Primavera Sound comparte shows para ver desde casa

Posted on abril 14, 2020 by -

El festival Primavera Sound publicó en su canal de YouTube algunas presentaciones de su historia para disfrutar desde casa.

Uno de los festivales más importantes de España y Europa, Primavera Sound, decidió ayudarnos a pasar un tiempo agradable entre toda la incertidumbre y el tedio de la cuarentena. Recientemente se anunció Relive Primavera Sound, una iniciativa que consiste en publicar algunas presentaciones memorables de la historia del festival desde 2001.

Este evento también se vio afectado por la pandemia de Coronavirus. Originalmente, estaba planeado para llevarse a cabo en junio, sin embargo, cambió de fecha hasta finales de agosto. Lo mismo sucedió con su festival hermano, NOS Primavera Sound en Portugal, el cual ahora será en septiembre, al igual que la primer edición en Los Ángeles.

Mientras las cosas mejoran y todo vuelve a la normalidad, podemos disfrutar de varias presentaciones en su canal de YouTube. El plan es subir un concierto cada día para que siempre tengas algo nuevo que ver. Hay más de 15 presentaciones disponibles hasta el momento, entre las que están actos como Car Seat Headrest (2018), Cut Copy (2014), Explosions In The Sky (2016), Belle and Sebastian (2015), Chromeo (2014), Dirty Projectors (2019) y muchos más.

Echamos un vistazo a los conciertos disponibles y seleccionamos cinco para que mejores tu día con alguna de estas magníficas presentaciones.

Bon Iver (2017)

Justin Vernon y compañía se encontraban promocionando su tercer álbum, 22, A Million y esta fue una de las presentaciones más emotivas de esa era. Lo tocaron casi por completo y también interpretaron temas de sus trabajos anteriores. El encore presenta a Vernon interpretando de forma magistral "Skinny Love" que seguramente conmovió hasta las lágrimas a más de uno.

Pixies (2014)

Los originarios de Boston son unas de las bandas más queridas por el público en cualquier festival que se presenten. Su actuación en la edición de 2014 del Primavera Sound fue épica. Black Francis, Joey Santiago, Paz Lenchantin y David Lovering maravillaron a la audiencia en Barcelona con 25 canciones, incluyendo hits como "Here Comes Your Man", "Monkey Gone To Heaven", "Debaser" y obviamente "Where Is My Mind?".

Wilco (2012)

Hace casi 8 años, la banda liderada por Jeff Tweedy se presentó en Primavera Sound para tocar 16 canciones en poco más de una hora. Un concierto inolvidable para quienes tuvieron la fortuna de estar ahí y ahora puedes revivirlo dando play en el video de abajo. Disfruta de las versiones en vivo de temas como "At Least That's What You Said", "Jesus, Etc." y "I'm the Man Who Loves You".

Hot Chip (2013)

El proyecto de Joe Goddard y Alexis Taylor puso a bailar a todo Barcelona con esta gran presentación. Su álbum más reciente era In Our Heads, del cual interpretaron cuatro canciones además de éxitos de sus placas anteriores. Por una hora todos los asistentes no dejaron de moverse al ritmo del synth pop de la agrupación inglesa.

Jungle (2015)

La banda originaria de Londres se encontraba gozando toda la fama que les valió su álbum debut homónimo, el cual fue lanzado un año antes. La energía que el colectivo transmite desde la tarima es palpable. Entre luces parpadeantes, armonías y una gran instrumentación, Jungle ambientó de manera profesional el escenario durante los 50 minutos que tenían para hacer que todos se entregaran a su música.

Pantha Du Prince — Conference Of Trees

Posted on abril 14, 2020 by -

Entre árboles y recuerdos repetitivos.

El productor alemán Hendrik Weber ha sido uno de los productores más constante e innovativos dentro del amplio espectro de la música electrónica. Bajo su pseudónimo Pantha Du Prince ha experimentando con cuestiones tonales y acercándose a vanguardias alejadas de la simple sensación rítmica del 4x4.

Sin embargo, es esta placa Conference Of Trees, Weber ha logrado amalgamar un discurso por demás arriesgado, un discurso que ha tenido precedentes en trabajos anteriores como Elements Of Light, donde no pierde esa sensación rítmica que lo caracteriza, pero que insiste en conjugar la electrónica con planos más contemplativos.

En esta ocasión el productor lo lleva a un nivel por encima de lo acostumbrado, incorporando influencias claras de compositores del siglo XX como Terry Riley o  La Monte Young, Weber mezcla paisajes oníricos y abre un campo a la inmersión completa del sonido y sus paisajes, lo cual se refleja de buena manera en los tres primeros tracks del disco, donde juega con los patrones sonoros, incluyen así, ensambles corales, y apoyado de estas composiciones que sirven como antesala para lo que probablemente es el sello que se espera del proyecto.

Los recursos comunes y repetitivos se abren paso en “When We Talk”, donde se permea aún, la experimentación y la influencia vanguardista pero que lentamente se va perdiendo alrededor del disco, el productor vuelve a la esencia del proyecto, la noción bailable y poco novedosa de su obra, una cara que produce si bien, letargo, también una sensación fuera de cualquier noción abstracta, donde el productor fuera de seguir una línea más contemporánea, se aleja de esta y conserva la idea principal que ha mantenido al proyecto, como lo vuelve a demostrar en los siguientes cortes del discos como: “Supernova Space Time Drift” o “Pius In Tacet” tracks donde la vibra de la pista de baile se hace presente, sin dejar de moverse hacia la experimentación, hecho que recuerda a productores como James Holden, quien ha hecho un trabajo similar en esta constante, donde se mezcla vanguardias experimentales con la acostumbrada rítmica electrónica, como es el tema que domina el productor.

Si bien, el trabajo de Conference Of Trees, no deja un mal sabor de boca, no es trabajo que sorprende ni mucho menos impresiona a mayores rasgos, pero si marca el camino de Pantha Du Prince por otros horizontes a comparación de discos como Black Noise. Weber recrea un paisaje por demás predecible, pero que no por esto no sea bueno o malo, sino que, deja entrever un camino en avanzada para el productor alemán, un camino que no defrauda, y eso es seguro, a pesar de no conmover, y de seguir en una constante de espacios planos, donde pareciera estancarse, el productor nos mantiene en espera de saber que es lo próximo en su camino, en saber qué depara a su obra.

Sorry — 925

Posted on abril 14, 2020 by -

Y además de referir a la pureza de la plata esterlina, ¿Qué significa 925 para Sorry?

“¡Objeción!” exclaman los integrantes de Sorry en medio de una conversación con los escépticos del sueño. Asha evita la ruptura del contacto visual con sus contrincantes y -rodeado de personajes que portan el vestuario de los drugos- Louis  retoma algunos de los manuscritos de Deleuze.¿Por qué y para qué sentir una culpa por la supuesta (ir)racionalidad de nuestros sueños? 

¡Un sorbo a la ginebra!, ¡Otro al damson grin!, ¡Cuidado con la serpiente deslizándose por el televisor!, ¡La suspensión del ruido no (siempre) es sinónimo de un aura amena y libre de peligro!

"Everybody dreams alone on their own. 

Privately..."

(***)

Los sueños no (solo) son alternativas irrelevantes e incompatibles. Aún desde la somnolencia, imaginamos, procesamos y transformamos nuestras experiencias en bases perceptivas. Los personajes que construimos desde y para el inconsciente tienen creencias e intenciones… O al menos, así lo demuestran los protagónicos del material debut de Sorry: 925. 

Bajo atmósferas híbridas y experimentales entre el pop, jazz y electro, Asha Lorenz y Louis O’Bryen narran el tránsito y destino de wannabes de Elvis Presley, celebridades corruptas, parejas que atraviesan por procesos de ruptura y jóvenes que tienden a la atracción por comportamientos (auto)destructivos: El carnaval de múltiples personajes que se regocijan en las promesas del ensueño y la pesadilla.

“You’re an eager fool to love this fox.

These lovely wolves and poor devils.”

Si bien Sorry cimentó (algunos de) los peldaños de su identidad musical en temas como “Wished”, “2 Down 2 Dance”, y “Showgirl”, con 925 el dúo logra entablar un diálogo profesional con sus dos nuevos (y ocasionales) integrantes (Lincoln Barrett y Campbell Baum) y así, privarse de descripciones genéricas (¡otro punto para Londres!) y del simple seguimiento de “una banda más de la discográfica de Elliott Smith y White Lung”. 

Desde el punto de vista de Lorenz y O’Bryen, no basta con la producción de un single que llama la atención del público adepto al sonido distintivo de Sonic Youth (“Lies”) o con la reconstrucción estética de la filmografía de Tarantino, Fosse, Kubrick o Gaspar Noé. Como lo declaran en los coros de “More” y “Starstruck”: Los londinenses desean todo aquello que les parezca y haga sentir suficientes: Drogas, tensión, excesos, poemas, diamantes, voyeurismo y hartazgo por la existencia y el romance. En pocas palabras: El soundtrack de la colección fotográfica de Nan Goldin (The Ballad of Sexual Dependency). 

Como músicos, es importante tener claro cómo quieres ser representado ante los demás. Siempre hay que saber quién cada quien. Por eso consideramos que lanzar singles al azar puede ser contraproducente. Si no se tiene una identidad musical previa, las personas suelen olvidar. A nadie le va a importar y se corre el riesgo de ser otra agrupación de rock en la lista”, Asha Lorenz durante una entrevista con Loud and Quiet.

Coordenadas distantes (¡y necesarias!) entre charlas hirientes y el humor del ya desgastado “Okay, boomer!”

A pesar de que la identidad de Sorry no está alejada de una exquisita interpretación de clichés que han adornado el éxito musical por décadas, los 13 temas de 925 logran captar las raíces que dieron nacimiento al proyecto: Los mixtapes, los 10 años de amistad entre Asha y Louis,  la narración de historias nocturnas, la admiración por el trabajo de Mica Levi (a.k.a Micachu) y el sampling a bandas como Radiohead, Broadcast, Blurt y Massive Attack. 

Además de la fusión funky-britpop de “Starstruck”, uno de los elementos que delimitan las particularidades de Sorry es la capacidad (lírica y sonora) para la construcción y ambientación de personajes. Con descripciones detalladas (she’s all dolled up like a movie star with those flash eyes), vocales etéreos, referencias a Louis Armstrong (“What A Wonderful Day”) y paletas de colores que remiten a filmes como Enter The Void (2009) y Clímax (2018), el dúo corona como protagónicos a la ironía, al humor y al sarcasmo. 

Los personajes que construimos desde y para el inconsciente tienen creencias e intenciones propias.

El debut discográfico de Sorry se caracteriza por su dinamismo instrumental y lírico; los 13 tracks permiten que las y los escuchas deambulen en la paradoja afirmativa de la que escribió Deleuze. Mientras la atmósfera saxofónica de “Right Round The Clock” confronta las discusiones respecto a Hollywood (¿Como arte o simplemente industria?), la mofa de “Rock ‘n’ Roll Star” reduce el impacto emocional que pueden tener canciones como “Snakes”, “In Unison” y “As The Sun Sets”.

“Oh Devil, where have you gone?

Nothing’s left of my self-esteem”

¿(Des)acierto que los tracks destacados recuerden a Midnight Boom (2008) de The Kills?

A criterio personal, hay tres elementos que restan puntos a 925: Es un material discográfico de ‘track by track’; el orden opaca a piezas que tienen cierta debilidad musical y los temas principales resaltan -en gran parte- por matices que caracterizan a otros proyectos (uno de ellos de la misma disquera). 

Sin duda, es un álbum cuyo contenido se disfruta por separado y no en la totalidad de sus 43 minutos de duración. Canciones como “Rosie” y “Heather” aparecen como fragmentos débiles (y repetitivos) de composiciones que guían la escucha lo-fi, melancólica y sombría: "In Unison", “Snakes”, “Lies” y “Wolf”. 

Respecto a estas dos primeras observaciones, cabe destacar que su productor (James Dring) declaró que “en 925 todo es intencional”, por lo que se puede deducir que -tanto O’Bryan como Lorenz- optaron por conservar el formato de los dos volúmenes de mixtapes: Home Demo/ns (2017). 

Posted by Sorry on Sunday, October 20, 2019

Por su parte, la tercera cuestión que dista a Sorry de alcanzar una calificación perfecta es que sus piezas destacadas (la mayoría de ellas singles) se posicionan en el imaginario musical por una suerte de nostalgia. Mientras “Starstruck” recupera los tonos que conquistaron a las y los fans de The xx, la intimidad y escucha accesible de “Right Round The Clock” y “More” recuerdan a las conversaciones entre Alison Mosshart y Jamie Hince en “U.R.A Fever” y “What New York Used To Be”...

Al llegar a los primeros segundos de "Lies (Refix)", 925 es -quizá- un oasis para las y los The Kills junkies que fantaseamos con el pop deformado de Midnight Boom o un “más de lo mismo” para Domino Records. Esperemos que Jules Apollinaire y Natalie Findlay continúen bajo su propio sello: TTRRUCES. De lo contrario, exclamaría Asha Lorenz:

Ugh! And you did it again!

 

Karen O montó un mini show para IGTV

Posted on abril 14, 2020 by -

Aprovechando la cuarentena, Karen O, interpretó en Instagram una versión acústica de "Our Time".

El aislamiento por el COVID-19, ha generado todo tipo de respuestas. En lo que a los músicos respecta, éstos se han dedicado a tratar de amenizar el momento animando a sus fans con presentaciones en línea o lanzando música nueva, o como Karen O, quien armó un mini show en su armario para interpretar una versión acústica del tema "Our Time". 

Los que son súper fanáticos de la agrupación, sabrán que esta canción es considerada una de las rarezas de los Yeah Yeah Yeahs. Este tema fue interpretado por última vez en vivo durante la presentación de su décimo aniversario en el Mercury Lounge, en septiembre del 2010. Motivo por el cual, fue una sorpresa ver a la líder de la banda interpretar este single.

El video fue subido a su IGTV, y a través de él podemos observar al hijo de la cantante abrir la puerta del armario donde se encuentra Karen O. Ella se muestra muy feliz sentada en un banco con una guitarra acústica en mano. La decoración del lugar es muy particular; hay series de luces y banderines de colores a juego.

Haciendo relación con la letra del tema, la cantante compartió en la descripción del video. "Así que tal vez odies el año hasta ahora, no te culpes si lo haces, es el año para ser odiado. Aquí hay un corte profundo YYY de mi corazón al tuyo. Esto no podría hacerlo sin los trabajadores esenciales ¡Gracias, te queremos!".

Mira el video a continuación y disfruta de esta bonita y divertida versión que "Our Time":

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Karen O (@ko) el

A 40 años del disco debut de Iron Maiden

Posted on abril 14, 2020 by -

Iron Maiden: El despertar de la bestia.

Out in the madness, the all seeing eye,

flickers above us, to light up the sky,

"Remember Tomorrow".

13 días son suficientes para grabar un disco debut, 40 años para reafirmar un legado perpetuo. Desde el primer esbozo del riff de “Prowler” se puede distinguir la influencia permanente, si escuchas con atención, puede que te recuerde a “Between Angels and Insects”, tema esencial de un disco que figuró entre la era del nu-metal: Infest de Papa Roach. Casi puedes imaginar a Jerry Horton, guitarrista de la banda, sentado al filo de su cama aprendiendo a tocar su instrumento, posters de sus bandas favoritas en la pared, y un disco de Iron Maiden incendiando su inventiva. Es en esas obras que influyen y te enganchan desde muy joven donde radica la inmortalidad de la creatividad. 

Siguiendo con el primer tema del primer disco de la doncella de hierro, se puede notar la clara fusión del punk y las evoluciones de guitarra que eventualmente darían forma a la obra musical de la banda, y esencialmente, a la nueva ola del heavy metal británico que eventualmente dominaría al mundo. Steve Harris ascendiendo como gran mariscal, alzando la espada, llevando con el ritmo del bajo a la caballería para el comienzo de la batalla. Paul Di’Anno como voz principal, Dave Murray y Dennis Stratton enmarañando los telares en las cuerdas de metal, entre arpegios oníricos y solos despiadados, Clive Burr imponiendo la cadencia discreta pero poderosa en los tambores batientes.

“Remember Tomorrow” como la calma que precede a una tormenta, el destino convertiría a “Running Free” en el canto bélico de la armada fiel que aumentaría con los años, “Phantom of the Opera” como primera muestra de lo épico que puede llegar a resultar un tema que habla de una historia conocida, la interpretación propia de Erik y su vida espectral, lo que se esconde tras la capa y la máscara: “Your looks and your feelings are just the remains of your past”. Y en lo instrumental, una auténtica sinfonía infernal llena de cambios de ritmo, riffs, solos sincronizados, como realizar el soundtrack de una película imaginaria donde casi puedes percibir el relato de forma distinta a una novela. 

Este ánimo infalible de grandeza musical y de ejecución, como podemos también apreciar en el tema “Transylvania”, fue lo que diferenció a Maiden de bandas como Def Leppard, que en aquel tiempo también ascendía en el circuito de clubes de Reino Unido con un ánimo quizá más comercial, e imponía una clara diferencia con Motörhead, quienes con un poco más de bagaje y fieles a su condición underground seguían estableciendo los pilares del castillo maldito del heavy metal. 

“Charlotte the Harlot” y el génesis de hilvanar historias ficticias que eventualmente se convertirían en clásicos, y cual final perfecto, el tema que da nombre al disco, a la banda, al legado inmortal. Hay un trecho de 4 décadas entre la pesada labor de cargar los amplificadores e instrumentos, colocarlos en el suelo sucio de un pub, tocar con pasión y que tal vez la gente no entendiera qué estaba pasando. Después los lugares más grandes, las disputas, los contratos, los tours, primero abriendo a Kiss, luego surcando camino propio como headliners hasta la fecha, de la primera camioneta al avión propio: Ed Force One, discos, documentales y homenajes después, el eterno acero de Iron Maiden sigue cortando nuestras gargantas al compás de su frase inmortal: “Oh well, wherever, wherever you are, Iron Maiden's gonna get you, no matter how far”. 

Y en efecto, aún así hayas crecido en Mumbai, Vacaville California, o en el barrio de Puerta Grande, y los hayas encontrado gracias a un vecino y su huacal lleno de vinilos, y desde aquel primer vistazo a la creación maldita de Derek Riggs y sus evoluciones portada tras portada, Eddie the Head no resultaba ser una pesadilla, más bien el sueño que figuraba aquella música catártica que tanto necesitabas en un mundo dominado por el pop. De alguna forma Iron Maiden te atrapó, incluso aunque no estuvieras con ellos desde el principio.

Win Butler confirma nuevo álbum de Arcade Fire

Posted on abril 14, 2020 by -

El tan esperado regreso de Arcade Fire está más cerca de lo imaginamos, según afirmó Win Butler.

Hace tres años que la banda canadiense Arcade Fire lanzó Everything Now, para después tomar un ligero descanso de la música. Misteriosamente, hace unas semanas el líder de la agrupación, Win Butler, comenzó a compartir a través de sus redes sociales, fragmentos de nuevas canciones que abrían paso a las sospechas de un nuevo disco. El misterio está resuelto, pues el cantante acaba de confirmar la noticia de que la banda está trabajando en su próximo proyecto.

A través de su Instagram el intérprete de "The Suburbs", compartió unas notas escritas por él, en las que explicaba a detalle todo lo que está pasando. Confirmando que evidentemente viene un nuevo álbum el cual, llevaba ya algunos meses de grabación antes de que se anunciara la pandemia del coronavirus.

Hemos estado explorando muchos temas líricos y musicales que se sienten casi extrañamente relacionados con lo que está pasando ahora. No hace falta decir que la escritura se ha intensificado, y el trabajo está fluyendo... Es más desafiante que nunca, y con el mismo propósito. Estoy volcando mi corazón, mi alma y todo mi precioso tiempo en la música y la grabación", comentó Win Butler. 

Sabemos perfectamente que el COVID-19 puede frenar el lanzamiento de este álbum, es por eso que, el cantante pidió a sus fanáticos un poco de paciencia, ya que nadie sabe cuándo sea que todo recobre su normalidad.

Cuando escuches la música que viene (...eventualmente...no pronto...si no tienes paciencia a estas alturas, definitivamente no estás leyendo esto), sabrás en qué estábamos trabajando bajo cuarentena", explicó. 

Si deseas leer el post completo te lo compartimos a continuación:

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Win Butler (@djwindows98) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Win Butler (@djwindows98) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Win Butler (@djwindows98) el

CocoVera estrena "Feel Better" con Teri Gender Bender

Posted on abril 14, 2020 by -

La frontwoman de Le Butcherettes se une a CocoVera para que bailes al ritmo de "Feel Better".

El dúo conformado por Alejandra Robles y Janelle Obert, mejor conocido como CocoVera, está por lanzar su segundo álbum. Este llevará por nombre All's Well That Ends y previo a su estreno ya se han compartido dos adelantos, "Alcon Blue" y "Feel Better".

Para este nuevo single ha colaborado la vocalista de Le Butcherettes, Teri Gender Bender. Su participación es muy notoria en el intercambio que generan las voces entre versos y coros, creando una dinámica bastante peculiar, donde dos líneas de voz se mueven al mismo tiempo.

Somos prácticamente hermanas, así que trabajar con ellas es muy natural, casi como un ritual para crear cosas juntas de una forma u otra. Siento que la canción que Ale y Janelle han escrito y producido es un viaje y te lleva a un viaje emocional ", comentó Teri Gender Bender respecto a su colaboración.

Este tema propone un viaje sonoro bastante interesante. Donde los versos generan una tensión que explota en los coros gracias a los movimientos de la batería en función con la fuerza de las voces. Además la serie de guitarras y pequeños arreglos de distintos instrumentos enriquecen a la canción, generando una atmósfera oscura pero con mucho ritmo. Dale play a continuación.

Entrevista con Protomartyr

Posted on abril 14, 2020 by -

Protomartyr: Música para tiempos de crisis.

Sobra decir que son días turbulentos. En cada canal, cada red y cada esquina se nos advierte de los crecientes riesgos y las condiciones de lo que hoy como mundo estamos sufriendo. Mientras unos buscan mantener una vigencia mediática y creativa realizando acciones altruistas o regalando recitales improvisados, otros actos como Protomartyr prefieren mantener un perfil modesto, o hasta inmutable. Pero no se trata de una falta de conciencia acerca del situación global; es simplemente una continua manera de mantenerse vigorizados y de seguir brindando sonidos gélidos y perturbadores a sus seguidores. 

Para saber un poco más de este proceso de cómo intentar mantener la normalidad ante inusitadas adversidades, tuvimos una charla con Joe Casey, vocalista de Protomartyr.

“Actualmente estoy en Detroit. La situación no está nada bien. De por sí es una ciudad difícil y han habido complicaciones en conseguir las pruebas y los cuidados médicos apropiados. La gente vive al día y, cuando llegas a salir a la calle y te encuentras con alguna persona, se nota una pesadez y derrota en el ambiente,” inició Casey, enlazado de manera telefónica, con un tono entre letargo y resignación.

La banda acaba de lanzar su nuevo y estridente sencillo, “Processed By the Boys,” como antesala del lanzamiento de su quinto disco, Ultimate Success Today, y lo están haciendo tal y como lo suelen hacer bajo cualquier circunstancia. Pero Casey reconoce que dicho tema tiene varias alegorías en las letras que ilustran a la perfección el pánico e incertidumbre de hoy. 

“Mucha gente me ha mencionado la ironía de la canción, de que es un poco profética. La canción tiene más que ver con los bravucones e idiotas que conocías en la secundaria y que ahora están a cargo del gobierno o del sistema médico. También nos damos cuenta de que muchos directores o creativos con los que trabajamos visualizan nuestras canciones con material oscuro y deprimente, pero eso siempre viene con la primera o segunda impresión. Por eso quisimos hacer mancuerna con la productora HLPTV & LooseMeat Biz, que hacen cosas más irreverentes y llamativas. Fue momento de recurrir al humor ácido,” mencionó Casey.

Protomartyr se fundó en 2008, en Detroit, Michigan, y hoy en día la integran Casey, Greg Ahee (guitarra), Alex Leonard (batería) y Scott Davidson (bajo). Su último disco, Relatives in Descent, fue lanzado en 2017, e inició esta tendencia experimental del grupo - dentro de sus propios términos - por buscar sonidos más cálidos, pero con un subtexto lírico político y oscuro, haciendo múltiples referencias a la administración de Trump y, por supuesto, a la mortalidad. 

“Este ha sido el periodo más largo entre discos que hemos tenido. Si hay un lapso así de extenso, creemos perjudica la creatividad. Por eso hicimos un relanzamiento del primer disco, [No Passion, All Technique] para mantenernos vigentes. Y justo trabajando en remasterizar el material, recordé la época, la energía y dónde estaba mi mente en esos momentos. Volvieron a mi cabeza estos sentimientos enfermizos y mórbidos. Entonces la dinámica cambió a hacer un disco de cuando alguien más muere a cuando tú mueres,” musitó Casey.

Ultimate Success Today sigue la tendencia de traer texturas y pensamientos desde un nivel más subconsciente y, se podría decir, ególatra. Esto es un contrapunto a la naturaleza de su grabación, en la cual tomaron la decisión de contar con colaboradores de distintos rubros, desde Nandi Rose Plunkett, mejor conocida como Half Waif; Jemeel Moondoc en el saxofón e Izaak Mills en el clarinete y flauta, dándole toques de jazz y synth pop a su estilo.

“Para el disco, todos tuvimos preparaciones diferentes. Por ejemplo, Greg escuchaba discos de jazz y eso conllevó a buscar un proceso creativo más orientado a la colaboración y a la improvisación. Todo fue para tener la experiencia de ‘cómo sonaba un disco de Protomartyr con otras adiciones,’ en vez de solo nosotros,” explicó Casey. 

Además de las nuevas influencias mencionadas, Casey también recurrió a todo tipo de referencias para la parte lírica. Se pueden apreciar pasajes distópicos hallados en la prosa de Cormac McCarthy, el abandono con olor a derrota de las canciones de The Raincoats y hasta las disidencias históricas del cuerpo militar estadounidense.

“Encima de todas las ideas que venía recopilando por remasterizar No Passion, All Technique también me ayudó un libro que leí acerca de las mulas y su uso por el ejército norteamericano. A través de la historia, las mulas han jugado una parte importante. Me atrae mucho la descripción que les hacen en el libro, como ‘el trabajador por excelencia,’ y cómo al ser una combinación de un burro y un caballo, tiene las fortalezas de ambos. También grabamos frente a un muro que armamos con televisores viejos que reproducían películas en VHS. Por ahí se colaron referencias de Logan’s Run que no recordaba de donde salieron hasta que estábamos masterizando todo. Hay que estar abiertos a recibir influencias de donde sea.” mencionó Casey.

Con respecto a la situación actual y el porvenir de la industria musical y el entretenimiento masivo, Casey prefiere no meditarlo mucho y hacerle frente con lo que tiene al alcance. No es necesario un altruismo forzado, según sus palabras. Si uno está desmotivado y prefiere pasar estos días resguardado sin mucho que hacer, es totalmente válido. Y también cree que la experiencia de asistir a conciertos y pararte en medio de propios y extraños para una dosis de apreciación musical no será fácil. Al menos no de forma inmediata.

“Realmente no estoy haciendo nada creativo en estos días. Sin querer echarle carrilla a otras bandas, la verdad es que hacer ese tipo de iniciativas de hacer sesiones en vivo en redes sociales no está en mi ADN. Soy más de la idea de que lo mejor es no hacer mucho y no presionarse demasiado,” afirmó Casey. “La gente quizás no tenga ganas de estar en medio de grandes multitudes después de que esto pase y se calme. Lo más frustrante para mí, por ejemplo, es no poder viajar. Quizás sea un poco egoísta de mi parte, pero es la única manera de conocer el mundo para gente sin mucho dinero como nosotros, y es muy desalentador.

"La Ciudad", el nuevo single de El Shirota

Posted on abril 14, 2020 by -

Llénate de adrenalina y descubre el tesoro de "La Ciudad" en la nueva canción que presenta El Shirota.

Luego de anunciar el lanzamiento de su primer álbum que llevará por nombre Tiempos Raros, El Shirota ha compartido recientemente su primer adelanto. La agrupación de la Ciudad de México también comentó que el estreno de este primer LP llegará el 12 de junio.

"La Ciudad" es una canción enérgica con unas poderosas guitarras que con sus diálogos llenan de emoción y electricidad al oído. Le acompaña un batería potente y un juego de voces que por momentos son tímidas y en otros están llenas de fuerza y euforia, publicada por medio del sello independiente Devil in The Woods.

Además le acompaña un video musical en el que podemos ver a los integrantes de la banda sumergidos en una historia de vaqueros al estilo de película Western hasta que todo concluye en un cierre dramático, haciendo alusión al mundo estimulante de los sueños. Este videoclip fue dirigido por Alejandra Villalba García de Somos/Simios, dale play a continuación.

Este primer adelanto es una muestra de lo que será esta nueva etapa de la banda, donde muestra un sonido contundente y un discurso poderoso. Te invitamos a estar en Indie Rocks! para conocer novedades previo al lanzamiento del nuevo álbum de El Shirota.

“Oro", el nuevo video de Rubio

Posted on abril 13, 2020 by -

Psicodelia y Auto-Tune en "Oro", el nuevo videoclip de Rubio. Dale play a continuación.

Rubio, el proyecto experimental liderado por la cantante chilena Francisca Straube, compartió el visual de “Oro”, tema que se desprende de su más reciente EP: La Pérdida (2020), lanzado el mes pasado. Se trata del primer video animado de la solista.

El audiovisual, dirigido por la artista 3D Blahblahblasfemia, funge como video oficial y lyric video, en el cual se aprecia una animación psicodélica con criaturas azules bailando en diferentes escenarios, que van desde una habitación neón hasta una playa con flores de loto. Además, en más de una ocasión se observa a una serpiente salir de la boca de uno de esos entes extraños.

Hace unos días, en estos tiempos de encierro por culpa del coronavirus COVID-19, la cantante, productora y baterista chilena ofreció dos concierto en línea. Uno a través de su Instagram y otro gracias a Far Away Together, un festival a distancia que inició el 4 de abril y finalizará el 20 del mismo mes, y reúne a bandas como Little Jesus y Sotomayor.

Disfruta de “Oro” a continuación:

Mantente al pendiente de Indie Rocks! para más noticias de Rubio y el mundo musical en general.