The War On Drugs — I Don't Live Here Anymore

Posted on noviembre 8, 2021 by -

Con el invierno, llega la reflexión; damos vuelta a la nostalgia y nos identificamos con lo desconocido para encontrar nuestro destino.

I Don’t Live Here Anymore es el quinto álbum de estudio de The War On Drugs. Desde el momento en que nos encontramos con este nos sumergimos con una gran interrogante. La portada es de colores claros y nítidos que contrastan con lo oscuro de su anterior trabajo A Deeper Understanding. ¿Qué podemos esperar de Adam Granduciel y compañía?

El álbum no se aleja de lo que hemos escuchado en años pasado, sino que lo perfecciona y lo hace evidente. Las melodías, limpias e ilustres, iluminan el camino entre una neblina en pleno invierno. La lírica podría parecer el típico cliché al imaginarnos versos románticos o nostálgicos en el que retumban palabras como “dream”, “babe”, “love”, “freedom” y “darkness”. Al final, es una bola de nieve que al ser lanzada se desintegra en millones de copos en busca de su propio destino entre sueños y memorias.

La pieza que abre es “Living Proof”, con una arreglo de cuerdas y un piano rígido. En el fondo, escuchamos el ambiente que nos remonta a la época de lo análogo hasta toparnos con un bombo profundo. “Harmonia’s Dream” es pop apasionante para las almas viajeras en tiempo y espacio; con los sintetizadores nos movemos como ráfagas llenos de sueños e inestabilidad a la incertidumbre. 

En “Change” la percusión de Charlie Hall toma liderazgo marcando el paso mientras emprendemos nuestro camino. En ocasiones nos encontramos con una voz rasposa  y cansada: “maybe I was born too late / maybe I was born in the wrong way / maybe born on the wrong day”. Nunca permanecemos constantes, siempre cambiamos tratando de encontrarnos a nosotros mismos y nuestras partes perdidas en otras épocas. 

“I Don’t Wanna Wait” se arriesga al añadir un tinte electrónico creando un espacio etéreo con una voz disuelta. Con una guitarra distorsionada iniciamos el conteo para despegar y regresar a la Tierra. “Victim” es una segunda parte, que nos envuelve en una nube de misterio mientras espera a explotar. Los instrumentos son vagos, la armónica característica de la banda hace una breve aparición y nos da un vuelco en el corazón, pero la voz se quiebra mientras suelta las palabras “when you feel alone, can you really feel alive?”.

El tema que le da nombre al álbum “I Don’t Live Here Anymore” es un himno que se consolidará con el tiempo. La batería con vibras ochenteras y coros góspel podrán ser coreados muy pronto en un estadio con miles de personas. Cabe recalcar que Granduciel trabajó con The Killers en el 2020 para la producción del álbum Imploding The Mirage, por lo que el parecido es mera coincidencia. 

“Old Skin” nos remonta a los temas folk con los que conocimos a The War On Drugs. La voz otorga paz y la pandereta esperanza hacia un nuevo comienzo. Un tema que espera ser cantado en frente de un chimenea. “Rings Around My Father’s Eyes” continua con la serenidad, haciendo referencia a las marcas físicas que el tiempo otorga al cuerpo. Finalmente, “Ocassional Rain” es la pieza de la buenaventura, “now I'm a stranger and I don't know why” el cambio llegó; inesperado o no siempre será bueno. 

Un álbum perfectamente balanceado, que nos invita a reflexionar sobre nuestro pasado. I Don't Live Here Anymore será una incógnita que tomará un significado real conforme el escucha se permita analizar e interpretar las poéticas letras. Tal vez huimos, tal vez salimos exitosos y solo miramos con orgullo. Vive el álbum tú mismo, ponte cómodo y disfruta con una buena bebida caliente. 

 

 

Peces Raros — Dogma

Posted on noviembre 8, 2021 by -

Iluminados sonidos electrizantes y densas historias nocturnas. Peces Raros consolida su sonido y muestra gran madurez a través de su cuarta placa.

Muchas veces se habla de la música como una especie de lienzo, donde quedan grabadas emociones, texturas y discursos. Es impresionante ver como los artistas en diferentes géneros logran catapultar ideas y plasmar de una forma tan precisa lo que sea que tienen planeado, y aquí la pregunta es ¿Cómo plasmar la energía?. Se cree sencillo, ya que siempre hay música que tiene un impulso y es veloz, pero cuando hablamos de energía, esa suerte de luz y destellos eléctricos que imaginamos al escuchar la palabra no podemos dejar de mencionar a Peces Raros, que en su nueva placa llamada Dogma lo logra.

La banda argentina desde sus orígenes siempre ha apostado por romper esa barrera entre el rock y la música electrónica allegada al tecno. Y si hacemos una retrospectiva cinco años atrás, cuando salía Parte de Un Mal Sueño con aquellas mezclas de indie, un sample agresivo de Justice y mucha violencia sonora, nos damos cuenta que con el paso del tiempo Peces Raros ha sabido consolidar y madurar sus ideas para que Dogma sea su álbum más sólido hasta la fecha, sin quitar mérito a los anteriores que igual son muy buenos.

Dogma es un álbum que opera de forma muy especial. A diferencia de otros registros donde sin duda prevalece el espectro roquero, la banda se acerca más a los caminos electrónicos a través de capas de sintetizadores y cajas de ritmo interesantes, donde toma protagonismo una serie de voces misteriosas y coquetas con la timidez. La gama de texturas es para dejarse estimular los oídos, y en buena parte es gracias al trabajo en producción, mezcla y master de personas como Juan Stewart, Javier Fracchia y Lamadrid.

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Sonido irrefutable.

Al escuchar Dogma no puedo dejar de pensar en la evolución musical de Peces Raros. La agrupación ha sabido combinar en esta placa la energía de álbumes anteriores con toques elegantes y detalles minimalistas novedosos, y si bien, este nuevo disco no es precisamente el más explosivo de la banda, si que es probablemente el más sólido canción por canción.

Tiene una apertura bestial con "Cicuta" y "Fabulaciones", temas que destacan por sus beats fluidos, así como el emparejamiento de guitarras con arpegios de sintetizadores que mezclan el ruido con la elegancia. Entonces el resultado nos da a entender que Peces Raros no es una banda suave, más bien es rock con electro intenso para romper la pista de baile y el escenario. Es Justice, Disclosure, Babasónicos y Charly García al mismo tiempo.

A lo largo de Dogma la agrupación sabe meter el freno para matizar y, de algún modo, darle un sentido un tanto cinematográfico al álbum. "Antes de Que Nos Despierten" y "Reliquia" son canciones que te hacen esperar para escuchar satisfactorios desenlaces, donde cada elemento sonoro entiende su momento de brillar y tiene bastante orden. Cierra la primer mitad con "Infieles", un corte un poco más minimalista, donde de algún modo se siente más compacta la banda y nos ayuda a encontrar una trama emocionante que va de menos a más.

"Insuficiente" es la canción enérgica con la que abre la segunda parte, y a partir de aquí la banda experimenta con silencios, cambios de ritmo y acercamientos a otros géneros, temas como "Misceláneas" y "Espora" aspiran a otra cosa y celebran de algún modo el desapego con el electro para mostrar una cara de la banda que se acerca al R&B y al mismo tiempo es oportunidad para relajarse y encontrar otro sentido.

Rumbo al final aparece "Luz del Sol", una última estocada roquera llena de bajos contundentes y sintetizadores sublimes para dejar un cierre climático y épico. El aprovechamiento de silencios y un uso brutal de armonías llenas de altibajos podrían representar el momento más emotivo del álbum. Dogma cierra con "Aluminio", una pieza sensible que te deja completamente perplejo gracias al uso de sintetizadores y un beat suave, que permite a la voz aportar un canto que suena a himno.

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Verdades absolutas para sentir a la distancia.

A todo esto, ¿Qué es un dogma y por qué nos aferramos tanto a aquellas cosas en las que creemos?. Me gusta pensar que siempre hay algo en nuestro instinto, que nos hace atesorar esas cosas que la vida nos ha hecho ver como verdades. Si lo pensamos, más allá de hacernos dividir, los dogmas tienen un lado hermoso, ya que logran impactar en la vida de las personas para siempre, se adentran en nuestra humanidad y nos dan un motivo para seguir en este mundo donde todos pretendemos tener razón.

Peces Raros tiene en sus letras una poética bastante rica, que de muchos modos es bastante humana. La agrupación argentina aprovecha en Dogma para dejar anécdotas que rozan el dolor, el miedo y al mismo tiempo la esperanza que nos deja el amor pese a los golpes, así como el mundo de las sombras que nos persiguen, esa especie de pasado imborrable que está a nuestro costado. Al final, y pese a cualquier interpretación que pueda hacer, las canciones de la banda gozan de un lenguaje rico, que el escucha puede asimilar a su forma e impresionarse palabra a palabra.

Por último, Dogma es un disco para retarse a si mismo, para escalar en una montaña de sonidos que parecen imposibles, ya que te hacen llegar al extremo pero sin perder ese sentido estético vanguardista. Peces Raros se consolida como un proyecto independiente que tiene las herramientas sonoras necesarias para volar cabezas y para reinventar esa idea conservadora que se tiene de lo que debe ser el rock.

Si estás dispuesto a escuchar algo nuevo, que cambie los paradigmas que tienes de la música, seguramente Dogma de Peces Raros es la opción. Te invitamos a darle play a continuación.

Entrevista con Cecilia Toussaint

Posted on noviembre 8, 2021 by -

Cuando la música se hace con amor.

¿Cómo se construyen 42 años de carrera artística? Cecilia Toussaint no tiene la formula exacta, pero podemos deducir que en el compromiso y la pasión musical, está la clave para responder porque ella sigue aquí, mientras que otros se han marchado.  Este año y tras lanzar el disco Cromático (Producciones Al Vapor, 2020) la cantante decide emprender otro viaje, un homenaje a los compositores que llevará por nombre El Lado Sur de Mi Corazón, que con la presencia de su voz, sería difícil no volver a cautivar.

Fue necesidad de reconocer y hacer un homenaje desde mi lugar y con muchísimo respeto a compositores que yo considero fundamentales, que han acompañado a muchísimas generaciones, que han hecho excelente música, excelentes canciones. Es mi manera nada más de reconocer, no es una cuestión de nostalgia, no es una cuestión de revisión, es una cuestión amorosa, de respeto”.

Para este trabajo Cecilia se trasladó 20 días con rumbo hacia Argentina para reunirse con su cómplice para esta misión, el productor Tweety González quien además de ser considerado el ‘Cuarto Soda Stereo’ es uno de los productores fundamentales de la escena independiente y mainstream de los últimos años y que pese a la brevedad de la estancia lograron concretar estas canciones.

Es un melómano, una gente entrañable, es muy buen músico, le gusta mucho la música, es muy respetuoso con el trabajo de los demás, entonces trabajar con él fue un placer, aparte pues estuve en Buenos Aires, entonces me estuvo llevando a conciertos, estuvimos compartiendo muchas cosas, y la verdad que fue una experiencia bellísima que espero poder repetir".

Para este disco, ya tuvimos la oportunidad de escuchar avances con antelación cómo "Mientes" de Charly García y Pedro Aznar, “Esperando Nacer” también de García con David Lebon, “Cactus” de Gustavo Cerati y por ultimo “Perdido en ti”, de Luis Alberto Spinetta. En total serán 11 canciones más unos bonus tracks a manera de sorpresa, que incluirá una colaboración aun por revelar.

Hay una cantidad enorme de música en el mundo, y no importa el país en dónde sale yo creo que justo es importante darle su lugar, presentárselo a la gente que no lo conoce, recordársela a la gente que sí la conoce, y para mí como interprete es fantástico poder, hacer el trabajo creativo, interpretativo de diferentes compositores, es muy enriquecedor”.

Así es como estos temas tienen una nueva vida gracias a su voz, un instrumento al que respeta mucho, que es parte importante no sólo de su cuerpo, también de su alma con quien tiene una conexión tan profunda, que al preguntarle si hay alguna diferencia con los inicios de su carrera, ella no tiene claro.

La voz no va sola, la voz va acompañada de tu alma, va acompañada de tu corazón, evidentemente cada cosa que vives en la vida de alguna manera marca a tu sonido, yo la cuido muchísimo, pero no es nada más el instrumento; el instrumento solo no aporta nada, lo que necesitas es tener tu corazón y tu alma si no puedes ser muy increíble como ejecutante, pero no pasa nada y creo que lo importante es que pase”.

Y es un hecho que va pasar, la primera parada para escuchar este disco, que llegará a finales del año es en la edición 2022 del Vive Latino, dónde nos dará una probada del su próximo show, El Lado Sur de Mi Corazón. En dónde presentara las canciones de estos dos trabajos y que espera será el inicio de una gira más grande que la lleve a recorrer el país. A la par Cecilia continua con su trabajo como actriz como parte del elenco de Rock En Tu Idioma, por lo que el escenario seguirá siendo una constante en su carrera.

“Creo que la experiencia de escucharme en plataformas, y la experiencia de escucharme en vivo son totalmente diferentes, creo que tengo una banda muy poderosa, sonamos muy bien en vivo, la verdad es que tengo muy buenos músicos, entonces creo que vale muchísimo la pena”.

Festival Hipnosis 2021

Posted on noviembre 7, 2021 by -

Bajo edificios imponentes, en el cobijo del sur de la Ciudad, Hipnosis celebró la vida y el legado de la música lisérgica.

“Hace año y medio que no nos metemos a un slam. Así que, si quieren perder el control, este es el momento”. De esa forma lo dijo Carlos, vocalista de Mengers, antes de que se manifestara en gritos y empujones la energía contenida de un público expectante —ya caliente en las primeras horas de la tarde por los guitarrazos de Mature Over Rated Animals y su lluvia de playeras—. Justo ahí, con esas palabras, se desahogaron los meses de espera y se cortó el listón del Hipnosis 2021. Un evento que esperábamos no solo por la vuelta a los festivales de nicho, sino por la promesa del rock, del trip multidisciplinario transmedial y, por supuesto, del “cachito de Avándaro” deseado por toda una nueva generación de escuchas: “Creo que estamos transmitiendo en vivo. Vamos a tocar ‘Tenemos el poder’ para que nos corten”, bromeó Carlos, como el primer guiño al legendario festival y a la nostalgia por el pasado que acarrearía la noche.

La referencia de Mengers a Avándaro no fue casualidad: Hipnosis 2021 fue un encuentro entre generaciones del rock mexicano, así como entre talentos internacionales que, aunque disímiles en su estilo musical, comparten el gusto por la estimulación de los sentidos —para lo que el doble escenario, exterior e interior, jugó un rol importante—. Por ello, no fue extraño coincidir con las líneas de bajo comandadas por Deradoorian mientras, fuera, Amparo Carmen Teresa Yolanda vaticinaba la celebración a la vida con una justa dedicatoria de su concierto “a todas las personas que ya no están”. De esa misma forma, encontramos a un Tonstartssbandht que dominó el espacio con apenas dos integrantes y los coros de “Smilehenge” y “Magic Pig” mientras Ty Segall, alistándose para la explosión de fuzz, quebraba un par de cervezas en su show acústico donde lo escuchaba un público sentado en el suelo cual noche de camping.

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Pese a esta introducción, fue caída la tarde cuando los sentidos explotaron de verdad e inició un viaje sin retorno a las raíces de la psicodelia: La Luz dio cátedra de cómo dominar un escenario con sus teclados ácidos, que oscilaban entre el rock más sofisticado y chill (“Call Me In The Day”, “California Finally”) y la herencia heavy psych de Iron Butterfly o Jefferson Airplane. Sobre esa misma línea, Fuzz llenó el escenario exterior de riffs disonantes a la vieja usanza de Black Sabbath, los cuales escalaron la tensión hasta reventarla en los coros de temas con sabor a rock clásico como “What’s In My Head?”. 

Sin embargo, si habría que escoger un acto de este bloque, sin duda la nominación va para Sugar Candy Mountain: Ash Reiter, como la guitarra líder que siempre deseó ser, comandó una exploración de pop psicodélico con los coros apapachadores de “Playground Love”, “Windows” e “Impression”, si bien dejó en el camino largos pasajes con rastros de bubblegum pop y hasta de motorik. (Por cierto, fue su interpretación de “666” la que logró lo imposible, e inesperadamente me obligó a cumplir el cliché del melómano sensiblero: conmoverme hasta las lágrimas y hacerme tremendo nudo en la garganta).

Pero esta emoción era apenas la puerta de entrada para la nostalgia que se gestaba en las paredes del escenario interno, donde tres generaciones de experimentación mexicana se encontraron de frente. Lorelle Meets the Obsolete y Diles Que No Me Maten —una de las presentaciones más catárticas de la noche por sus agresivos spoken word y líneas de saxofón— abrieron la puerta a ese pequeño momento de Historia que muchas personas ansiaban presenciar: el reencuentro de Dug Dug’s con su set especial de Avándaro. Armando Nava, con el sonido heavy que siempre mereció su banda, convocó a un momento de paz, amor, encendedores arriba y signos de la victoria, a través de temas que hoy bien resuenan como clásicos de culto: “I Don’t Care”, “Cambia, Cambia”, “Stupid People” y, por supuesto, “La Gente” con su coro extendido: “la gente caminando va, que viene y va”. Aunque se extrañaron sobremanera los visuales referentes a Avándaro, fue imposible que no brotara la pregunta: si esto sonó así hace 50 años, ¿cómo se habrá sentido estar ahí?

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Terminadas las lágrimas, llegó el último subidón de la noche. Sobre visuales rojos y un efecto demoníaco, TR/ST dejaba en la pista un performance con tintes de glam y grandilocuencia, al que la gente reaccionó con los gritos al ritmo de “Shoom” y “Sulk”; eso sí, para algunos fans resultó anticlimático que el proyecto de Robert Alfons se presentara con dos integrantes en vez de un grupo completo. No ocurrió lo mismo con La Femme, que se coronó como el acto de la noche —y una de sus mayores sorpresas— con la mezcla de teatralidad y elegancia de sus showmen y showgirls. Entre sintetizadores, vocales en tres idiomas, ritmos frenéticos y ese toque especial de sensualidad francesa, el sexteto terminó por reventar el escenario exterior y hasta un mosh pit en “Antitaxi”.

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Ya con las piernas agotadas, los sentidos aturdidos y como cinco despertares espirituales, comenzó el éxodo hacia mundo exterior al ritmo stoner doom de Monolord. Las guitarras sucias y el desfile de headbangs dieron las últimas pinceladas a la noche, mientras los asistentes comenzábamos a procesar todo lo ocurrido. El trip, el misticismo y el estímulo, pero también la nostalgia y el reencuentro marcaron el regreso a Hipnosis, un festival que continúa su reinvención y, aún con 18 meses de pandemia encima más una retahíla de transformaciones, continúa vigente como una celebración a la vida y a la psicodelia. Pese al ajuste de horarios y el empalme de algunos actos, Hipnosis cumplió con ofrecer un espacio de comunión y re-conexión, donde se confirmó el axioma por todos ya sabido: el Hipnosis sigue siendo el Hipnosis.

¡Nos vemos a la próxima!

Hipnosis 2021: La Femme + Build a Vista en el Foro Indie Rocks!

Posted on noviembre 6, 2021 by -

“Aquí hay fuego”, soltaba Sacha Got con amor para el concierto.

El cine negro de los años 40 vio nacer a uno de los arquetipos más ampliamente replicados a lo largo de la cultura pop, impulsado en sus raíces por la búsqueda de libertad apasionada a la que todos nos sentimos terriblemente atraídos; la femme fatale. Hoy en día, el tropo ha logrado resignificarse para ir más allá de una etiqueta de lo femenino y convertirse en un estandarte de intensidad sensorial, expresividad e impulso cardíaco, retratado fielmente en noches como la que nos regaló La Femme, en compañía de Build a Vista, a los adentros de la joya de la Roma Norte.

El cortejo daba inicio con un sampleo sintético de voz presagiando el primer rasgueo a cargo de los capitalinos, volviendo de “Lying Lips” la mirada introductoria al trance de psicodelia y seducción a filo de bajo, teclado, guitarra y batería. El setlist avanzaría enmarcado deliciosamente por el cambio en la instrumentación en manos de Pablo Olea, resaltando los chispazos de cajas de ritmo y cascabeles cortesía del baterista Julián Bayod.

Tras poco más de tres cortes y el respiro constante brindado por los fragmentos de monólogo a través del PA, Build a Vista dejaba caer sobre los asistentes la celebrada “Close to the Edge”, plantando un beso en la comisura sonora de nuestras sensibilidades sin reparar en el estremecer de los escuchas.

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El incendio sensitivo continuaría escalando con el tronar del groove desértico entregado por el cuarteto, llevándonos al punto más intenso del acto abridor con “Tu Voz”, volando cabezas en un blast de sonoridades ultragarage hacia el final de la presentación.

Así y tras cruzar miradas de manera intermitente sería La Femme, vestidos en los ya icónicos trajes blancos, quien se lanzaría contra nosotros al grito de “Nouvelle-Orléans”, seguida de una ráfaga de melodías cálidas de la mano de “Cool Colorado”, “Où va le monde” y “Va”. Llegado este punto toda intención era clara, en el sentir, en el bailar, en cada gramo de nuestro ser; préndenos fuego femme.

El estallido arrancaría las paredes del venue de la mano de “Foutre le bordel” y “Sur la planche 2013”, convirtiendo al público en un arrebato sonoro de danza, slam y gritos a merced de los franceses, quienes habían entregado al frontman y tecladista Marlon Magnée como tributo al crowdsurfing entre las palmas de los asistentes.

Existen pocas bandas con una presencia suficientemente imponente como para rendir, a base de carisma y belleza armónica, la multitud que se le ponga en frente. Aún menos las bandas con la autoconsciencia suficiente de este espíritu como para hacer atracciones dionisíacas de la cautividad. La Femme lo tiene todo, se muerde los labios y explota sensiblemente oído, cráneo y corazón.

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A partir de ahí el concierto oscilaría entre flamazos de influencias intercontinentales como “Le Jardin” o “Pasadena” terminando en la combustión de frenesí espontáneo de la mano de “Antitaxi”, dejando correr el encore a cargo de “Paris 2012” y “Tatiana”.

Como si más de dos horas rindiendo culto al sacro ruido no hubieran bastado, la última estocada la daría el Teatro Lúcido, presentando, en un capricho de teatralidad y performance, uno de los más fervientes riesgos corridos por organizadores de conciertos. El diálogo poético Ojos de perro verdes nos regalaría un salvaje recorrido por la sensualidad humana, tronidos de látigo, simbolismos marinos, acrobacias, luminiscencia y un duelo de espadas sellado con la muerte entre los labios, con una atmósfera sonora dejada a la voluntad inconfundible de La Femme.

Slipknot comparte su nueva canción, “The Chapeltown Rag”

Posted on noviembre 5, 2021 by -

En este tema, la banda hace una crítica a la manipulación de la sociedad por parte de las redes y los medios de comunicación.

Después de más de más de 26 años de carrera, Slipknot sigue encontrando maneras nuevas de volarnos la cabeza cada que saca una canción nueva o un álbum nuevo. Con "The Chapeltown Rag" lo vuelve a hacer y reafirma el lugar en la cima que desde hace muchos años tiene dentro de la escena del death metal.

 

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En esta canción Corey Taylor y compañía inician con dos frases que resumen de qué va la canción: "Read all about it if you wanna know. Read all about what they want you to know". Después ofrece una batería tocada frenéticamente con un doble bombo, redobles poderosos y golpes fúricos a los platillos. La interpretación de Taylor es impecable, con sonidos guturales y una potencia que hacen erizar la piel al escucharla.

 

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Acerca del tema que trata "The Chapeltown Rag" el mismo Corey Taylor declaró en una entrevista que "viene de un punto de hablar sobre las diversas manipulaciones que pueden ocurrir cuando las redes sociales se encuentran con los medios en sí mismos y las diferentes formas en que estas manipulaciones pueden intentar llevarnos en diferentes direcciones, en el hecho de que todos nos estamos volviendo adictos, lo cual es muy, muy peligroso".

Checa la canción a continuación con el video que fue subido al canal de YouTube de Slipknot el cual cuenta con la imagen alterada de un rostro con pasamontañas.

Hipnosis 2021: Sugar Candy Mountain + Mint Field en el Foro Indie Rocks!

Posted on noviembre 5, 2021 by -

Una noche inmersiva y memorable.

La espera de dos años terminó, la pandemia nos alejó de nuestro amado festival Hipnosis y el anhelo por volvernos a encontrar bajo la estridencia de la música en vivo se hacía cada vez más grande. Anoche disfrutamos del primero de cuatro shows que tendrá la edición 2021 del festival, siendo Sugar Candy Mountain y Mint Field las bandas elegidas para inaugurar las acciones.

El Foro Indie Rocks!, sede de este show, se cubrió de texturas psicodélicas a lo largo y ancho del escenario gracias a Mad Alchemy, un show análogo de visuales proyectados en equipos de alta definición proveniente de San Francisco, liderado por Lance Gordon desde 1971. Estos visuales fueron nuestro acompañante perfecto a lo largo de esta noche, pues las transiciones coloridas al ritmo de la música crearon una experiencia inmersiva hipnotizante.

Estrella y Sebastián subieron al escenario para transportarnos con su música hacia los recuerdos, tocando en su mayoría canciones de su último disco Sentimiento Mundial recién estrenado el año pasado, dando también un recorrido por sus viejos temas, incluyendo una versión de “Aire”, canción que Mecano hiciese famosa años atrás, pero con la profundidad y melancolía que solo Mint Field puede transmitir.

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El momento estelar de la noche llegaba, Sugar Candy Mountain se presentaba por primera vez ante un público mexicano que desde el inicio del show les recibió con cálidos aplausos y gritos. “Echopraxia” fue el tema telonero, mismo que se mezclaría con un cover a Air de “Playground Love” y con “Tired”. Los visuales de Mad Alchemy aderezaban el show, generando que nuestra piel se erizara a la par que escuchábamos “Sucette” y “Eyes on You” dando muestra de su pop psicodélico californiano que tanto nos gusta.

“Who I Am” nos puso a corear, brincar y menear la cabeza al ritmo de la batería, para posteriormente reducir de nuevo las revoluciones para flotar mientras “Cactus Dream”, “Outside In” y “Summer of Our Discontent” nos elevaban suavemente.

Las potentes líneas de bajo de “Running From Fire” retumbaban en todo el recinto, para teletransportarnos posteriormente a otras latitudes de la mano de “Uva Uvam Vivendo Varia Fit”, canción llena de cambios de ritmo y texturas, todo un manjar auditivo.

“Impression” y “Change” fueron mezcladas homogéneamente creando un solo tema de larga duración que nos sumergiría en un mar de emociones, complementándose perfectamente con “Please Don’t Look Away”, de mis canciones favoritas de su más reciente álbum.

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Ash Reiter, vocalista y líder de la banda, no paraba de agradecer y mostrar su alegría al ver al público mexicano disfrutar del espectáculo. Esta noche nos deleitarían con otro cover, “It’s a Sin To Go Away” de We All together, siendo interpretada intensamente por los californianos, siendo la antesala del final del concierto.

Con muchísima energía, el público cantó “666” abrazándose en símbolo de unidad después de tanto tiempo con sana distancia, elevando las vibras para liberarnos de cualquier mal dentro de un pequeño mosh pit al ritmo de “Atlas”, concluyendo al momento este memorable show.

Luego de un breve descanso, Sugar Candy Montain regresa a escena, anunciándonos el cumpleaños de Ash, a lo que el público reaccionó cantándole las mañanitas brevemente, antes de que “Windows” y “Tidal Wave” concluyeran el recital entre un público que volvía a bailar y brincar efusivamente.

Esta noche fue el termómetro ideal para medir la calidez dispuesta por el público, las bandas y los organizadores de Hipnosis 2021, prometiéndonos un fin de semana lleno de música, magia, psicodelia y diversión.

Microhm anuncia su EP, ‘Space Time Foam’

Posted on noviembre 5, 2021 by -

La concepción sonora del espacio-tiempo.

La artista y productor mexicana, Leslie García, presenta su nueva producción de corta duración, Space Time Foam, una exploración narrativa sobre teorías de física cuántica, viajes en el tiempo y agujeros negros como hilo conductor de la “dislocación cuántica”. Dicho EP estará disponible este próximo 18 de noviembre a través de ANTImateria Sonora. 

Microhm reúne distintos elementos del new wave ochentero, el techno y ambient deconstruidos de la década de los dos mil, para crear una atmósfera espacial, reverberante y enteramente traída del mundo de los sintetizadores modulares. 

El tiempo es un invento complejo y hermoso para abarcar la realidad y construirla a partir de ritmos y secuencias con una calidad casi musical. A veces, cuando sueño, todo sucede a la vez, estoy aquí, estoy ahí, inmersa en un medio cristalino denso que a momentos se torna líquido permitiendo avanzar. Los años pasan en segundos y los segundos son en realidad una puerta al infinito”, describe García.

Con este próximo lanzamiento, grabado y autoproducido, se compila una discografía completa de la que se desprende su más reciente material, Lost In Elastic Time, un EP de tres canciones compuestas por “Forgive All The Mistakes”, “Emerging From The Depths” y “The Swing of Consciousness”. En su mayoría, Microhm alterna sonoridades que van desde el slow techno, ambient, noise, IDM, entre otras. Escucha más sobre este proyecto aquí. 

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Pre ordena lo nuevo de Microhm aquí y descubre más como estos proyectos a través de Indie Rocks! 

Escucha “Sinfonía”, lo nuevo de Rulo

Posted on noviembre 5, 2021 by -

Un amor por la música disco y el funk.

Rulo está de vuelta y más fuerte que nunca con su más reciente sencillo “Sinfonía”, una composición que representa el amor a la música disco y funk. Este lanzamiento se posiciona como el más influyente en su persona luego de sacar los temas “Precipicio” y “Literatura”.

Líricamente ‘Sombras’ es una metáfora de las relaciones de pareja y su entendimiento, donde todos los instrumentos de la orquesta se unen para expresar múltiples dimensiones de luces y sombras con una complejidad que también ocurre en la interacción emocional entre dos personas”, destacó Rulo en comunicado de prensa sobre su estreno.

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El tema también está acompañada de un videoclip que retrata a un universo de los años setenta y que toma como referencia la película Fiebre de Sábado por La Noche. A través de esta travesía, el cantante Rulo presenta una epifanía que lo lleva a un espacio onírico para encontrarse con su “verdadero amor”.

Es así como “Sinfonía” marca una nueva etapa en la carrera del artista chileno, misma que regresa a sus inicios dentro de la industria musical y que también será parte de su próximo disco que saldrá en 2022.

Dale play a esta canción.

Sonic Youth comparte dos álbumes en vivo

Posted on noviembre 5, 2021 by -

Las ganancias serán donadas a Fund Texas Choice y Abortion Support Network.

En esfuerzo por contribuir a la elección de las mujeres, la banda estadounidense Sonic Youth compartió dos álbumes en vivo inéditos para recaudar fondos y donarlos a dos organizaciones que luchan a favor de la legalización del aborto en Texas.

SonicYouth álbum    SonicYouth álbum

La banda pone a disposición dos sets vintage en vivo: el primero grabado en Austin en 1995 tras su gira posterior al festival Lollapalooza Washing Machine, mientras que el segundo muestra su gira Rather Ripped en Dallas durante el transcurso del 2016. Ambos proyectos ya están disponibles a través de Bandcamp Friday, donde podrás adquirirlos por $10 dólares cada uno.

A su vez, Sonic Youth lanzó tres nuevos diseños de camisetas que evocan a su trayectoria musical y las cuales están a la venta en su sitio web. Lo recaudado de esta mercancía también estará destinado a combatir las medidas legislativas restrictivas contra las mujeres, según informó en sus redes sociales.

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Es así como la popularidad de Sonic Youth no solo se consolida dentro de la industria musical con más de 30 años de experiencia, ya que igual radica en apoyar y defender los derechos de la comunidad nacional y mundial.