas, maquetas y demos  extraídos de obras jamás publicadas (Yeezus 2 y Yandhi) y de otras en las que no superaron el corte final (The Life Of Pablo, Ye, Kids See Ghost y Jesus Is King). Es por eso que el extenuante tracklist de DONDA parece una revisión integral de la segunda etapa de su trayectoria, misma en la que se empecinó en desarrollar una identidad sonora minimalista, influenciada por arreglos industriales y armonías góspel. 

En cierta medida también trata de homologar Dark Fantasy en el modo de nutrir a DONDA de fuerza colectiva: cerca de 66 colaboradores entre productores, ingenieros de audio, asesores artísticos y sobre todo, muchos raperos de la nueva generación… Tantos que su participación se vuelve redundante con el paso de las canciones, lejos de los matices que podrían aportarle desde la trinchera del pop. 

Por encontrarle un referente contemporáneo con cual equipararlo, podríamos decir que es el untitled, unmastered de Ye.  Aquí es donde el número de canciones le juega en contra: dentro de la hora y cuarenta y ocho minutos que dura, la distancia entre sus highlights y el resto de tracks es abrumadora. La falta de cohesión es evidente y deja la sensación de que no existió rigor para pulir lo que pudo ser un buen disco de once canciones.

Tanto así que, "Believe What I Said’’ - la que probablemente es la mejor canción del disco- se siente fuera de lugar ante el tono y la energía que dominan la placa, con todo y que su tópico encaja con el rompecabezas discursivo de DONDA.  Algo así como "Paranoid’’ en 808’s & Heartbreak.  Eso sí: a través de su sampleo a Lauryn Hill nos da pistas de lo que puede ser la  hipotética etapa post-religiosa de Kanye: la era afro-house que ha augurado desde Graduation.

Come To Life

Aunque su legado serán varias canciones memorables dentro de su repertorio ("Hurricane’’, "Jail’’, "Come To Life’’ y "Moon’’ -por ejemplo-), al final parece que DONDA funciona mejor como show, donde se robustece de los simbolismos que plantea Demna Gvasalia y donde Playboy Carti, Lil’ Yatchy, Travis Scott y Young Thug se ven dominantes; sin pasar por alto que, tras este proceso, es muy notorio que su postura mesiánica y el método de trabajo por el que ha apostado desde 2016 son insostenibles. 

De facto, nuestras expectativas han devorado por completo cualquier movimiento en el tablero que haga Kanye. No compite contra él mismo sino contra lo que nosotros queremos de él; y entonces  acepta una carrera que está condenado a perder porque, como dice Villoro sobre Maradona: "no puede vivir sin el ego que no lo deja vivir".

Más allá de los récords que acumuló en sus primeros días en plataformas digitales, el intercambio pasional que genera entre sus amantes y detractores ponen evidencia que todos los involucrados en la discusión necesitan de Kanye: unos para validar un gusto que constantemente busca codearse con eso que llaman alta cultura; otros para expiar sus culpas a través de los pecados que él comete; y los medios para conseguir vistas, incluso si nuestros titulares van sobrados de razones para borrarlo del mapa definitivamente. 

Podemos concluir que Kanye tenía razón cuando hace once años dijo que ningún hombre debería tener tanto poder; y ahora le hemos concedido uno que ya ni siquiera él es capaz de controlar. 

Chvrches — Screen Violence

Posted on septiembre 6, 2021 by -

Una noche de horror, sangre y gritos con Chvrches.

Para su cuarto álbum de estudio, el trío escocés de synth pop Chvrches se inspiró en los sanguinarios y oscuros largometrajes de pasado y presente para entregarnos su trabajo temática y sónicamente más oscuro y consistente a la fecha. Screen Violence es una oda al terror a la vez que se mantiene fiel a los sintetizadores brillantes y ritmos bombásticos que dieron un nuevo aire al synth pop en 2013 con su álbum debut, el cual les ganó un amplio número de seguidores -los cuales continúan aumentando a pesar de la confusa pronunciación de su nombre-.

El disco anterior del grupo recibió críticas mixtas, sobre todo por la ruta más mainstream tomada por la banda. La mano del productor Greg Kurstin fue más que notable y, a pesar de que esto no descarriló a Chvrches, -incluso compusieron el tema “Death Stranding” para el videojuego del mismo nombre y tuvieron varios hits y colaboraciones significativas en ese lapso- sí puso en duda la futura dirección del grupo. 

En esta ocasión, como su vocalista Lauren Mayberry nos contó el año pasado en medio de la pandemia, sus integrantes se encargaron de producir y escribir las canciones de este nuevo disco por ellos mismos y sin intervención de productores de renombre que puedan potencialmente inflar su reputación dentro del mundo del pop. El resultado es lo más reminiscente a su sonido original en mucho tiempo y, a la vez, algo completamente nuevo para la banda.

CHVRCHES - screen violence

Inspiración en la fría distancia

Las restricciones derivadas de la pandemia causaron que Lauren y sus compañeros de banda, Iain Cook y Martin Doherty tuvieran que trabajar en su siguiente disco a la distancia y comunicándose a través del internet para compartir ideas. El aislamiento generó las condiciones propicias para un álbum más “casero” como su debut, la destreza y experiencia en producción de Cook y Doherty ayudaron a crear una colección de canciones que se sienten masivas e impecables a pesar de haber prescindido de Kurstin o de algún otro creador de hits.

Más que nunca antes, Chvrches nos entregó un álbum que se siente más conceptual y con un hilo conductor. Las letras personales sobre relaciones y corazones rotos que han caracterizado muchas de sus canciones siguen ahí, solo hay que escuchar “He Said She Said”, el primer sencillo del álbum, para encontrar letras sobre desamor, angustia, relaciones turbulentas y varios hábitos musicales de la agrupación escocesa. 

La diferencia radica en las metáforas e imágenes sobre horror y brutalidad que ilustran los sentimientos de ira, miedo y vulnerabilidad plasmados en las letras, además de una que otra referencia fílmica entre canciones, por ejemplo, Poltergeist en “California”. Aquella pantalla a la que hace alusión el título del disco representa la inspiración macabra de las canciones, pero también se siente apropiada dada la interacción que tuvieron Lauren, Iain y Martin para su concepción a través de plataformas como Zoom.

Cuando escuchamos los pasajes sonoros de temas como “Nightmares” o “Final Girl” vienen a la mente las bandas sonoras de John Carpenter para películas sobre asesinos seriales. Por si la portada del disco y la promoción que lo rodeó no hicieron evidente esta influencia, el mismo Carpenter realizó un remix del tema “Good Girls”, el cual es incluso superior a la versión del sencillo.

Un camino ascendente de sorpresa y tormento

“Asking For a Friend” arranca a manera de pendiente de una montaña rusa que vislumbra un explosivo clímax que, efectivamente, llega para hacer brincar a las masas en concierto. Así como “Clearest Blue” de su segundo disco es esa canción de Chvrches del gran crescendo, esta emotiva canción es digna rival y una impactante introducción que deja al escucha esperando algo enorme desde el inicio.

Las guitarras que se ausentaron en su álbum anterior, Love Is Dead, tienen un regreso y participación prominente en Screen Violence. “California” nos recuerda los momentos triunfales de su debut con toques shoegaze, “How Not To Drown” y “Final Girl” tienen esa tan identificable guitarra ahogada en reverberación y efecto chorus de The Cure y en “Good Girls” encontramos la rara instancia de un solo de guitarra en una canción de Chvrches. 

“How Not To Drown” merece mención aparte, a pesar de que en el pasado los escoceses han hecho mancuerna con artistas como Hayley Williams, Matt Berninger y Marshmello, definitivamente su colaboración más grande y perfectamente ad hoc al concepto halloweenesco de Screen Violence llega con el legendario Robert Smith. Fuera de sentirse desperdiciado como en el último álbum de Gorillaz, aquí conforma la mezcla perfecta de ambos mundos, Chvrches en parte rinde tributo a The Cure y a la vez hace de Smith uno más del equipo. Con un experto en interpretaciones vocales desgarradoras, este tema sobre desear escapar de la fama y sentirse sofocado por la presión del mundo no podía ser otra cosa que una obra maestra en melancolía, de lejos su colaboración superior y quizás su mejor canción en general.

“How Not To Drown”  se encuentra apropiadamente emparedada en esta lista de canciones entre las tétricas “Violent Delights” y “Final Girl” para conformar la perfecta trilogía del terror de Chvrches. Ambas son nocturnas, con una carga de paranoia, desesperación y ansiedad. La primera es más industrial, donde Mayberry parece competir en intensidad contra una tempestad de sintetizadores, la segunda es más evocadora a Depeche Mode y su título es una clara alusión a un cliché del cine slasher.

El comentario social más profundo del álbum llega quizás con “Good Girls” que por la superficie parece ser una canción más de empoderamiento femenino, pero trae a la mesa cuestiones como la doble moral a la que están sujetas las celebridades del sexo femenino con respecto a sus contrapartes masculinas, lo que implica “matar a tus ídolos” -en palabras de la banda- cuando son malas personas y critica cuando sus seguidores escogen seguir consumiendo sus productos sin importar lo que hayan hecho.

Con dos tercios del álbum que no paran de sacudir al escucha, los últimos tres temas gradualmente lo llevan de vuelta a la calma. “Nightmares” destaca como la canción de ruptura y de superación en el disco y su mensaje la convierte en una digna secuela de “Leave a Trace” del Every Open Eye. “Better If You Don’t” cierra con broche de oro entre arpegios calmos de guitarra, la voz de Mayberry se percibe más liviana, pero melancólica y nostálgica. En lugar de finalizar con un gran estruendo, optan por salir de la tormenta y recibir el nuevo día con una nota esperanzadora mientras se desvanece la instrumentación en el fondo y quedan solo las últimas notas de la delicada voz de Mayberry.

Definitivamente Screen Violence es testamento del potencial de permanencia de Chvrches y del synth pop en el panorama musical por mucho tiempo más. Es la culminación del talento en composición y ejecución musical del trío escocés a casi una década de su formación. Es un tributo a sus héroes e inspiraciones -con uno de ellos incluido en la lista de canciones-, una postal de las emociones humanas más intensas y oscuras, así como su material más emocionante a la fecha.

Entrevista con Camila Moreno

Posted on septiembre 6, 2021 by -

Un viaje sonoro de expresión.

Con el lanzamiento de su cuarto material de larga duración, Camila Moreno ha encontrado un sinfín de nuevas experiencias que han aportado en su trayectoria musical tras 12 años de carrera. Así como vastas variables rítmicas y líricas, por supuesto, sin olvidar su esencia misma a través de su música. La cantautora chilena compartió en entrevista a Indie Rocks! mucho de lo que ha aprendido durante este tiempo y como su música ha desarrollado fuertes lazos consigo misma y en sus relaciones interpersonales, así como sus futuros planes en el ámbito musical y su nuevo álbum titulado Rey.

A lo largo del álbum, Camila presentará una serie de sonidos conceptuales que nos transportan de un lugar a otro. Es un álbum lleno de conceptos como el amor, desamor, la muerte e incluso la maternidad, la revolución y el manifiesto Cyborg. La compositora describe a Rey como un álbum electrónico e introspección a medida que este avanza. 

Es un disco que busca o que quiere mover los límites de lo posible, y en ese sentido busca mover los límites entre la ficción y la realidad."

Rey es un material bastante complejo, como lo expresó la cantautora, exploró más allá de un solo sentimiento e inquietud, plasmando en los 12 temas que conforman el LP.  Mientras que, su forma sonora contiene influencias  pop y electrónicos, con matices de folklore latino definiéndolo así, como un disco ecléctico. 

Cada disco que yo saco viene a romper la idea de lo que había hecho en el anterior, sin perder la identidad. Ya puedo mirar hacia atrás y ver un retrato conductor, porque soy yo." 

Para el single "Déjame", Camila trabajó con la cantautora nacional Ximena Sariñana y Lido Pimienta, con quiénes ha establecido una relación amistosa desde hace varios años, y para Camila son amistades especiales ya que para ella algo más que la música las une de forma íntima: la maternidad. 

Les pedí a ellas que cantaran la canción entera y yo tenía una idea de cuál sería la parte de cada una, pero finalmente tenía que ver con cómo se podían apropiar ellas de cada uno de los momentos de la canción y cuales les eran más propios."

La intérprete hizo toda una exploración de sonidos y acompañamientos para el tema, llenándolo así, de colores y altas vibraciones rítmicas. 

Rey, la flor que nació previo a la tormenta.

El proceso de grabación de Rey inicia en el año 2019, Camila hizo de este álbum toda una experiencia maravillosa, ya que se grabó en diferentes etapas históricas, comenzando en un mundo pre pandemia, el estallido social chileno y buenas compañías en Estudios Triana.

"Es Real" fue el primer pétalo de la flor que eclosionó aquel día de 2019 en compañía de su mano derecha y guitarrista Iván González y el productor ejecutivo del álbum Cristian Heineken.

La primera etapa del disco fue muy colectiva, después vino el estallido social, después fue mucho más político ese encuentro en el estudio. Nos juntábamos a reflexionar y a organizar cosas; cuándo comenzó la pandemia fue un tiempo de pausa, donde teníamos el disco a la mitad y comenzamos a trabajar remoto con otros productores."

Ha sido un álbum bastante familiar y muy lindo de hacer, define Camila, en dónde buscó que fuera lo más perfecto posible.

Cambiando con el viento...

12 años de trayectoria no son fáciles, un sinfín de aprendizajes y experiencias que quedan en el baúl de los recuerdos y momentos que nos hace apreciar lo bello de la vida. Camila Moreno se siente orgullosa e infinitamente agradecida con las personas que la han apoyado a lo largo de los años.

Justo en este álbum he podido mirar atrás y jugar con lo imaginario que hay dando vueltas, lo que he hecho. Hay un juego de comunicación con ese pasado que quizás no está tan en el pasado, también hay un rollo donde juego con los tiempos, donde el tiempo no es lineal y donde juego con los cruces dimensionales que hay con los otros discos, a nivel estético y también letra."

Ha sido un largo camino a través de la música, más no el final de la trayectoria, pues la cantautora chilena asegura que aún siente que le queda un gran camino por recorrer, sino, sería muy aburrido, mencionó.

Poco antes de finalizar, Camila Moreno agregó que tiene bastantes sorpresas preparadas, para compartir en vivo este nuevo material, en Chile y en México, ya que aseguró que es como su segundo hogar, además de que ha recibido un inmenso apoyo del público mexicano. Más allá de una entrevista, Camila fue un libro abierto con nosotros, creando una plática amena, llena de anécdotas personales que dan inspiración a la música que ha creado desde sus inicios hasta el día de hoy.

Hipnosis presenta: Sonido Gallo Negro en Foro Indie Rocks!

Posted on septiembre 5, 2021 by -

La cumbia de los cubrebocas.

En una noche fría y solitaria de sábado —sí, aún se sienten los estragos de la cuarentena sobre la vida nocturna de la Ciudad—, el cuerpo busca naturalmente entregarse al calor del baile. Por ello, desde los confines de la cumbia-rock, allá donde se le permite a Los Ángeles Azules tocar en un Vive Latino o a Sonido La Changa cerrar un Primavera Sound, llega la psicodelia de Sonido Gallo Negro. El grupo de Ciudad de México regresó finalmente a los escenarios tras año y medio de confinamiento para recorrer su discografía, presentar nueva música y celebrar el hecho de estar vivos en medio del interminable caos sanitario.

A las 22:00 H, Sonido Gallo Negro arribó al escenario con la guitarra de Gabriel López al frente y el theremin e ilustraciones en vivo de Dr. Alderete a un costado. Por alguna razón, esperaba ver a los integrantes con las máscaras que les dieron su personalidad al inicio de su carrera, pero la de anoche fue más bien una presentación de ocho músicos, sinceros, transparentes, que no escondieron en ningún momento la alegría de reconectar con su público.

Así, “El mercado de los brujos” y “Caballito nocturno” comenzaron una retahíla de cumbia, psicodelia y peruvian vibes que se extendería por 20 canciones. Abajo, en la pista, la celebración crecía cada minuto: entre playeras brillosas de sonideros mexicanos e inagotables litros de chela, el público no paraba de marcar el famoso “paso de medio lado”, aquel que te permite seguir el pulso de la música sin sacrificar ni una gota de tu vaso.

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Sí, el fantasma de la sana distancia aún flotaba en el recinto. A pesar de ello, un par de valientes parejas no desaprovechó la oportunidad para sacar a relucir sus mejores pasos y vueltas, como lo marca la vieja escuela de los sonideros mexicanos. Para ello, contaron con el ritmo de “Selvática”, “Chamula”, “Rimsky”, “Bocanegra” y, por supuesto, el nuevo sencillo “Silbadora” (sin Molly Lewis, claro, ya hubiera sido mucho lujo; pero su lugar lo tomó la flauta de Lucio De Los Santos). Sonido Gallo Negro aprovechó la ocasión para dedicar estas canciones a Martin Ferreyra, artista visual detrás de algunos proyectos del grupo, así como al mismo Gabriel, quien estaba a punto de celebrar su cumpleaños apenas dieran las campanadas de las 12:00 H.

Pese a la marcada influencia de la cumbia peruana, Sonido Gallo Negro ha demostrado que se trata de un grupo bien mexicano (sí, desde anoche ya se sentían esas ganas de celebrar el 15 de septiembre a todo lo que da). Para muestra de ello, coronó la noche con su ya clásica “Cumbia del borras”, que bien alude a la clásica expresión coloquial “aventarse como El Borras”, tanto como al perro de la película Roma (Alfonso Cuarón, 2018), que Dr. Alderete representó en la pantalla como un animal flacucho y despeinado. Asimismo, Gallo Negro interpretó su cover instrumental de “¿Quién será?”, original de La Sonora Santanera y, por si fuera poco, cerró el concierto con la mismísima “Cumbia de las picaditas”, popularizada por Los Ángeles Azules, amos y señores de la cumbia en México. “El niño perdido”, lo más parecido a un momento político en la discografía de Gallo Negro, tampoco pudo faltar en el set, para recordarnos que dentro del baile y la celebración también hay un grado de conciencia social.

Antes de despedirse, Sonido Gallo Negro encendió el Foro Indie Rocks! con su “Cumbia de sanación”. Bastaron los coros de esta pieza para darle un sentido a lo ocurrido anoche: la pandemia sigue y su peso se resiente sobre el devenir de las noticias, cada día más catastróficas. Pero, dentro del dolor y la amargura, siempre hay cabida para un momento de sanación y libertad. Sonido Gallo Negro, con sus sonidos psicodélicos, nos llevó de nuevo a ese mundo prohibido donde solo importan los colores y el ritmo. Y, por supuesto, la cumbia, la bendita cumbia.

Cancamusa en el Foro Indie Rocks!

Posted on septiembre 4, 2021 by -

La calidez del pop cinemático.

"La distancia teme hacer sufrir..."

Tener la dicha de ver y seguir la trayectoria de un proyecto que recién empieza es algo incomparable. Por casualidad, en febrero del 2020 -sí, antes de que la pandemia azotara al planeta entero- tuve la oportunidad de escuchar a Natalia Pérez en lo que fue la presentación oficial de su proyecto solista, Cancamusa. La velada fue peculiarmente cálida y minimalista, poco después comprendí que tan solo ella proyectaba sobre el escenario su lado más puro y su visión del mundo en algo que sorprendentemente denomina: pop cinemático. Ese apapacho musical, el entrar en la misma sintonía se sigue repitiendo con mucho más entusiasmo y pudimos ser testigos de ello este viernes en el Foro Indie Rocks!

Paz Court_Foro Indie Rocks_sept 2021_10

Antes de la presentación de Natti, Paz Court subió al escenario para interpretar algunas de las melodías de su más reciente álbum de estudio, La Fuerza (2020). La intérprete de "Pajarillo Negro" no necesitó más que la presencia de su acompañante en la guitarra acústica y unos sintetizadores para manifestar su potencial. El folclore no pudo faltar durante esta velada en la que reinaba la magia chilena.

Cerca de las 21:00 H Cancamusa subió al escenario e inmediatamente se apoderó de él. Es sumamente interesante el verle detrás en la batería, ejecutando, dando vida a esos platillos y al mismo tiempo ser la voz principal de este proyecto. Su coordinación es clave para que todo marche de la mejor manera. Desde el primer momento supimos que esa velada sería muy cósmica y estaría impregnada por un velo de destellos. Temas como "Amor Abstracto", "Late", y "Huracán de Fuego" resonaron al poco tiempo generando una emoción positiva que se sentía en el aire. El lado negro de Cisne es tan oscuro como melancólico y aún así sus canciones se sintieron tan llenas de luz.

Cancamusa_Foro Indie Rocks_sept 2021_8

La cantante no podía dejar de presentar nuevos temas. "Sin Miedo a la Profundidad" fue un pequeño indicio para aprender a reconocer lo que vendrá en el otro lado de su álbum; un concepto opuesto a toda esta oscuridad. Durante la velada no pudieron faltar las sorpresas y Yorka se sumó a ellas. Sorprendentemente la noche cayó muy rápido entre esta melancolía y melosidad. El concierto finalizó al poco tiempo pero no sin antes interpretar uno de sus más grandes éxitos, "Venus", el cual puso a bailar a todos los presentes quienes a esas alturas ya se encontraban conmovidos ante tal actuación.

Hay un lado oscuro y un lado luminoso dentro de Cancamusa, esta artista chilena que recién empieza a evolucionar en la escena musical.

A 40 años del 'Dance' de Gary Numan

Posted on septiembre 4, 2021 by -

La transición musical de Gary Numan.

Dance es el proyecto de Gary Numan lanzado en 1981, donde su estilo musical tomó un camino experimental y abstracto por un lapso de tiempo. Puede que este trabajo haya sido una especie de “respiro” y “desahogo” para uno de los pioneros de la música electrónica y synth pop.

Desde sus inicios musicales con la banda de new wave, Tubeway Army, a finales de los 70 y su álbum debut, Replicas, Numan se comenzó a posicionar como uno de los padres del synth pop en Reino Unido, mostrando a su corta edad de 19 años las habilidades musicales que había desarrollado. Numan fue el músico que pudo enlazar el final del post punk y el inicio de la era de new wave.

Además, para esa época adoptó una imagen en la cual su vestimenta fue oscura, tal vez como un referente al movimiento de post punk que estaba por desaparecer para dar paso al new wave, pero al mismo tiempo mezclando la elegancia de las corbatas y camisas, tal como lo hicieron los integrantes de la agrupación alemana Kraftwerk en la portada del disco Die Mensch-Maschine. Para Dance, no solo el ritmo cambió, también la imagen del cantante, usando trajes y sombreros que al mismo tiempo lo hacían parecer como a un integrante de la antigua mafia italiana.

Después de los potentes arreglos de sintetizadores, los sonidos futuristas y espaciales característicos del músico inglés en el álbum Telekon y sus antecesores, Dance parece lo contrario a lo que Numan estuvo creando años antes. Y a pesar, que en este álbum prevalece casi el mismo sonido generado por sintetizador y caja de ritmos, éste se convirtió en algo más minimalista, con un tempo más lento y contemplativo.

Aunque Dance tiene composiciones “diferentes” a las que estábamos acostumbrados a escuchar, fue un proyecto que tuvo diversas colaboraciones importantes entre las cuales están: Rob Dean y Mick Karn de la banda Japan, Roger Taylor de Queen y Roger Mason de Models.

No sólo el ritmo y la vestimenta fueron diferentes en este álbum que cumple 40 años, también sus letras tuvieron una inclinación hacia un contenido sexual, tragedias sexuales y homoerotismo. Una de estas temáticas se puede escuchar y entender en “Slowcar to China”, la canción con una duración extensa de tiempo donde se cuenta la historia de una prostituta, pero a su vez tiene frases que rememoran la ruptura con su ex novia, Debbie Doran. Pero ésta es solo una de las composiciones de índole sexual que se incluyen dentro de este álbum, y pese que Gary modificó su estilo “conocido” de crear música, es un disco que tiene muchas virtudes musicales y líricas. Lo que podría sonar grotesco, Numan lo convirtió en poesía para ser mas deleitable. Dance es la transición en la carrera de Gary Numan hacia un estilo más electrónico, más experimental, con arreglos industriales, tal como se puede escuchar en su producción I, Assassin, lanzado un año después.

Gary Numan ha sido referente musical de muchas agrupaciones como Nine Inch Nails, Rammstein, Marilyn Manson entre otros, que también han realizado covers de su famosa canción con Tubeway Army, “Down in the park”. No debemos olvidar los grandes aportes que este músico ha tenido, sus múltiples colaboraciones, ni tampoco olvidar la importancia de este disco que lo llevó a una conversión en su carrera musical que continuó dejando buenos frutos y que en este año cumple su 40 aniversario. Un músico que ha sido la inspiración para muchos, que tal vez algunos desconocen pero, que nos ha dejado una enseñanza en cada uno de los discos realizados hasta este momento.

Hipnosis presenta: La Era de Acuario en el Foro Indie Rocks!

Posted on septiembre 3, 2021 by -

El crepúsculo de una experiencia sonora llamada La Era de Acuario.

Con el regreso de los conciertos presenciales, el volver a disfrutar de la música en vivo se ha vuelto una experiencia indispensable para todos aquellos que amamos el ver frente a frente a nuestros artistas favoritos; sin embargo, cuando se trata de realmente vivir algo que llene en su totalidad nuestro ser, desde lo visual hasta lo auditivo, es probable que nos sea un poco difícil de encontrar en estos momentos, aunque quizá no fuera tan complicado, al poder vislumbrar algo semejante en la más reciente presentación de La Era de Acuario.

Pasando un rato del horario previsto para el espectáculo, la electrizante velada iniciaría a resonar con una fuerza de la mano de la agrupación capitalina Secret Agent, la cual aparecería en escena con máscaras muy particulares para dar cátedra musical con su mezcla de spy surf, que a más de uno dejó apantallado, y que sin duda alguna logró remontarnos a aquellas películas antañas de espías en las que podías sentir en la piel la tensión que sentía el elegante héroe.

Ya con un ambiente más fiero y prendido, el trío traería consigo una sorpresa, al hacerse presente con ellos el líder de La Gusana Ciega, Daniel Gutiérrez, para interpretar junto a la banda uno de los nuevos temas que podremos escuchar en su próximo material discográfico; así mismo, también los acompañaría Vince de Rebel Cats para encender los ánimos con el tema "Mata Hari" y dar un fuerte cierre a su participación.

Secret Agent_Foro Indie Rocks_David Durán (2)

Tras un breve receso y la necesidad ferviente por vibrar nuevamente ritmo de la música, la actividad regresaría con todo para el acto principal de la noche, pasando directamente a una apabullante imagen en la que veíamos a múltiples integrantes de La Era de Acuario, que comenzaron a desfilar por el escenario, listos para enfundarse en sus respectivos instrumentos y dar inicio al recital experimental que tenían preparado para todos los asistentes.

"Fotografía", "Hippie hippie hourra" y "Lunar" fueron las primeras piezas que se harían presentes del repertorio musical de la agrupación acuariana, que para esta ocasión tan especial hacía gala con todo su arsenal sonoro, presentando la alineación completa con la que se grabó su primera producción discográfica; sentando con ello las bases de lo que vendría más adelante en el viaje psicodélico en el que el público se había embarcado.

Es así que entre un aura arrolladora, riffs alocados e incesantes bailes, que canciones como "Agujero Negro" y "Etéreo" tomaron su lugar dentro del setlist del concierto, provocando que en repetidas ocasiones se escucharán gritos de euforia que evocaban los nombres de sus integrantes.

Conforme la noche avanzaba, los invitados especiales no se hicieron esperar, arribando al escenario Ale Moreno y Carla Sariñana, para con sus voces darle aún más feeling a la ejecución instrumental que La Era de Acuario llevaba rato mostrando de manera magistral en el show, y que posteriormente serviría para elevar más los ánimos hasta el punto de casi cambiar de época y llevarnos a los años 70 al Festival de Avándaro con los temas "María Juana" y "White Rabbit".

El concierto estaba dando sus últimos latidos, pero la energía seguía encendida como si acabara de dar comienzo una carrera frenética sin meta a la vista, y la banda lo sabía, por lo que antes de pasar a despedirse y bajar el telón de esta fantástica, interpretaron los temas "Orgón" y "Om Ganesh"; no obstante, la gente pedía algo más, una última canción que los llevará al clímax nocturno de una fiesta que nadie quería que finalizara, cosa que por su puesto, La Era de Acuario no quiso dejar pasar desapercibido, armando una improvisación musical en la que invitaron a personas del público a unirse a ellos, cediendo sus instrumentos para armar una espontánea pieza sonora que duró casi 20 minutos.

La Era de Acuario no sólo nos regaló una de esas noches que quedarán en la memoria de la agrupación, sino que, su musicalidad retumbará por mucho tiempo en la mente y corazón de los asistentes como un bálsamo mágico que curó esa larga abstinencia obligada de conciertos a la que fuimos sometidos por mucho tiempo.

Jon Hopkins anuncia el disco 'Music For Psychedelic Therapy'

Posted on septiembre 3, 2021 by -

Atmósferas, espiritualidad y relajación en ocho minutos.

El productor y músico británico Jon Hopkins de 42 años que ha colaborado con artistas como Brian Eno, Massive Attack, Coldplay y ha compuesto las bandas sonoras para las películas Monsters y The Lovely Bones acaba de anunciar un nuevo lanzamiento titulado Music For Psychedelic Therapy.

Su próximo álbum será la continuación de su último trabajo titulado Singularity, este saldrá a la venta el próximo 12 de noviembre a través del sello Domino en formato digital y en CD; y el próximo 11 de febrero saldrá en forma de vinilo. Hopkins acaba de lanzar el primer sencillo de su siguiente producción titulado "Sit Around The Fire" en el que podemos escuchar música ambiental que nos remonta a la relajación, la espiritualidad y a la meditación.

Este sencillo cuenta con la colaboración del músico estadounidense East Forest y del fallecido maestro espiritual Ram Dass, de quien se pueden escuchar las voces a lo largo de la canción y con las que Jon Hopkins se inspiró para sentarse al piano y comenzar a improvisar la música de este tema.

Dale play a "Sit Around The Fire":

Este videoclip fue realizado por Tom Readdy y Lucy Dawkins de Yes Please Productions y nos remonta a la geometría sagrada y a los mandalas del libro de espiritualidad, yoga y meditación Be Here Now de Ram Dass publicado en 1971.

Jon Hopkins Music For Psychedelic Therapy

Music for Psychedelic Therapy Tracklist:

01 "Welcome"
02 "Tayos Caves, Ecuador i"
03 "Tayos Caves, Ecuador ii"
04 "Tayos Caves, Ecuador iii"
05 "Love Flows Over Us in Prismatic Waves"
06 "Deep in the Glowing Heart"
07 "Ascending, Dawn Sky"
08 "Arriving"
09 "Sit Around The Fire (with Ram Dass, East Forest)"

ABBA vuelve con su primer disco en 40 años

Posted on septiembre 3, 2021 by -

¡Por fin llega nueva música de ABBA!

Sin duda una de las más grandes y gratas sorpresas del año es el regreso de ABBA con Voyage, su primer álbum en 40 años. Como parte de este anuncio la agrupación compartió las dos primeras canciones de su nuevo material, se trata de "I Still Have Faith in You" y "Don’t Shut Me Down" ¡escúchalas a continuación!

Originalmente, estas dos canciones debían debutar en el 2016 como parte de un concierto de hologramas destinado a la transmisión por televisión. Luego llegó la noticia de que se habían grabado al menos cinco pistas en 2019, con planes de lanzar el nuevo material en 2020 pero la pandemia retrasó su lanzamiento y finalmente se ha programado el arribo de Voyage para el 5 de noviembre a través de Capitol Records, contando con 10 pistas inéditas.

Voyage marca el primer álbum de estudio de los íconos del disco desde The Visitors en 1981. La grabación se llevó a cabo en el estudio Riksmixningsverket de Benny Andersson en Estocolmo, y las primeras sesiones tuvieron lugar en 2018.

Esas primeras sesiones en 2018 fueron muy divertidas y cuando Benny llamó y me preguntó si consideraría cantar un poco más, ¡salté! ¡¡Y qué canciones !! ¡Mi respeto y amor están con estos compositores excepcionalmente talentosos y verdaderamente genios! Qué alegría fue volver a trabajar con el grupo. Estoy muy feliz con lo que hemos hecho y espero sinceramente que nuestros fans sientan lo mismo ", expresó Anni-Frid Lyngstad en un comunicado de prensa.

Por si fuera poco, el legendario cuarteto escandinavo planea regresar a los escenarios con una versión holográfica de ellos mismos, creada por Industrial Light & Magic de George Lucas. El concierto ABBA Voyage, tendrá lugar el 27 de mayo de 2022 en un estadio de última generación, construido a medida y con capacidad para 3.000 personas en el Parque Olímpico Queen Elizabeth de Londres. Mientras que los miembros de ABBA serán recreados holográficamente en el escenario, el espectáculo contará con una banda en vivo de 10 integrantes.

La venta general para ABBA Voyage comienza el 7 de septiembre a las 10:00 H. Los fanáticos también pueden preinscribirse para obtener acceso un día antes, o reservar el álbum Voyage para obtener acceso el 5 de septiembre. Encuentra toda la información en el sitio web oficial.