Saint Motel en el Lunario del Auditorio Nacional

Concierto de Saint Motel en lunes: Challenge Accepted.

Sinceramente la idea de un concierto en lunes no es la más motivadora para muchos, pues apenas vamos recuperándonos de las actividades recreativas del fin de semana para regresar a nuestras actividades laborales y/o estudiantiles. Sin embargo, la posibilidad de extender por un día más la diversión, pasar un rato agradable con tus amigos, y cenar taquitos (el mejor highlight después de un concierto) cambia totalmente la perspectiva.

El Lunario del Auditorio Nacional fue la sede del regreso de Saint Motel a la Ciudad de México. Los asistentes iban con grandes expectativas, luego de que el año pasado, la banda californiana diera un gran show en la edición 2016 del Festival Corona Capital, y ya sea que los hayas visto o no, los comentarios sobre aquella presentación fueron bastante positivos.

El acceso al inmueble fue bastante ágil y organizado, lo que ayudó a que el público tomara su posición en la pista con facilidad, para que en punto de las 20:30 H, Rubytates empezara las acciones sobre el escenario. La banda mexicana se movía con bastante confianza, dominando el escenario a lo ancho y amplio, sin embargo, aun intentando motivar al público a ser más entusiasta, la banda no logró conectar al 100% con la audiencia.

Luego de que la banda telonera se excediera aproximadamente 14 minutos en el set que tenían programado, estábamos esperando al segundo acto confirmado de la noche: Set Change. Por razones que desconocemos, el acto previo al estelar no se presentó a escena, lo que dio paso a poder tener en tiempo y forma a Saint Motel.

Visuales tomados de un documental antiguo sobre el viaje del hombre a la luna se vislumbran a través de dos proyectores dispuestos a los costados del escenario Dak, Greg, Aaron y A/J saludan a un público inundado de chicas adolescentes en su mayoría, mismas que al verlos tomar sus posiciones gritaban extasiadas. El teclado de A/J daba las primeras notas de “Cold Cold Man”, destacando la gran energía y sincronía con la que esta banda americana se hace presente. Luego de ello, un breve solo de Greg en su batería daría entrada a “Feed Me Now”, tema que puso un gran ambiente festivo.

El líder de la banda agradece a la audiencia, mostrando su alegría por regresar a la Ciudad de México, soltando el siguiente tema que nos pone a bailar a todos “Getaway”. “You Can Be You” es la siguiente canción en el setlist, haciéndonos mover nuestros brazos al mismo tiempo de un lado al otro, mientras que al fondo, luces color azul nos sumergen en un ambiente playero, donde seguramente esta canción sería una perfecta acompañante.

Los temas siguieron: “Benny Goodman”, “For Elise”, “Puzzle Pieces” y “Sweet Talk”, manteniendo el ánimo a tope; los metales, las cuerdas, las teclas y las percusiones se consolidan de manera perfecta y, sumado al agradable timbre del vocalista, hacen que ver un show de Saint Motel con el nivel de intimidad que ofrece el Lunario para sea una experiencia única y bastante disfrutable. “Move” fue uno de los grandes momentos de la noche, ya que fue de los temas más coreados por el público y que seguro hizo sudar hasta a las paredes del inmueble.

Una pausa necesaria para todos se hizo presente, y aunque el público estaba atento a cualquier movimiento en el escenario, todos fuimos sorprendidos cuando escuchamos gritos de emoción a nuestras espaldas provocados por A/J que salió desde el fondo de la pista y pasó junto a nosotros, saludando a todo aquel que quisiese estrechar su mano, a la par que “My Type” era interpretada.

“Destroyer” y “Born Again” cerraron con broche de oro este concierto, dejándonos a todos con una grata sonrisa, luego nos prometieron regresar muy pronto de vuelta en la ciudad. Sin duda, disfrutar de un show en vivo y vivir la euforia colectiva de muchos fans te llenan de la energía suficiente para iniciar la semana con toda la actitud, así que no hay por qué renegar jamás de un concierto en lunes.

Conoce los detalles del documental de Pearl Jam

La icónica banda Pearl Jam nos comparte un filme que recoge un concierto muy especial.

A través de sus redes, la banda más estable y exitosa del grunge Pearl Jam, reveló el primer avance de lo que será un documental que recopila sus presentaciones en el estadio Wrigley Field de Chicago. El material llevará por nombre Let’s Play Two y estará acompañado de un soundtrack.

El contenido del filme tiene un toque muy especial para la banda y para sus seguidores. Por un lado Let’s Play Two recopila sus presentaciones —en 2013 y 2016 como parte de la promoción de su décimo y trabajo de estudio Lightning Bolt (2013)— en el estadio Wrigley Field, y es precisamente en el 2016 cuando el grupo se encontraba festejando el aniversario número 25 de su álbum debut que se convertiría en pieza fundamental del grunge: Ten. Por otra parte, el recinto es la casa de los Chicago Cubs, equipo del cual  Eddie Vedder es más que fanático y que pudo ganar un Serie Mundial, después de 108 años de no hacerlo, también en el 2016. Así, tanto el año como el lugar en donde se grabó el próximo documental representan para la banda elementos entrañables que quisieron compartir con todos sus fans.

Let’s Play Two fue dirigido por Danny Clinch, quien expresa en un comunicado. "Cuando sucede que los personajes principales de tu película son Pearl Jam, los Chicago Cubs, sus fans y Wrigley Field durante un momento histórico, sabes que va a ser épico. He aprendido a dar la bienvenida a lo inesperado y siempre vale la pena si estás listo para ello".

El documental y el soundtrack estarán disponibles a partir del 29 de septiembre en todas las plataformas de streaming, CD y vinilo.

Mira un avance a continuación:

Tracklist:

1. "Low Light"
​2. "Better Man"
3. "Elderly Woman Behind The Counter In A Small Town"
4. "Last Exit"
5. "Lightning Bolt"
6. "Black Red Yellow"
7. "Black"
8. "Corduroy"
9. "Given To Fly"
10. "Jeremy"
11. "Inside Job"
12. "Go"
13. "Crazy Mary"
14. "Release"
15. "Alive"
16. "All The Way"
17. "I’ve Got A Feeling"

 

Nuevo tema de Gary Numan

Gary Numan compartió el tema "And It All Began With You".

Hace un par de meses el músico londinense confirmó los detalles de su próximo álbum, el número 21 en su carrera. Esto causó gran exaltación entre sus seguidores, así como para todos los fans del synthpop, ya que el británico fue una gran influencia para bandas como OMD, Japan e incluso Depeche Mode. Ahora, el interprete vuelve a dar de que hablar, pues ha revelado un nuevo sencillo de su siguiente material, con el que busca superar a Splinter (Songs From A Broken Mind) su último y más exitoso disco en los últimos 20 años.

El reciente estreno de Gary Numan lleva el nombre de "And It All Began With You" y es una canción que tiene un sonido obscuro, que inicia aletargado pero que poco a poco se llena de diferentes texturas por parte de los sintetizadores.

Debemos recordar que el álbum de Gary Numan es conceptual y aborda a un mundo post-apocalíptico en el que la tecnología es inservible y el calentamiento global ha acabado con los recursos naturales, convirtiendo el mundo en un desolado desierto donde ya no hay lugar para la bondad y la moral humana.

El disco de Gary Numan, Savage (Songs From A Broken World) saldrá el próximo 15 de septiembre a través del sello discográfico BMG Records en plataformas de streaming, así como en diferentes formatos y versiones de lujo.

Puedes escuchar "And It All Began With You" justo aquí:

Prophets of Rage estrena "Radical Eyes"

Nuevo video del esperado álbum de Prophets of Rage.

Prophets of Rage continua preparándonos para el lanzamiento oficial de su nuevo disco homónimo del que ya conocemos los sencillos “Unfuck the World”“Living on the 110”. Ahora, la banda conformada por Tim Commerford, Tom Morello, Brad Wilk, Chuck D, B-Real y DJ Lord nos presenta un nuevo video.

Se trata de "Radical Eyes", un tema que –en palabras de Chuck D– expresa como "El mundo occidental ha creado estructuras tendenciosas y estereotipos. Los puntos de vista opuestos y los movimientos se consideran radicales en lugar de la diversidad. 'Radical Eyes' es la lente con lo que se ve todo, cualquier movimiento de vida en oposición se considera radicalizado".

Dale play al video de "Radical Eyes", dirigido por D.J. Sing:

El álbum Prophets of Rage estará disponible a partir del 15 de septiembre en todas las plataformas de streaming, CD y vinilo. Además, desde la página oficial de la banda puedes pre-ordenar el disco junto con el Resistance Party Pack, un paquete que incluye playera, póster, postales, stickers, pins y una carta escrita por la banda.

Muy pronto Prophets of Rage comenzará una gira promocional que los llevará a través de los Estados Unidos por Festivales como: Riot Fest en Chicago, Ozzfest Meets Knotfest en California, Voodoo Music Experience en Nueva Orleans y Louder Than Life Festival en Kentucky.

 

Cults lanza "I Took Your Picture"

En su nuevo tema, Cults retoma el sonido de los ochenta.

El mes pasado, el grupo neoyorquino por fin anunció el lanzamiento de su tercer álbum de estudio, el tan esperado sucesor de Static, que fue publicado en 2013. Es por eso que los estadounidenses no buscan perder el tiempo y han revelado un nuevo adelanto de este material, su primer gran estreno en cuatro años.

La nueva canción de Cults se titula "I Took Your Picture". Este llega después del compartir el sencillo que le da nombre al disco y está inspirado en el sonido de The Cars y otras bandas pertenecientes al movimiento de los new romantics en la década de los ochenta por el uso de sintetizadores y cajas de ritmos.

Esto fue lo que dijo la agrupación sobre su reciente sencillo. "Es sobre momentos fugaces y cómo dejamos que los sentimientos pasados ​​interrumpan la posibilidad de que sucedan cosas buenas. Es una lucha diaria tratar de mantenernos abiertos y disponibles, pero probablemente valga la pena".

El nuevo disco de Cults, Offering saldrá el próximo 6 de octubre a través del sello discográfico Sinderlyn Records en diferentes formatos como CD, disco de vinilo e incluso cassette.

Puedes escuchar "I Took Your Picture" justo aquí:

Playa Gótica estrena video

"Pigman (Aburrida en la Tienda)", el nuevo video de la banda chilena Playa Gótica.

El pasado fin de semana Playa Gótica se presentó su pop liviano, pero violento en el VITA CLUB, en Santiago de Chile donde –además de compartir escenario con Nader Cabezas– estrenó "Pigman (Aburrida en la Tienda)", su más reciente video que más tarde fue liberado a través de sus redes sociales.

"Estamos muy contentos de poder compartir este material con ustedes, esperamos que lo bailen rodeados de todos los colores y sin ningún miedo", expresó Playa Gótica.

En el video –dirigido por Luz Andrea Sierra– podemos ver a Fanny Leona (vocalista) aburrida en una tienda de accesorios para celulares imaginando que es secuestrada por sus compañeros de banda Carlos Fariña (guitarra y sintetizadores), Cristóbal Loader (bajo) y Andrés Ugarte (batería) mientras canta: "Ya no quiero tener miedo de andar sola por ahí. Sola por ahí. Que me secuestren. Que me secuestren. Ya me ha pasado otras veces".

Mira el video a continuación:

"Pigman (Aburrida en la Tienda)" es el primer single de los 17 tracks que componen el disco Amirugumi, producido por Milton Mahan –de la banda chilena Dënver– y lanzado a través de Umami Discos.

 

 

 

#CircuitoIndio: Elis Paprika + AJ Dávila en el Foro Indie Rocks!

Poder Latino: Elis Paprika + AJ Dávila.

La noche del viernes 18 de agosto del 2017 destacó por la fuerte lluvia que inundó las calles de la CDMX; complicando la vialidad y traslado para todos los habitantes de la misma. Sin embargo, ese no fue impedimento para que el show de Elis Paprika + AJ Dávila continuara conforme a lo planeado en las instalaciones del Foro Indie Rocks!.

Los encargados de abrir el telón fueron Celest, banda originaria de la CDMX conformada por Jerónimo Hill, Roderic Picard, Jerónimo Quintana y Florencia Quinteros, propuesta relativamente nueva con la esencia del Indie Pop y toques minimalistas que tienen un muy buen espectáculo para ofrecer.

Todo inicio con “Acompáñame”, tema que comienza suave pero en aumento, igual que una avalancha repleta de sentimientos que poco a poco se apoderaban del foro. Florencia Quinteros tiene la capacidad de atrapar a cualquiera con un solo tono emitido de sus cuerdas vocales; la manera de entregarse al público la convierten en un imán para los sentidos y es imposible desviar la atención del escenario.

Uno de los aspectos importantes a considerar, es la conexión necesaria entre los integrantes de la banda para una correcta ejecución en vivo; atributo en el que Celest es claro ejemplo. Al momento de interpretar “Fantasmas”, sencillo del álbum Noches de huracán, la felicidad de los músicos era clara, intercambiaban miradas y bailes en el escenario, reafirmando el interés por compartir su música que definitivamente va más allá de simples notas.

Al finalizar la primera presentación de la noche, incrementó el movimiento dentro del foro. El cambio de instrumentos fue veloz, y en escasos 10 minutos todo estaba listo para que Elis Paprika & The Black Pilgrims salieran al escenario.

Sin decir una palabra, un intro al mero estilo “pure rock”, abrió el camino hacia una noche de poder mexa... Elis Paprika entró con todo, agitando la cabeza con su particular estilo, al mismo tiempo que entonaba sonidos guturales que desde el segundo cero denotaba una fuerte muestra de actitud.

A la hora de escuchar “Give Me Love” cesaron las distorsiones rasposas, para adentrarnos al clímax del evento… No había niña dentro del recinto que no cantara a pulmón el coro sutil de la canción, por otro lado Elis acaparaba miradas, señalando directamente a personas dentro de la multitud que inmediatamente reaccionaban con gritos eufóricos.

Después del sentimiento de melancolía con el tema anterior, un cambio radical ocurrió… “Rock and Roll” de Led Zeppelin comenzó con el característico ritmo ríspido de la batería, encendiendo a los fans de inmediato; fue a partir de aquí donde jamás bajo la fuerza del espectáculo; solo había un volumen y era alto.

A nada de concluir, Elis dio un breve discurso acerca de la inseguridad que se vive día a día dentro de la metrópoli, haciendo énfasis en jamás se bajar la guardia. Fue entonces cuando “Fight” selló el acuerdo entre publico artista, cerrando de manera admirable. ¡Bravo Elis!

Para finalizar esperaba la presentación de AJ Dávila, originario de Puerto Rico. Con un show enfocado en temas de su último álbum de estudio titulado Futuro. La banda fue directo al grano, como tendría que ser el punk garage.

Cuando alguien habla de punk, es imposible no imaginar peinados de picos o mohicanas que desafían las leyes de la gravedad, pero para AJ Dávila eso quedó en el pasado. “Dolores”, canción con tintes campiranos, tornó el ambiente en algo fresco y buena onda, enfatizando la nueva etapa del género.

“Beautiful” fue la canción más esperada y con mejor respuesta por parte del público, lo cual motivó al puertorriqueño a sentirse como en casa y continuar la fiesta con “17”, canción al mero estilo garage, llena de diversión que remonta a aquella etapa adolescente en la que pareciera que AJ Dávila se encuentra atrapado.

Todo estaba por concluir, la presentación fue bastante corta y nos dejó con ganas de más. Cabe recalcar la perfección por parte de los músicos, situación que debido al estilo es poco común. El “vale madre” necesario en la esencia del punk se hizo presente a lo largo de cada canción, dejando un buen sabor de boca... Aquí es cuando nos preguntamos: ¿Qué vendrá por parte de AJ Dávila?

Ride lanza el video de "Cali"

Un lado diferente del amor surfista en el reciente clip de Ride.

El cuarteto de Oxford hizo uno de los grandes regresos de este año con el disco Weather Diaries, publicado a mediados del mes de junio. Gracias al buen recibimiento del publico y comentarios positivos de parte de la critica, el grupo se ha mantenido muy activo, como ahora que han revelado el video de una de las pistas de este material.

Lo nuevo de Ride es para "Cali", uno de los últimos temas de su quinto álbum de estudio. Este fue dirigido y editado por Niall Trask, quien es más conocido por su trabajo en películas como El Culto Siniestro y Deadly Virtues. Además, está protagonizado por los surfistas y modelos profesionales Harry De Roth y Melodie Shakespear.

Andy Bell, líder de la agrupación y ex integrante de Oasis, habló sobre este video. "Esta es una canción de amor que ofrece imágenes de California y el océano, por lo que un video que cuenta con una pareja de surfistas fue algo perfecto. Lo que más me gusta del video es que evita algunos de los clichés en películas de surf, dejando lo retro y quedándose con un estilo contemporáneo. La naturaleza psicodélica de la edición está más en línea estética de Vaporwave que la psicodelia de los años 60. Es mi video favorito de Ride hasta ahora".

Puedes ver el clip de "Cali" justo aquí:

PREMIERE: Checa el nuevo clip de Daniela Spalla

La cantautora argentina Daniela Spalla lanza su tercer sencillo “Estábamos tan bien”.

Como parte del nuevo material discográfico que Daniela Spalla estrenará a finales de este año, se desprende el tema “Estábamos tan bien”. Tras habernos compartido “Amor difícil” y “Prometí”, la nominada al Grammy Latino —radicada desde hace algunos años en México­— nos comparte una pieza cuya lírica abarca una súbita y dolorosa ruptura de pareja y que, en contraste, está enmarcada en una composición alegre.

La dirección del nuevo video corrió a cargo del colombiano Andy Kenguan (miembro del grupo mexicano Costera) mientras que la excelente fotografía fue producto de la mexicana Jessica Rangel. Por su parte, “Estábamos tan bien” fue producida por Adanowsky (productor también de “Prometí”) y grabada en la CDMX.

Así, Daniela Spalla —quien compuso el material de su próxima entrega en su ciudad natal— regresa con un tercer corte después de un éxito rotundo de sus sencillos anteriores.

Sin más, te dejamos el tropical video de “Estábamos tan bien” para que lo disfrutes.

Checa también sus cuentas de Facebook y Twitter , así como su página oficial, para todo lo relacionado con esta cantautora adoptada por la capital mexicana —quien fue parte del Ciclo 3 del Circuito Indio el mes pasado en el Foro Indie Rocks!.

 

Sleep Party People — Lingering

Shoegaze pensado desde el Dreampop, Sleep Party People.

El cuarto disco de Sleep Party People es una muestra de que la combinación de géneros musicales no está peleada con la creatividad al momento de pensar un nuevo sonido. Brian Batz es el factor creativo dentro de todo este proceso de creación musical, así, dentro de su nueva obra, plasma la necesidad de permanecer aislado del mundo cotidiano para crear y así hacer una interpretación del mundo a través de su música.

El sonido escandinavo se encuentra en un auge dentro de la industria mundial, sin embargo, Sleep Party People no cede a las presiones de la industria por crear un disco que sea consumible por cualquier persona sino que desde la conceptualización de la música establece una línea directa con sus escuchas. Una de las virtudes del disco es la capacidad de crear imágenes mentales a través del sonido, es decir, se comunica por medio de su lenguaje para ser deconstruido por su público.

Lingering es un recorrido introspectivo en la mente del artista para construir un discurso que se plasme por medio de sonidos, ritmos y palabras. No es un intento chamanesco de establecer a Sleep Party People como portador de un conocimiento nuevo que intenta desarrollar sino que se trata de mostrarnos el trasfondo que tiene la creación musical. He ahí el gran acierto del disco, ya que sin ser grandilocuente, muestra de inicio a fin como un disco pasa de ser un concepto a una obra de arte.

“Lingering Eyes”, “Limitations” y “Vivid Dream” nos muestran el desarrollo de la obra dentro de sí misma, dicho en otras palabras, se trata de un disco que narra como el disco se auto-constituye como discurso. Por ello, Batz utiliza el sonido como base para expresar un discurso.

En la cuestión técnica y sonora, el disco es una mezcla de diferentes géneros que se sobreponen uno a otro, lo cual amplia la gama sonora que se presenta. El conocimiento de múltiples instrumentos permite a Batz dirigir sus ideas a los instrumentos de apoyo dentro de la grabación. El disco se genera y se fundamenta a través del artista que actúa como pulpo, por ello el sonido encaja como rompecabezas, pues todas las piezas parten de una misma cabeza.