Remixes de mitad del 2021

Transforma tu verano en casa en un momento divertido y ameno.

Los remixes llegaron a la industria musical para darle un nuevo aspecto sonoro a una melodía que quizá por sí sola ya sonaba lo suficientemente bien y que ahora toma un nuevo rumbo, uno más cercano a las sintonías relajadas ideales para disfrutarse durante las noches cálidas. ¿Sabes si alguien ha intervenido tu canción favorita? Quizá de ahora en adelante te tomes el tiempo de re-buscar una nueva versión de ese tema que tanto te gusta y que tanto disfrutas para que lo escuches en un mood totalmente diferente. Mientras lo haces te compartimos en Indie Rocks! algunos de los remixes que salieron durante la primera mitad del 2021. Estamos seguro que encontrarás en este listado más de una joyita.

Para hacer un remix no es necesario esperar a que la canción sea "nueva" o tenga "ciertos sonidos", eso poco importa a la hora de empezar a mezclar. Son casi dos horas de música las que te esperan en esta playlist en la que encontrarás temas de Years & Years, Rubio, Poder Fantasma, CHVRCHES, Sonic Boom, Fontaines D.C. entre otros. Te la compartimos a continuación para que le eches un ojo a estas canciones y las aproveches en lo que resta del verano. ¡Da play!

Jungle — Loving In Stereo

Entre pistas envolventes y enérgicas, Jungle nos enseña la importancia de soltar y sonreír con Loving In Stereo.

Tal vez lo más auténtico de escuchar una canción o un disco, leer un libro, ver una película o ir al teatro coincide en la creación de sensaciones de forma genuina. Y es que pocas cosas son comparables a la emoción de escuchar una canción feliz y de inmediato sonreír, o incluso dejarse llevar por una armonía menor y desencadenar el llanto, a pesar de no estar tristes. Jungle ha dado justo en el punto más placentero de la música con el estimulante Loving In Stereo.

El dúo de origen británico presenta en su tercer producción discográfica una de sus placas más ambiciosas, donde lo más importante, aunque parezca sencillo, es motivar al baile y a los ritmos cómodos de escuchar. A lo largo de 13 pistas, Jungle muestra una interesante evolución donde se involucran con mayor protagonismo los elementos orgánicos, esto en comparación con sus anteriores registros. Otro aspecto importante a resaltar es que Loving In Stereo fue escrito entre 2018 y 2019, aunque se resignificó y afinó durante la etapa de confinamiento, misma que ayudó a Josh Lloyd-Watson y Tom McFarland a darle un sentido nuevo a su carrera.

Tal vez lo único que si es repetitivo en comparación con los dos anteriores discos es el estilo de la portada, ya que el dúo ha decidido continuar con las emblemáticas letras de su nombre ahora sobre un elegante lienzo en blanco con bordes negros. En lo que si es completamente distinto es el aspecto de las colaboraciones, ya que ahora el proyecto involucra a diferentes cantantes, productores y compositores para dar vida y un sentido mucho más profundo a todo el álbum.

Jungle_loving in stereo_portada

No descartar ninguna posibilidad con el sonido.

La carta que juega Jungle, pese a ser bastante fluida y amigable en cuestión de armonías e instrumentos es arriesgada. Hacer 13 canciones puede parecer abrumador, aunque la astucia del dúo hace que cada una de las pistas aspire a diferentes cosas pese a estar en un mood común. Es así que musicalmente podemos encontrar una paleta de sonidos compatibles entre sí, aunque cambiantes entre track y track.

Es de recalcarse el impacto que tienen las baterías y los bajos en toda la trama sonora, más allá del estilo funk con el que la Jungle se ha hecho de una imagen, su propuesta aspira un poco más al art pop, donde también intervienen toques melancólicos con vibes de los ochenta, así como hip hop y rock alternativo.

Otro aspecto fundamental dentro de todo el trabajo de instrumentación que parece refinado hasta la última frecuencia es el de las voces. Y es que más de una de las canciones de Loving In Stereo suenan a himnos gracias a sus coros sencillos de recordar, con el suficiente espacio y orden acorde a las necesidades de las pistas, y aquí es necesario hacer mención del trabajo hecho por la cantante Priya Ragu en "Goodbye My Love".

Es entonces que el diseño sonoro de este álbum es por mucho uno de los más elegantes, emocionantes y épicos que se han dado a conocer en este año. El perfeccionismo siempre es opción al pensar en Jungle, y basta para darse cuenta las transiciones entre canciones para entender la matemática de toda la placa, como ejemplo está el espacio entre "Fire" y "Talk About It", así como el emocionante inicio entre "Dry Your Tears" y "Keep Moving".

Las emociones son estereofónicas.

A mitad del siglo XX y gracias en buena medida a los estragos de la segunda guerra mundial, la empresa Alexander Mullin Poniatoff Exellence tuvo adquisición de dos magnetófonos alemanes, con ello se diseñó una circuitería que permitió la creación de la grabadora de cinta AMPEX, que fue sin duda un material revolucionario en el entorno de las grabaciones sonoras. La implementación de hasta ocho canales permitió entre otras cosas, que algunas secciones en los programas de radio fueran pre-grabadas, y además dio paso a lo que en los sesenta sería la perfección del sonido estéreo.

La grabación en estéreo permitió al escucha acercarse en los discos a lo que siempre ha sido la música, una serie de frecuencias que entran al oído sin respetar los parámetros que impuso el mono durante décadas. Parece que entonces Loving In Stereo es una clara muestra de lo que es este arte tan universal y lo mucho que se le debe a este tipo de grabación, ya que de no ser por su alcance probablemente no habríamos quedado cautivados por el trabajo hecho por The Bealtes y todas las propuestas artísticas que les siguieron.

Jungle_2021

De ahí puede tomar un poco de sentido el nombre del álbum, ya que de algún modo es compatible el estéreo con nuestros sentimientos, con el amor. Y es que si hay algún aprendizaje dentro del camino lírico que propone Jungle en su tercera producción es que no hay solo una forma de sentir, de superar y de amar. El ser humano no vive en mono, siempre hay una vibra complementando a otra lado a lado, y sobre todo y más importante aún: no estamos solos.

Loving In Stereo es un álbum cargado de optimismo, mismo que no parte a raíz de esa positividad tóxica que aplaude todo lo bueno y lo malo. No, todo lo contrario. Loving In Stereo celebra el dolor que nos pueden hacer pasar los malos momentos en la vida, el desamor, las noches de soledad donde uno deja de sentirse importante y todo el proceso para cambiar el juego, donde se encuentra al amor propio, se deja del lado el rencor y se le sonríe a un nuevo día, todo con la ilusión de continuar en el juego, de seguir latiendo.

Entonces el amor no va en mono, a lo largo de las 13 canciones se entienden esos mensajes reflejos de la madurez, donde la responsabilidad afectiva nos hace valorar a las personas como algo más que personajes secundarios. "gracias por hacerme más fuerte" enuncia uno de los versos de "Keep Moving", donde está clara la intención de ver las cosas desde un lado distinto al que comúnmente miramos cuando estamos heridos.

De algún modo también Jungle pelea contra aquella necesidad de evitar mostrarse vulnerable. A lo largo de temas como "Lifting You", "Bonnie Hill" o "Talk About It" el dúo hace hincapié en esas cosas que queremos decir per que se quedan guardadas, quizás por miedo. Y es entonces que nos encontramos con el "no quiero despertar ninguna mañana sin ti", "está bien sentirse impotente", "no quiero extrañarte nunca" o el "ayúdame a encontrar el significado del camino".

Las letras se toman mucho más enserio gracias a este giro que aunque no sea necesariamente complejo, es de gran valía. Puede ser que esta necesidad de mostrarse propiamente con todos los matices ante el mundo o de mirar al pasado sin rencores tenga más peso hoy día si entendemos a una humanidad que aún está sensible tras la pandemia, aunque otro giro interesante ocurre con la intervención del rapero Bas para "Romeo". En este track los problemas y contratiempos que no tienen respuesta se asimilan y se aceptan, ya que al final se concluye que tarde o temprano tendrán fin.

Movimientos de estrellas.

Finalmente, Loving In Stereo es un álbum que nos recuerda lo apasionante que puede ser la vida en cada uno de sus colores, que siempre se está moviendo y que vale la pena ser testigo y parte de todo este cumulo de emociones. No estamos solos y eso intenta dejarlo claro Jungle, por lo que este álbum será recordado gracias a sus himnos, que prevalecerán el tiempo que tengan que hacerlo en el mainstream, pero serán de gran impacto para quien se los lleve y los adapte a su vida misma.

Te invitamos a darle play a Loving In Stereo a continuación. Puedes adquirir una copia en este enlace.

Artistas mexicanos hablan sobre The Clash

En este día dedicado a la banda más icónica del punk rock, cinco artistas nacionales nos hablan sobre las influencias y emociones que les ha otorgado.

The Clash ha sido la voz de un sin fin de gente de diversas generaciones, que lleva siglos reclamando cambios en muchos aspectos que regulan el mundo. Este día se celebra a partir de la iniciativa creada por la renombrada estación de radio de Seattle, KEXP, a favor de un proyecto sonoro en pro de lo derechos humanos.

Por este motivo, hicimos la tarea de preguntarle a diferentes artistas su sentimiento sobre The Clash:

 

Uili Damage
Los Esquizitos

“En el docu de The Clash: Westway to the World saltan varias cosas a la cara que me llevo en el corazón:

Mick Jones es uno de los músicos del punk con más curiosidad y valentía por salirse de los reglamentos del 'rock correcto'.

Topper Headon merecía una segunda oportunidad; Joe Strummer confiesa que una banda de rock solo es tan buena como lo sea su baterista.

Paul Simonon le ha dado al bajo del punk una presencia irremplazable –siendo un sonido primariamente de guitarras rabiosas– y tal vez únicamente Jah Wobble podría empatarlo con sus aportaciones a PiL.

– Y fuera del documental, Cut the Crap, el disco maldito de The Clash merece su lugar dentro de la colección de The Clash como cualquier otro, aún sin Topper, Paul y Mick”.

 

Andrés Canalla
Tungas

“Para mí The Clash fue la primera banda a nivel mainstream que supo comprender el punk más allá de ser solo un género musical. A diferencia de Ramones, por ejemplo, The Clash experimentó mezclando muchísimos ritmos musicales y corrientes artísticas/filosóficas.

Fue, para mí, el parteaguas más grande para que las fronteras del punk fueran menos claras y evidentes. Es decir, le dio complejidad a la noción burda y simplista que tenía el punk en algún momento. Además, a nivel estético lo llevó a otro lugar. Creo que mucho de lo que hizo se lo deben en primer nivel a Ramones, por la música rápida y agresiva, y a nivel filosófico a Crass, pero The Clash supo crear algo suyo y tener una trayectoria digna, creando un sonido que sigue presente en la música contemporánea”.

 

Dafne Carballo
Descartes a Kant

"Con ideales musicales y políticos de una firmeza inquebrantable The Clash ha mantenido vigente –entre aquellos que nos arrojamos en su música sin importar el tiempo en que fue creada– que la labor del arte es ser arriesgada y propositiva, incluyente y lejana a cualquier etiqueta, contestataria, PUNK.

Recuerdo tener no más de 17 años cuando sin querer en una tienda de discos cercana a la escuela de música donde estudiaba, me topé con un disco doble que recopilaba la mayoría de su historia musical. Sin pensarlo saqué de mi mochila un par de billetes destinados para la semana y me lo llevé envuelto en una bolsita. Apenas pude alisté mis Walkman y canción tras canción me dejé sorprender por su música inteligente y enfurecida, salpicada de muchos géneros, una música que le hablaba a una adolescente que aunque perteneciera a otra generación, se sentía completamente identificada con lo agridulce de sus distorsiones, las maravillosas líneas de bajo y una voz que hablaba de mis propios conflictos."

 

Arturo Tranquilino

Arturo Tranquilino Ortíz
Yokozuna

“Nunca me gustó la música de The Clash. Nunca pude soportar el timbre de la voz de Joe Strummer ni el de Mick Jones, pero fue su ideología lo que realmente me influenció. Su furioso minimalismo musical al solo utilizar cuatro acordes para crear una canción que esparciera el sentimiento de rebelión adolescente. Su manera de hacer hits sin la necesidad del virtuosismo y su rechazo al glamour en el rock han sido mi credo desde el día que tomé una guitarra con la intención de hacer mi propia música. El rock era pretencioso, burgués y sobreproducido hasta que llegó The Clash y por esa razón siempre será una gran influencia”.

 

Sandrushka Petrova
Descartes a Kant

"Podría decir que cuando descubrí a The Clash estaba mucho más inmersa en lo que estaba sucediendo en el movimiento riot girl, pero desde mi trinchera veía a The Clash como el pasado que encaminó al punk a salir de su propio estereotipo. Admiro mucho a los grupos que extienden o dan una lectura añadida al género en el que están catalogados".

 

Jesús García
Sgt. Papers

“A primera impresión una banda de punk, pero conforme más escuchas, más sonidos se asoman. Tenía 13 o 14 años y me topé con la rola 'London’s Burning' y me quedé enganchado en ese momento, el bassline en los versos, las guitarras a tope… creo que en su momento fue demasiado para un morrillo que iba descubriendo el punk pero definitivamente me abrió muchas puertas a otras bandas igual de remarcables y otros géneros. Aunque los años pasan y he descubierto mucha mas música, el sonido de The Clash sigue estando muy presente a la hora de escribir y de tocar”.

“Este es mi top 5, sin ningún orden en especifico: 1.'What’s My Name' 2. 'London’s Burning' 3. 'Complete Control' 4. '(White Man) in Hammersmith Palais' 5. 'Rudie Can’t Fail'”.

 

Albar Alcantar
Apolo

“La rebeldía nunca va a pasar de moda: donde sea que haya reglas habrán formas de romperlas y eso, mis estimados, es lo importante: romperlas con estilo. En esta época donde el rock está tomándose siestas para transformarse, y justo hoy que hacemos remembranza de esta banda. The Clash contiene todos los elementos que en mi opinión se debieran conservar: ruido y dureza convertida en música cadenciosa y bailable. Recuerdo que a mis 16 años una morrita me puso 'London Calling' por primera vez y fue imposible no hundirse en esas calles oscuras y húmedas que suenan en las guitarras rítmicas y esos coros con suerte de alerta urbana que despiertan cualquier juventud extasiada. The Clash es esa banda que siempre estará presente para amenizar los momento más coreables de las fiestas de madrugada, o simplemente cuando el punk interior quiere explotar de emoción y mandar todo al carajo para sentirse libre con una sonrisa cínica. Le damos gracias a esta banda por haber influenciado a la creación de los sonidos más frescos del rock, cosa que falta hoy en día. Que se quede The Clash para siempre ¡eso ni se pregunta!".

 

Ro Desentis
Cascabel, The Bunyans

“Cuando comencé a adentrarme en el mundo del punk –gracias a la magia del Internet–, casi automáticamente conocí a The Clash 'la única banda que importa'. Creo que lo que más me impresiona y llena de esta banda cada vez que la escucho; es qué tan lejos pudieron llevar su música y su sonido. Desde el primer disco con canciones de tres acordes, hasta su evolución a una banda que incluye mil géneros e influencias, pero todo bajo su propia voz”.

#InternationalClashDay

A 35 años del 'Bares y Fondas' de Los Fabulosos Cadillacs

El León del Ritmo y el inicio de la mítica trayectoria de Los Fabulosos Cadillacs tuvieron nacimiento hace 35 años con la salida de su brillante álbum debut.

Pocas veces nos ponemos a pensar en la importancia que ha tenido el ska en el entorno musical latinoamericano. Y aunque en realidad robe poco espacio en cuestión mediática siempre está presente, ya sea en los grandes festivales o en las múltiples escenas de las grandes ciudades en el continente. Quizás el ejemplo más importante de evolución musical a partir de este género sea el de Los Fabulosos Cadillacs, una agrupación que tiene en su andar una discografía de las más completas y evolutivas que ha hecho cualquier banda de habla hispana.

Basta con mirar 35 años atrás, con el debut de su criticado e inexperto álbum Bares y Fondas. La agrupación se movía más que nada por su enorme deseo de tocar, y eso era incluso más fuerte que el hecho de saber poco o nada de música. Ese aspecto hizo que desde sus inicios en el 83 y 84 la banda no tuviera una visibilidad fuerte en comparación de otras, ya que de por sí se encontraba alejada de los sonidos comunes impuestos por unos ochentas donde predominaba el pop y el new wave argentino.

Pero fue también a raíz de su propuesta altamente influenciada por bandas como The Specials o Madness que lograron colarse entre las audiencias como algo fresco y prometedor, aun pese a las críticas de la prensa, que les veía como un combo de inexperiencia y poca credibilidad..

Fue entonces que en el 86, año de suma importancia para toda la cultura popular de Argentina, la agrupación liderada por Gabriel Fernández Capello (Vicentico) y Flavio Cianciarulo firmara por el sello Interdisc para grabar su álbum debut en las instalaciones de los estudios Moebio. ¿Quién sería el productor del esperado debut?, el encargado fue ni más ni menos que Daniel Melingo, quien hasta la fecha es uno de los más respetados en la industria al rededor del continente. y por si fuera poco, formó parte de Los Abuelos de La Nada junto a Miguel Abuelo y Andrés Calamaro, e igualmente cofundó la agrupación Los Twist.

Los Fabulosos Cadillacs_Bares y Fondas_

De como llevar el ska pintoresco a una elegante mezcla de instrumentos.

Bares y Fondas fue abreviado de "Noches Cálidas en Bares y Fondas", un nombre que aunque parezca algo fuera de contexto le hace mucha justicia a todo el álbum. Ese momento donde se reúnen los amigos para platicar y comer mientras la charla se hace cada vez más grata, así como aquellas noches de descontrol con cantos y peleas son sinónimo del ambiente musical y lírico por parte de Los Fabulosos Cadillacs.

Las letras de la banda era el aspecto más criticable, incluso más que su falta de conocimiento musical, y esto de debía tal vez a la sencillez de plasmar ideas o momentos por parte de la agrupación, cosa que hacía parecer que tenían poco esfuerzo, pero en realidad era todo lo contrario.

En este país se tiene un concepto totalmente equivocado de lo que es una buena y una mala letra. La pauta es que la gente cree que Fricción es un grupo intelectual o que Baglietto es un buen compositor. No es así. Las letras de Los Twist son mil veces mejores que las de Fito Páez, por ejemplo. Son más inteligentes y describen la realidad mucho mejor. Creo que nosotros, por lo menos, no escribimos estupideces, que no decimos que está todo bien, que no somos ni Palito Ortega ni Soda Stereo”, llegó a expresar Vicentico en entrevistas.

Y Bares y Fondas tiene muchas cosas que decir. En algunos temas como "Yo Quiero Morirme Acá", "Silencio, Hospital" y "Belcha" se muestran realidades que pueden ir de lo más cómico y anecdótico hasta lo más profundo, con toda la cuestión de los vicios como fondo. Es entonces que la banda hace un gran uso de las repeticiones, así como de esos coros cantados en colectivo, que recuerdan ese factor amistoso y que sin duda refleja bastante ánimo.

Pero podemos pensar en otros tracks como "Vos Sin Sentimiento", "La Manera Correcta de Gritar", "Tus Tontas Trampas" o "En Mis Venas", espacios donde la agrupación supo interpretar con mucha profundidad los coqueteos en el salón de baile, las complicaciones de una relación, el juego de correspondencia entre parejas, así como la confusión que pueden tener los finales de los romances. Así Los Fabulosos Cadillacs aspiraba a, de algún modo, hacer crónicas de lo dura que podía ser la vida juvenil y amorosa en una Argentina que apenas se reconstruía a raíz de la dictadura.

Finalmente, los puntos más importantes de todo el álbum es "Galápagos" que cuenta con una poética tremenda y demoledora, así como "Basta de Llamarme Así", donde Vicentico le canta a su fallecida hermana y hace una referencia a la muerte de una manera bastante cruda, pese a ser un álbum animado mayoritariamente.

Los Fabulosos Cadillacs_1986

Nació El León del Ritmo.

Una de las pautas tradicionales en los conciertos de Los Fabulosos Cadillacs es escuchar al final de las canciones a Flavio Cianciarulo decir "León del Ritmo". Y es un adjetivo nunca acreditado de su música que podría ser un buen parámetro apra interpretarles, un sonido "leonico". Bares y Fondas fue el inicio de una agrupación que apenas con los instrumentos básicos de una banda de rock decidió hacer ska con detalles de rocksteady interesantes. La mano en producción de Melingo sin duda es de gran peso, ya que el orden y el grado de composición en todo el álbum es por demás elegante.

Hay temas que no aspiran a más que ese ska divertido, con uno que otro teclado colorido, aunque de a poco los pocos vientos que aparecen en la trama iluminan a una agrupación que aspira al son, a baladas e incluso a destellos de funk rock. Importante aquí destacar aspectos como las piezas instrumentales del álbum, entre ellas "Bares y Fondas", que tiene un hermoso pasaje, digno de esa música de fondo que había en los bares familiares, así como la densidad de "Galápagos" y de "Basta de Llamarme Así", y finalmente el potente solo de saxofón en "Belcha" y en "Silencio, Hospital".

A lo largo de todo el álbum la banda apuesta por los grandes espacios sonoros, y eso es de agradecerse, ya que se disfruta, se baila y al mismo tiempo se sufre con sus historias. Parece que el deseo era únicamente tocar, pero la banda quería mucho más, y eso se ve claro en sus siguiente álbumes.

El youtuber español, Shauntrack, hace un viaje por la discografía de la banda que nos permite darnos cuenta de cuán importante fue su evolución. Y es que la banda es una en Bares y Fondas y otra muy distinta en El León, su obra más famosa. Ni se diga del grado de experimentación que da como resultado el Rey Azúcar, La Marcha del Golazo Solitario o Fabulosos Calavera, y es que la habilidad de emigrar por parte de una banda propiamente de ska a sonidos altamente complejos y mezclados es digno de apreciar. Aunque no esté considerada entre las mejores bandas de las historia, Los Fabulosos Cadillacs tiene una de las discografías más impresionantes de todas.

Hace cinco años que salió a la luz la última placa de la banda, llevó como nombre La Salvación de Solo y Juan y resultó se un ópera rock. Este trabajo es uno de los más ambiciosos hecho alguna vez por Los Fabulosos Cadillacs, y a través de él nos damos cuenta que ya no hay ni un desquicio de ska, ningún guitarrazo o coro juguetón. Es entonces que nos podemos dar cuenta del baluarte de una agrupación que logró salir de la casilla, cosa que pocos se atreven, más en un colchón tan poderoso como el que afronta gracias a su enorme audiencia.

Bares y Fondas marcó el inicio de una de las aventuras musicales más ricas de toda la música en español. Los Fabulosos Cadillacs es influencia directa de cientos de agrupaciones que vieron al ska como algo mayor, así como bandas de rock que se atrevieron a dar el paso a la instrumentación. Este 21 de agosto celebra 35 años de su lanzamiento y supervivencia a un 1986 que contó con Signos de Soda Stereo, Llegando los Monos de SUMO, el mundial de Argentina entre otras cosas. Con muy poco se hizo mucho y eso es pasar a la historia.

Te invitamos a revivir Bares y Fondas a continuación.

Ellevator comparte su nuevo sencillo “Easy”

Lo nuevo de la banda llegará para hacer una reflexión y lograr una conexión con sus fanáticos.

Han pasado dos años desde que Ellevator compartió su EP homónimo, y desde entonces la agrupación canadiense no había compartido nada nuevo hasta hoy, que sorprende a su público con la llegada de “Easy”, el primer adelanto de lo que será su nuevo álbum el cual prevé llegar el próximo año a través de Arts and Crafts México.

Producido por Chris Walla, el tema es una emocionante entrega compuesta por melodrama que se puntualiza a través de la voz de la líder, Nadi Sue Bersche. Es a través de una interesante fusión de rock melódico como la banda da a entender las diferentes etapas de la vida y la educación que vas recibiendo a la par; para bien o para mal, todos fuimos educados de distinta manera.

Esta canción trata sobre las cosas buenas y malas que nos educaron para creer. Estaba cautiva por una ideología que limitaba severamente mi vida y la perspectiva del mundo que me rodeaba. Es un proceso en el que todavía estoy trabajando", explicó Nabi en un comunicado de prensa

“Easy” llega acompañado de un video musical dirigido por Cam Veitch filmado en Ontario, Canadá en el que se observa a Ellevator interpretar la melodía en la azotea. Te lo compartimos a continuación:

Escucha “Capuchin” (Wehbba remix) de Martin Gore (Depeche Mode) 

Hipnosis y trance digno de un rave.

El productor brasileño de música electrónica, Wehbba, viene a darte un sacudida auditiva con el nuevo remix de “Capuchin”, track perteneciente a The Third Chimpanzee, el más reciente EP de Martin Lee Gore, miembro fundador, principal compositor, tecladista y guitarrista de Depeche Mode. Esta oscura aleación techno y todo el compilado se encuentran actualmente disponibles a través de Mute

En esta remezcla, el DJ sudamericano imprime una hipnótica secuencia de sintetizadores modulares, beats amplificados, constantes y explosivos, el cual originalmente posee un ambiente experimental, y a partir de ello, se transforma a esa esencia club con la que puedes bailar en un transe toda la noche. 

Dentro de este larga duración de mezclas, Martin invita a otros proyectos como ANNA, Barker, JakoJako, The Exaltics, Rrose, Chris Liebing, entre algunos otros, a transmutar las cinco piezas de su EP: “Howler”, “Mandrill”, “Vervet”, “Howler’s End” y este reciente lanzamiento. 

Por su parte, Wehbba compartió el año pasado su álbum Straight Lines & Sharp Corners, en el que presenta una conceptualización del trance techno con trece temas de alta frecuencia que te dejarán con ganas de un rave; además de liberar anteriormente su series de EPs, Red Planet y We Have a Bass en 2019. 

Escucha The Third Chimpanzee Remixed y conoce más de Wehbba o Martin Gore aquí en Indie Rocks! 

Yaf Swamy imprime experimentación en su nuevo LP, ‘Remixes’

Un álbum colaborativo de remezclas y resultados mindblowing.

El trío chilango de electro pop experimental, Yaf Swamy, sorprende con una nueva recopilación discográfica titulada Remixes, un LP repleto de remezclas colaborativas de la mano de una extensa variedad de artistas emergentes, locales y foráneos; en pocas palabras, un gama de colores y propuestas underground en un solo lugar. 

Con extractos que oscilan entre la electrónica experimental “hasta lo outsider”, 18 proyectos imprimen y edifican lo mejor del lo-fi, hyper pop, synth pop,  psych rock, punk-jazz, y mucho más. 

Este compilado cuenta con la participación de AMONG, el intérprete de música clásica contemporánea Rodrigo Grillo Grillasca y al guitarrista experimental Emiliano Cruz (Torso Corso), Vrauss, Cosmic Chaos, jaz, L.Paul, Emiliano Cruz, entre otros; mientras que la mitad del disco cuenta con remixes realizados por la misma banda, con motivo de su participación en el el festival de realidad virtual, Rufianes y Amigos

Por otra parte, esta tercia compartió recientemente su single “Nueces”, una aleación folklórica que se une a través de una balada campirana que roza los campos de su experimentalidad. Mientras que en lo que va del año han liberado “Snakesong” y “2020”

Yaf Swamy es un grupo que describe su sonoridad como “blogwave/hyperpop/alternativo/pop-comunista/crayolawave/computadoracore/hydropop/bubblegoth type beat”, así es, así de extenso. Un universo de glitchs y expresiones digitales que se permean de la cultural del internet. Si te gusta explorar nuevos sonidos y lo tuyo son proyectos como 100gecs, quizá esto esté en tu lista de reproducción. 

No olvides escuchar Remixes y seguir a Yaf Swamy en todas sus redes sociales

Pavlo presenta un EP de remixes para “Espirales”

El Eterno Retorno de Friedrich Nietzsche musicalizado.

El productor colombiano se encuentra cerca del lanzamiento de su nuevo álbum El Eterno Retorno, el cual prevé llegar el próximo 24 de septiembre, previo a su estreno Pavlo ha estado compartiendo diferentes sencillos que serán parte de esta producción, uno de ellos es "Espirales", una canción que retrata el loop del duelo que en propias palabras del intérprete "transmite el agotamiento emocional, lo abrumador que puede ser el hecho de sentir que repites la misma historia queriendo salir de un desamor tormentoso".

La premisa de la canción es tormentosa, sin embargo el ritmo ofrece un contraste que aliviana estas líneas y que al mismo tiempo te permiten disfrutar de la pista: bailándola.

 "Mi inspiración sonora fue Donna Summer y Disclosure. Quería que esta canción se sintiera mística, como si estuvieras bajo un hechizo tratando de salir de él, reflejar rabia y dolor, decepción, pero a la vez empoderamiento. Quise hacer una canción oscura y fuerte", explica Pavlo en un comunicado de prensa.

Para "Espirales", el músico colombiano presenta hoy un EP de remixes que incluye la participación de proyectos amigos como es el caso de Babelgam, Tonicamo, Lu Zero y Amel Amaru; cada uno aporta su esencia en la pista original y la transforma en beats ideales para gozar. El material ya se encuentra disponible en las diferentes plataformas de streaming. Te lo compartimos a continuación para que lo escuches:

 

Escucha “Cúrame” de Denise Gutiérrez y Yamil Rezc

El tema aparece en el documental Fruits of Labor de Emily Cohen Ibáñez.

Esta mañana aterrizó en plataformas digitales el sencillo "Cúrame", una colaboración de la cantautora Denise Gutiérrez (Hello Seahorse!, MexFutura) con el compositor y productor mexicano Yamil Rezc (Yo Camaleón). ¡Escúchalo a continuación!

El tema forma parte del soundtrack del documental Fruits of Labor de Emily Cohen Ibáñez, el cual cuenta la historia de Ashley, una adolescente mexicana-estadounidense que sueña con ir a la universidad pero que se ve obligada a convertirse en el sostén de su familia, luchando diariamente contra las fuerzas visibles e invisibles que los mantienen atrapados en un ciclo de pobreza. La película se estrenó en marzo de este año en el festival South by Southwest y después se proyectó en el Festival de Cine Independiente de Boston. Aquí te dejamos un avance del film.

Recientemente Denise Gutiérrez colaboró con la agrupación puertorriqueña Circo para una nueva versión de su canción “Si Tú Te Vas”, mientras que Yamil Rezc participó en la producción del sencillo “Bilsom Electrina” del proyecto Silva de Alegría del cantautor mexicano Sergio Silva.

Sigue atento a Indie Rocks! para más novedades.

Así suena “Crucifijo”, el nuevo sencillo de Las Visiones

Sumérgete en 11 minutos de ruido, distorsión y efectos.

El trío tapatío de garage, psicodelia y stoner rock, Las Visiones, está cada vez más cerca de su álbum debut titulado Cruces de Neón. Por ello, Richie (bajo), Pedro (guitarra, voz) y Abel (batería) nos presentan un nuevo adelanto de este material: “Crucifijo”, con su extensa duración, seguro te volará la cabeza si eres amante de las guitarras distorsionadas.

A diferencia del anterior sencillo “Multiverso”, que mostraba una faceta más heavy y cercana al metal, “Crucifijo” se acerca al garage con toques de psych, a través de una percusión vertiginosa y riffs de guitarra que se repiten al infinito por nada más y nada menos que 11 minutos. Déjate llevar por el ruido y dale play a continuación.

Desde su proceso de composición, sabíamos que ‘Crucifijo’ sería la pieza con la que nos gustaría cerrar nuestros conciertos. Prepárense para 11 minutos de una ráfaga de efectos, feedback e intensidad”, comenta Las Visiones en Instagram.

El estreno de Cruces de Neón está cada vez más cerca. Las Visiones ya presentó este álbum en vivo en un showcase realizado en el Centro Centro de Guadalajara con Mortemart de grupo invitado. No olvides seguir a este trío en redes sociales para que no te pierdas su nueva música.