Paul McCartney en el Estadio Azteca

Posted on octubre 29, 2017 by -

Amor, rock y palabras de esperanza; así es como debe ser un buen show.

Tuvieron que pasar cinco años para que Paul McCartney regresará a nuestro país luego de haberse presentado en el Estadio Azteca y en el Zócalo capitalino como parte de su entonces On The Run Tour. Cinco largos años para cantar juntos canciones hechas famosas por The Beatles y Wings, y como siempre, no decepcionó ni a sus más fieles seguidores.

Es de admirarse la energía y jovialidad de esta leyenda del rock que a sus 75 años nos sigue dando cátedra de cómo hacer un buen show sin la necesidad de tanta parafernalia, pues desde que se encontraba en la mítica banda The Quarrymen ya era considerado un showman nato.

Gente de diferentes generaciones se da cita en el Coloso de Santa Úrsula, algunos vestidos con abrigos coloridos emulando los personajes del clásico Sargento Pimienta y otros más con la playera o gorra del recuerdo. Varios coinciden que esta podría ser la última vez que el ex Beatle pise tierra azteca por lo que es un día especial.

A unos cuantos minutos para que el espectáculo de inicio, un par de olas monumentales comienzan a recorrer el estadio de extremo a extremo. Algunos no dudan en cantar el “Cielito Lindo” para amenizar el ambiente, mientras que una línea del tiempo nos lleva de la mano para recordar bellos momentos en la vida de Paul. La euforia está en su máxima expresión.

"A Hard Day's Night", "Save Us" y "Can't Buy Me Love" inauguran la noche en medio de gritos y aplausos. Con un español cuasi perfecto, Paul McCartney nos saluda y promete una verdadera fiesta. “Esta noche voy a tratar de hablar un poquito español. ¡Es increíble estar de vuelta!”, nos dice.

Canciones entrañables como “Let It Be”, “Yesterday” y “Hey Jude” hacen sacar nuestros celulares a modo de encendedores y levantarlos en alto formando un tapiz resplandeciente que parece cobrar vida propia por el movimiento de todos los ahí reunidos.

Debo decir que uno de los momentos más emotivos fue cuando Paul interpretó “Something” con un ukulele y la cual dedicó a su amigo George, al mismo tiempo que unas imágenes eran proyectadas en pantalla. Pero ese no fue el único tema con especial dedicatoria, también “My Valentine”. “Escribí esta canción para mi esposa Nancy, ella está aquí esta noche”, nos comparte el antiguo Fab Four.

Con “Back In The USSR” y “Live and Let Die” los ánimos se prenden y una gran pirotecnia ilumina el Estadio Azteca. La gente grita. Canta. Corea. Treinta minutos antes de la media noche Paul se despide y se apagan las luces, pero los aplausos y ovaciones hacen salir nuevamente al cantante británico investido como Sir Paul por la Reina Isabel.

Consigo trae una bandera mexicana que ondea de un lado a otro y aprovecha el momento para decirnos "¡Fuerza México!" en alusión a los recientes sismos que afectaron parte de nuestro país. La respuesta por parte de los asistentes es inmediata y el "México, México, México" no se hace esperar. El sentimiento es profundo.

Esta vez no hubo mariachis en “Obladi Oblada” a diferencia de su concierto en el Zócalo, tampoco innumerables interrupciones por parte del público que se enfocó más a disfrutar del concierto, pero sí una increíble empatía que hizo rápidamente conectar con los fans chilangos al escucharle decir palabras como "carnal", "rola" y "cuate", además del "ustedes son a toda madre". Y qué decir de su baile con todo y movimiento de cadera robándose los chiflidos de hombres y mujeres. Él es Paul, un chico en cuerpo de adulto que nos demuestra una vez más que con su carisma y talento, es suficiente para darnos un buen show.

Knot Fest México 2017

Posted on octubre 29, 2017 by -

La tercera edición del Festival Knot Fest México se llevó acabo en el Centro Dinámico Pegaso, lleno de subgéneros del metal y con el cierre del primer concierto en México de A Perfect Circle.

El sol a plomo del medio día de ayer en Toluca calentaba el Centro Dinámico Pegaso mientras recibía, poco a poco, a los asistentes de esta nueva edición del Knot Fest México. El público —con muchos niños en él— mostraba orgulloso en el pecho el logo de su banda favorita.

Nubes de polvo se levantaban en el camino largo que llevaba al acceso principal. En las afueras, los comerciantes se aprovechaban de los bolsillos del público metalero que, curiosamente, es uno de los que menos escatima en gastar. Al llegar, una fila interminable iba y venía varias veces. Tiempo aproximado de entrada: una hora.

El panorama se abría al pasar el marco de entrada y dejaba ver la rueda de la fortuna al fondo, los tres escenarios —de considerable distancia entre sí—, así como las incontables carpas como parte del concepto del festival.

El evento inició oficialmente con la escena local: en el Tecate Stage, los mexicanos Cerberus, mientras que en el Magoots Stage daba apertura el estilo progresivo intrumental de Parazit, trío de Guadalajara. Por su parte, desde Cuernavaca, el baconmetal (subgénero que involucra sonidos de puercos en su música) de Lack of Remorse inauguraba el Day of The Gusano Stage.

Tras el show de deathcore y numetal de los hidrocálidos Here Comes the Kraken y la previa cancelación de los siempre brutales Asesino (sustituidos por S7N), se dio pasó a las bandas internacionales. De Canada, el trío de rock industrial Deadly Apples y el sexteto de metal progresivo ONI. Desde Atlanta, el metalcore de Atila. De California, el deathcore de Suicide Silence y desde Kansas, el rap y hip hop del productor, y compositor Tech N9ne, quien ha colaborado con el vocalista y líder de Slipknot, Core Taylor. 

El show de los japoneses Maximum the Hormone y su punk pop funk metal puso de buenas al escenario principal. Su baterista y cofundadora Nawo Kawakita así como su vocalista Daisuke Tsuda animaban al público en su idioma y en el nuestro (o al menos lo intentaban). Un refrescante y muy animado show con temas como "Bikini Sports Ponchin", "F" y "Shimi". Acto seguido, la banda de raíces latinas que cerró el Vive Latino del 2004 Ill Niño dio muestra de su estilo nu y tribal metal, con muy buena respuesta de sus espectadores

Entre traslados de un escenario a otro, las filas cada vez más largas para servicios denotaban el aumento de asistencia, mientras el sol cedía un poco.

Hatebreed regresó por segundo año consecutivo al festival celebrando dos décadas de su primer LP Satisfaction is the Death of Desire. Simultáneamente, Periphery y sus tres guitarras afinadas en tonos muy bajos (estilo Meshuggah) se presentaba en el escenario menos concurrido del festival.

Un consentido en México y una de las bandas finlandesas más importantes para el metal tomaba el Day of the Gusano: Children of Bodom (otra banda que se encuentra celebrando 20 años de su primer disco) y su líder y guitarrista —uno de los mejores del metal, según la crítica—, Alexi Laiho.

La banda más política del cartel tomó sus instrumentos. Anti-Flag, único grupo de punk del festival. De líricas anti-imperialistas y pro derechos humanos, el grupo de Pennsylvania dejó toda su energía en temas como "American Attraction", "This is the End" o el acelerado cover a la banda sin la cual no estarían ahí: The Clash y su clásico "Should I Stay or Should I Go".

Por su parte, el grupo más brutal del cartel se dejó ver. Desde Buffalo, Cannibal Corpse —afectados claramente por una mala ecualización de sonido que no solo se notaría en este acto— demostró que es una banda auténtica de metal, sin pretensiones ni poses, y con una carrera fiel al death metal, sin bemoles ni experimentos. La voz gutural de George "Corpsegrinder" Fisher (una de las más pulidas del género) dejó ver su poder en canciones como "I Cum Blood", "Stripped, Raped and Strangled" y "Hammer Smashed Face" (tema que interpretan en la película Ace Ventura).

Llegó el turno de uno de los cuatro grandes del trash metal. Anthrax, banda clásica de Nueva York —también afectada por el sonido— que llenó el Day of the Gusano de seguidores que no tardaron en hacer slam y bailar en círculos bajo los acordes de canciones como "Got the time", "Madhouse" o "Breathing Lightning"; Joey Belladonna respondió a esto con un claro "Te amamos México". Para entonces, ya caída la noche y con ella el frío penetrante, el recinto lucía repleto.

Tras la esperada intervención del metalcore melódico de Bullet for my Valentine (grupo originario de las tierras celtas de Gales), puso pie en el escenario principal Corey Taylor y su banda Stone Sour. El líder del grupo —que tomó varias veces la guitarra— lució encantado con nuestro país (uno de mis favoritos para tocar) y su público al que llama "mi familia". El set list dejó, entre otros, los temas "Say You'll Haunt Me" y "Absolute Zero" en una presentación de metal digerible —con todo y pistola de confeti brillante incluida— que dio paso a el acto más esperado por la mayoría: Korn.

El Tecate Stage fue adornado con un muro blanco de amplificadores Mesa Boogie (los más usados del festival) en cuya mitad lucía la traslúcida batería Pearl en color rojizo de Ray Luzier; un verdadero showman que bien podría competir como el mejor baterista de todo el evento. La banda tomó lugar y presentó un set lleno de temas coreados como "Falling Away from Me", "Y'all Want a Single", "Shoots and Ladders"(con la gaita del vocalista Jonathan Davis, cuya voz, con ese particular timbre, aún se mantiene), "Got the Life", "Blind" y "Freak on a Leash". Al terminar, una parte importante de los asistentes abandonaban el foro.

Finalmente, llegó la hora de la primera presentación de A Perfect Circle en México. Una manta blanca gigante cubría el escenario. Tras varios minutos de espera, los tonos de "The Package" sonaron mientras en la manta veíamos las sombras de los integrantes, con Maynard James Keenan en el centro. Al caer la manta, en la parte de la canción donde explotan las guitarras, el grupo completo se dejó apreciar, con los gritos del público de fondo. Siguió "The hollow", uno de los temas consentidos, y la melancolía de "The Noose" enmarcada por la noche del Estado de México. "Weak and Powerless" después, con un previo "Gusto en conocerlos" de Maynard (de traje negro y peluca) . Al finalizar "Rose", Billy Howerdel agradeció con señas al los seguidores más cercanos a la tarima. El primer cover de la noche, "Imagine" puso a cantar a la mayoría. "By and Down" dio una idea del gusto por el también vocalista de Tool por las sombras del escenario, al desaparecer varias veces. "Thomas", seguido del segundo cover, "People Are People"  de Depeche Mode. Después de temas como "Magdalena", "Stranger" o su propio remix de "3 Libras" el final se acercaba. La penúltima pieza fue a la vez la más nueva de su repertorio: "The Doomed", recién estrenada. El cierre del set y del Knot Fest México de este año llegó con el poder "The Outsider". Así, su primer concierto en nuestro país nos dejó una ejecución impecable y la presencia escénica única y armonía en voz de la dupla Maynard-Howerdel (en conjunto al apoyo de Iha, McJunkins y Friedl (también baterista de Puscifer). Un gran debut en nuestro país que esperamos no sea el único.

Así, el Knot Fest México regresó a su edición de solo un día lleno de riffs, headbangings, distorsión, dobles bombos y una gama de géneros para todos los gustos. Cuestiones como cierta desorganización, el empate sonoro de algunas bandas que se llegó a escuchar, el personal que no se da abasto, entre otras (ninguna de ellas sin resolución) deberían de tomarse en cuenta en uno de los festivales más importantes del metal en nuestro país.

 

 

 

 

 

 

 

 

Los Pericos en El Plaza Condesa

Posted on octubre 29, 2017 by -

3000 (mexicanos) vivos.

Mucha experiencia para aguantar su rock & roll.

 

Tres décadas han pasado, su existencia no ha sido despistada o arrebatada. Los Pericos han demostrado que lo único que les ha dejado el paso de los años ha sido su completa y esencial madurez musical.

El pasado sábado 28 en el recinto al centro de la ciudad, El Plaza Condesa se llevó acabo la estelar presentación del grupo argentino Los Pericos con motivo de su maravilloso año de celebraciones por sus 30 años de trayectoria. 3000 Vivos es el nombre del disco con el que representaron el avance de su trayectoria; un  sello más. Dicho material fue disfrutado en su totalidad la noche de ayer.

Dando las 20:15 H el escenario iluminó a los músicos: Juanchi, Chapa, Moreira, Marcelo, Topo, y Guillermo regalaron, como el coctel de inicio, “Runaway” una manera muy inteligente de comenzar un show; la energía del público funciona como una válvula de emociones. Sin importar la ausencia considerable de asistentes, los embajadores del reggae argentino lograron entregar, de una manera sumamente exclusiva e íntima un concierto de aniversario.

Los temas no se hicieron esperar, la continuidad de estos lograron darle un cuerpo a la noche: “Complicado y aturdido”, “Nada que perder”, “Waitin'”.

“Buena noche Ciudad de México. Gracias a todos y por creer en nosotros; sabrán que las ganancias de esta noche serán donadas para los daños que sufrió su ciudad. Gracias a todos por su aguante”, inspiró Juanchi al dar el recibimiento a su público. Una noticia memorable donde demuestra la humanidad que los músicos expresan a la gente que los continúa admirando.

“Vámonos al 94” , antes de dar pauta a “Mucha experiencia” y continuar con “Me late”, “Lindo día”, “Su galán” y la nueva versión de “Anónimos” donde en 3000 Vivos comparten escenario con Carla Morrison. El paso de sus temas en su historia ofreció a los presenten una amplia gama combinándola con su CD más reciente: “Cerca de mí”,  “Cerca del cielo” y “Boulevard” dando espacio para colar individuales de guitarra, estruendos de saxofón y vibraciones de percusiones.

El control del tiempo se perdió, el consumo de cerveza y mezcal se mezclaba entre las innumerables caderas sueltas y minifaldas estrepitosas. Una noche de fiesta por supuesto, desde la plancha donde los bailes se hacían espacio, hasta la zona de mesas donde las mismas mesas quedaban sobrando. “Caliente” compartiendo escenario con Luisito. Y siguiendo por el mismo andar de fiesta, ¡tremenda fiesta! “Hace lo que quieras”, “Sin cadenas” y “Pupilas lejanas” hasta llegar al clímax, al éxtasis de la noche con sensacional ambiente: “Jamaica Reggae” y “No me pares” donde el miembro de Panteón Rococó, Dr. Shenka, compartió escenario con los argentinos; sorprendentemente con una energía exagerada y fue, quizá, la decadencia sobre la potencia de la noche.

“Cada vez nos sentimos más cerca de casa”, declaraba la voz de Los Pericos para dar paso a “Home Sweet Home”. Divina melodía para simbolizar un cierre. Un cierre prescindible pero inofensivo. Los Pericos demostraron nuevamente la completa madurez de su experiencia dando un cierre glorioso.

“Queridos amigos, gracias por todo. ¡Aguante Ciudad de México! Muchas gracias”.

'Around the Fur' de Deftones cumple 20 años

Posted on octubre 28, 2017 by -

Nunca dejaremos de estar abrazados por la furia.

The shade is a tool, a device, a savior

See, I try and look up to the sky

But my eyes burn.

"My Own Summer (Shove It)", Deftones.

“Hey yoy big star, tell me when it’s over”, el inicio de la primera canción del segundo disco de Deftones dictó su destino inmediato un 28 de octubre hace 20 años: la creatividad para ellos aún no había llegado a su fin y con “My Own Summer (Shove It)” y su riff inmisericorde le demostraban al mundo que estaban más furiosos que nunca.

Hits a un bong, algunos tragos, hacer canciones en el mismo estudio, improvisar y grabar por segunda vez bajo el mando de Terry Date, a quien originalmente la banda adoptó como mentor en las consolas gracias a su trabajo con Pantera. “Queríamos sonar así de poderosos pero con cierto dejo de delicadeza”, refirió Chino Moreno al respecto de la búsqueda de la fórmula que daría a la banda originaria de Sacramento un boleto de regreso a Seattle para trabajar en lo que sería el disco sucesor de Adrenaline.

“Lhabia” y las violetas metáforas a musas etílicas, “Mascara” y su oscura intención de tranquilidad que desata la tormenta, los primeros experimentos ambientales de la banda que con Frank Delgado encontraría un sonido más depurado pero sin dejar a un lado el poder. “El metal es metal”, refiere Stephen Carpenter al respecto de la obra del quinteto y su afán por desaparecer de aquella etiqueta del nu metal que hace dos décadas colocaba en altares a bandas que fueron desvaneciéndose en el olvido. Pero no Deftones que con Around the Fur, la experimentación y la integración de sus influencias, desde Duran Duran pasando por The Smiths y hasta Sade, logró convencer a sus fans que no todo sería la furia eterna, que también en la melancolía podía radicar la gloria permanente.

“Be Quiet And Drive (Far Away)” para dejar de manifiesto que en los besos también saben a sangre, que los caminos son extensos y transitables y que el viaje apenas comenzaba, lejos, demasiado lejos a partir de aquel momento. “Headup” marcaría el momento más emotivo del disco, un riff tan sencillo que al aumentar su compresión se convierte en un látigo en la espalda, la voz de Max Cavalera dictando a coro una palabra que daría origen a su proyecto Soulfly, un tema en honor a la memoria de Dana “D-Low” Wells de quien podemos observar una fotografía en el booklet del disco compacto en cuya portada denota la imagen de una chica que fue tomada por Rick Kosick en una fiesta cualquiera.

Con el paso del tiempo Chino Moreno diría que la portada no le gusta porque no tiene sentido, pero la historia dicta que es una imagen que reflejaba el entorno de Deftones en aquellos tiempos: unos cuantos tragos con amigos, sendas cantidades de marihuana y tocar y crear hasta el cansancio para repetir el ciclo, destrozar los escenarios de los pequeños clubes con shows extremadamente rabiosos y luego enfrentar a las multitudes cada vez más grandes. Como dato curioso, al dejar correr el track “MX”, después de un largo silencio podemos escuchar “Damone”, una joya oculta dentro de la obra de esta colosal banda.

Lucybell en El Plaza Condesa

Posted on octubre 27, 2017 by -

La nostalgia y la vigencia de Lucybell.

Lejos está aquel 1995 cuando Lucybell se introdujo en la escena chilena con su primer álbum Peces, fue cuestión de tiempo para que las fronteras fueran rotas por la banda y su música llegara a México, el paso de los años los consolidó, y musicalizaron la vida de muchos, mismos que ayer fueron gustosos a El Plaza Condesa dispuestos a pasar un jueves por la noche con buena música.

Como el talento y las ganas de tocar son inagotables, el motivo principal del guateque de ayer fue la presentación del nuevo disco de la banda Magnético, esto significa que después de casi cuatro años los chilenos tienen música nueva, así que el menú era seductor, escuchar lo más reciente junto con lo que ya conocemos.

La noche fría era un buen marco para el recital, la gente llegaba con la firme convicción de encontrar un lugar cómodo, no sin antes al menos desviar la mirada al stand de merch de la banda que estaba en la entrada (hay que reconocer que le echaron ganas a tremendas playeras). El Plaza nunca presumió un lleno, sin embargo la entrada fue buena, y el público entregado desde el primer minuto, los adultos contemporáneos se adueñaron del lugar, dejando claro que hubo una generación que sí quedó marcada.

La cita era a las 21:00 H y el show empezó casi puntual, el quinteto se montó en sus respectivos instrumentos y dejaron sonar “Flotar es caer”, todo se transformó en gritos y felicidad, Claudio Valenzuela se limitó a agradecer cada que le era posible, si bien la interacción con el público no fue con mucho discurso, la conexión era más con las canciones, no había mucho que decir.

También sonaron de gran manera “Sálvame la vida”, “Piedad”, y canciones del Magnético como “Por amor”, que fue recibida de gran forma. Hubo un fragmento del show donde Cote Foncea abandonó la batería para tomar la guitarra, Claudio se sentó en la orilla del escenario y todos tocaron sobre secuencias, donde lograron construir una atmósfera íntima, después regresaron todos a su lugar para abandonar el escenario con “Cuando respiro en tu boca”.

La gente exigía más como es costumbre, ahora con un saxofonista invitado, la banda regresó y para sorpresa de muchos quienes esperaban un par de canciones, Lucybell tocó muchas más, fue un recorrido por toda su discografía, algo que el público agradeció, y también un buen termómetro para saber en qué momento está el grupo, y quedó claro que están para mucho más, estos cuatro años de ausencia no se sintieron, fueron potentes directos y muy buenos interpretando como es la costumbre.

Si bien la oferta actual de la música chilena es basta y muy talentosa, no eclipsa a quienes hace más de 15 años y bajo otro contexto llegaron para ser la banda sonora de mucha gente, y que hoy demuestran vigencia.

Rhye estrena canción: "Taste"

Posted on octubre 27, 2017 by -

La nueva canción de la banda se convierte en el tercer sencillo estrenado este año.

Rhye había mantenido un perfil bajo en los últimos meses, ahora la banda regresó este verano con una actuación estelar en Fuji Rock Festival y un par de canciones nuevas –las primeras en cuatro años–, "Please" y "Summer Days". En el increíble line up del festival japonés, también se presentó Aphex Twin, Björk, Queens of the Stone Age y LCD Soundsystem.

Con su inminente regresó, hoy estrenan "Taste", una pista que fusiona una línea de bajo funky con las tonalidades dulces del cantante canadiense Milosh. El single fue acompañado con un video que consiste en una fotografía en blanco y negro de la espalda expuesta de una mujer y un árbol curvado y sin hojas. La fotografía granulada se acerca y retrocede lentamente, dándole un ligero efecto de vibración. El frontman de Rhye habló sobre el disco y la influencia en su nueva producción. "Gran parte de la nueva música que estamos creando ha sido inspirada e influenciada por nuestro show en vivo y por todas las giras que hemos hecho en los últimos años".

El próximo material de Rhye, sería sucesor de Woman liberado en 2013 y que fuera firmado por Polydor Records (The Cure, James Blake, Haim). El nuevo disco saldrá bajo Loma Vista Records en 2018, disquera que ha sellado a Spoon, Iggy Pop y St. Vincent.

Además de la nueva música, Rhye anunció sus fechas del tour promocional el próximo año, iniciando en el mes de febrero en México ofreciendo un par de shows.

Tour dates:

02/01 Mexico City, MX @ Fronton Mexico
02/02 Guadalajara, MX @ C3 Stage
02/22 Miami, FL @ The Ground
02/23 Orlando, FL @ The Social
02/24 Atlanta, GA @ Terminal West
02/26 Washington, DC @ 9:30 Club
02/27 Philadelphia, PA @ Union Transfer
02/28 Boston, MA @ Paradise
03/02 Brooklyn, NY @ Brooklyn Steel
03/03 Montreal, QC @ Corona Theatre
03/05 Toronto, ON @ Massey Hall
03/06 Detroit, MI @ El Club
03/08 Chicago, IL @ Thalia Hall
03/09 Minneapolis, MN @ Fine Line Music Club
03/17 Los Angeles, CA @ Orpheum
03/23 Paris, FR @ Le Trabendo
03/24 Zurich, @ CH M4 Music Festival
03/25 Brussels, BE @ AB Ballroom
03/27 Copenhagen, DK @ Vega
03/28 Stockholm, SE @ Vasateatern
03/30 Berlin, DE @ Funkhaus
03/31 Hamburg, DE @ Gruenspan
04/01 Amsterdam, NL @ Paradiso

 

 

Por fin First Aid Kit anuncia nuevo disco

Posted on octubre 27, 2017 by -

First Aid Kit revela todos los detalles de su siguiente álbum.

Después de publicar un sencillo, junto con un video, y tras la gran espera e incertidumbre por parte de sus seguidores, por fin el grupo de las hermanas Söderberg confirmó el lanzamiento de su cuarto álbum de estudio, el cual será su primer material de larga duración en tres largos años.

El nuevo disco de First Aid Kit llevará el nombre de Ruins y saldrá a principios del próximo año, el 19 de enero, a través del sello discográfico Columbia Records (Arcade Fire, Bruce Springsteen). Este fue grabado en los estudios Flora de la ciudad de Portland y contó con Tucker Martine, quien ha trabajado con bandas como Spoon, Grandaddy y Edward Sharpe And The Magnetic Zeros. Además tiene varias contribuciones, entre las que destacan Glenn Kotche de Wilco, Mckenzie Smirh de Midlake y Peter Buck, guitarrista de R.E.M..

El grupo reveló un segundo adelanto de este material con "Postcard", un tema que cuenta con el clásico sonido de First Aid Kit, formado por guitarras acústicas y las voces de sus integrantes, pero con algunos elementos cercanos al country.

Puedes escuchar "Postcard" justo aquí:

Tracklist de Ruins:

"Rebel Heart"
"It’s a Shame"
"Fireworks"
"Postcard"
"To Live a Life"
"My Wild Sweet Love"
"Distant Star"
"Ruins"
"Hem of Her Dress"
"Nothing Has to Be True"

The Growlers comparte música inédita

Posted on octubre 27, 2017 by -

"California", el nuevo tema del proyecto surgido en dicha ciudad.

The Growlers se está preparando para su Festival The Growlers Six que se llevará a cabo este fin de semana en Waterfront de Los Angeles. Como promoción del evento, el trío ha revelado una pista inédita producida por Dan Auerbach de The Black Keys.

La canción estrenada se llama "California" y se grabó como demo durante Hung at Heart, cuarto larga duración de la banda. Según un comunicado de prensa, es de la versión descartada del álbum producido por Auerbach y es la primera grabación oficial de esas sesiones. "California" es una canción nostálgica y optimista que se siente tan soleada como su nombre. En palabras del frontman de The Growlers, Brooks Nielsen,  "California lo que amamos, California es la droga, California es todo lo que queremos". Convirtiendo las referencias en un homenaje con guitarras acústicas a la ciudad que los vio nacer. Escucha la canción a continuación.

Además de participar en los dos días del festival curado por la misma agrupación, aparecerán grandes actos como el de Yeah Yeah Yeahs, Modest Mouse, Butthole Surfers, Danny Brown, Girl Talk y el propio Dan Auerbach.

El último álbum de la banda fue lanzado en 2016 titulado City Club producido por Julian Casablancas, teniendo agendadas dos fechas en México este año, una pospuesta en El Plaza Condesa el pasado 17 de octubre, y otra que si pudo efectuarse en el marco de Live Out 2017. Aunque la banda ya tocó en la capital en el Lunario del Auditorio Nacional en 2016, esperemos reagenden la fecha pendiente y vuelvan con su increíble show de garage combinado con sonidos de country, surf, pop y rock.

Sleigh Bells comparte el video de "And Saints"

Posted on octubre 27, 2017 by -

Alexis Krauss protagoniza el nuevo clip de Sleigh Bells.

El grupo originario de Brooklyn está cada vez más cerca de revelar su quinto material de estudio, Kid Khrushchev por lo que han compartido el video de su primer sencillo. Este disco es el sucesor de Jessica Rabbit, publicado el año pasado, aunque la banda no lo anunció como un LP, sino como un min álbum compuesto por siete temas.

El video que acaba de estrenar Sleigh Bells es para "And Saints", canción que compartieron junto al anuncio del disco. Este fue dirigido por uno de sus integrantes, Derek Miller, que contó con la ayuda de Mimi Cave, conocido por su trabajo con Sylvan Esso, Danny Brown y Jim James, vocalista de My Morning Jacket.

En el metraje podemos ver a la cantante Alexis Krauss liderando a una banda inspirada en los años cincuenta, pero con un aspecto muy obscuro durante un evento de gimnasio escolar, enfrentándose a un grupo de porristas demoniacas que recuerdan mucho a la portada de Treats, el álbum debut de Sleigh Bells.

Kid Khrushchev saldrá a la venta el próximo 10 de noviembre a través de su propio sello discográfico, Torn Clean Records.

Por el momento el clip es una exclusiva de Apple Music, pero puedes ver el teaser justo aquí:

 

Entrevista con Pedropiedra

Posted on octubre 27, 2017 by -

La transformación musical de Pedropiedra.  

Fue en un festival en Iquique, Chile, donde a Pedropiedra se le ocurrió que podría transformar su canción “Inteligencia dormida” en una cumbia. Esta idea surgió como un regalo para el público de dicho evento y como una forma de honrar esta música tan popular en Sudamérica incluyendo en su natal Chile.

“Fue a raíz de que tocamos en versión cumbia “Inteligencia dormida” que me di cuenta que esto podía ir más lejos. Además, un video de esa presentación se subió a internet, lo cual provocó que muchos empezaran a pedir que tocáramos la canción en cumbia en vivo, por lo que nos dimos cuenta que podíamos extender este proyecto a un EP”, cuenta Pedropiedra desde una fría Santiago, ciudad en la que se gestó Bomba Nuclear EP, un compilado en el que transforma en cumbia cuatro de sus canciones más queridas en piezas bailables.

“La cumbia es una música que me encanta. No me importa si es villera, colombiana o chicha. Además es un ritmo muy fácil de adaptar, lo cual hace que cualquier canción pueda ser transformada en cumbia, aunque eso no significa que todas deban hacerlo”.

Para Pedropiedra la fusión de ritmos latinos no es algo nuevo, no debemos olvidar que antes de lanzarse como solista, su primera banda, Tropiflaite ya jugaba con la idea de combinar ritmos anglosajones con latinos. “Sí, en Tropiflaite se buscaba rescatar la cumbia y combinarla con toques pop, quizás desde entonces se me quedó una espina aunque la realidad es que siempre me ha gustado escuchar cumbia y las canciones que elegí tienen esa vibra latina que las hizo perfectas para este EP”.

Una de las cuatro canciones escogidas fue “Rayito/Olita” que pasó de ser una especie de reggae a una cumbia que recuerda bastante a las bandas argentinas Pibes Chorros y Damas Gratis. “La verdad es que siempre he sido muy fan de la cumbia villera argentina así que decidí que alguna de las versiones tenía que tener esa esencia. De hecho, algo que hace especial a este disco es que explora los distintos matices regionales que se le dan a la cumbia”. Esta explicación es cierta, si bien “Rayito/Olita” es una total cumbia villera, en cambio, “Sol mayor” tiene un sonido más colombiano, más guapachoso".

Hablando de “Sol mayor”, este track es sin duda el más arriesgado del disco, pues se trata de una de las canciones más queridas del chileno y un momento de conexión con el público en sus conciertos. Esto lleva a una pregunta muy obvia: ¿qué hará Pedropiedra con estas versiones en vivo? “Bueno, “Inteligencia dormida” es probable que se quede así ya que al público le gusta mucho y es una versión más sutil de la cumbia que se parece más al sonido que siempre manejo, sin embargo eso no pasa con el resto de las versiones, así que seguro dependerá de la aceptación del público. Además no creo en cerrarse a solo hacer un tipo de espectáculo, así que también va a depender del show que estemos dando en ese momento”.

Por último aclaró que este para nada es un intento de llegar a un público distinto y menos a aquel que siempre ha escuchado ese género, pues piensa que sería una tontería querer llegar a un sector de la sociedad a la cual no va a procurar en sus siguientes trabajos.

“No, para nada, es más, si algún día quisiera meterme de lleno a la cumbia tendría que ser con otro nombre, en otro proyecto, para no descuidar a mis seguidores actuales ni generar falsas expectativas en una audiencia distinta”.