A Love Electric en el Foro Indie Rocks!

Posted on mayo 9, 2016 by -

Analogías psicóticas del mundo en la música.

Hace menos de un año que la banda A Love Electric comenzó a recaudar fondos para la producción de su nuevo material discográfico, titulado Psychomonde. Esta placa ya es una realidad, y el sábado la banda decidió presentarse ante su público mexicano para dar gracias a las personas que apoyaron su proyecto mediante las plataformas digitales con un concierto muy al estilo de su disco para el que invitaron a artistas como Alex Otola, Patricio Iglesias y Los Músicos de José, que se encargaron de darle un toque muy divertido y festivo a la presentación del disco.

Los primeros en salir al escenario para precalentar los cuerpos y los oídos de los asistentes –con melodías para bailar suavemente y deslizarse al ritmo del jazz y funk– fueron Los Músicos de José, que demostraron su versatilidad y energía en todo momento con canciones como “La Dejada de Ir”, “Us 7” y un poco de hip hop. También presentaron algunas canciones de su homenaje a Perez Prado como “Mambo en Saks”, “Cayetano” y “Lupita”. Después de levantar los ánimos de los presentes, cedieron el escenario a la banda principal. 

A Love Electric demostraron de qué están hechos. La agrupación comenzó interpretando “Hush, Pocket Full of Bones”, “Lift Me”, “Be The Evolution” y “Tlalpan Girl” con mucha energía y entusiasmo antes de invitar a subir a Alejandro Otola, con quien interpretaron la canción “This Means Love” y comenzar a darle contundencia a su presentación: el público se movía, gritaba y aplaudía para acompañar el sonido de los músicos invitados al show. Poco después, llegó el final del tema “Jungle Eart” y con él subió Patricio Iglesias, quien ejecutó “Wheres Her Money From”.

Terminó la canción y Todd Clouser convocó Loli Molina para acompañarlos con la voz en “This” dedicada a sus padres, quienes se encontraban en el foro viendo el espectáculo. “Barrio” fue otra de las dedicadas. Después, iniciaron un tiempo de música improvisada y melódica, abriendo paso a los breakdancers que bailaron con la música en medio de la pista. De pronto, en el escenario estaban todos sus invitados interpretando “Bread and Circus” que inauguró una tremenda locura antes de terminar con “Telemasque” y “War Pigs”.

Visita el Facebook de A Love Electric para seguir todas sus noticias.

Grimes comparte video para "California"

Posted on mayo 9, 2016 by -

Escenarios surreales se conectan dentro del nuevo video de Grimes.

Claire Boucher, mejor conocida como Grimes, entregó al mundo el año pasado su disco Art Angels, el cual, de manera casi unánime, recibió las mejores críticas y fue descrito como un "un triunfo", además de ser nombrado uno de los mejores discos del 2015. Desde este lanzamiento, la cantautora no ha tomado un respiro. Su rostro fue la portada en múltiples revistas e imagen de la nueva fragancia de Stella McCartney. A la fecha continúa de gira, y recientemente subió al escenario de Coachella. Próximamente, tomará el de Sasquatch!, Glastonbury y Lollapalooza.

Hace unas semanas, la canadiense mencionó que estaba trabajando en nueva música, por lo que es una sorpresa que nos comparta el video que acompaña a "California", canción que se desprende de Art Angels. El visual fue codirigido por Grimes y su hermano Mac, quien también participó en "Kill V. Maim".

Al ritmo de una versión alternativa de la que se encuentra en el disco, el video captura a la cantante en escenarios tan desconectados entre ellos pero que tienen sentido dentro del concepto que Grimes siempre ha manejado. Claire baila usando una coqueta falda tableada en un estudio de arte con muchas esculturas, en un colorido gimnasio y en unos shows surreales.

Brian Eno – The Ship

Posted on mayo 9, 2016 by -

Más que un “nuevo álbum”, Brian Eno crea una pieza audiovisual.  

40 años de carrera lo respaldan. Sin embargo, Brian Eno ya no solo es un músico, sino un artista integral que abarca muchas otras formas de arte, y para muestra está su reciente álbum: The Ship.

Con sólo cuatro temas, este material traspasa la línea de ser sólo un disco para convertirse en una pieza audiovisual. Seguro, si has ido a un concierto de música experimental en un museo y conoces la trayectoria de Eno, se te hará demasiado familiar. Y si esto te ha ocurrido es precisamente porque Brian fue pionero en este tipo de composiciones.

¿Cuántas veces habías escuchado la voz del artista a lo largo de su trayectoria discográfica? Han sido contadas, sólo a principios de su carrera en los 70 y esporádicamente en algunos otros discos. El ambient acompaña este último material, incluso el dark ambient en sus tres primeras pistas.

“The Ship” también es el nombre de la primera canción. Inicia con una atmósfera melancólica y oscura. La lentitud de los sintetizadores te lleva a una imagen donde caminas a lo largo de los restos de una catástrofe: hay incertidumbre, aunque sabes que algo pasó ahí. A esto se adhiere la voz de Eno completamente procesada y con un estilo gregoriano, que bien te pueden llevar a la meditación o a sentir una profunda nostalgia. Después de 21 minutos y casi bajo la misma línea, le sigue su segunda pista de 18 minutos: “Fickle Sun (i)”, pero en ella hay mayor consecución en la melodía. Después, en “Fickle Sun (ii) The Hour is Thin” parece que escuchas al autor recitar una pieza poética musicalizada con piano. Finalmente, el álbum se ilumina con “Fickle Sun (iii) I’m Set Free”, cover a The Velvet Underground que remite a la época glam del artista.

El creador de The Ship menciona en su sitio web que este material nació a raíz de dos hechos: el primero, su fascinación por el surgimiento trans-cultural, resultado de la arrogancia entre imperios durante la Primera Guerra Mundial. Posteriormente, el hundimiento del Titanic, ese barco imponente e insumergible que pudo ser el mayor triunfo del hombre sobre la naturaleza.

Estoy convencida que el arte de una obra reside en la reacción que ésta provoca en su espectador o en su escucha, y realmente, este álbum logra una variedad de reacciones muy rica. Es estruendoso, con una enorme carga emocional y visual que, además, evoca los primeros años de carrera de Eno.  

Si bien, el autor ha creado composiciones pensadas para ambientar obras artísticas o para que estas funjan como tales, es válido sólo disfrutar sus piezas en tu reproductor de música.

Entrevista con Azain

Posted on mayo 9, 2016 by -

La música puede jugar el mismo papel que la amistad.

Lo curioso de convertirte en artista es que no logras darte cuenta del potencial que tienes para desarrollar tu creatividad y ver hasta dónde puedes llegar. Se dice que el mundo conspira entre coincidencias y casualidades. Aunque, a veces, resulta trabajo del destino, amigos que están a nuestro favor.

Para Gibran Azain Ongay Montalvo, líder del proyecto Azain, todo surgió de una manera muy extraña y distinta. Un día decidió exhibir sus pinturas en una galería. Después, surgió la idea de componer un soundtrack que estuviera en función de sus piezas de arte y que más tarde sería un disco. Empezó a tocar en compañía de sus mejores amigos, sin planes futuros de transformarse en un proyecto.

Gibran fue apoyado por sus cuates, incluso ellos se contagiaron de esa chispa emprendedora. El alter ego de Azain comenzó en solitario, pero tomó fuerza gracias al soporte incondicional que le brindaron. Normalmente, los integrantes de una banda reúnen sus composiciones para llegar a un resultado. En este caso, el crédito fue totalmente unilateral, identificándose con un sonido que viaja del post-rock al shoegaze.

“Mi manera de componer es sin rumbo, es decir, sin una idea fija de a quién quisiera sonar. Al final, inconscientemente, uno toma influencias de todo lo que escucha. Por ejemplo, solía escuchar mucho a Sigur Rós. Me gustan mucho los sonidos atmosféricos del post-rock y del shoegaze, pero también las voces altas y la experimentación. Actualmente, mucho del sonido en vivo es ya de los cuatro que formamos Azain”, comentó el líder del proyecto.

Azain ha publicado dos álbumes de estudio: Azain (2013), creado en una lengua inventada y Amoureux (2014), totalmente en francés. Ahora, está por venir un tercero: Hospital Dream. “Grabé los dos discos en mi habitación con mi iPad, mis instrumentos y con muchos sonidos encontrados para generar las percusiones y baterías -aunque logramos grabar en vivo con algunas artimañas-. No tenía los recursos suficientes para ir a un estudio de grabación, pero tenía las ganas y me empeñé en hacer dos discos con la mejor calidad posible”, enfatizó Gibran.

Azain transmite y contagia lo que uno trae en el alma, cerebro o donde se almacenen sentimientos y sensaciones. “Los sentimientos más presentes en nuestra música son la melancolía, el temor, la tristeza, pero también la felicidad, una un poco extraña porque siempre contiene algo nostálgico y existencial”, nos platicó.

Sobre cómo se desempeña la banda en un escenario, Azain dice que le apasiona cantar, Suri se motiva más por tocar, Dangu Fly se mueve más por vivir experiencias y pasar tiempo con ellos, sus mejores amigos, y a Alejandro le gusta golpear y sacar todo tocando en la batería, además de presionar para que los shows suenen cada vez mejor.

La contemplación, sensibilidad y apegos sentimentales son los ingredientes más importantes en un concierto de Azain. Para que el resultado sea inquietante, se inclinan por bases melódicas y armónicas, crean matices y vaivenes en sus canciones. Igualmente, buscan hacer explotar algunas partes del set, meter más intensidad y cantar con todo el aliento. Además, se hacen valer de visuales que en ocasiones producen Gibran, y en otras los organizadores o colectivos de los eventos. Con pocas presentaciones en su haber -Club Atlántico, Franz Mayer, Live Ethereal Sessions-, para Azain resultó más personal el concierto que dieron en Radio Unam.

Sigue a Azain en Facebook para mayor información.

Pastilla en el Lunario del Auditorio Nacional

Posted on mayo 8, 2016 by -

20 años de Pastilla.

Pastilla cumple dos décadas de vida y lo festejaron en el Lunario del Auditorio Nacional con un concierto lleno de buenas canciones desde su disco debut homónimo hasta su mas reciente material, Sentidos Saturados.

Con una nueva alineación y hasta una nueva actitud, Victor Monroy -voz y guitarra-, Jesus Michel -guitarra-, Hiram Sevilla -batería- y Eduardo "Yayo" Gutierrez -bajo-, llegaron desde Los Ángeles a festejar sus 20 años. Pastilla siempre ha sido una banda indie en toda la extensión de la palabra, aunque alguna vez hayan pertenecido a una disquera transnacional.

Se han convertido en una de las pocas agrupaciones de culto del rock nacional con una base de fans muy solida y extensa, a pesar de que su carrera nunca ha despegado del todo gracias a su inconsistencia y cambios de alineaciones, y aunque se extraña en el sonido a Adrian Monroy —quien era uno de los dos compositores—, Victor Monroy ha sabido continuar con la música al hombro hasta festejar 20 años con un concierto muy nostálgico y significativo, tanto como para ellos como para sus fans.

Tocaron casi 40 canciones, un pedazo de cada álbum que recordaba, a su vez, un pedazo de vida de cada uno de los ahí presentes, en un Lunario lleno a tope. Victor Monroy, el vocalista y líder de la banda, se mostró conmovido y contento cuando con solo guitarra en mano y su voz cantó "Ensenada", canción contenida en su album Hey de 2003. El público la cantó a todo pulmón y se sintió un gran aire de nostalgia, como si todos estuviéramos dolidos esa noche, como si todos estuvieran pasando por lo que Victor transmite en esa canción. "Pobre de mí, Pobre de mí", un lamento simple y sincero. A fin de cuentas eso es lo que hace un buen compositor, transmitir emociones, y esa noche las hubo de todas y a granel.

Aunque ya no cabía nadie en el recinto, con "Amor Metal" y "Amarte" la gente se animó a hacer un pequeño slam. Enseguida, uno de los momentos álgidos de la noche llegó cuando tocaron "Mortal", todo un himno indie con el que lograron conmover aún más a la audiencia con un outro largo y conciso con el que la nueva alineación demostró que están muy bien compenetrados.

"Solamente" fue otro de los buenos momentos de la noche. Aunque todos los temas fueron coreados de principio a fin, las canciones del Vox Elektra tuvieron más presencia, demostrando que ese disco llegó para quedarse en los canales del buen rock en español. En un muy buen concierto, aunque con una producción simple —al menos esa noche—, Pastilla nos hizo recordar que lo único que importa es la música. Parece que tienen para otros 20 años para quitarles la comezón en el corazón a sus leales y sufridos fans.

A Place To Bury Strangers en Caradura

Posted on mayo 8, 2016 by -

La primera edición de Indica Fest en la Ciudad de México fue una locura.

Indica Fest llegó a Guadalajara con un cartel en el que aparecieron Peter Murphy, A Place To Bury Strangers, Pompeya, Teen Flirt, Marlento, .Stendal y otras agrupaciones con sonidos propios que se repartieron en dos días con sede C3 Stage. Por su parte, Caradura fungió como una extensión del festival para los chilangos. Tres bandas fueron suficientes para que el resultado fuera loquísimo.

¿Qué tiene el ruido que nos encanta? Es un misterio. Probablemente, ya perdimos la cuenta de las veces que A Place to Bury Strangers ha visitado nuestro país. La última vez que los vimos fue en Nrmal. Un show que creíamos ensordecedor -no sabíamos lo que nos esperaba después-. Lo único que sabemos es que su noise y rock experimental es droga para nuestros tímpanos.

Marlento fue la banda elegida para abrir el telón del Caradura. Daniel Barrera, Esteban Pizzimenti, Eder Perales, Abel Alvarez y Yan Cervantes nos visitaron de Guadalajara. Ellos transmiten un sonido post punk y experimental. Dos guitarras eléctricas, un bajo, una guitarra electro-acústica, teclados y batería generaron toda una revolución de sonido que logró hacer clic con el público. La agrupación se mostró muy agradecida de tocar en el ex D.F. “Se siente muy chingón tocar aquí en compañía de dos bandas muy talentosas”, recalcaron al cierre de su show.

El público se mostraba ansioso por ver al trío de Brooklyn, Nueva York: APTBS, pero aún faltaba presenciar a .Stendal, quienes vistieron el escenario con luces amarillas, dándole un toque más artístico. Abdón, César, Benjamín y David portaban unas capas negras que impregnaban de misticismo su presentación. Nos gustó el concepto elaborado que hay detrás de su synth pop y dark wave. Estos muchachos te hacen bailar, juegan con tu mente. Aunque, a estas alturas, nuestros oídos eran vírgenes todavía.

Casi daba la media noche y A Place To Bury Strangers estaba más que listo para volvernos locos. Oliver Ackerman, Dion Lunadon y Robi Gonzalez aparecieron entre atmósferas de humo y luces geométricas nacientes. Sus movimientos son tan rápidos y de inmediato contagiaron a todos con su rudeza -olas de movimientos corporales con un nivel de intensidad y fuerza brutal-. Dion nos amenazaba zigzagueando con su guitarra en dirección a nuestras caras. Sonaron “Straight”, “Dissolved”, “In Your Heart” y “Dead Beat”. Oliver entregó un estrobo de ledes al público y este hizo lo propio para pasarlo de mano en mano, jugueteando hasta crear un ambiente de hermandad.

Como en sus más recientes presentaciones, APTBS no dudó en bajar del escenario para deleitarnos con mucho más distorsión y ruido, mezclándose entre la gente. Perdimos el control. El contacto era muy natural, muy liviano. El synth de Dion sacaba chispas y todo se convirtió en un culto al ruido. Nuestros tímpanos conocieron el amor. Algunos afortunados compraron unos ear plugs para aislar el sonido, uno de tantos artefactos que trae la banda neoyorkina como mercancía oficial. Ellos sí procuran a sus fieles seguidores. Es curioso que, siendo tan destructivos, fuera del escenario son las personas más normales del mundo. Sonríen, bromean con la gente. Esperamos que regresen y nos sigan instruyendo.

¡Escucha el nuevo disco de Radiohead!

Posted on mayo 8, 2016 by -

Dale play al nuevo álbum de Radiohead.

Habían pasado cinco años desde que no escuchábamos un nuevo material de Radiohead... Hasta hoy. La banda británica compartió el preview de su noveno disco, llamado A Moon Shaped Pool.

Previamente, habían borrado el rastro de sus publicaciones de Facebook, Twitter, Instagram y su página web, para finalmente anunciar, hace unos días, que el nuevo disco estaría disponible hoy por la noche.

Radiohead disco nuevo

Después de compartir los sencillos "Burn the Witch" –junto con un video grabado en stop motion– y "Daydreaming" –acompañado por un visual dirigido por el cineasta Paul Thomas Anderson–, ahora podemos reproducir completamente esta producción discográfica, que con suerte podremos escuchar en vivo los próximos 3 y 4 de octubre en El Palacio de los Deportes.

Radiohead - A Moon Shaped Pool

Tracklist:

1. Burn The Witch
2. Daydreaming
3. Decks Dark
4. Desert Island Disk
5. Ful Stop
6. Glass Eyes
7. Identikit
8. The Numbers
9. Present Tense
10. Tinker Tailer Soldier Sailor Rich Man Poor Man Beggar Man Thief
11. True Love Waits

El disco cierra con "True Love Waits", un tema que data de 1995 y  que solo había podido ser apreciado en shows en vivo. ¡Que lo disfruten!

Pompeya en el Lunario del Auditorio Nacional

Posted on mayo 7, 2016 by -

Pompeya: al igual que la lava que desapareció una ciudad, ellos prendieron al Lunario.

Una guitarra, una batería y un bajo son elementos suficientes para Pompeya, quienes, tal como la lava volcánica que desapareció esta ciudad en la Antigua Roma, llenaron de energía, música y baile a los que se dieron cita para ver a esta banda en su segunda visita a México desde Moscú.

Viva El Rey arrancó la noche. Aún con la poca asistencia que había a esas horas, estos chicos con apenas dos años de trayectoria en el tropical-power, dieron todo en el escenario y disfrutaron uno de los mayores placeres de la vida: la música.

Alrededor de las 9:30 p.m., Pompeya subió al escenario, ese mismo donde, momentos antes, coordinaron y arreglaron todo para que sonara excelente. Daniil Brod en la guitarra y voz, Denis Agafonov en el bajo y Nairi Simonian en la batería fueron suficientes para encender el Lunario del Auditorio Nacional.

Arrancaron con “Last One”, “OOOOO” y “Anyway”. Al paso de cada canción, el público se prendía más y más, pues hicieron un repaso de su discografía -Tropical y Real- con un set de 14 canciones.

Con una mezcla de épocas en su sonido, con influencias de los 70, 80 y 90, han creado piezas que, si no han tenido oportunidad, deberían escuchar. Con 10 años de vida, esta banda ha logrado estar en grandes festivales como el SXSW. Ahora, en la CDMX, esta agrupación de Moscú fue creando un ambiente íntimo con la gente que se dio cita para escucharlos.

Tuvieron algunas fallas de sonido que solucionaron rápidamente, de igual forma pasaban desapercibidas con algunas palabras en español que tanto Daniil y Denis intentaron decir para congraciar y conectar con el público. Los rusos se mostraron agradecidos por el cálido recibimiento de los asistentes.

Pompeya rescató una noche que parecía fallida, casi al inicio de este concierto la cantidad de gente era contable. Sin embargo, poco a poco fueron llegando para ver y escuchar a una muy buena banda, que prende y sobre todo que conecta con la gente, que transmite energía y calor con cada canción.

Las 5 mejores canciones de la semana

Posted on mayo 6, 2016 by -

Disfruta aquí abajo de las cinco mejores canciones que presentamos en Indie Rocks!

La primera semana de mayo estuvo llena de estrenos y, como es costumbre, algunos grupos confirmaron el lanzamiento de nuevos materiales discográficos. Entre ellos podemos mencionar a Braids, 424, Savoir Adore y The National. También nos enteramos de la película inspirada en el grupo británico The Smiths y de la incursión, nuevamente, de Iggy Pop al cine con el filme Blood Orange.

En lo que todas estas bandas trabajan en nueva música, ¡disfruta nuestras cinco mejores canciones de la semana!

 

5. Baio - “Don’t Fight Fate”

Si lo tuyo son las noches de fiesta, lo nuevo de Cris Baio te encantará. El también bajista de Vampire Weekend estrenó un tema ideal para ponerte a bailar al ritmo de sus beats: se trata de la canción “Don’t Fight Fate” que forma parte del playlist que organizó Amazon Music y en la que participan varios artistas más.

https://soundcloud.com/amazon-music/baio-dont-fight-fate

4. Marissa Nadler - “Katie I Know”

Si por algo se caracteriza la cantautora de Boston, Massachusetts, es por su registro vocal que cautiva, y para muestra su más reciente sencillo, “Katie I Know”. Vocales ensoñadoras y hasta una intro de cuerdas obra de Eyvind Kang, integrante de Sunn O))), es lo que podrás encontrar en este track.

3. Radiohead - “Burn The Witch”

Después de borrar toda la información de sus redes sociales, Radiohead nos sorprendió con un track que desató polémica. “Burn The Witch” es el primer sencillo que se desprende de su próxima placa discográfica, pero no fue el único que nos presentaron esta semana. Sin haber digerido el primero, la banda liderada por Thom Yorke también estrenó “Daydreaming” y anunció la fecha de lanzamiento de su noveno disco: domingo 8 de mayo.

2. El cover de FIDLAR a Beastie Boys

Han pasado cuatro años del fallecimiento de Adam ‘MCA’ Yauch, integrante de los Beastie Boys, a causa del cáncer. Es por ello que la banda estadounidense FIDLAR le rindió tributo al interpretar la canción “Sabotage” del disco III Communication (1994) muy a su estilo, pero respetando la línea original. La voz de Zac Carper no queda nada mal.

1. Red Hot Chili Peppers - “Dark Necessities”

Sin duda, otro de los grupos que nos sorprendió esta semana con música nueva fueron los RHCP. Después de que en marzo Chad Smith compartiera una fotografía en su cuenta de Instagram desde el estudio de grabación donde se le puede ver con Nigel Godrich, productor de Radiohead, tuvieron que pasar un par de meses más para que por fin pudiéramos escuchar de qué va el nuevo trabajo de los californianos.

¿Te gustaron los estrenos de esta semana? Dinos cuál fue tu canción favorita y sigue nuestras redes sociales para conocer los tracks más recientes de tus artistas favoritos.

Band of Horses estrena "In A Drawer"

Posted on mayo 6, 2016 by -

Llega el segundo sencillo del nuevo disco, Why Are You OK, de Band Of Horses.

El 2012 fue cuando se estrenó Mirage Rock de Band of Horses, y desde entonces, los fans se preguntaban cuándo escucharían algo nuevo de los estadounidenses. Algunos dieron por perdida la causa y se resignaron a escuchar sus cuatro discos. Pero este año los ojos de muchos se iluminaron al enterarse de que nueva música llegaría en junio.

Poco a poco, Band of Horses liberó piezas de información al respecto, como el tracklist, el arte playero de la portada y el hecho de que Rick Rubin colaboró en el proyecto. Ahora sabemos que la quinta placa de la banda lleva por nombre Why Are You OK y sus 12 tracks verán la luz el 10 de junio a través del sello Interscope.

El primer sencillo que compartieron fue "Casual Party", con un ritmo muy pegajoso. Esta vez comparten "In A Drawer", que tiene una perspectiva mucho más tranquila con synths y acordes de guitarra que acompañan a la letra que declara un nostálgico "Do you love me? Should we be living in a warehouse district?". En esta entrega, escuchamos a J. Mascis de Dinosaur Jr., a Sera Cahoone y a Jenn Champion en los coros.