Friendly Fires comparte "Heaven Let Me In"

El nuevo sencillo de Friendly Fires fue coproducido por Disclosure.

Los fans de la banda de indie pop encabezada por Ed Macfarlane han esperado siete años que se han sentido como una eternidad para escuchar un nuevo álbum. Pala de 2011 fue el último lanzamiento discográfico de larga duración de Friendly Fires.

En esta ocasión colaboraron con los también británicos Disclosure para entregarnos su nuevo sencillo titulado “Heaven Let Me In”. El tema fue estrenado durante el programa de Annie Mac en BBC Radio 1. Escucha a continuación.

Este año también pudimos escuchar el sencillo “Love Like Waves” del que podría ser su próximo material discográfico. No es la primera vez que ambas bandas cruzan caminos, Macfarlane cantó en el tema “Defeated No More” del disco debut de Disclosure, Settle.

Friendly Fires forma parte del cartel del Festival Corona Capital de este 2018, estará tocando el sábado 17 de noviembre a las 8:50 en la Levi's Tent, su horario se cruza con The Kooks y Lorde.

Ese mismo día se presentarán también artistas como Pale Waves, Now Now, Pond, Atlas Genius, Sparks, Panic! At The Disco, Jenny Lewis, The Jesus and Mary Chain, The Chemical Brothers y Robbie Williams. Consulta más información sobre el evento aquí.

Tim Hecker — Konoyo

Tim lleva al extremo la ruptura.

En lo figurativo del noise y el ambient de Tim Hecker hay un aprecio por la melodía. En el caos cotidiano hay una coreografía rítmica. Es cuestión de mirar detenidamente el movimiento y la forma en que surgen los accidentes para apreciar el ritmo del desorden. Pero observar lo impredecible es arriesgarse. Una experiencia en donde no hay estabilidad ni congruencia. El nuevo álbum del artista canadiense es ruptura y caos. Puede ser una obra sólida y artística que empuja hacia otra frontera o puede ser una escucha dolorosa en tanto la armonía es fragmentada y destruida sin mayor cuidado.

La portada del disco ya es en sí un acto transgresor, un golpe a la retina que impacta por lo imposible: en un callejón hay un auto cubierto con un plástico gris, frente a éste una torre de fierros se eleva, un chorro de agua escurre de esta construcción que se sostiene mágicamente, en la cima un sintetizador destruido es atravesado por un tubo oxidado, de la esquina del aparato electrónico sale una llamarada color naranja muy viva. Lo que podría ser una instalación contemporánea en algún museo es la presentación de Konoyo, el noveno álbum de un vanguardista y teórico del sonido.

Tim Hecker que ya había causado sensación con sus anteriores álbumes; Virgins (2013) y Love Streams (2016), ahora vuelve a la carga con una propuesta en donde la armonía es inesperada y una vez formada, atravesada. La ruptura es el origen de este universo imposible, no existe la canción si no se rompe, pero no hay destrucción, sino una fragmentación de la materia, no hay principio ni final, sino una continua transformación del tema, la melodía no es entonces un destino o una meta, la melodía es una experiencia sensorial, corporal y mental, una contemplación de las cuerdas, los timbres, las percusiones, el drone, los sintetizadores, el noise, los instrumentos de viento y la anamórfica integración y manipulación de estos elementos.

Konoyo es el resultado de la conversación que tuvo el autor con un amigo recién fallecido sobre “el espacio negativo y el sentido de la densidad musical cada vez más banal”. Una interacción entre la electrónica de vanguardia del canadiense y los sonidos de la banda japonés Tokyo Gakuso que se encarga de ejecutar Gagaku, un tipo de música de cantos largos y lentos interpretada en la corte imperial de Japón. Esta pieza emblemática dura más de una hora con sólo siete temas, sus paisajes violentados son un espejo de la belleza que guarda cada día en sus caóticos minutos, al mismo tiempo que maravilla causa dolor la transgresión de cada tema. Es importante el desapego o la experiencia resultará caótica. Konoyo es como la vida misma, hermosa e incierta.

Entrevista con Rey Pila

Foto Napoleón Habeica

“La única regla que hay en esta banda es que vamos a hacer lo que queramos siempre”, entrevista con Rey Pila.

Después de haber tocado hace un mes en el Estado de León, Guanajuato, Rey Pila reanuda su gira de conciertos por varias partes de la República. Mientras tanto, su vocalista, Diego Solórzano, nos contó un poco de todo y nos regaló una gran charla, donde nos comentó acerca de la actualidad de la banda, su estadía en Cult Records, lo complicado de tocar en festivales y como mejorarlos, sus próximos conciertos en la capital, y de paso nos adelantó algunos planes que tiene el cuarteto para cerrar el año.

La agrupación capitalina ya entró al estudio y tiene listos algunos demos de nuevas canciones que esperan poder tocar en los conciertos que tienen en puerta. El nuevo material de Rey Pila próximamente saldrá a la luz. Por su parte, Diego comentó su perspectiva acerca de lo complicado que ha sido tocar en festivales a lo largo de su carrera, sin embargo, considera que es parte del crecimiento que todas las bandas para poder madurar.

“En realidad lo que pasa con los festivales es que si no tienes un buen lugar en los festivales no te tratan tan bien, pero es parte del proceso que tienen que pasar las bandas para poder lograr objetivos y que los conozcan más. Si vez a una banda a las doce del día abriendo un escenario no es igual en todos los sentidos a una banda que está tocando a las seis de la tarde, no los tratan igual. Los festivales son raros, si te toca un buen lugar, después de las cinco, las cosas cambian. Es mas acogedor para las bandas, tiene un sentido más de ayuda. si no es así, creo que los festivales son simplemente el camote que te tienes que tragar”.

A su vez, Diego opina acerca del crecimiento de la industria de los conciertos en nuestro país y visualiza su futuro a mediano plazo.

“El Corona Capital cada vez está mejor organizado, ya se convierte en una experiencia más cómoda para la gente que va. Me parece que el Vive Latino también está muy bien organizado. Está claro que las cosas en la vida entre más las haces, mejor lo haces. Los errores son tan claros que las lecciones son aún más claras. Lo que falle en el pasado, para en el futuro hacerlo bien. Actualmente empiezan a salir nuevos promotores fuera de la Ciudad de México con nuevos festivales, y es precisamente lo que se necesita, que empiece a haber una competencia sana de festivales, diferentes opciones para generar un mercado balanceado y sano. Con eso se va a poner muy bueno el tema de los festivales en México”, argumentó Diego.

El camino que ha tenido que forjar Rey Pila como una banda con calidad de exportación no ha sido nada fácil. Diego considera que los baches que han tenido que superar los han hecho mejores a nivel musical y hasta creativo; y su inclusión en Cult Records, sello creado por Julian Casablancas, sigue dándoles buenos resultados en el proceso creativo de la banda y los ha hecho tocar en lugares que nunca habían imaginado.

“Firmar con Cult Records para nosotros fue un sueño hecho realidad, porque nos costó mucho trabajo que nos hicieran caso en Estados Unidos. Muchas giras y mucho desgaste anímico, porque hemos escuchado la palabra 'No' proporcional como 99%, entonces nos tomó mucho tiempo. Pero bueno, entendíamos la decisión que habíamos tomado y fuimos responsables con eso y honestos con nosotros mismos. Cuando llegó lo de Julián eso dio pauta a que trabajáramos mucho con ellos, nos hemos ido de gira… No se si nos haya cambiado la vida. La única regla que hay en esta banda es que vamos a hacer lo que queramos siempre”, enfatizó Solórzano.

La sólida premisa de Rey Pila para siempre mantenerse en el gusto de la gente recae en que son un grupo de amigos que hacen lo que les gusta sin importar ser juzgados por los demás, y nunca olvidarse de ser sinceros y divertiste al mismo tiempo.

“Todo el tiempo nos están diciendo hagan esto así, hagan esto allá… la mayoría siempre acaban diciendo pura mamada. Todo depende de quien te lo esté diciendo”.

Julián nos ayudó mucho con el disco, pero en realidad nosotros hicimos todo solos, íbamos viendo por donde. Ahora que estamos por sacar un nuevo disco, no solo con las canciones, sino conceptualmente y como lo vamos a hacer, nos hemos dado cuenta que otra vez nos valió madre, y eso es lo más importante”, agregó.

El próximo 18 de octubre el Pabellón Cuervo abrirá sus puertas para recibir a Rey Pila, The Voidz y Promiseland en un concierto que promete ser de los mejores del año. Diego manifestó sus expectativas y planes para esta fecha.

“El show del pabellón para nosotros es muy emocionante, porque lo estamos haciendo con Julian, al cual le tenemos mucho cariño y con Johann de Promiseland. Es algo que siempre quisimos hacer. Ocesa se involucró y gracias a eso pudo pasar como nosotros queríamos, siempre tuvimos la idea de hacer este show en México, que es un “Cult Night” que habíamos planeado hace tres años y solo habíamos podido hacerlo en Sudamérica. Estamos muy contentos con el lugar, va a sonar bien y la gente va a estar contenta. Les recomiendo llegar temprano para ver a Promiseland”.

Finalmente, el vocalista de la agrupación capitalina enfatizó el buen animo en que se encuentra la banda, teniendo dos fechas importantes en su agenda (Pabellón Cuervo y Semana De Las Juventudes) y ensayando para sacar las nuevas canciones lo antes posible. También concluyó con una reflexión a manera de consejo para los futuros artistas.

“Nos gusta hacer cosas diferentes, es lo más divertido de la música. Experimentar es una de las cosas más chingonas que puedes hacer cuando estas en una banda. Pensamos que llevar la contraria tiene un efecto muy fuerte, si llevas la contraria y aguantas vara, algún día te puede ir bien", concluyó Diego.

No te pierdas a Rey Pila, The Voidz y Promiseland el próximo 18 de octubre en el Pabellón Cuervo.

Honne — Love me/Love me not

Del espacio a la Tierra con Love me/Love me not.

Tras intentar tocar terreno con varios singles, el dueto británico Honne, Andy Clutterbuck y James Hatcher por fin lanzaron un segundo LP que incluye grandes toques de soul clásico y beats de sintetizador con estilo electro pop, todo esto a lo largo de 12 canciones. El dúo se muestra experimental, pero característicamente romántico, repleto de colaboraciones de alto nivel e influencias del rap.

Comenzamos. El álbum abre con una breve introducción de piano, antes de soltar por completo lo que realmente es "I Might ◑", canción que de inmediato te atrapa no por la manera de fusionar una pieza de piano clásico con beats, sino por la letra que nos transporta a otra ciudad, ¿has añorado visitar o vivir en Tokio?, pues la letra justo es una oda a dicha ciudad, se dice que la visita visita a Japón de la banda fue tan buena, que valía la pena homenajearla. Además, este país inspiró a la banda para llamarse –Honne– ya que en japonés, dicha palabra se refiere a revelar los verdaderos sentimientos y deseos de una persona.

Continuamos con la participación del músico Tom Misch en la canción "Me & You ◑", que además abre con una famosa cita de Neil Armstrong, “that’s one small step for man, one giant leap for mankind” justo porque la canción relata un poco esa parte del enamoramiento en donde flotas como astronauta.

El ánimo en el disco continúa con “Day 1 ◑”, un track con sensación de despreocupación y felicidad acentuada por los riffs del piano, con un mensaje que habla del por qué nos esforzamos en el amor. Le sigue "I Got You ◑", con la cantante Nana Rogues, con una fuerte sensación de R&B, que en su letra nos comparte los altibajos de una relación y la lucha por superación personal, la que podría ser más una canción de auto reflexión.

"Location Unknown ◐", tienen distintas influencias de R&B y hip hop; su melodía impulsada por el ritmo nos hace recordar un poco el género dancehall algo que se puede disfrutar cantando y bailando, y la canción es alegre y se acompaña de la dulce y sensual voz de la cantante Georgia. Después viene "306 ◑", la cual exhibe la dualidad en pareja durante la juventud. El nombre de esta canción sale a la luz cuando hacen referencia a un modelo de coche, con la frase “driving this 360”.

Las colaboraciones continúan al encontramos el track "Crying Over You ◐" con la cantante BEKA, quien toma el mismo tren de sentimientos con un toque más conmovedor. La voz casi ronca de BEKA combina bien con Honne y reiteran la ansiedad que conlleva estar enamorado y las luchas de perseguir la felicidad.

Y aunque todas las canciones tienen un estilo único, “Feels So Good ◑” reinventa el sonido del teclado ejecutándolo a través de un filtro minimalista, formando un dueto con la cantante Anna of the North.

Ya acercándonos al final del álbum está "Shrink ◐" es una de las pistas más aventureras del álbum, gracias a los clips de audio (silbidos) que son mezclados con un tipo de efectos de sonido de videojuego, comprobando que las habilidades de producción del dúo siguen siendo líderes en instrumentos cristalinos y contundentes, lo cual hace reforzar las voces de los invitados que los acompañan en esta producción.

En general Love Me/Love Me Not, es una hermosa compilación de canciones que ilustran los altibajos de las relaciones, los aspectos negativos del romance, los sueños de ser feliz, es un álbum que se disfruta de inicio a fin con sus diversos estilos musicales y con sus conmovedoras y evocadoras letras, un relato de emociones humanas en su forma más real.

Realmente este dueto ha perfeccionado su propia versión de la música electrónica y pop, a menudo fusionando con toques de soul clásico y con delicados ritmos en sintetizadores para crear canciones evocadoras de desamor, amor y cambio personal.

Thomas Bangalter comparte tema

El músico francés Thomas Bangalter dio a conocer un corte de 14 minutos de duración.

“Riga (Take 5)” es el título de la extensa canción de sonido techno que el músico de Daft Punk compartió a través de la cuenta oficial de Ed Banger Records. Dicho material forma parte del filme Riga (Take 1), originario de Letonia y lanzado el año pasado.

El audio fue compartido a través de Instagram junto con un video de un vinilo de 12 pulgadas, escucha a continuación.

Este 2018 Bangalter contribuyó con dos temas a la banda sonora del filme Climax del argentino Gaspar Noé y el año pasado co-produjo el más reciente álbum de Arcade Fire, Everything Now. Previamente incursionó en el cine junto con su compañero Guy-Manuel de Homem-Christo y con los cascos robóticos puestos en el soundtrack del filme Tron Legacy de 2010.

Después de su álbum ganador del Grammy, Random Access Memories de 2013, Daft Punk colaboró con The Weeknd en los temas “I Feel It Coming” y “Starboy” de su álbum de 2016 y recientemente produjeron y co-escribieron el sencillo "Overnight" de los australianos Parcels.

Preparan libro de Glastonbury

50 años de celebración musical en el nuevo libro de Glastonbury.

La década de los setenta es recordada por ver nacer a grandes estrellas. Entre sus aportes musicales también destacan la aparición de eventos como el festival Glastonbury, cuya primera edición está muy cerca de conmemorar 50 años.

Como parte de la celebración, su fundador, Michael Eavis, en conjunto con su hija y actual coorganizadora, Emily Eavis, anunciaron el lanzamiento de un libro conmemorativo que relata las primeras décadas de vida del festival británico, fundado en 1970.

El nuevo material llevará el título de Glastonbury: 50 y contendrá textos colaborativos de Jay-Z, Dolly Parton, Chris Martin, Noel Gallagher y demás artistas que a lo largo de estos años, han desfilado por el distinguido festival británico.

"Realmente hay tantas imágenes y recuerdos que cuentan la increíble historia de las cinco décadas del festival aquí en Worthy Farm, y nos sentimos honrados de que tantas personas brillantes nos hayan ayudado a recopilar las más icónicas para este libro".

Glastonbury: 50 estará disponible a partir del próximo 19 de octubre en una edición de tapa dura, publicada por la editorial inglesa, Trapeze. A través de este estreno podremos disfrutar de material exclusivo, así como fotografías y textos de los músicos anteriormente mencionados.

Café Tacvba llega a Tiny Desk

La banda mexicana Café Tacvba enamoró con cuatro canciones a la radio pública estadounidense.

Este viernes 12 de octubre, fue liberada la sesión que la agrupación mexicana Café Tacvba realizó para Tiny Desk de NPR, en la cual los originarios de Ciudad Satélite hacen un recorrido a lo largo de sus casi 30 años de trayectoria musical, con cuatro sencillas pero poderosas canciones.

Inician con "Olita de altamar", canción que se desprende de El objeto antes llamado disco, álbum que fue lanzado en 2012; es un sencillo relajado que habla acerca del tiempo, de las desventuras y aventuras, de la vida usando al mar como metáfora, perfecto para comenzar a prender los ánimos de los asistentes y escuchas.

La segunda canción con la que poquito a poquito subieron la intensidad del pequeño acústico, fue "Diente de León", lanzada el año pasado en Jei Beibi, en la que se destaca la letra, pues parece un manifiesto por el ambiente y la armonía de los seres humanos, guiado por la metáfora de una flor silvestre que puede florecer en casi cualquier lugar.

El acústico explotó cuando Café Tacvba tocó el clásico extraído de Re lanzado en 1994, obviamente nos referimos a "Las flores", canción que no puede faltar en ninguna de sus presentaciones, sin importar lo grandes o pequeñas que estas sean. La emoción se sintió a flor de piel, y esto lo dejo claro el vocalista Rubén Ortega cuando comenzó a bailar aunque un poco limitado por el espacio.

Sin embargo el ritmo energético de la canción anterior, se desvaneció cuando la agrupación entonó la melancólica "Que no", una de las favoritas del público, extraída de Jei BeibiEsta canción narra la historia de una persona que le ha dado todo a otra que no lo ha correspondido igual, se volvió consciente de ello y decidió seguir su vida alejándose. Fue esta la elegida para cerrar el pequeño concierto acústico, y con la cual sin duda te dejan deseando un poco más.

Tiny Desk Concerts, es una plataforma que logra organizar conciertos cortos, con las bandas más populares alrededor del mundo, además de la peculiaridad de que las presentaciones se llevan acabo en un lugar pequeño e intimo que simula la redacción de contenidos de NPR (la red de radios públicas de los Estados Unidos, en Washington).

Sandro Perri — In Another Life

Tiempo y paciencia: In Another Life de Sandro Perri.

En un mundo de inmediatez en el que la velocidad parece ser el principal factor para destacar, la paciencia de Sandro Perri es un tesoro. Parecida un poco a la de John Maus hasta en su firme cruzada de explotar los instrumentos al servicio de sus ambiciones, la gentileza de Perri le ha permitido entregar apenas un par de discos en los últimos siete años. Su afán por la espera no es casualidad, pues con cada uno de ellos parece avanzar un poco más en su teoría personal, esa que afirma que la música es tan delicada como la seda.

Tan solo hace falta voltear un poco atrás para poder notarlo. Sus últimos dos discos a la distancia se sienten como una escala gradual de este experimento. Mientras Tiny Mirrors es tan divertido como sensual, Impossible Spaces es todo seriedad y sobriedad. Su nuevo disco, el espiritual In Another Life, es el siguiente paso lógico: una exploración metafísica de su música y una transferencia de paciencia al escucha que no tiene tiempo de escuchar.

El disco contrasta desde su primera lectura superficial. En papel son cuatro canciones, pero la duración en tiempo es similar a cualquier otro disco de larga duración promedio. Su secreto está en la distribución. Perri no titubea en demostrar sus armas y en la titular “In Another Life” crea un universo en el que caben todas sus manías: una precisión para acariciar (porque no se siente que la toque) la guitarra, una perfecta atención a los detalles (los sonidos tan discretos y tan necesarios bien podrían equipararse al acomodo de los encuadres de Jacques Tati y a los recuerdos musicales de Arthur Russell) y una tímida curiosidad por el uso del sintetizador. Son 24 minutos de todo aquello y apenas es la primera canción.

¿El resto? Presentaciones individuales que parecen regresarnos a la tierra luego del viaje anterior y una obra dividida en tres actos. La primera “Everybody’s Paris, Part. I” (cantada por el mismo Perri) es una demostración de inocencia y amor, una pieza guiada por gentiles notas de piano y una voz de terciopelo. Una canción que recuerda a la prosa hablada de Leonard Cohen, si Cohen hubiera optado por un camino paralelo menos derrotista.

La segunda “Everybody’s Paris, Part. II” la canta Andre Ethier de Deadly Snakes y todo se torna en un destello de luz como los que Victoria Bergsman dibujó alguna vez en “East Of Eden”, percusiones tropicales que acompañan una nostalgia omnipresente. La tercera y última tiene a Dan Bejar de DestroyerNew Pornographers con lo que mejor sabe hacer sobre una melodía que combina perfecto con la letra, una sincronía de imperfecciones lógicas y de versos que oscilan entre el romanticismo y la incoherencia.

Parece difícil de creer que un disco con tan poco pueda provocar tantas cosas. Después de ejercicios épicos como Agricultura Livre de Emilio José o Have One On Me de Joanna Newsom que exigen atención (muy bien recompensada) a través de su longitud, encontrar algo tan modesto, tan compacto y a la vez tan inmerso en su propia densidad como In Another Life es algo digno de atesorar. La percepción del tiempo se pierde y la paciencia se convierte en el mejor regalo que tenemos.

Marduk en el Foro Indie Rocks!

Fotos Cortesía EYESCREAM // Guacamole Project

En la blasfemia encontramos la salvación.

Domingo de resurrección para la libertad de expresión en un México que aún guarda en sus profundidades el radicalismo ante lo inverosímil, lo extraño, lo que atenta contra las costumbres y el buen ver, como si todas las expresiones musicales debieran sonar y lucir como un títere de La Voz México, y mientras hay un país idiotizado por las apariencias, los productos olvidables y la música que solo se renueva a base de nuevas versiones de viejos clásicos, una larga fila afuera del Foro Indie Rocks! es el manifiesto del otro México, el que en la oscuridad encuentra su guarida, y en la música su catarsis.

“La sangre de Cristo tiene poder” reza una cartulina amarilla sostenida por alguien que nos bendice, pero que también nos señala, por alguien que cree tener su propia verdad, pero que tampoco nos conoce, por alguien que cree que estamos atentando contra sus creencias, pero que también atenta contra nuestros gustos. Entre algunos gritos y mentadas, se escucharon vitores ante un fan que extendió una playera de Marduk junto a la cartulina mencionada. La tranquilidad reinó más no la tensión, pero a diferencia de Monterrey, una pequeña protesta no pudo contra un concierto. Kadath comenzó a gritos la ansiada noche, su vocalista demostró poder y esencia ante el acelerado andar de una caja de ritmos, ambientes orquestales y guitarras acuchillantes. Through Torment demostró que el metal hecho en México que reside en el underground tiene tanta calidad como para sorprendernos, ecos de death metal entre intrincados solos y la vos gutural pero armónica que se llevaron los aplausos con temas como “Incineration”.

Y ante la espera y las cancelaciones anteriores, el panzerkampfwagen hizo su aparición a tambor batiente y listo para disparar y disipar dudas, “Panzer Division Marduk” como explosión en nuestra mente, cual alivio para nuestro espíritu, el comienzo del devaneo de los cuellos inertes y desesperados, los gritos de alivio ante lo que parecía imposible. “Baptism by Fire” para devolvernos la vida ante los bombardeos, y la gente que debió haber estado en misa, tal vez afuera comenzó a disiparse ante la poca fuerza de convocatoria de su protesta, el Foro Indie Rocks! repleto recibía la bendición maldita de Marduk.

“Werwolf” para invocar las alertas anti aéreas de Viktoria, el depurado black metal que emanaban perfectamente los amplificadores, la calma y la tormenta, los que solo observan y los que giran su cabeza trepidantemente e incluso su cabello araña delicadamente los rostros ajenos que alrededor observan y aprecian. “Es una bendición que este tipo de música no sea permitida en nuestra sociedad”, recalcó un pastor evangelista ante la cancelación del show de la banda en Monterrey, del cual Mortuus hizo mención, y entre silbidos y mentadas a la ciudad referida por parte del púbico, la Ciudad de México demostró civilidad y apertura, estábamos disfrutando una gran noche de música sin daño alguno.

“Throne of Rats” en honor a las bestias que en verdad cometen atrocidades, que escudados en los colores de su partido condenan y censuran música y eventos pero que son ciegos, sordos y mudos ante las verdaderas tragedias que provocan la autorización corrupta de una construcción que colapsa en la misma ciudad que evitó que la moral y las buenas costumbres fueran mancilladas por un concierto. “The Blond Beast” como la marcha ante nuestra calma y la catarsis de escuchar los acordes acelerados, la batería cual golpe batiente de artillería, la voz gutural y calmante, porque en la música encontramos el remedio perfecto ante lo que nos depara, la rutina que nos devora, los pagos que nos aquejan, las entregas y sus pesados deadlines.

“Into Utter Madness”, nuestra propia locura interior que se disipa ante la masacre sonora, la manada de lobos suecos mostró sus colmillos desde el primer hasta el último acorde, y el público respondió coreando su nombre, hasta incluso, en el clásico coro futbolero. Puños al aire y victoria in extremo por una noche que pudo no ser, pero que sin embargo salió avante ante la hipocresía de aquellos que creen saberlo todo. Al final todos volvemos a casa rendidos e ilesos, ni una gota de sangre como tanta que se ha derramado en nombre de aquel dios que dice amarnos, ni una agresión ante la provocación, nada de maldad después de que Marduk atentó contra nuestras buenas costumbres.

Le Butcherettes estrena video de "strong/ENOUGH"

"strong/ENOUGH", nuevo single, de Le Butcherettes es un grito para salir de una relación abusiva.

Le Butcherettes llega con una nueva canción que podría convertirse en el himno contra las relaciones llenas de abuso, pues no solo se habla acerca de la toxicidad que puede existir en una pareja, sino también del valor que se requiere para, en primer lugar darte cuenta y aceptarlo, y en segundo lugar para seguir adelante, el sencillo se llama "strong/ENOUGH".

El video fue grabado en las calles de Los Ángeles y muestra a la vocalista Teresa Suárez Coscío (Teri Gender Bender) caminando, retratando un día común después de dejar a su pareja, con un disfraz de corazón amorfo; otra de las locaciones es la famosa Box House en Hollywood Hills. "strong/ENOUGH" tuvo una presentación exclusiva en Rolling Stone.

El video, dirigido por Gus Black, está basado en una de las lineas del coro de la canción, "My heart is headed out the door" , y es una manera de mostrar como tras sufrir maltrato, abuso, manipulación, etc., las personas pueden empoderarse en contra de todo esto y seguir su vida, con valor y dignidad, amándose a sí mismos. "Cuenta la historia de un corazón solitario y deformado, que empaca sus maletas y sale a buscar una nueva vida a pesar de los obstáculos que tiene que enfrentar. No tenemos que ser excesivamente fuerte, simplemente hay que seguir caminando”, dice Teri Gender Bender.

"strong/ENOUGH" es le tercer sencillo del nuevo álbum, el cual estará disponible al público en febrero de 2019, es la cuarta producción discográfica de Le Butcherettes, pero es el primero que se produce bajo el sello de Rise Records.

Le Butcherettes será la banda que encabece el pequeño tour de Mujeres Sin Fronteras, presentado por Grrrl Independent Ladies, visitará ciudades como Michigan, Ohio, Maryland, Pensilvania, Massachusetts, Nueva York, y culminará en el Festival Catrina.