A 45 años del álbum debut de Ramones

Rock acelerado de letras infantiles pero con una personalidad única que todos quieren imitar.

Algunos grupos han hecho esfuerzos sobrehumanos para conseguir un lugar destacado dentro de la música pero otros lo único que necesitaron fue contar del uno al cuatro. El futuro no siempre está adelante porque en ocasiones lo mejor es mirar atrás. Mientras algunas personas se esfuerzan demasiado por crear canciones extravagantes y complejas con mensajes filosóficos otras prefieren el extremo opuesto. Es por eso que al hablar de simpleza todos los caminos conducen sin escala a un mismo nombre: Ramones.

Cuando los sesenta se transformaron en setenta se dio la consagración del rock progresivo. Agrupaciones como King Crimson, Yes y Pink Floyd mostraron su alta cultura al crear obras rimbombantes con la tecnología más avanzada del momento y a la que pocos podían acceder. Para este momento de la historia no cualquiera tenía en su casa un sintetizador o un mellotron y menos sabía utilizarlo. El nivel socioeconómico jamás había sido tan evidente.

El nacimiento de un nuevo género musical

Pero mientras algunos músicos siguieron el camino de la complejidad otros optaron por los senderos de lo rudimentario para dar inicio al punk. El camino fue pavimentado por The Sonics, The Stooges, MC5 y New York Dolls. Cada uno se enfocó en mostrar que la energía era igual o más importante que el mensaje. Mientras que la cima de este nuevo género es ocupada por Ramones y un estilo de vida igual de frenético que sus canciones.

Fue en 1974 cuando cuatro veinteañeros con un discreto pasado en la música decidieron intentarlo de nuevo. Ya habían fracasado una vez y las probabilidades de que se repitiera el mismo resultado eran demasiado altas. Nada de eso importó y con instrumentos de segunda mano se aventuraron. Sus primeras presentaciones fueron en un club de Manhattan recién inaugurado llamado CBGB. Por ser tan nuevo se caracterizó por abrir sus puertas a cualquier banda sin importar el estilo o experiencia.

Nunca hubo virtuosismo pero sí algo diferente con respecto a los demás músicos. Las primigenias composiciones estaban desnudas y sonaban feo pero con personalidad. Mientras que el cuarteto ejecutaba una tras otra sin pausas. Era como la ráfaga de una ametralladora que destroza todo en unos cuantos segundos.

Una vez conseguido un contrato discográfico el primer LP del cuarteto vio la luz el 23 de abril de 1976.  Desde entonces el mundo jamás ha sido igual. La recepción inmediata fue nula y las escasas críticas bastante negativas. Muchos acusaron que todas las canciones sonaban iguales y desafinadas como si eso fuera algo negativo aunque con el pasar del tiempo se convirtió en una virtud.

Las ventas del disco fueron escasas y todo apuntaba a otro fracaso pero la perseverancia de Joey Ramone (voz), Johnny Ramone (guitarra), Dee Dee Ramone (bajo) y Tommy Ramone (batería) marcó la diferencia. Sin importar el menosprecio de los medios los cuatro greñudos con peinados de bacinica se enfocaron en presentarse en absolutamente cualquier lugar y vivir en una eterna gira. Primero fue en su natal Nueva York y después por todo Estados Unidos. El reporte oficial afirma que durante poco más de dos décadas fueron un total de dos mil 263 conciertos en todo el mundo antes de separarse.

Las palabras que cambiaron para siempre al rock: Hey, Ho, Let's Go!

El tema con el que abre la ópera prima es “Blitzkrieg Bop” y en apenas dos minutos marca una drástica diferencia con respecto a la música de la época. No hay epopeyas ni mensajes subliminales. Es simplemente un golpe directo a la mandíbula que noquea en el primer round. La guitarra se convierte en el aleteo de una mosca que hace pensar que las bocinas no funcionan pero en realidad así es el sonido. La estructura es tan sencilla que está basada en tres acordes y un coro pegajoso que desde entonces permanece tatuado en el inconsciente. La letra de temática bélica fue parcialmente compuesta por Dee Dee gracias a su conocimiento en la guerra por ser hijo de un soldado americano. 

Lo mismo ocurre en las otras 13 piezas que complementan el trabajo. Los títulos muestran ideas infantiles que en ningún momento buscan cambiar al mundo. Tan solo se trata de experiencias con las que cualquier joven se puede identificar. "I Wanna Be Your Boyfriend", "I Don't Wanna Go Down to the Basement" y "Judy Is a Punk" son ejemplos claros. Mientras que la única que se diferencia del resto es "53rd & 3rd" por abordar un tema serio y hacer referencia a la esquina en la que se ejercía la prostitución masculina en la Gran Manzana.

Una portada y un logo inconfundibles 

Pero el sonido no es el único representativo sino también la distintiva portada que ha sido imitada y replicada infinidad de veces desde entonces. La fotógrafa Roberta Bayley partió de una idea tan simple como la música del combo. Un retrato de los cuatro integrantes sobre una sucia pared de ladrillos fue suficiente. El secreto fue mostrarlos con la misma ropa que utilizaban en si vida diaria. Pantalones de mezclilla rotos en las rodillas, chamarras de cuero y unos roídos tenis Converse. A la fecha es una de las imágenes más representativas del rock.

Las legiones de fanáticos cada vez son mayores e incluyen desde seguidores que abrieron un museo en Ecatepec hasta fieles apasionados que mantienen vivo el legado en el cono sur como lo muestra el libro Ramones en Argentina (Gourmet Musical Ediciones, 2018). En tanto que no menos importante es el logo del combo que ha sido responsable de vender millones de playeras en todo el planeta. El responsable es el diseñador gráfico mexicano Arturo Vega, quien ahora ya se encuentra en otra dimensión junto a los cuatro integrantes originales.

Pensar en el punk sin asociar el nombre de los Ramones es un sacrilegio tan grande como hablar del metal sin hacer referencia a Black Sabbath. No solo se trata de un sonido sino de un estilo que nació para nunca morir. Aunque el propósito inicial nunca fue cambiar al mundo al final sí se consiguió y eso se puede observar con los miles de imitadores que existen en todos los rincones del planeta. Y pensar que todo empezó con un simple 1, 2, 3, 4.

“Sueños”, el nuevo single de Rubytates

La agrupación libera una oda a la nostalgia con su segundo track en 2021, perteneciente a su próximo álbum.

Nostalgia y los recuerdos de un suceso pasado: “Sueños”, el nuevo single del cuarteto mexicano que te hará extrañar a esa persona especial. Como parte de su nueva producción discográfica, Rubytates comparte el segundo extracto del año, que combina su intrínseco pop mexicano, con un poco de synthwave. 

El tema da apertura a una secuencia de sintetizadores, vocalizaciones que abren el panorama y dan amplitud a un consistente beat, guitarras recargadas de chorus, y un conjunto de melodías pegadizas y sintéticas. 

‘si en tus sueños yo me aparecí es por que siempre estoy pensando en ti’ dice Pepe Nungaray (vocalista)  con una melodía irónica y sincera, sabiendo que a veces estos sucesos no dependen de nosotros. Rubytates nos inspira a soltar y entender estos cambios repentinos con amor y mucha energía pero sobre todo haciéndonos sentir con música”, menciona la banda.

El pasado mes de febrero, la agrupación comenzó el año junto a “Adicción”, el primer corte de su próximo LP, además de un videoclip producido por ellos y dirigido por Maximiliano Díaz Castañeda

Tras un año de poca actividad, el conjunto decidió revisitar tres de su temas más representativos, en un compilado titulado Sesiones del Bosque (2020), con su sencillo “No Soy Yo”, “Bajo Las Luces” y “Fuera De Este Mundo”

Escucha "Sueños", lo último de Rubytates:

 

Entrevista con Mehro

Ante un cielo en llamas, mehro antepone la esperanza.

Cuando veo los videos de mehro -estilizado así en minúsculas-, no puedo evitar pensar en un joven artista que pasa mucho tiempo en su cuarto escuchando a referentes como Jeff Buckley o Elliott Smith y después plasma sus emociones más profundas en letra y música con su guitarra acústica como mejor compañera.

El músico de Los Ángeles tomó nuestra llamada para platicar sobre su más reciente lanzamiento, Sky On Fire. Un poco tímido al inicio, mehro me platicó sobre el reto de crear su debut discográfico y lo que quiso plasmar de sí mismo en estas siete canciones. A pesar de verse envuelto en un panorama tan desolador y desmotivador como el actual y de plasmar en su lírica una línea bastante melancólica y personal -fuera del tema “not alone” que suena como una oda motivacional a sus fans-, no desea que sus canciones se queden como un testamento unívoco.

Quiero que estas canciones sean interpretadas de un millón de maneras diferentes, que la gente extraiga diferentes significados y que cada una tenga una canción favorita diferente. Lo que sea que signifique para ellos, está bien, en cualquier lugar que te encuentres en tu vida, espero que conectes con el disco. Deseo que la gente se sienta inspirada cuando lo escuche, eso es lo que más me importa, que se inspiren para vivir su vida y ser ellos mismos.”

Mehro comentó que escuchó mucho a David Bowie, Frank Ocean, Joni Mitchell, Duke Ellington, entre muchos otros durante el proceso creativo. Uno podría argumentar que, con 21 minutos de duración, Sky On Fire es más cercano a un EP que a un disco, pero no por ello su creación fue más sencilla. “El proceso creativo no fue algo de la noche a la mañana, sino que tomó mucho tiempo y no me di cuenta de qué tan emocional y espiritualmente conectado estaba a estas canciones hasta que las sacamos completas. Escuchar el proyecto en su totalidad fue muy satisfactorio y emocional, ha sido mucho tiempo y esfuerzo, mucha energía y mucho amor”, describió.

Con medio millón de escuchas mensuales en Spotify y números similarmente grandes de vistas en sus videos de YouTube, mehro es una estrella en ascenso dentro del mundo de los cantantes-compositores que no necesitan mas que su voz y una guitarra acústica o un piano para crear melodías y letras que apelan a las emociones fuertes.

El músico angelino describe el tiempo que invirtió en Sky On Fire como un proceso de aprendizaje y un “coming of age”. “Es el comienzo de mi viaje y hay muchas cosas que aprendí en el trascurso de este proyecto. Hay muchas cosas que hice por accidente y que resultaron geniales, muchas veces fue cuestión de revisar algunas cosas una y otra vez, sentirlas”, mencionó.

Aprendí que soy capaz, porque no siempre he creído que estaba destinado a ser músico o compositor y (también) aprendí que soy digno de lo que aspiro a ser, cualquiera que sea mi sueño y que puedo hacerlo, lo importante que es dedicarte en cuerpo y alma a algo. Lo estoy haciendo y ha sido extremadamente gratificante.”

mehro sky

Mehro no da por sentado el esfuerzo de todo su equipo que ha apoyado su carrera como músico independiente, enfatizó la importancia de rodearse de gente que se preocupa por uno. Comentó que se siente enormemente agradecido de tener algo que quizás no todos los artistas tienen y espera que, aunque firmara algún día con una disquera grande, eso no cambie nunca.

“Me encanta tener control creativo, me encanta la libertad de ello. Hay muchas cosas que amo porque no hay expectativas, todo es una locura mágica y maravillosa experiencia hasta ahora”, relató. Aseguró que no siente presiones ni busca hacerse grandes expectativas, mehro vive el momento sin ataduras ni límites sobre lo que vendrá para él a futuro.

“No puedo esperar para compartir esa evolución, lanzar esos discos, divertirme, disfrutar lo más que pueda este momento y ver lo que podemos hacer en adelante”, concluyó el músico.

 

A 50 años del 'Sticky Fingers' de The Rolling Stones

El álbum que olvida los sonidos complejos y regresa al rock & roll sencillo.

El Doomsday Clock ubicado en la Universidad de Chicago señala que un hipotético apocalipsis cada vez está más cerca aunque hay dos especies que son las únicas que podrían sobrevivir al fin del mundo: las cucarachas y The Rolling Stones. Puede ser una broma pero pasa el tiempo y mientras infinidad de agrupaciones desaparecen hay otras que se mantienen unidas sin mostrar signos de cansancio. El caso del combo formado en Londres en 1962 es uno de los más destacados porque además permanece activo y de manera constante publica nuevos materiales.

Al tener una trayectoria tan extensa también ha existido un cambio bastante notorio con respecto a los intereses de los integrantes. Durante un comienzo eran simplemente unos adolescentes ingleses aficionados al blues negro y rasposo. Sus primeros trabajos forman parte de la base que hoy todos conocen como rock & roll. Imaginar la música del siglo pasado sin “(I Can't Get No) Satisfaction” es imposible.

Mientras que a poco tiempo todo cambiaría cuando el control creativo del conjunto fue tomado por Brian Jones. El rubio guitarrista llevó a The Rolling Stones a nuevos niveles gracias a su intensión de hacer trabajos más complejos. Además inyectó la parte psicodélica y experimental gracias al uso de la cítara y el abuso de sustancias. Fue su salvaje estilo de vida que provocó su expulsión de la banda y una misteriosa muerte que hasta hoy se mantiene rodeada de misterios.

Cuando el futuro se encuentra en el pasado.

Al iniciar la década de los setenta el grupo se encontró en una encrucijada con respecto al camino que se debía seguir. La disolución nunca fue una opción para Mick Jagger y Keith Richards aunque sí un cambio de estilo. En lugar de mirar hacia adelante hicieron algo más sencillo: volvieron a las raíces del rock & roll y se olvidaron de los arreglos estrafalarios y rimbombante de sus últimos trabajos.

Con lo anterior en mente, el 23 de abril de 1971 fue publicado el noveno LP de estudio de los británicos. Una instrumentación basada en guitarras, bajo, batería y ligeros saxofones y teclados es la muestra más clara de que complicaciones. En ocasiones lo más complicado es hacer música sencilla y aquí se ejemplifica.

En cuanto se coloca el álbum en el reproductor suena el riff de guitarra de “Brown Sugar”. Es tan simple que por eso funciona de inmediato. Desde los primeros segundos engancha y logra atrapar la atención. Mientras que la letra compuesta por Jagger contiene varias metáforas que a la fecha es una de las piezas más controvertidas del rock. En su interpretación literal habla sobre el sexo interracial, el masoquismo y las adicciones a las drogas, aunque también puede ser vista como una invitación a disfrutar del presente sin pensar en el futuro. Si eso no fuera suficiente más adelante aparece un sabroso rock & roll titulado “Bitch” que no causó gracia a los padres de familia.

El creador de una de las portadas más famosas del rock.

La polémica no se limita a la canción anterior sino a la propia portada del disco. La idea de mostrar unos ajustados pantalones de mezclilla fue de Andy Warhol. Desde el momento de su lanzamiento fue catalogada como sugestiva y demasiada sexual. Aunque en realidad se trata de un objeto de arte en 3-D que en su primer tiraje contenía un zipper real. Para las siguientes ediciones se retiró por el alto costo de fabricación y el daño que causaba al vinilo.

Pero aunque predomina la festividad también hay pasajes de franca tristeza y depresión como “I Got the Blues”. El tema toma su influencia del soul difundido por Stax Records varias décadas atrás. Mientras que se pasea el fantasma omnipresente de Muddy Waters, responsable directo de bautizar a The Rolling Stones con ese nombre.

Los 40 minutos del LP son un resumen general de lo que se trata el rock & roll. Puede contener mensajes subliminales o ser contestatario pero todo depende de las interpretaciones que cada persona le otorgue. Ni siquiera es necesario hablar el mismo idioma como lo demuestra el libro La Lengua Universal. Fans de los Rolling Stones Alrededor del Mundo (Gourmet Musical Ediciones, 2019). Mientras que la única constante es que en el fondo simplemente se trata de música directa creada para mover el cuerpo de forma rudimentaria.

 

Zoé — Sonidos de Karmática Resonancia

Sintetizadores, bases sólidas y guitarras rítmicas en Sonidos de Karmática Resonancia, de Zoé.

Después de una espera larga (casi tres años), Zoé está de vuelta para presentar su nuevo disco bajo el título Sonidos de Karmática Resonancia, el cual es su séptimo álbum de estudio.

La banda lo venía promoviendo desde mayo del 2020, el material fue grabado en dos partes, antes de la pandemia y durante el confinamiento, lo cual les permitió reflexionar sobre las letras y sonidos. El primer lanzamiento del álbum fue “SKR”, escrita por el líder, León Larregui, producida por Craig Silvey, quien ha trabajado con otras estrellas del rock alternativo, tales como Arctic Monkeys y Arcade Fire. El tema usa una línea de guitarra que genera tensión antes de llegar al coro; en el video musical, el espectador se eleva a través de un mundo de ciencia ficción creado con animación 3D.

Es un nuevo disco que se puede considerar el más maduro de su carrera, pues creemos que sin duda, esta producción definirá la nueva era de Zoé. El segundo sencillo del disco fue “Fiebre”, con su sello caracterizo nos recuerda al “Corazón Atómico” de Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea. Más adelante, lanzaron a la luz el tema “Karmadame”, que se adentra a los terrenos del grupo. Su videoclip fue grabado en Barcelona y cuenta una historia sobre el ‘karma’, a través de unas chicas.

Otro adelanto de la agrupación previo al álbum, fue “El Duelo”, retomando sonidos eléctricos pero con una temática más introspectiva y melancólica. Velur” también se publicó antes del lanzamiento del material. Es una canción en donde Zoé, define en su sonido una combinación entre lo futurista y lo vintage. Los temas que faltaban por salir: “Tepoztlán”, “Canción De Cuna Para Marte”, “Ese Cuadro No Me Pinta”, “Bestiario” y “Popular”. Esta última en particular, es el track en donde más se nota la experimentación sonora y temática que ha abordado el grupo.

Esta situación pandémica nos llevó a imaginar nuevos caminos, pues tuvimos que crear algo en medio de tiempos convulsos. Hoy que me siento a escuchar la obra completa, estoy convencido que es uno de nuestros discos más logrados, una cúspide de madurez en nuestra carrera”, expresó León en una entrevista para iHeartRadio.

Sonidos de Karmática Resonancia, significa un paso evolutivo en la carrera de Zoé, ya que además de ser producido por Craig Silvey, cuenta con un diseño sonoro nuevo, relatando historias distintas a las que nos tenían acostumbrados. ¿Es el séptimo disco de los mexicanos originarios de Cuernavaca el mejor de su carrera? Todavía es pronto para saberlo, se debe descifrar bien bien, escuchar de inicio a fin en repetidas ocasiones y dejar que vayan encajando, pero lo que sí sabemos es que tantos años de espera valieron totalmente la pena, ahora hay que ir a reventar las plataformas digitales para escuchar las diez canciones que conforman el álbum.

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Te compartimos los mejores 5 tracks que el equipo Indie Rocks! eligió esta semana para ti.

Estamos a nada para que abril diga adiós, y para comenzar a despedirlo llega música nueva que seguramente se adentrará fácilmente por tus oídos y llegará hasta lo más profundo de tu cerebro para que puedas decir ¡WOW, joya de canción!

Para hacerte el proceso más fácil, el equipo Indie Rocks! se encargó de elegir los mejores cinco tracks de la semana para que que te acompañen en el mood que traigas, no importa si andas bien, mal, 2-3, o simplemente quieres escuchar algo nuevo y que sea bueno ¿Lo quieres comprobar? sigue leyendo.

Desde A Place To Bury Strangers con nueva alineación, hasta Chvrches con un regreso de impacto, la semana del 19 al 25 de abril nos trajo un montón de regalos musicales que están de lujo y no querrás dejar de escuchar.

¡Escucha estos estrenos y muchos otros sencillos en nuestra nueva playlist de novedades!

 

Margaritas Podridas presenta su tema “Púrpura”

Si crees que debes de huir y dejarlo todo de lado ¡hazlo!

El cuarteto de Hermosillo, Sonora, se encuentra cerca del lanzamiento de su álbum homónimo y en el marco de su publicación, Margaritas Podridas no puede dejar pasar la oportunidad de compartir el focus tracks de este lanzamiento; una embriagante llamarada de ondas sonoras.

Para esta melodía la agrupación plantea la necesidad de alejarse de los problemas cuando estos se encuentren en su punto cumbre. Si sientes que está fuera de tu alcance, suéltalo y continúa. Carolina Enriquez comenta que la melodía es, de cierta manera, "como perderle el miedo a la muerte y a lo que sea que venga, ser consciente de la inestabilidad del futuro y apostar por tu destino”. 

El estreno de "Púrpura" llega junto a un video musical dirigido por Karl Neudert (Señor Kino); un reflejo perfecto de la premisa de esta canción. Te invitamos a que le des play a continuación y lo disfrutes: 

Producido por Sebastián Neyra en el estudio Onda Sonora, el nuevo material de Margaritas Podridas es un viaje con nueve diferentes destinos en los que podrás salir de tu zona de confort y explorar el mundo con cautela. Las explosiones sonoras solo llegarán para enaltecer cada uno de sus mensajes y conectar con los corazones de los escuchas. 

Algunas canciones eran muy nuevas y no estaban terminadas, pero gracias al trabajo de producción de Sebastián fue que pudimos desarrollarlas más y llevarlas a otro nivel. Los días de grabación fueron muy productivos, divertidos e interesantes para todos y todas, pues además de plasmar finalmente las canciones en un estudio, también encontramos espacio para la experimentación", explica la banda en un comunicado de prensa.

Easy Life, suave R&B que se fusiona con hip hop

Tiempos oscuros requieren de audacia, espontaneidad y mucha creatividad.

Easy life es un proyecto de amigos ingleses que fusionan sonidos R&B con hip hop y un poco de pop. Originarios de Leicester, Murray, Oliver, Sam, Lewis y Jordan publicaron su primer sencillo titulado "Pockets" a mediados de 2017, el cual llamó la atención del sello Island Records. Para 2018, su nombre comenzaba a sonar más seguido entre la escena musical de su país y dos años más tarde sería reconocida como Mejor Artista Británico Nuevo en los premios NME.

EasyLife_2021_

Pero, ¿De qué va easy life? ¿Cuál es su propuesta y por qué es atractiva? Bueno, pues el proyecto crea un sonido alegre y divertido con letras que abordan los problemas de la vida cotidiana con optimismo, pero sin caer en el romanticismo exagerado. ¿Su mantra? "Disfruta el momento".

La agrupación no solo transmite musicalmente dicha idea sino que a través de los visuales también intenta plasmar el concepto. Ejemplo de ello es el clip hecho por Andy Baker (animador en la caricatura Rick & Morty) que acompaña a "a message to myself", canción que aborda temas como la depresión y el amor propio.

El sencillo formará parte de su segundo álbum de estudio titulado life's a beach, cuya producción corrió a cargo de BEKON, quien ha trabajado con Kendrick Lamar. Su lanzamiento se prevé para el 28 mayo y de acuerdo con Murray, será un disco “que desea estar en cualquier otro lugar menos aquí, pero al mismo tiempo se fija en una triste existencia en la clase media de Inglaterra".

Por otra parte, Murray y compañía han colaborado con Arlo Parks en el tema "sangria" y recientemente realizaron su primera presentación en televisión en el show Jimmy Kimmel Live! en donde presentaron "skeletons", el segundo adelanto promocional de su disco.

¡Dale play, aquí!

'skeletons' juega con la idea de un pasado un poco misterioso y potencialmente aterrador. Todos tienen equipaje y todos tienen esqueletos. Enamorarse perdidamente de alguien de quien no debíamos, todos hemos estado allí", expresa Murray Matraves

Te recomendamos no perder de vista a easy life en redes sociales y para que te animes a pre guardar life's a beach, checa la entrevista que Indie Rocks! realizó con la banda el año pasado con motivo del lanzamiento de su disco debut Junk Food.

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EasyLife_2021

Tracklist:

01. "a message to myself"

02. "have a great day"

03. "ocean view"

04. "skeletons"

05. "daydreams"

06. "life’s a beach (interlude)"

07. "living strange"

08. "compliments"

09. "lifeboat"

10. "nightmares"

11. "homesickness"

12. "music to walk home to"

Tame Impala: 'Innerspeaker' Live From Wave House

El primer registro discográfico de Tame Impala fue tocado de inicio a fin en la casa que lo vio nacer.

En el año 2009 el joven Kevin Parker se aislaba de manera voluntaria en las instalaciones de una casa con predominios de madera en Yallingup, una locación que en ese entonces no tenía acceso a Internet y que hasta la fecha se encuentra rodeada de fauna y muy cerca de la costa austriaca. La razón era hacer el trabajo de grabación y producción de Innerspeaker, primer álbum de larga duración para Tame Impala, mismo que significó en gran medida los cimientos de lo que hoy es una de las bandas más importantes en el planeta.

A casi 11 años de su lanzamiento, la agrupación ha decidido tomar las instalaciones de la llamada Wave House (que de hecho es de su propiedad ahora) para revivir este álbum con un show en formato de streaming donde se interpretaron los 11 tracks de inicio a fin. Con esto, Tame Impala rinde homenaje a su primer material discográfico que salió a la luz el 21 de mayo de 2010 a través de Modular Recordings.

Alex Haygarth se encargó de la dirección en fotografía de este concierto, y bastante destaca, ya que se encarga de hacer al usuario entrar al clima cálido de la casa que incluyó pinturas y arte referente al disco, sumado a la increíble puesta de sol mientras la agrupación ofrece su performance. Es así que esta presentación de Tame Impala en específico deja fuera los potentes visuales con los que la agrupación se auxilia comúnmente y responsabiliza todo a la ambientación y la capacidad de cada uno de los integrantes.

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Algo que pocas veces en la vida.

Se podría pensar a un concierto donde se reinterpreta todo un disco como algo predecible, pero en este caso no fue así. La instrumentación de la banda fue muy obediente a lo mostrado en la obra de estudio pero el factor humano alentó por momentos a la improvisación, los efectos de guitarra subidos de tono y una montaña rusa de matices que permitió sentir de forma más completa a la convencional todos los ambientes de las canciones.

De un lado de la casa estaba solo Kevin Parker. Descalzo y bastante liviano por momentos, el vocalista se volvió una especie de director que marcaba la pauta en cuestiones de intensidad. Por otra parte Jay Watson, Dominic Simper y Julien Barbagallo compartían la sala principal. Los cuatro integrantes estaban por demás concentrados en sus instrumentos, y eso sin duda debilitó la emoción del show que se consumía de a poco, mientras la noche atrapaba al lugar.

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El mismo Alex Haygarth ayudó a dar dinamismo al trabajo visual, mismo que se veía despreocupado y por ello daba una sensación a la audiencia de estar caminando por toda la sala. La inclusión de filtros que hacían ver a la banda triplicada a cuadro, mas movimientos en plano secuencia que contribuían a la intensidad de canciones como "Desire Be Desire Go" y "Alter Ego" fueron de gran ayuda al ritmo audiovisual. Por otra parte, la cinematografía se acoplaba a momentos más contemplativos del concierto en temas tipo "Runway Houses City Clouds" o "I Don't Really Mind".

En realidad es poco usual que las agrupaciones se tomen el tiempo de montar una puesta en escena a la realización de un performance que solo tenga como objetivo tocar los temas que se incluyen en un disco desde el primero al último. Se vuelve más complicado si entendemos que es un disco que cumple más de una década, ya que lo convencional suele ser el conmemorar con remasterizaciones o hacer giras fugaces que le dan prioridad al disco, si, pero también incluyen temas de otros materiales.

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Poder presenciar este evento mientras Tame Impala continua con la promoción de The Slow Rush y teniendo en cuenta que muchas de estas canciones no han sido presentadas en vivo durante años (y parece que no lo serán próximamente), es una oportunidad que vale la pena tomar, sin duda.

Finalmente, luego de haber sido testigo de esta interpretación de Innerspeaker es posible entender el valor que tiene para la banda. No solo es el hecho de haber sido su primer trabajo de larga duración, sino que representó la antesala de un sonido neo-psicodélico del que es referente en la actualidad Kevin Parker y su enorme capacidad artística. Te invitamos a revivir este álbum a continuación.

Gary Numan estrena el sencillo “Now and Forever”

El pionero del rock electrónico está cada vez más cerca de dar a conocer su oscura narrativa apocalíptica.

Tras cuatro meses de emocionar a sus seguidores con nuevos sencillos y anuncios, Gary Numan estrenó  el último adelanto de su próximo material de estudio. La canción se titula “Now and Forever”, y será el penúltimo corte de Intruder, álbum que verá la luz el 21 de mayo a través de BMG Records.

Cada vez que caigas, estaré en tu corazón para siempre”. Aunque con esta línea, parece que “Now and Forever” es una balada romántica, la realidad es que es el corte más oscuro y sosegado de los que ha estrenado Gary Numan hasta la fecha. La percusión de tono industrial lleva toda la canción mientras una melodía ahogada aparece esporádicamente. Escúchala aquí.

Todo está listo para el estreno de Intruder. En el sitio web de Gary Numan, ya puedes encontrar diferentes presentaciones de este álbum. Entre ellas, se encuentra el tradicional cassette, la descarga digital, o un bundle de CD más un booklet especial con letras y fotografías inéditas. También encontrarás cubrebocas y otras piezas de mercancía exclusiva.

 

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Mientras llega Intruder, no olvides escuchar los anteriores estrenos: “Saints And Liars”, “I Am Screaming” e “Intruder”.

Intruder es una examinación filosófica de un potencial futuro apocalíptico, donde el planeta solo puede sobrevivir si purga a sus habitantes”, narra el sitio web del músico.