Kali Uchis lanza el videoclip de "Nuestro Planeta"

El más reciente sencillo de Kali Uchis ya tiene videoclip.

La cantante y compositora colombiana Kali Uchis nos sorprendió al lanzar "Nuestro Planeta", un tema de reggaetón realizado en colaboración con Reykon y producido por The Rude Boyz (Shakira y Maluma). Ahora, ya podemos ver el videoclip grabado en la Ciudad de Medellín, Colombia.

"Quería grabar este video en el mismo lugar en el que hicimos la canción. Es una continuación del último clip que grabé en mi ciudad natal en Colombia, "Ridin Round". Gracias a todos los que trajeron esto a la vida, especialmente a mi ángel Daniel Sannwald", expresó Kali Uchis en un comunicado de prensa.

Con luces neón y bailes sensuales sobre una motocicleta, la cantante colombiana nos muestra la vida del ghetto en esa zona del país sudamericano.

Dale play aquí:

"Nuestro Planeta" es el segundo sencillo del disco Fool's Paradise, cuya fecha de salida aún no ha sido revelada. El primer sencillo se llama "Tyrant"  y ha logrado –hasta la fecha– poco más de seis millones de reproducciones y dos millones de views en YouTube.

Kali Uchis –cuyo verdadero nombre es Karly Marina Loaiza– se encuentra actualmente de gira por ciudades de Canadá y Estados Unidos.

Marilyn Manson estrena video

Autos en llamas, monjas y armas de fuego en el nuevo video de Marilyn Manson.

Recientemente Marilyn Manson estrenó la canción "We Know Where You Fucking Live" durante la emisión de Zane Lowe en la estación de radio Beats 1. Hoy –el también actor–  nos comparte el video de esta canción en el que se le puede ver acompañado de un equipo de monjas con metralletas aterrorizando a una familia.

"We Know Where You Fucking Live" estará incluida en su próximo LP titulado Heaven Upsdide Down –que inicialmente se llamaría Say10– y estará disponible el 6 de octubre. Este lanzamiento se dará luego de dos años de su último material The Pale Emperor. 

Mira a continuación el video dirigido por Bill Yukich:

Checa la portada y el tracklist:

Heaven Upside Down

1."Revelation #12"
2. “Tattooed in Reverse”
3. “WE KNOW WHERE YOU FUCKING LIVE”
4. “SAY10″
5. “KILL4ME”
6. “Saturnalia”
7. “JE$U$ CRI$IS”
8. “Blood Honey”
9. “Heaven Upside Down”
10. “Threats of Romance”

El pasado 20 de julio pasado Marilyn Mason se presentó en el Budapest Open Air donde tocó cuatro canciones inéditas que estarán incluidas en este nuevo trabajo discográfico – que estará disponible bajo el sello Loma Vista Recordings. Próximamente, el músico iniciará la gira The Heaven Upside Tour en donde recorrerá parte de los Estados Unidos y países como Canadá, Finlandia, Francia, Alemania, Italia y Reino Unido.

Top 11: Bandas mexicanas nuevas que debes conocer

11 años de Indie Rocks!, 11 bandas mexicanas nuevas que están en nuestro radar.

Las nuevas propuestas han estado arrasando en muchas ciudades de nuestro país, no olvidemos que bandas de la talla de Tame Impala algún día grabaron demos, otros los promocionaron en el extinto MySpace y de ahí despegaron para ser headliners de grandes festivales internacionales.

En Indie Rocks! nos gusta indagar en todas las propuestas, ver a dónde se dirigen sus proyectos, y sobretodo saber a qué suena la escena fresca e independiente. Aquí un top de las bandas que creemos tienen un futuro prometedor.

Industrias WIO para Indie Rocks! 16

Industrias WIO es una distribuidora independiente de música digital. Como cada quincena, hoy les traemos estas propuestas de nuestro catálogo.

Date la oportunidad de escuchar y cuéntanos, en Facebook y Twitter, qué te parecen las bandas de esta entrega.

Espejo Convexo

 Álbum: Ruina Circular

Género: post punk/ Darkgaze/ Shoegaze

Locación: Ciudad de México

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Espejo Convexo es un dúo oriundo de la Ciudad de México que nace en 2014. Está integrado por Azul (vocales, guitarra, composición) y Daniel (vocales, guitarra, producción musical y composición) creando curvaturas musicales que bordean distintos géneros.

Daniel tiene un proyecto paralelo de electrónica llamado A-rp en donde explora sonidos más abstractos y ya juntos se presentaron un par de ocasiones como Convex Mirror.

Con una estética obscura y ese bajo tan característico del post punk lleno de nostalgia, la pauta de la batería, distorsión de guitarra mezclada, voz lejana, enterrada en capas de ese ambiente electrónico lleno de neblina que transporta a un mundo onírico. Muy a la The Cure, Joy Division, Cold Showers con letras que recuerdan a por momentos a I Love You but I’ve Chosen Darkness con la voz de Azul escondida en la reverberación provocando una sensación de pérdida, palabras lejanas que tenemos que redescubrir.

Combinando letras en español y en inglés, Ruina Circular es el EP debut de Espejo Convexo, un camino de seis tracks a través de un paisaje sórdido pero envolvente a punto de desvanecerse. El álbum abre con "Color del Cielo", la gama de grises se apodera de su paleta para dar paso a "El Miedo" una canción en la que la voz de Daniel le da versatilidad. "Relación" es un track mucho más veloz como algunos pasajes de "La Fuga" en contraste de una más tranquila e impasible "Fire", el EP cierra con la que da nombre al disco "Ruina Circular" como un uróboros, unidad e infinito.

La música de este par muestra el otro lado de las cosas, el lado interno del guante, lo que se mantiene oculto, acostumbrados a ver el cóncavo se nos muestra el convexo.

Su música, al final, es ese espejo, una pantalla negra en donde no podemos escapar de nuestro reflejo, en donde emerge la parte más densa de nosotros y de las relaciones humanas.

Ray Coyote

 
Álbum: Muta Padre
Género: rock and roll/ progresivo / alternativo

Locación: Guadalajara

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Ray Coyote son Pablo Barba (voz), Diego Orozco (guitarra), Luis Adrian Romero (guitarra), Rafael Anaya Champion (bajo) y Alejandro Velasco (batería).

Grabado y producido por Ray Coyote en Temple Of The Brands y masterizado por Seiji Hino y Kenji Hino, integrantes de Sierra León en SL studio. Muta Padre es su cuarto material discográfico después de dos EPs y un álbum de larga duración.

El disco es un cántico de seis canciones a los ancestros de las tierras que habitamos, el disco abre con "Apá" que nos enseña que el rock es más que guitarras potentes, chamarras de cuero y ser cool, se trata de retar a pensar más allá de los límites, reimaginar y rescatar cosas del olvido.

Justo "Todos los Santos 420" invoca a esas ánimas con las que cohabitamos y que nos hacen más fuertes, juegos de guitarras y la voz desgarradora de Pablo de la escuela de Chris Cornell, o Eddie Vedder. Seguida de "Sant Punk" un track corto característico del punk, con crítica social y comentarios políticos que están presentes a lo largo de todo el disco. "R. Derrumbe" contrasta con una melodía suave de guitarra que desemboca en pasajes más largos llenos de riffs. Nos recuerda constantemente a A Perfect Circle, en ese rock progresivo y en ciertos momentos la potencia de Queens of the Stone Age. "Translating Tesla" resume mucho lo que es el álbum lleno de letras contundentes “no tenemos miedo a cambiar de piel... mis ancestros están mirando... puro amor es lo que les mando”. El track "Piscis Isósceles" cierra el disco de manera maravillosa con guitarras que tienen uno que otro tinte de math rock.

A pesar de las muchas referencias de rock de bandas de grunge, Muta Padre está bien anclado en su contexto, el propio arte del disco, hecho por Christian Poire, lo comprueba el encuentro de la historia, la inconformidad, la crítica comandados por los diversos sentimientos.

Los coyotes siguen trazando su camino y lanzando la mutación del padre para que nosotros la descifremos. Ten cuidado porque somos varios, agarrados…

Radiateur 

Álbum: Radiateur

Género: math rock/ post rock psicodélico / instrumental

Locación: Dunkerque, Francia

Esta banda y álbum entra directo a nuestro estante de clásicos. A pesar de que ya no existen como banda, Radiateur conformada por Julie Fossaert, Fred Bélenger y Alexandre Czapski, con proyectos alternos como Milgriam y Secret Perovans, crearon en 2006 un álbum homónimo grandioso lleno de la energía de guitarras jugando con tiempos y ritmos tan característicos del math rock pero con un sabor especial. Nos mostraron por mucho tiempo lo que la escena underground francesa puede ofrecer.

"Maquillage" abre el disco e introduce línea de bajo potente y teclados alocados a diferencia de "Brasil" una canción mucho más melódica tipo bossa nova invitándonos a movernos hasta terminar bailando en E Street. Esos sonidos latinos recuerdan a los argentinos de Las Cosas.

Este disco es el perfecto acompañante para una deriva por la ciudad y descubrir las similitudes que hay con otras latitudes, como la música se va nutriendo de todos esos resquicios por eso el álbum es indefinible y lleno de ensoñación en donde no se necesitan palabras.

Con la experimentación sonora que muestra Radiateur nos encontramos a una banda que nunca le temió a las etiquetas y que lo suyo siempre fue una constante exploración artística. Tracks con secuencias al por mayor otros sin ellas, teclados movidos y otros que se combinaban con las guitarras para dar toques mucho más atmosféricos, permeados de batería precisa.

Sueños enredados de locura, post baile a medianoche en una calle obscura de un tiempo imaginado en el pasado que de pronto se transforma en carnaval lleno de luces de colores y formas que se entrelazan, así es la música de este trío francés que nos dejó este bello disco que como un radiador seguirá provocandonos y que pueden escuchar aquí:

The Killers estrena canción inspirada en Brian Eno

La banda liderada por Brandon Flowers, The Killers presenta el cuarto extracto de su próximo álbum.

Hace algunas semanas, The Killers, la agrupación formada en Las Vegas, confirmó que estaba por lanzar su quinta producción de estudio, Wonderful, Wonderful. El sucesor de Battle Born (2012) está compuesto de 10 temas, más tres complementos de la edición de lujo. Será puesto en circulación el 22 de septiembre a través del sello Island Records.

De este inminente disco hemos podido escuchar los sencillos: "The Man", "Run for Cover" y "Wonderful Wonderful". Ahora, justo una semana antes de que el material completo sea puesto en libertad, se presenta el cuarto extracto: "Some Kind of Love". Este track está basado en la canción “An Ending (Ascent)”, tema lanzado por Brian Eno en 1983 como parte del álbum, Apollo: Atmospheres and Soundtracks.

Escucha "Some Kind of Love", aquí:


Hace un par de días, The Killers participó en el programa BBC Radio 1 Live Lounge. La banda interpretó tres temas: “The Man”“Fame” original de David Bowie (Young Americans, 1975), y “Mr. Brightside”.

El cover al fallecido Bowie recibió una valoración positiva por parte de los fans y los medios especializados. Salvo por un coro de tres feminas, la banda no arriesgo demasiado en complementos respecto de la versión original. Puedes ver la ejecución de este track a continuación:

R.E.M. relanzará 'Automatic For The People'

Para celebrar el 25 aniversario de Automatic For The People R.E.M. lanzará una reedición del mítico álbum.

El octavo material de estudio que fue bautizado como Automatic For The People, se volverá a lanzar pero ahora en una edición de lujo, y servirá para conmemorar los 25 años del record. El álbum remasterizado estará disponible el próximo 10 de noviembre a través de Craft Recordings y se podrá adquirir en diferentes formatos.

La banda presentó un pequeño trailer anunciando la noticia, el formato más extenso tendrá por nombre Automatic For The People Deluxe Anniversary Edition y será remasterizado en su totalidad con calidad Dolby Atmos. Aquí puedes ver el trailer:

La remasterización será realizada por el productor original del material Scott Litt, con apoyo del ingeniero Clif Norrell. La tecnología con la que se reeditará es una de las más sofisticadas actualmente, hablando auditivamente. En palabras del mismo productor, la idea es transportar al oyente dentro del estudio de grabación con audio multidimensional, evocando una época en la que escuchar música era una experiencia activa y transformadora, y con ello poder reavivar la emoción que sintió cuando se escuchó por primera vez el álbum en 1992.

El material contará con cuatros discos y la edición ofrecerá material inédito. La banda selecciono 20 demos de algunas sesiones que grabaron, incluyendo la canción “Mike’s Pop Song”, lanzada el día de hoy. Aquí puedes preordenar Automatic For The People Deluxe Anniversary Edition.

Uno de los discos tendrá un live set completo que realizaron en Atenas en 1992, y que fue el único show que realizaron ese año. Por si fuera poco, el especial tendrá un libro de 60 páginas con fotos nunca antes visto fotos de Anton Corbjin y Melodie McDaniel, así como nuevas entrevistas de la banda realizadas por el periodista musical escocés Tom Doyle.

Walk The Moon en El Plaza Condesa

Una fiesta interminable con Walk The Moon.

Mientras la luz desaparecía del cielo y la gente se daba cita en el recinto más querido de la Colonia Condesa, los revendedores, la mercancía de fácil alcance (y también la oficial) y los amigos al encontrarse, dieron inicio a ese sentir tan familiar de una velada en El Plaza Condesa.

Entrando al venue, se veían apenas unas cuantas filas de personas que empezaban en la valla y llenaban apenas un cuarto de la capacidad del lugar; algunas sentadas en el piso generando una charla para deslindarse de los pesares del trabajo, otras pidiendo algo en el bar y unos cuantos que, a pesar de estar solos, se les veía la emoción en los ojos.

Después de una genial presentación en la edición del Corona Capital del año pasado, Nicholas Petricca, Kevin Ray, Eli Maiman y Sean Waugaman estaban listos para regresar con su público mexicano, exclusivamente con el de la Ciudad de México. Pero antes de comenzar, Viva el Rey fue la banda encargada de comenzar la fiesta; portando la mercancía oficial de su agrupación y con chamarras naranja fosforescente, estos chicos originarios del anteriormente Distrito Federal animaron al público de manera exquisita, quien coreó sus canciones, saltó y bailó durante la media hora de su participación. Una rareza entre teloneros en la actualidad.

Después de la calma llegó Walk The Moon en forma de adrenalina total, con “Up 2 U” como tema inicial de la noche, seguida de “Next In Line” con percusiones tan redundantes que se sentían en lo más profundo del lugar y un público que no dejaba de cantar y gritar nota tras nota. Con un llamativo atuendo, Nicholas “Petricolas” encantó a los presentes canción tras canción.

El setlist fue una muy bien proporcionada mezcla de sus dos producciones discográficas; Walk The Moon y Talking Is Hard. “Different Colors”, “Tightrope”, “Aquaman” y “Lisa Baby” son el ejemplo perfecto de esta combinación. Aunque no todo puede ser miel sobre hojuelas, pues la producción auditiva falló en sus agudos y la guitarra del buen Eli Maiman no se apreció como hubiésemos deseado.

Llegó un momento en que entre tanto baile, saltos y cantares, el público se sintió como una familia. “I Can Lift a Car” con las manos de todos en el aire y “Anna Sun” como la más esperada de todo el evento, unieron aún más a los amigos y formaron amistades nuevas, e incluso lazos irrompibles que solo se logran en momentos como estos, mientras cantas a todo tu pulmón tu canción favorita a lado de tanta gente que no conoces, que si bien no eran muchos, eran los necesarios para hacer de este concierto, uno inolvidable.

Broken Social Scene estrena visual

Broken Social Scene celebra la vida y la amistad en su más reciente metraje.

Tras el rotundo éxito de Hug of Thunder, quinto álbum de Broken Social Scene, la banda compartió un video de su emotivo tema “Skyline”.

El clip sigue al fundador de la banda Brendan Canning y al joven fotógrafo de Toronto Dimitri Karakostas en la búsqueda de una supervivencia momentánea. A través de una discusión sobre la importancia de la mantequilla de maní, una visita al dentista, la trascendencia de la amistad y el skate como forma de vida, los procedentes de Canadá representan la vida desde su perspectiva.

Foreigner, banda de culto formada en Nueva York, hacen un cameo en el video, donde aluden a hacer un meet and greet entre los mismos miembros de la agrupación. La dirección del visual corrió a mano del otro fundador de Broken Social Scene, Kevin Drew.

El sonido de la banda se ha transformado desde su nacimiento en 1999, siendo el Hug of Thunder un trabajo que le imprimió vitalidad a la agrupación, pues llevaban más de siete años de no lanzar una placa discográfica. Muchos medios internacionales lo catalogaron como el mejor disco del grupo por el espíritu que le imprimieron a cada pista. El material fue lanzado por la disquera independiente Arts & Crafts (Japandroids, BADBADNOTGOOD, Röyksopp).

El glorioso regreso de la banda los llevó a subirse de nuevo a los escenarios, donde tienen confirmadas fechas para Estados Unidos y Canadá hasta finales de este año. Los canadienses tienen una relación afectuosa con México y ya nos han visitado en un par de ocasiones, pero ver un acto en vivo con más de diez personas debajo de reflectores siempre es una experiencia sin precedentes y esperemos regresen pronto a la Ciudad de México. Te dejamos el visual de “Skyline”:

Escucha lo nuevo de The Lemon Twigs

The Lemon Twigs lanza "Why Didn't You Say That?", tema que se desprende de su siguiente EP.

Desde su aparición a finales del año pasado con el álbum Do Hollywood, el grupo de los hermanos D'Addario se ha posicionado como uno de los proyectos más interesantes y prometedores de este momento. Este duo volvió hace unos meses con el anuncio de su siguiente material, un EP titulado Brothers of Destruction y a tan solo unos días de que salga a la venta, los estadounidenses han revelado un segundo y tal vez último sencillo promocional.

Lo nuevo de The Lemon Twigs se llama "Why Didn't You Say That?" y es un tema con un estilo pop rock que recuerda a algunas bandas de la primera invasión británica, como The Turtles o The Tremeloes por su melodía alegre y ritmo suave.

Esto fue lo que dijeron Brian y Michael sobre esta canción. “A inicios del 2015 teníamos canciones que sobraron de las sesiones de Do Hollywood, así que decidimos grabarlas en casa en New York en nuestro 8 track. Muchos de ustedes reconocerán algunas de nuestros shows en vivo. Han cambiado mucho a lo largo del último año, pero estas son las versiones originales. Consideramos que este EP es el último capítulo de la era Do Hollywood del grupo”.

El Ep de The Lemon Twigs, Brothers Of Destruction, llegará a tiendas y servicios de streaming el próximo 22 de septiembre a través del sello discográfico 4AD Records (The National, Purity Ring).

Puedes escuchar "Why Didn't You Say That?" justo aquí:

 

Jake Bugg — Hearts That Strain

Hearts That Strain: Una estrella ha muerto.

Para artistas como el británico, joven y con una notable fama desde su debut, las cosas son claras si quieren mantenerse arriba tienen que darle gusto a la gente y no cometer errores, por lo menos en sus primeros tres discos. Es obvio que el cantante prefiere arriesgarse con nuevos estilos sin importarle mucho el éxito, sin embargo también es evidente que su carrera está en un bache, sobre todo por su anterior álbum de estudio.

Ahora, con un nuevo material el músico tiene la oportunidad de recuperarse con un triunfo comercial, e incluso si no lo logra seguirá siendo del agrado de muchos, pero estará muy lejos de ser el headliner de festivales y la estrella que todos esperaban que fuera. De lo que no hay duda es que este será un trabajo muy interesante, ya que es el primero en ser grabado en Norteamérica y cuenta con la colaboración del vocalista de The Black Keys, Dan Auerbach, quien hace poco publicó un álbum en solitario y produjo lo nuevo de The Pretenders. Cabe mencionar que el intérprete siempre ha expresado una gran admiración por algunos géneros y cantautores nacidos en Estados Unidos, tales como Don McLean y Phil Ochs, además de que desde sus inicios fue comparado con Bob Dylan.

Comenzamos con “How Soon the Dawn”, un tema difícil, pues aunque a muchos no les gustan ciertos elementos, tiene una gran calidad melódica. El músico se mantiene dentro de esa especie de folk pero ha enterrado esos toques de blues de su álbum debut. Le sigue “Southern Rain”, que tiene un estilo parecido al de su segundo disco por los tonos alegres y las vocales. Tiene muchas características que se mezclan con suavidad, como el piano, el bajo y casi unos imperceptibles coros.

La canción “In The Event of My Demise” es de lo más destacado, pues se puede percibir algo de rock psicodélico, parecido al de The Zombies, e incluso llega a tener un sonido beatlesque. Sobresale el trabajo de la guitarra, que recuerda mucho al bluegrass. Algo muy diferente a “This Time”, pues baja lo vivaz aunque no la calidad, con un ritmo acompasado y asistido por un chelo.

Llegamos a “Waiting”, una canción que ha dado mucho de qué hablar por su colaboración con Noah Cyrus, debido a que esta es hermana de la cantante Miley Cyrus y Jake Bugg siempre se ha expresado en contra de las estrellas pop. Aquí se puede ver una influencia del soul por la cadencia pausada y los instrumentos de viento, aunque da mucho que desear con las vocales.

Pasamos a “The Man on Stage”. Aquí Jake Bugg busca evocar a la nostalgia y tristeza a través de una penetrante letra, así como con el uso de violines. Este es el tema que presenta más elementos de cuerda.

Por fin se aparece el tema que le da el nombre al disco. Sin embargo, es un tanto decepcionante, pues aunque debería ser prominente, aquí es cuando el cantante muestra un lado plano y desordenado.

“Burn Alone” es el tema más enérgico y uno de los que recuperan el viejo estilo del británico. Algo parecido hace en “Indigo Blue”, pero el blues se mezcla con algo de country y se cambia la intensidad por la solidez.

Cerca del final tenemos a “Bigger Lover”, que tiene un gran intro con piano y un estilo que puede ser comparado con el de Fleetwood Mac y el dinamismo inquieto del dúo Simon & Garfunkel. Este es la última muestra interesante del disco, pues de “Every Colour in the World” no hay mucho que mencionar.

Como en todo buen disco, hay que concentrarse en los detalles. Jake Bugg hace un resumen de todas sus influencias norteamericanas para darnos un trabajo muy completo y con una calidad instrumental impresionante. Pero solo conociendo el contexto para la concepción de este álbum uno lo puede llegar a apreciar, por lo que entiendo si la crítica no le da más de seis por este esfuerzo. Es evidente que no es un disco para todos y sin duda no es bueno para la carrera del británico. Su éxito comercial está acabado, pero eso no es necesariamente malo, pues cada proyecto que siga de este será para él y para sus seguidores, como siempre quiso y como siempre tuvo que ser.