La Femme en el Foro Independencia

Portadores de luz y amor.

Si bien Paris es conocida como la ciudad de luz, Biarritz bien podría serlo también, en especial porque La Femme se encargó de darle no solo luz sino también amor y mucha diversión a Guadalajara, y vaya que lo necesitaban.

Como no hace falta mencionarlo, la ciudad (y quizás el país) ha estado en una tranquilad de eventos, en la perla tapatía solo algunos conciertos han tenido la fortuna de haberse realizado, obviamente adaptados a la una nueva normalidad pero sin dudarlo la noche del 4 de noviembre La Femme vino a dar una bocanada de aire fresco y hacer sentir a todos de vuelta en la normalidad.

Antes de que la noche principal empezará, primero se hacia una revisión de seguridad de rutina más las nuevas normas de control de sanidad (gel antibacterial y chequeo de temperatura) para después ingresar al bien amado Foro Independencia, ubicado sobre la calle Epigmenio Ibarra. La gente con su sana distancia apartaba lugares desde el front hasta la parte de atrás para tener una buena visibilidad del show que estarían a punto de presenciar. La merch oficial de Hipnosis, camisetas de algunas de las bandas que se han presentado anteriormente en el festival y la clásica venta de chela era lo que más corría en esos momentos. Toda la energía se podía casi sentir en el aire.

Sin aviso previo más que la difuminación de la música de fondo, la banda abridora No Existo con atuendos y su sonido experimental fueron los encargados de dar el banderazo inicial. Entre la catarsis de sus notas y la euforia de la gente todo auguraba que sería una buena noche. Después de la breve pero increíble presentación de No Existo llegó el acomodo de cables para preparar el escenario para los franceses.

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Alrededor de las casi 10:00 de la noche el sexteto salió a escena, ataviados todos en trajes de color blanco que después algunos de sus miembros perderían debido al excesivo calor dieron inicio primero con algunas palabras saludando a la audiencia, avisando que si estábamos listos para bailar con melodías de los 60 después de la efusiva respuesta, La Femme comenzó su hipnótica presentación. Temas como “Antitaxi”, “Sur La Planche”, “Nous Etions Deux” de su álbum debut Psycho Tropical Berlin, "Sphynx", "Vagues", "Où Va Le Monde" de su segundo disco Mystère y “Nouvelle-Orléans", “Cool Colorado” y “Foutre le bordel" del más reciente Paradigmes fueron tan solo algunas de las tantas canciones que presentaron alocando al público tapatío. Pero sin duda las que se llevaron los gritos de emoción fueron “Le Jardín” que es enteramente interpretada en español y el encore con “Tatiana”. No hubo quien no bailara, quien no sonriera ante esta emoción.

La Femme nos llevo de la tristeza de saber su cancelación en el 2017 al éxtasis en tan solo una hora, como si se tratase de la aeronave retirada Concorde, nos trajeron de vuelta a una velocidad supersónica la alegría, la luz y el amor que cruelmente nos arrebataron hace dos años. Esperemos sea un buen augurio para el futuro.

Green Day estrena “Holy Toledo!”

La banda nos recuerda la importancia de vivir sin preocupaciones.

Con un tema optimista y lleno de pop punk, la banda estadounidense Green Day, estrena su nueva canción "Holy Toledo!", el tema forma parte de la banda sonora de la película Mark, Mary & Some Other People, la nueva comedia romántica de Hannah Marks y que llega a los cines de Estados Unidos el día de hoy.

Con un comienzo tranquilo en la voz de Billy Joe, nos da la impresión de que algo fuerte esta por venir, "Holy Toledo!" explota en sus segundos versos con el ritmo peculiar de la banda y con ligeros tintes al rockabilly, dejándonos una canción energética que nos remonta a los inicios de la banda.

Escucha y disfruta "Holy Toledo!" de Green Day

Actualmente Green Day termino la etapa de su gira Hella Mega Tour con Fall Out Boy y Weezer, las fechas re programadas por Reino Unido aún no se confirman. Además el trío norteamericano lanzará el próximo 10 de diciembre un boxset edición especial en CD y vinilo con las recopilaciones de sus sesiones en Maida Vale que hicieron para la BBC. Pre ordena aquí 

 

 

Foals comparte “Wake Me Up”

Una alarma que no puedes ignorar o posponer (Al menos no esta vez).

¿Cansado de poner mil recordatorios para despertar? Pues no te preocupes, tenemos la solución.  El ahora trío de Oxford trae para ti un motivo más para pararte de la cama y disfrutar de una mezcla energética, dinámica y muy funky. Foals presenta “Wake Me Up”, su nuevo single y regreso oficial.

Junto al tema, la banda comparte un alocado y fiestero videoclip dirigido por Dave East, donde se puede observar a Yannis Philippakis, Jack Bevan y Jimmy Smith entre bailarines, ornamentos, luces y mucha euforia con la que parecen haber extrañado las congregaciones y la celebración.

Queríamos crear un contraste entre el mundo exterior y la música que estamos escribiendo dentro de esta pequeña habitación", menciona el frontman del conjunto inglés, quien también agrega sobre el nuevo disco y lo describe como "un regreso a sus raíces" y "una pista de baile sudorosa a altas horas de la noche".

"Podemos ver lo que es el disco y el futuro parece fantástico (...) Hemos estado trabajando y escribiendo todo el año. Estamos en las últimas etapas y parece un álbum más optimista que los dos últimos. Será un disco más físico. Estamos muy emocionados de que esté casi listo, pero no del todo”,  declaró Philippakis para NME

Foals retorna después de sus álbumes de 2019, Everything Not Saved Will Be Lost Part I & IIy convierte  a este sencillo como el primer lanzamiento de la banda subsecuente a la partida de Edwin Congreave, tecladista de la banda. Mismo que abandonó el proyecto para concluir un posgrado en economía en la universidad de Cambridge. 

Mientras tanto, escucha “Wake Me Up” y espera más noticias sobre el disco de Foals a través de Indie Rocks!

Hard Feelings — Hard Feelings

Impresionante propuesta de baile a cargo de Amy Douglas y Joe Goddard.

Amy Douglas tiene la vocación de hacerte sentir en grande lo que sea pase por tu corazón, mucho de esto lo lleva en la voz y en la manera tan particular de escribir (Róisín Murphy lo puede confirmar), que en pocos minutos logra sintetizar ideas tan vistas cómo el amor, la ruptura o problemas de la vida cotidiana con una frescura que cualquiera de sus contemporáneas matarían por tener, de eso va el debut de Hard Feelings.

La edad en la industria de la música no es un indicativo de nada, pero es cierto que cuando dos personas con años de experiencia se juntan, hay poca charla y mucho trabajo. Douglas en compañía de Joe Goddard (una de las mentes detrás de Hot Chip) han creado un disco que grita por todos lados POP, pero que se envuelve en una gama de sintetizadores que navegan por el house, el dance, el electropop de principios de década y un aire vintage que parece cercano al filme, Paris is Burning.

El disco que tiene 8 temas pero que está cercano a los 40 minutos y se distribuye estratégicamente como si fuera una fiesta en la que el dolor es la excusa perfecta para reunirte e intentar reconstruir tu vida. Para esto Goddard ha hecho que las baterías estén presentes en todo momento, y los sintetizadores tengan participaciones oportunas, todo esto probablemente tiene muchas razones de ser: la primera, es que este disco está compuesto a partir de letras y melodías como fuente primaria y no la música. Por lo que en afán de mantener el protagonismo de su compañera Joe se decanta por un sonido más sencillo, minimalista a ratos, pero efectista. La otra es la larga duración de sus tracks. En la primera época del house en el mundo, era una constante tener canciones que mantuvieran el beat sin muchos aspavientos, pero con la energía suficiente para mantener las noches largas de fiesta, aquí la estrategia funciona, aunque los pone en contra de la inmediatez de la música actual en playlist.

Así el inicio en “Love Scenes” es deslumbrante, casi como entrar a tu propio Studio 54 actualizado, mientras una voz (no tiene otro nombre) retumba con fuerza en tus oídos para cantar con una cadencia dramática durante este y el resto de los tracks. Es curioso pero el dúo sale victorioso cuando se trata de extender las ideas a lo ancho, cómo en los 7 minutos de “Holding On Too Long” o el monologo de “You Always Know” que está destinado para usarse en el ballroom.

No hace falta hablar de las acrobacias vocales del disco, pero destaca cuando la profundidad y lo grave de la voz de Amy se compagina con el sonido de su compañero, que dan como resultado la magia que como dúo quieren demostrar. “Take You Down” pide a gritos una remezcla mientras ambos toman un poco de la sofisticación de Jessie Ware, para hacer una canción que seguro resistirá la prueba del tiempo.

En “Sister Infinity” la fiesta termina con un aire de esperanza o de llevar el drama a otro lado porque el ambiente parece que ya no encaja con la pista de baile. Sólo Amy Douglas sabe cómo llevar de un lado a otro tus sentimientos sin que te sientas invadido, mientras que Joe Goddard sabe que la mejor música no siempre es la más moderna, si no la que mantiene el nivel de calidad necesario y la que sintetiza mejor las ideas que se cantan. Una sorpresa para quien se tome el tiempo de escuchar este trabajo, porque créelo o no, es posible que alguien se identifique con tu dolor, pero además te acompañe a liberarte de el bailando.

Entrevista con Hard Feelings

El dúo que promete quitar tus fobias del pop, mientras retoma lo mejor del género acompañado de mucho baile y electrónica.

¿Qué se puede esperar de dos genios como Amy Douglas y Joe Goddard? Buena música sin dudarlo, la primera tiene una habilidad para escribir ganchos y una voz que no deja a nadie indiferente. Mientras que el segundo es nada más y nada menos que fundador de Hot Chip, una banda que ha traspasado los límites de repente impuestos en el pop. Ambos conforman Hard Feelings, y han decidido ir más allá: crear una propuesta que se puede bailar, pero al mismo tiempo está llena de melancolía y dolor que sólo se pueden liberar a través de la pista de baile, cómo lo comenta Amy para Indie Rocks!.

Tenemos una atracción natural a la melancolía, tiene que ver mucho ese dicho de que ‘la miseria ama la compañía’, se trata del dolor mutuo, la cosa con esto y la tristeza es que creemos que nadie nos entiende, entonces la atracción a la melancolía tiene que ver con encontrar a alguien y darte cuenta que esa persona te entiende, y esto a veces no lo encuentras en la gente, pero sí en el arte".

El dolor no es cosa de risa para nadie mucho menos para Douglas que comenta emocionada al borde las lágrimas cómo para ella, los momentos más gloriosos en el arte son aquellos en los que el dolor se centra cómo un punto de clímax (pone de ejemplo “Singin In The Rain”) que lleva a la persona a dar todo de sí.

"Para este proyecto hay mucho de eso, en un disco que parece una sesión de electrónica pura, pero que aquí bebe del pop, ese que estaba en plena expansión, cuando las redes sociales no existían y entonces las divas eran inalcanzables, algo que ellos definen cómo una “opera de temazos tristes”.

Es prácticamente un festival del drama, en todo momento es cómo si una diva te estuviera cantando ‘¡Estoy sangrando, me muero, me duele, por favor mátame, me mataré yo misma!’ y en cada momento del disco hay algo de eso, incluso en los momentos que no son tristes, incluso en los momentos sexys (risas)”.

Esa es la premisa de este dúo crear una experiencia sonora a través del sentimiento que puede sostenerse con unos cuantos acordes y una base continua que pide a gritos que te levantes y comiences a bailar, para que eso sucede el dúo rompe los esquemas actuales de lanzamientos, el disco llega a los 40 minutos, pero las canciones duran entre cuatro y cinco minutos, hay una que incluso llega a los siete como los viejos sencillos que se lanzaban a comienzo de la época del house.

Tenemos opciones para la radio, pero a mí me sorprende la cantidad de gente que no está escuchando estos temas y si las originales. Actualmente todo mundo está lanzando cosas para atrapar la atención del escucha. Entonces me alegra saber que les dimos la opción, que hicimos esta propuesta y ellos decidieron ir por las versiones oficiales”.

Estas canciones nacieron a partir de la necesidad de ambos de crear algo integro, pero con la suficiente creatividad para caer en ambigüedades y que este fuera comprendido por quien sea que esté dispuesto a escucharlos. Para esto Amy revisitó todas sus influencias y cada una de las canciones es un ejercicio aeróbico vocal que pocas cantantes estarían dispuestas a hacer; una vez hechas las letras y la melodía el resto del reto consistía en adaptar esas ideas a la música y lograr algo en conjunto, el resultado: un disco que tiene la vestimenta dance pero el alma pop, una palabra que a diferencia de muchos artistas que se dedican a lanzar ‘hits’ bajo este género, a ellos no les da pena la palabra y al contrario la defienden con orgullo.

Si tu hablas de pop con la gente, por lo que esta palabra ha representado para la industria durante mucho tiempo, se cree que hablas de la cosa más genérica y vacua, algo que no tiene valor artístico a lo que yo digo, ¡Coman pito! Para escribir una canción que sabes que le puede llegar a una chica de 16 años o a una persona de 60 necesitas alguien con talento. Entonces te lo digo: El disco de Hard Feelings es un maldito álbum de pop, muy bailable, pero es pop”.

Para completar esta experiencia sonora el dúo se ha sumergido en la creación de diversos clips, y re versiones de sus propios temas que le darán cuerpo a esta experiencia que apenas comienza y para la que Douglas se está preparando, pues desde que comenzaron a trabajar en esta música sabía que ella y Goddard estarían haciendo algo que en vivo requerirá toda la energía posible.

Si tú eres un fan de la música dance, los remixes, el vinil y la relación natural que existe entre la pista de baile y el DJ, te atrapamos, no tienes ni idea de lo que está a punto de ocurrirte”.

Los Árboles Mentirosos debuta con “En Letargo”

Javier Aceves “Baxter” sorprende a la comunidad melómana con su nuevo proyecto musical.

Si te gusta leer y escuchar programas sobre música o cultura pop, entonces seguro conoces a Javier Aceves “Baxter”. Bueno, pues resulta que él no es solo un reconocido locutor y escritor, sino también un talentoso músico. Así lo demuestra con el estreno de su canción “En Letargo”, la primera de su proyecto llamado Los Árboles Mentirosos.

“En Letargo” es una pieza que oscila entre el noise y el shoegaze, con un montón de capas de guitarras y una fuerte influencia de grupos como Lush, Slowdive y hasta Deftones. Para Aceves, esta canción fue escrita a partir de “un flujo de ideas que reflexionan sobre el encierro y el lado oscuro que éste reveló: los estados alterados, la repetición y la monotonía”, como lo cuenta en un comunicado de prensa. Dale play a continuación.

Compuesta inicialmente en mi computadora, en medio del encierro provocado por la pandemia, ‘En Letargo’ es el sentimiento de esperar que las cosas pueden cambiar, que hay un lado positivo dentro de todas las crisis, pero que no existe nada más cruel que el concepto de ‘la luz al final del túnel’”, añade el músico en la misma fuente.

El estreno de “El Letargo” es apenas el primer adelanto de Días Grises, EP debut de Los Árboles Mentirosos donde Javier Aceves plasmará una serie de canciones autobiográficas que oscilarán entre el post punk, el ruido, la electrónica y la psicodelia. ¿Te lo vas a perder? Sigue al proyecto en Instagram para que estés pendiente de su nueva música.

Las Dianas — Lo que te pide el cuerpo

Algo nuevo y fresco.

Las Dianas es un quinteto de mujeres muy jóvenes y frescas de indie pop originario de Granada, compuesto por Paulina (bajo y voz), Laura (guitarra y voz), Isa (teclado y voz), Ana (batería) y María (guitarra). Esta agrupación tan fresca anda de estreno con su álbum debut Lo que te pide el cuerpo nos da 30 minutos llenos de sonidos pegadizos.

El álbum comienza con “Todo el mundo miente” en el que hablan de pequeñas promesas que más de uno nos hemos hecho y no cumplimos. Dándole paso a “Hetero” que comienza con buenos y pegadizos sonidos de teclado y guitarra, no es necesario decir de que va ya que el titulo no los dice todo.

“Beef Mac” es un 10/10 en absoluto, un tema que nos entregaron con video incluido y seguro se ganó el corazón de muchos. “Leggins Rotos” sin duda fue el tema más sonado en la radio mexicana tan pegadiza y divertida ideal para dedicar a alguien que te cae mal. “Llorika” un tema melancólico y triste con notas de voz ligeras combinadas de un teclado y guitarra cálidos.

Guitarra, batería y mucho baile nos da “Olvídame” perfecta si ya superamos a alguien y ya nos da igual por completo lo que haga. “Todos mis amigos tienen Covid” simplemente un tema escrito en plena pandemia y habla de lo desesperante que puede ser el encierro.

“Julia” es el típico amiga date cuenta que todos conocemos pero combinado con buenos ritmos y una letra un tanto peculiar. El tema más corto y divertido del álbum con poco menos de dos minutos y medio en “La lista de la compra” nos entregan un teclado pegajoso que sobresale en todo el track. Llegamos a la parte final con “Te quiero (lejos)” una canción que haba sobre la superación y sobre lo difícil que es.

Lo que te pide el cuerpo es un álbum que sin duda para ser el primero de Las Dianas es una excelente entrega combinando temas que nos hacen sentir identificados y que mejor que con letras divertidas y sonidos pegajosos. ¡Ya queremos escuchar más de Las Dianas!

A 25 años del ‘Avalancha de Éxitos’ de Café Tacvba

"Pachucos, cholos y chundos...": Cómo cuatro satelucos convirtieron composiciones ajenas en propias mediante un estilo único.

El rock en México nació a través de la imitación. La pionera indiscutible es Gloria Ríos con “El Relojito”, adaptación del eterno “Rock Around the Clock” de Bill Haley & His Comets. Pero aunque se trata de una práctica común, la mayoría se limitan a crear réplicas exactas de las piezas originales. Son pocos los que se arriesgan a transformar piezas ajenas a través de un sonido propio. Uno de los casos mejor logrados lo consiguió Café Tacvba en el lejano 1996 y no solo con un cover sino con un álbum completo.

Para ese momento de la historia el cuarteto ya había demostrado que no se trataba de una promesa sino una realidad. Su disco debut los sacó del underground y con su segundo trabajo se fue de gira por el extranjero. Al probar las mieles del éxito solo existen dos posibilidades: repetir la fórmula o arriesgarse a visitar nuevos caminos.

Los surgidos en Satélite optaron por la segunda opción y aunque en el pasado ya habían grabado “Una Mañana” de José José (que a su vez es un cover de Clare Fischer) para su primer MTV Unplugged, ahora no solo se trató de una canción. Junto a su productor Gustavo Santaolalla se decidió que todo el LP sería de versiones. Pero ahora el siguiente reto fue decidir los temas a interpretar.

La suma de esfuerzos individuales genera mejores resultados grupales

Si algo ha caracterizado a Café Tacvba durante su carrera es que los cuatro integrantes tienen voz y voto. En realidad no existe un líder porque Rubén Albarrán, Emmanuel del Real, Joselo Rangel y Enrique Rangel son igual de importantes. Mantienen un matrimonio perfecto y aunque han tenido sus diferencias al final todas se han solucionado para evitar un divorcio definitivo.

Cada uno presentó sus propuestas y por eso la selección de las ocho canciones que conforman el trabajo es tan variopinta. Aunque lo de verdad importante es que para cada una se descartó hacer una interpretación igual a la original. Hubo total libertad para crear algo nuevo a partir de lo hecho por otros.

De esta forma, con el irónico título de Avalancha de Éxitos, el 5 de noviembre de 1996 fue publicado el tercer álbum del combo. Como primer sencillo se eligió “Chilanga Banda” y de inmediato explotó la bomba. La pieza que combina el rap con el caló mexicano al estilo de Chespirito rompió récords al instante. Su impacto ha sido tan grande que a la fecha muchos ignoran que es una pieza original de Jaime López.

Mientras que en el punto opuesto se encuentra “Alármala de Tos”, un tema de Botellita de Jerez grabado en el inconsciente colectivo de los que vivieron la década de los ochenta. Pero mientras la original destaca por su alegría y desparpajo, en esta interpretación se muestran unas tonalidades oscuras propias del post punk. La guitarra huele a The Smiths y la caja de ritmos transpira a Bauhaus. Si algo demostró Chiquidrácula es que también existen los vampiros mexicanos.

Viaje de ida y vuelta por múltiples géneros musicales

Por otra parte, dentro del tracklist no solo hay canciones relacionadas con el rock sino que existe una exploración integral de la música. Por lo mismo, el recorrido llega hasta la balada romántica de “Cómo te Extraño mi Amor” de Leo Dan y el merengue de “Ojalá que Llueva Café” de Juan Luis Guerra. En ambos casos hubo un tratamiento para nacionalizar los géneros igual que Lázaro Cárdenas hizo con el petróleo.

La selección es tan amplia que inclusive aparece “No Controles”, original de Olé Olé pero que en México fue un éxito gracias a Flans y Siempre en Domingo. Un producto más producido que los quesos que no son quesos fue convertido en una acelerada pieza que ahora suena en los bares de rock y además contó con la participación de David Byrne.

Durante su época de mayor creatividad Café Tacvba se consolidó como una banda mexicana que trasciende géneros. Mientras que la versatilidad de su trabajo ha sido la clave para lograr conquistar a distintas generaciones de fanáticos. Pero no solo ha sido con sus propios temas sino que también se ha apropiado, de forma justa y legal, de lo hecho por otros.

Rey Asco y Sánchez1000 presentan “Hábito”

El loop de la cotidianidad.

La rutina y el ciclo que sujeta el día a día puede hacerte llegar a la monotonía, pero no hay mejor manera de lidiar con ello, que disfrutar de la simpleza de la vida. “Hábito”, un espacio musical para reclinarse y ahondar en la costumbre de la mejor manera. Este es el primer sencillo de Rey Asco y Sánchez1000, quienes presentarán un álbum colaborativo para cerrar el año, a través del colectivo y sello mexicano Fosa Común

Para este lanzamiento, la copla libera un videoclip oficial producido por Sin Retorno, donde se retrata “la travesía interior” de una boxeadora interpretada por Ale Toro, quien desde la ambientación, y las secuencias de este R&B minimalista, representa el sentido onírico de la soledad.

Por su parte, Rey Asco liberó su más reciente larga duración, Hosco, una recopilación de “ritmos volubles”, duros, basados en la experimentación, que combinan elementos del trap, el boombap y otras aleaciones musicales. Todo en compañía de los sencillos “Volver” y “Una Máquina

Mientras que Sánchez1000 compartió su álbum debut, Hipergueto, “material que incursiona en géneros como el IDM, trap y dream pop destilado”. 

Escucha “Hábito” y descubre más de estos proyectos a través de Indie Rocks!

Moonvvater comparte el sencillo “Trascendió”

Sonidos para estar en paz con esa persona especial frente al mar.

Con el sentimiento y la emoción de pasar el tiempo frente al mar, mientras compartimos el instante al lado de la persona que tanto amamos, ese momento es tan hermoso que trasciende para siempre.

Así es lo nuevo de Diego Bobadilla, mejor conocido como Moonvvater, este proyecto que a través de sus melodías nos transporta a instantes llenos de alegría y melancolía, y así lo hace en “Trascendió”, su nuevo sencillo.

A principios de este año, Moonvvater compartió en todas las plataformas el tema “Café Mañanero”, sucesor de este tema, el músico comparte, “Trascendió”, una pieza melódica que habla de esos bonitos momentos que quedan para siempre en nuestra memoria. 

“Trascendió” es su tercer sencillo, y al igual que sus piezas anteriores relata esos sentimientos de paz y tranquilidad, que la otra personas es capaz de ofrecer, todo esto, teniendo a la playa como testigo. 

Dale play a “Trascendió” a continuación: