Minus the Bear — Fair Enough EP

Posted on noviembre 5, 2018 by -

Cuando la mejor forma de despedirte no es mediante una carta si no de un telegrama…

Este diciembre –último mes de 2018–, además de dar paso al final del año en curso, también marcará el final de una banda que puede preciarse de pertenecer a los nombres importantes de toda una época vivida durante la década anterior, englobada en ese movimiento que en su momento integro muchísimos estilos –y de dominar el mundo del rock y las bandas con guitarras– bajo el denominado sonido indie.

Try to find the exact moment when you turned it off

Before you walked out on me, "Fair Enough".

Minus The Bear ha anunciado que se desbanda este fin de año después de salir a una pequeña gira durante un par de meses alrededor de la unión americana, y como último material ha decidido publicar Fair Enough que más que una carta de despedida toma la función de un telegrama.

Menos el Oso nos deja como la última de sus obras un EP de apenas cuatro canciones, pero que contrario a lo que pudiera pensarse funciona de maravilla, ya que en estos cuatro temas la banda ha logrado plasmar una especie de resumen del sonido –o sonidos– que definieron su carrera.

No hay desperdicio, cada una de las cuatro canciones que conforman esta entrega es algo entrañable partiendo por el track número uno “Fair Enough” –que da nombre al disco– nos ofrece ese sonido melancólico más una enorme atmósfera sónica detrás que no pareciera dejar espacios ni sentimientos desperdiciados, le sigue “Viaduct” con ritmo un poco más “rockero” –lo que sea que en estos tiempos signifique dicho adjetivo– un gran manejo de guitarras y como fue común durante sus 17 años de existencia: un coro de gancho enorme.

Cabe resaltar que, así como en sus anteriores trabajos la presencia de un productor o un ingeniero de audio entre sus integrantes siempre es notoria al escuchar con detenimiento sus canciones, ese sonido “pulido” de horas y horas en la sala de masterización es bello y evidente.

Remember the night when

We came home? Oh, a long time gone, "Viaduct".

Como tercer tema de Fair Enough presenta “Dinosaur”, el cual a simple vista pareciera ser una canción simple y sin trasfondo, pero que por lo menos para quien esto escribe es un agradable y sencillo mantra que una vez escuchado no podrás despegar de tu cabeza.

El EP cierra con la que podríamos considerar la canción menos fuerte del material, “Invisible” que si bien no es mala, no parece contar con una melodía trascendente como si es el caso de los tres primeros temas.

Fair Enough es un material que funciona muy bien como punto final, es directo, conciso y nos da toda la información necesaria tal cual lo hace un telegrama bien redactado.

Corona Capital 2018: Entrevista con The Jesus and Mary Chain

Posted on noviembre 5, 2018 by -

"Spotify está estrangulando la música", Jim Reid.

The Jesus and Mary Chain le daba la espalda al público. Sus conciertos duraban 20 minutos. Quería morir como Jesucristo (“Reverence”). Buscó una forma de gritar con las guitarras. Salió de Escocia hacia Londres buscando una oportunidad. Ahora, sus integrantes dicen que asesinaron a Kurt Cobain (“Simian Split”). Jim Reid y su hermano William siguen en la resistencia igual que cuando empezaron, hace 35 años. Su sonido es protesta. Las letras son ideales, a veces, juveniles. Aseguran que los servicios de streaming están acabando con la música. La bandera que levantaron en el principio continúa ondeando.

La banda está en medio de una gira junto con Nine Inch Nails en Estados Unidos que ha llamado Cold and Black and Infinite. Un nombre peculiar para dos bandas que se mueven en una atmósfera oscura. En algunos escenarios han agotado las entradas durante varias noches. Los shows deben ser fríos, negros e infinitos. Espiral de emociones potentes. Después de anunciar que Manic Street Preachers cancelaba su presentación en el Corona Capital 2018, los escoceses fueron agregados al line up y será su tercera ocasión que se presentan en México (2008 y 2015).

“Aparentemente fue idea de Trent Reznor que tocáramos juntos. Al principio nos preguntamos si funcionaría para nosotros, porque normalmente somos la banda titular, pero pensamos que podría acercar nuestra música a gente que no ha escuchado nuestros discos”, dice Jim Reid a Indie Rocks!.

Y aunque parezca extraño, hasta cierto punto imposible de creer, que hay afuera –caminando medio perdido– quien no tenga ni remota idea de quiénes son ellos. “Cuando vas a un festival sabes que verás bandas que no conoces, los asistentes quieren pasar un tiempo agradable, en el pasado estaba nervioso por tocar ante una audiencia que tal vez no nos conocía, ahora no. Creo que estoy más ‘preocupado’ de tocar ante los fans de Nine Inch Nails que en un festival”.

En 2017 volvieron al estudio para grabar Damage and Joy, luego de 19 años sin publicar un álbum nuevo. “No estaba seguro si era buena idea juntarnos William y yo en un estudio, durante la grabación de Munki (1998) siento que alguien pudo haber muerto, después de eso anduvimos de gira pero no es igual, cuando das conciertos tienes espacio, pero en el estudio hay un ambiente claustrófobico”, confiesa Jim Reid.

Antes de que la banda se separara por primera ocasión tuvo muchos problemas con su disquera, Blanco y Negro, una subsidiaria de Warner que no estaba satisfecha con sus álbumes. “La industria musical y nosotros coexistimos incómodamente. Si estás en una banda y publicas música tienes que lidiar con el negocio, no es algo que disfrutemos. Estuvimos con Warner durante la mayor parte de nuestra carrera y era doloroso publicar nueva música, porque la llevábamos a la disquera pensando que se iban a emocionar y ellos solo decían ‘qué es este pedazo de mierda que nos traen’”. Pese a esta relación de estira y afloja que atravesaron Jim piensa que el vínculo generado entre las disqueras, los artistas y los fans va peor. Un padecimiento general que se vive en arte y entretenimiento.

“La industria ha cambiado para peor, están estrangulando la creatividad, porque la gente hace música y recibe muy poco dinero por ello, en Spotify escuchas en stream, pero difícilmente ganas algo por ello, tendremos menos música, porque quién va a querer componer gratis. Ahora nadie entiende lo que es un álbum, mis hijos solo escuchan algunas canciones en Spotify, no entienden el concepto de un álbum, la idea de escuchar las canciones en un orden particular”.

El público les arrojaba botellas. A ellos no les importaba. Era otra época. El rock era “inconformidad”. Eran “ruido”. También armonía. Es imposible que alguien no sienta electricidad en el cuerpo con “Head On”. Es increíble que les guste el rock y no los conozcan. Son una leyenda. Y estarán en México.

Mother of All 2018

Posted on noviembre 4, 2018 by -

Fotos Alan Espinosa

El rock es la Madre de todos.

Este sábado, el Parque Fundidora de la ciudad de Monterrey se llenó de rock y toda la actitud necesaria para hacer vibrar el recinto al son de poderosos riffs de guitarra y paliacates, en el Tecate Mother of All 2018, ya que la gran mayoría de las 67,500 almas que se dieron cita al lugar –incluidos integrantes de las demás bandas del line up– tenían una única cosa en mente: fundirse a coro con los grandes y legendarios Guns N’ Roses.

Comienza la templada y agradable tarde con Railrod, banda nacional cuya carrera musical despunta en el año 2014, con una propuesta que nos invita a mantener vivo el espíritu del rock clásico, siendo notables sus influencias, tanto en la parte musical como en la lírica. Unos declarados fieles admiradores de la banda liderada por Axl Rose, que despliegan pasión, energía y entrega total como sus principales componentes escénicos. Una vez terminada su presentación, Oscar "The Os" Estrada agradece al público la energía y desde luego al festival, por haberles dado la oportunidad de abrir el escenario, donde más adelante se presentarían los ídolos que ayudaron a moldear el estilo de su música.

Con el transcurrir de la tarde, más personas van arribando las diferentes zonas, con lo cual se hace más evidente y palpable el sentir único que tiene un festival de rock. Familias, amigos, y personas que se conocen para formar lazos de hermandad y unión por la música. Pequeños y grandes, nuevas generaciones siguiendo el ejemplo de sus padres. Todos en armonía, juntos para convertir el sábado 3 de noviembre en uno de los días más memorables del 2018 y quizás para muchos, uno de los días más inolvidables de toda una vida. Una vida que sin música no podría vivirse igual.

Es turno de Zoviet, banda originaria de Los Ángeles, California, que tuvo una entrada enérgica y poderosa. Alexander Rudametkin, tiene el carisma y energía que se necesita para hacer del escenario su patio de juegos, especialmente porque además de manejar la guitarra a su antojo y sacar de sí sonidos prodigiosos, el público enloquece. Es precisamente ese uno de los factores que les ha dado el lugar que tienen hoy en día: el poder y la nata habilidad de hacerse querer por el público. No importa si eres fan de Zoviet desde sus comienzos en 2012 o si los conociste en el Mother of All 2018; simplemente los recordarás por su propuesta musical y por la forma en que se adueñan de un auditorio.

El encanto que tiene el Parque Fundidora es cautivador. Elementalmente es el lugar donde los regiomontanos se reúnen a disfrutar desde un durito, un elote, la tranquilidad, paseos en bicicleta hasta el cine, las artes y desde luego, la música. Es por la música que nos reunimos en esta ocasión y el disfrute de todos los presentes es notable. Se vive la alegría, la espera de los grandes ídolos que llegaron a nuestras vidas en los años donde nadie más podía decir nada más tranquilizador e inspirador que ellos. Esas influencias permanecen por siempre y la esperanza de verlos en vivo, compartir un mismo espacio y cantar al unísono, con el paso de las horas y minutos, poco a poco deja de ser simplemente una esperanza para ser una realidad.

Es turno de pasarle la batuta escénica a Eruca Sativa, power trio made in Córdoba, que desde Argentina, llegó a tierras regiomontanas para finalizar su GIRA MX 2018, participando en el Mother of All como solo ellos saben. Pocas cosas son tan contagiosas y remarcables como el poder femenino en el rock, especialmente cuando es una propuesta con una estructura musical increíble y una energía como la de Lula Bertoldi al entonar cada una de las canciones del repertorio para este día. Por su parte, Brenda Martin, el bajo de la banda, además de ejecutar su instrumento hábil y talentosamente, nos regala siempre una fresca sonrisa, entonando también los coros de las canciones que nos dieron la oportunidad de poder escuchar en esta versión del festival. Por su parte, Gabriel Pedernera, le imprime a la batería el feeling que cohesiona a la banda. Esperamos pronto tenerles de vuelta para sentir y vivir las notas y letras que tienen para ofrecer.

Es turno de Steel Panther y su contagioso glam metal. Es básicamente imposible no volverse loco con toda la vitalidad que proyectan en el escenario y se multiplica en los asistentes. La cómica complicidad entre Michael Starr y Satchel, le da el toque distintivo entre las diferentes bandas, porque no solamente hacen bromas entre ellos, sino que también el público es partícipe de las mismas. Las chicas y el glam rock no pueden ir una sin la otra, por lo que invitaron a un grupo de admiradoras subir con ellos al escenario mientras interpretaban “Gloryhole”. El momento de gloria durante el cual las selfies, los besos y el rock and roll se desbordaron para posteriormente continuar con “Community property” y finalizar su presentación con “Death to all but Metal”. Asistentes, pero especialmente chicas, satisfechos al ser objeto de preferencia de un grupo tan peculiar y divertido como lo es Steel Panther.

16:35 H., el sol empieza a caer cuando Wolfmother se levanta en el escenario. Andrew Stockdale pisa fuerte y comienza una experiencia musical con “Dimension”, extracto de su álbum homónimo para dar rienda suelta al embrujo de su guitarra. El hard rock de esta banda enciende todavía más los ya enardecidos ánimos de rockear del público y con “New Moon Rising” lo constatamos. No hay lugar para descanso, el cuerpo es ahora objeto del estridente sonido que Wolfmother tiene esta tarde para los asistentes. Los sonidos emitidos por Andrew, Ian, Dave, Hamish y Jake dejan de ser aislados para dar pie a una fusión magistral de virtuosismo en cada una de las canciones entonadas en esta entrega, como fueron “Woman”, “White Unicorn”, “Victorious” y “Colossal”. Una presentación exquisita que solo podía finalizar mejorando y desde luego, para culminar, “Joker and the Thief” puso al público palmas arriba, en total y completo éxtasis musical y sensorial. En definitiva, estos excelentes músicos australianos nos han deleitado con lo mejor que saben hacer.

Es ahora el turno de Shirley Manson para mostrar que Garbage tiene la potencia y la maestría de años de experiencia dominando escenarios y volviendo loco al público alrededor del mundo, porque además, este año celebran 20 años del lanzamiento de su emblemático “Version 2.0”. Esta noche, da comienzo con “No Horses”, seguida de “I Think I’m Paranoid”. La roja vestimenta que enfunda a la frontwoman en esta ocasión, nos impide dejar de verla y seguir cada uno de sus movimientos en el escenario. Conquista y cautiva con su voz y su persona. Ahí, mientras se adueña del escenario, comienza el cover de “Personal Jesus”, uno de los más grande éxitos de Depeche Mode, seguida de “Empty” y “Dumb”. Continuamos cantando al unísono “Stupid Girl” y así dar paso a “Why Do You Love Me”, “#1 Crush”, “Lick the Pavement” y “Vow”. Shirley aprovecha un break para mandarle un afectuoso "Fuck You Butch Vig!" al estar ausente en esta noche, la cual cierran con “Push it”. Con una presentación como esta, no cabe duda que Garbage, después de más de 20 años de carrera, se han colocado como una de las bandas preferidas de finales de los 90.

Sammy Hagar & The Circle reúne lo mejor de las míticas bandas de los años 80, arrancando con una poderosa presentación con la que los asistentes no pueden sino corear y moverse al ritmo de cada nota, haciéndose evidente que el hard rock vive y despierta en cada uno de los presentes. Canciones tanto de Sammy Hagar, Van Halen y Led Zeppelin, fueron seleccionadas para interpretarse en esta noche, donde los fuegos iluminaron el rostro de miles de fans, que cantando “There’s Only One Way to Rock” le dan la bienvenida a una alineación legendaria. Así mismo, “Good Times, Bad Times”, “Right Now”, “Best of Both Worlds” y “Heavy Metal” convirtieron una noche ya de por sí buena, en una experiencia excepcional. Para culminar una presentación tan extraordinaria, entonaron “When It’s Love” y se despidieron de una concurrencia extasiada por el sonido de los clásicos del rock del siglo XX.

El hard rock y las melenas largas continúan en una noche que no ha hecho más que subir de nivel con cada una de las diferentes bandas que han pisado el escenario del Tecate Mother of All 2018. Es ahora el turno de Whitesnake hacer que las cabezas con paliacates y pelucas de Slash, se muevan con “Bad Boys”, canción con la que decidieron arrancar. A continuación “Give Me All Your Love” y “Love Ain’t No Stranger” ponen el corazón en las manos del público para ser coreadas con sentimiento y euforia. “Crying In The Rain” procede a escucharse para dar pie al solo de batería de Tommy Aldridge, dándonos una lección de cómo debe ser tocada una batería y sobre todo, como debe ser disfrutado el rock de verdad. Y para cerrar una presentación remarcable, escuchamos “Burn”, cover de Deep Purple, con la cual se despiden y nos dan paso a las estrellas más esperadas de la noche: Guns N’ Roses.

Apenas proyectarse los gráficos de Guns N’ Roses, la gente enloqueció. Muy pronto estarían frente a frente con Axl, Slash, Duff y Dizzy, así como los integrantes más recientes. El momento de ver finalmente a la banda con la cual soñó la mayoría de los asistentes, por fin llegó. Al sonar “It’s So Easy” todos sabíamos que todo ya era un hecho y todo el día de pie, había valido la pena. A esta le siguieron “Mr. Brownstone” y “Chinese Democracy”. “Welcome to the Jungle”, uno de los clásicos temas de la banda puso a tope al público, que gritando con toda la fuerza reservada para ese momento expresó su emoción por la ocasión. Slash, es en definitiva un ícono del rock, una leyenda viviente, con cuyo virtuosismo nos complace en cada una de las interpretaciones de la banda y covers de diferente tipo. Lo que toca lo vuelve oro y lo sabe. Todos lo sabemos. Agradables sorpresas nos llevamos al escuchar “Slither” de Velvet Revolver y “Black Hole Sun” de Soundgarden, tributo a los grandes caídos del grunge. Con el tema de The Godfather dieron paso a la famosa “Sweet Child o' Mine”, uno de los puntos más esperados y altos de la noche. Pese a ser inesperada, “November Rain” puso al piano a Axl Rose y la velada no pudo ser mejor. La gente coreaba llevada por el sentimiento de la interpretación, los recuerdos y la suave caricia del noviembre regiomontano. “Knocking on Heaven’s Door”, “Patience”, “Don't Cry” y el cover de The Who, “The Seeker” daban pie a un cierre que solo podía tener el sabor único y característico de Guns N’ Roses con “Paradise City”, que más bien parecía una dedicatoria al Parque Fundidora en la madrugada más rocker del año, "where the Grass is green and the girls are pretty". Finalizando la presentación, la banda se reúne al frente para dar las gracias por una noche como esta a un público extraordinario como solo puede ser el público mexicano.

La versión 2018 del Mother of All culmina con fuegos pirotécnicos que iluminan el rostro de los extasiados y felices asistentes, quienes ahora tendrán que asimilar la vida después del rock, las leyendas y la oportunidad de vivir sin edad, sin prejuicios, todos al son de un género y una ocasión que solamente puede unir tanto a propios como extraños, en la espera del line up de lo que nos depara la Madre de todos, en su versión 2019.

Hay un nivel muy alto que superar.

Muertos de Día 2018

Posted on noviembre 4, 2018 by -

Fotos Diego Campuzano

Amigos, garage, y mucho punk rock!

Los Blenders, de la mano de la productora Beyond Psicodelia, nos ofrecieron un día lleno de guitarras distorsionadas, y buenos amigos en la segunda edición de Muertos de Día. Un pequeño festival curado con lo más fresco y relevante de la escena garage y punk rock mexa.

El evento fue para todas las edades y se llevó a cabo en el nuevo venue Galera. A partir de las 16:00 H. la gente comenzó a llegar para conseguir el merch de sus bandas favoritas y buscar una foto con los músicos.

Gracias a los votos de sus fans en redes sociales, The Froys fue la banda encargada de abrir el festival. Con guitarras llenas de fuzz y tintes de surf, comenzó a mover las cabezas de los asistentes con temas como "Under a Tie Dye Sky", y "The Wave", pertenecientes a su más reciente EP.

El Tormento fue la siguiente banda en subirse al escenario, quien nos presentó su rock melancólico con ricas secciones rítmicas.

Llego el turno de BRATTY, un girl power trio, originario de Culiacán, Sinaloa. A pesar de presentar nerviosismo por ser su primera presentación en la Ciudad de Mexico, logró conectar con la audiencia con temas como "Charlie", dedicada a los todos fuckboys.

Muerte y Destrucción

El calor aumentaba cuando Los Diabólicos se apoderó del escenario. La banda de garage punk proveniente de Sonora nos voló la cabeza con sus potentes riffs llenos de distorsión, y llevó al publico a un descontrol total. Canciones como "Muerte y destrucción", y "Tío punk" fueron las que detonaron el slam inminente.

Los Diabolicos dio una cátedra musical, y la banda se convirtió en una de las nuevas promesas del punk mexa, definitivamente valdrá la pena estar al pendiente de estos chavos.

La fiesta seguía, y llegaba de los momentos esperados por el publico más joven, el turno de Señor Kino. La agrupación de surf punk proveniente de Hermosillo se entregó por completo a su publico, disfrutando cada momento de su show, recordándonos el propósito de éste genero, los buenos tiempos.

Todos cantaban y bailaban "Verde Pastel", pero finalmente la banda cerró con "Vete ya" un cover del "Gallo de oro", prometiendo que sería la ultima vez que lo tocaría en vivo.

Entre tanto brinco y baile, el calor se hacia más presente, por lo que muchos se acercaron a la barra de alimentos, y área de merch a tomar un pequeño respiro.

Axel Catalán en un formato full band, salió al escenario y bromeo diciendo que era diferente a la banda anterior pero que tal vez a sus tías les podría gustar. Con sus emotivas letras llenas de folk rock, puso a corear al público temas como "Valer verga", y "Perro viejo".

La noche avanzaba y Hawaiian Gremlins inundó Galera con sus textura post acidas. Interpretando desde "Away" hasta "Americana" (su reciente sencillo), la banda nos llevó de la mano en un viaje de distorsión y psicodelia, dejándonos con un buen sabor de boca pero con ganas de más material.

Finalmente llegó el horario estelar, y Los Blenders demostró –una vez más– porque es el estandarte de la escena surf en México. La banda mexicana no se limitó a tocar canciones de su reciente álbum, e interpretó canciones como “Oye”, de su primer EP,  al igual que temas icónicos como "Meta y dinero", "Surf de amor", "TJTQ", hasta "Ha sido", los cuales convirtieron el festival en una verdadera fiesta.

Para los que todavía tenían cuerda y querían más fiesta, Young Tender se encargó de ambientar el after con su DJ set.

En definitiva fue un festival muy divertido, lleno de amigos y con un line up que cumple con todas las expectativas, y nos deja con ganas de la siguiente edición de Muertos de Día.

Los Mesoneros en el Lunario del Auditorio Nacional

Posted on noviembre 4, 2018 by -

Te lo advirtieron y se cumplió, Los Mesoneros abarrotaron el Lunario.

La banda venezolana Los Mesoneros, demostró que tiene madera para seguir creciendo. Luis, Juanchi y Andrés Sucre, Carlos y Andrés comenzaron su camino en el 2006 y parece que los años de picar piedra empiezan a dar frutos. La noche del 3 de noviembre hicieron retumbar las paredes del Lunario y los corazones de sus seguidores con un set de más de 20 canciones.

Antes de iniciar con los intérpretes de una de los temas del momento “Dime como tú quieras”, Oh’laville salió a calentar los motores. Los colombianos dieron un set corto, pero conciso. Ocho tracks dentro de los que se encontraron “Primitivos”, “Gigantes”, “Magia”, “No ha muerto el sol” y “Cielo” fueron más que suficientes para que los asistentes recibieran a Los Mesoneros con toda la actitud.

Contrario a lo que muchos pensarían, los venezolanos decidieron echar toda la carne al asador desde el minuto uno. “Dime como tú quieras” uno de sus sencillos más recientes y que se mantiene sonando en las estaciones de radio alternativas fue la que dio el banderazo de salida; seguida de “El paraíso”, canción que puedes escuchar en Caiga la Noche, su segunda producción discográfica.

Antes de las primeras palabras de la banda sonó “Ya no estoy”, posteriormente, “Aquí sigo”, “Juntos”, “Algo bueno” y “Caiga la noche”, este primer bloque se escuchó de manera impecable. Los asistentes coreaban y vitoreaban cada palabra y cada tema de una de las agrupaciones que continúa ganando seguidores con cada acorde.

Los Mesoneros, tiene una esencia en el escenario distinta a otras bandas, su sonido y estilo al tocar en vivo se está consolidando. Así que seguramente seguiremos escuchando de ellos y podría ser que en los próximos años, llegaran a venues más grandes. Ya saltaron del Caradura al Lunario, todo podría pasar.

“Un segundo”, “Difícil ser” y “Riesgo” fueron parte central de la noche, donde las casi mil personas que se encontraban dentro del Lunario no pararon de saltar, bailar y cantar. Posteriormente, llegó el turno de “Cicatriz” y “Luna” en compañía de Pepe de Rubytates, lo cual enloqueció a los asistentes.

Ya más entrados en calor y cerca del final se escuchó “Caballo nuevo” en compañía de Alex Ferreira que provocó un grito ensordecedor. Los Mesoneros cerró un Lunario Sold Out con “Te lo advertí”, “Sabana”, “Solo” y “Sol rojo” dejando claro que ya tiene varios éxitos colgados en la mente de sus fans y seguramente seguirán creciendo.

CutOut Fest 2018

Posted on noviembre 4, 2018 by -

El Festival de Arte y Animación Digital más importante de México realizó con gran éxito su décima edición.

A lo largo de cuatro días, CutOut Fest 2018 ofreció al público una gran cantidad de propuestas relacionadas con la creatividad tecnológica. Se proyectaron decenas de cortometrajes animados provenientes de distintos puntos del globo; hubo conferencias y charlas con grandes exponentes de la industria a nivel internacional; exhibiciones artísticas; talleres; workshops; arte urbano; y hasta una batalla de GIFs.

 

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El crecimiento de medios y plataformas que hoy son parte de nuestra vida cotidiana se ha dado de manera acelerada. Hace una década no existía la resolución 4k, WhatsApp, Airbnb, Spotify o Uber. Hace 10 años, contra todo pronóstico, nació en Querétaro uno de los proyectos más ambiciosos de la era digital en México. La tarea era difícil, pero no imposible. Afortunadamente, la meta estuvo clara desde el principio: generar un espacio de convivencia directa entre los realizadores del arte electrónico y el público general. Esto con el fin de incentivar el desarrollo y la profesionalización del área.   

CutOut Fest ha mantenido su misión hasta la fecha. Año con año, el festival ha logrado ampliar su oferta de actividades e incrementar su audiencia. Para esta décima edición se estableció el Decálogo sobre las #NuevasFormasDeVer:

1.- Observa hasta deshacerte.
2.- Piensa en lo que nunca piensas.
3.- Ejecuta por instinto.
4.- Ilustra con templanza.
5.- Edita como vampiro hambriento.
6.- Aprópiate del espíritu de las vanguardias.
7.- Lee cine.
8.- Habla con tus amigos.
9.- Diviértete.
10.- Construye templos de inspiración.

 

Día 01

El jueves 1 de noviembre comenzaron las proyecciones de la selección oficial en las categorías de Universitaria, Experimental, Videoclip, y Narrativa. Por la tarde, en la Galería Libertad, fueron inauguradas tres exposiciones: Filo de la Carne, del mexicano Edgar Bacalao; La Joie, gráficos con realidad aumentada de los franceses MNSTR & ART BY FRIENDS; y Les Francs Colleurs del colectivo francés 9ème CONCEPT.

Por la noche, en la Cineteca Rosalío Solano, el director del festival dio por inaugurada formalmente la décima edición del CutOut Fest. Miguel Del Moral agradeció la participación de los colaboradores, patrocinadores, instituciones, medios aliados y talento por el esfuerzo conjunto.  

Día 02

Las proyecciones en el gran Teatro de la Ciudad continuaron de manera fluida. Desde las 11:00 H. y hasta las 20:00 H. fueron exhibidos los trabajos audiovisuales que llegaron de distintas partes del mundo para la competencia. Las cuatro categorías mencionadas se alternaban por períodos de una hora.  

Viernes, en pleno Día de Muertos, comenzaron las charlas con los artistas en la Cineteca Rosalío Solano, un espacio que se encuentra a un lado de la sala principal del Teatro de la Ciudad. La logística de las conferencias es tradicional: el realizador habla sobre su trabajo a lo largo de una hora con el apoyo de algunas proyecciones audiovisuales. En terminando cada presentación, el conferencista se trasladaba a un pequeño stand instalado en el lobby para conversar de con el público interesado de manera más directa; esta dinámica fue nombrada como Hello my name is. Ahí mismo, la gente aprovechaba para tomarse algunas fotos para el recuerdo o pedir autógrafos.    

A las 12:00 H. el mexicano Freddy Chávez habló sobre su reciente incursión como co-escritor y director en un proyecto más personal que llevará por título Duérmete Niño. También compartió algunas de sus experiencias y anécdotas de su trabajo en cintas como Teenage Mutant Ninja Turtles, Sin City 2, Pacific Rim, Tron Legacy, The Dark Knight, Blade Runner 2049, entre otras.

Continuando con las charlas, el colectivo brasileño Bicicleta Sem Freio agradeció la posibilidad de regresar a Querétaro para una edición más del festival. Hace un par de años, sus dos miembros realizaron un mural colaborativo de gran tamaño con la artista francesa Fafi. Para este 2018, se les encomendó toda la imagen gráfica; cosa que lograron de gran manera. Figuras aglomeradas con contornos difusos y los colores contrastantes caracterizan su propuesta visual. Nótense que sus influencias van desde Alfons Mucha hasta James Jean.  

Para cerrar el día de conversaciones, el español Sergio Lara habló sobre la paciencia, dedicación y atención al detalle que requiere trabajar con las técnicas del stop motion. Entre sus colaboraciones más reconocidas se encuentran Anomalisa de Charlie Kaufman e Isle of Dogs de Wes Anderson.

De manera paralela, en el Museo de la Ciudad, los mexicanos Mr. Lemonade y Vago –acompañados del venezolano Chocotoy– ofrecieron una divertida sesión de dibujo con las personas que llegaron para dejar volar su imaginación sobre las hojas en blanco en su modalidades analógicas y digitales.

A las 18:30 H. comenzó la ya tradicional Batalla de GIFs. El Foro del Museo de la Ciudad se llenó totalmente para este encuentro marcado por la creatividad y la intensidad de los participantes. La competencia se desarrolló en dos categorías: Selección Oficial y Público General. Los concursantes debían tener su trabajo montado en alguna plataforma online; dos creadores presentan su propuesta y un jurado elige al mejor. El vencedor se enfrenta a un nuevo retador y así hasta al final. Daniel Hobbit se coronó como el nuevo Gif Master en la primera con su trabajo titulado Bola en la ingle; y Mario Alfonsín se alzó ganador, en la segunda.

 

Día 03

El sábado todo fluyó en la misma lógica del día anterior: proyecciones de la selección oficial; charlas con artistas y su respectiva convivencia. En lugar de la Batalla de GIFs, en el Foro del Museo de la Ciudad se realizó el Maussanwave, una reinterpretación a partir de loops, cutups, mahups y otros recursos multimedia sobre el programa Tercer Milenio. Este montaje multimedia reflexiona sobre la ansiedad que provoca el encuentro con vida extraterrestre; se desarrolla a partir de las ideas cyberpunk sobre el futuro.

Este día, nosotros decidimos concentrarnos en el seguimiento de las actividades de Noah Harris, un diseñador inglés que ha trabajado con Gorillaz. Asistimos a su conferencia, fuimos a la sesión en el Hello my name is y tuvimos la oportunidad de entrevistarlo.

Noah creció en el campo, rodeado de grandes paisajes verdes, vacas y granjeros. En los años 90, la cultura rave en Inglaterra le cambió la vida. Interesado por las dinámicas sociales asociadas a la música electrónica y la juventud, se fue interesando cada vez más en la cultura mediática.

Durante un tiempo siguió los pasos de su madre fotógrafa. Cuando tuvo que elegir una formación profesional, se decantó por el diseño gráfico porque un amigo suyo trabajaba de ello y quiso intentarlo. Descubrió que era algo que realmente le apasionaba y que tenía mucho talento. Cuando terminó la carrera se mudó a Londres en busca de un trabajo.

Su tránsito de diseñador gráfico a director. "Se dio de manera orgánica. Una de las entrevistas laborales que tuve fue con una compañía de publicidad para televisión. Ahí es cuando tuve que comenzar a pensar y desarrollar el movimiento para mis propuestas. Fue un gran paso; aplicar 10 segundos de animación a un logo, por ejemplo, es un reto; pero al final es parte de un proceso creativo más extendido", señaló.

A la par de encargos laborales, también le gusta desarrollar proyectos personales en los cuales puede poner en marcha su imaginación de una manera más libre. Harris confiesa que es un proceso diferenciado. Si se trata de una asignación, parte de la idea o el concepto que la empresa pretende comunicar; a partir de ello genera propuestas visuales que representen de manera clara el mensaje de la pauta. Cuando trabaja por su cuenta, puede comenzar con formas y figuras que van entretejiendo sus propias dinámicas narrativas. Se ha destacado en su campo por una atención al detalle en los valores de producción y por una chispa de sorpresa en cada trabajo.

Una de las grandes pasiones de Noah Harris es la música. Su género favorito es el house y durante 20 años, alternó su profesión con ser DJ. Las responsabilidades laborales y familiares lo han alejado de ello, pero confiesa que es de las cosas que más ama. La cultura rave aún influencia su trabajo. "Tenía 17 años en 1991 cuando todo comenzó, salí de casa para volverme independiente y descubrí este ambiente; en comparación con ello, lo demás me resultaba un tanto aburrido. Pienso que lo que hago ahora se relaciona de algún modo con ello ya que durante cinco años fue una parte muy importante de mi vida. Es una influencia aún; amo su sentido del hedonismo y amo la actitud de hacer lo que quieras", reconoció.

Un día cualquiera recibió un mail de Remi Kabaka, reconocido percusionista. Lo habían recomendado para hacer una colaboración con la banda virtual más famosa del mundo. En 2016, la empresa E.ON lanzó una serie de nuevos productos innovadores. Para millones de usuarios europeos de energía, seguía siendo solo otra empresa de servicios públicos sin rostro. Así que se asoció con Gorillaz para crear un video musical que mostrará un lado divertido y amigable de energía solar. Su tecnología pionera de almacenamiento solar impulsó todo en la pantalla, desde el gato gigante hasta los más de 1000 juguetes robóticos. "Fue una labor titánica de varios meses. Tuvimos que conseguir una gran variedad de juguetes orientales libres de patente, algunos tuvimos que ensamblarlos porque venían empaquetado en partes. Se requirió de mucha inventiva para hacer un montaje atractivo, filmamos por pequeñas secuencias y luego animamos. El resultado fue satisfactorio", apuntó Noah.

Dado el buen trabajo y las múltiples nominaciones a premios de animación, se le encomendó la tarea de realizar la animación para "Garage Palace", un track que se desprende de la edición deluxe de Humanz.

Luego de bocetear algunos trazos decidió que la idea guía de la animación estaría relacionada con los videojuegos clásicos para maquinitas de monedas. "Tuve que vectorizar a Little Simz como un personaje animado. A partir de ahí lo demás fue surgiendo de manera orgánica. Lo siguiente fue acoplar a los personajes de Gorillaz a la estética que estaba buscando; se notan algunas partes que fueron semi pixeleadas de manera deliberada", comentó.

En el video, la rapera inglesa se embarca en una aventura junto a 2-D, Murdoc Niccals, Russel Hobbs y Noodle en una aventura por tierra y cielo. En el camino combaten contra zombies, ninjas, aviones caza y cohetes; el enfrentamiento final es contra una especie de Buda gigante. La propuesta visual "está influenciada por los juegos de rol de los años 90, juegos que yo mismo disfruté, apuntó Noah Harris.

La noche del mismo sábado en la Cineteca Rosalío Solano, se realizó la ceremonia de clausura del CutOut Fest 2018. Varios jurados conformados por tres integrantes del talento invitado calificaron los trabajos que llegaron a competencia en las categorías de Universitaria, Experimental, Videoclip, y Narrativa. Adicionalmente, el SAE Institute otorgó una beca para una realizadora mexicana. De nueva cuenta, e director del festival Miguel Del Moral agradeció la participación de los colaboradores, patrocinadores, instituciones, medios aliados y talento por el esfuerzo conjunto.

¡Hasta el año entrante, CutOut Fest! 

Doom of the Dead en el Foro Indie Rocks!

Posted on noviembre 3, 2018 by -

Fotos Jaime Fernandez

Ayer el diablo caminó entre nosotros y hubo paz.

¿Quieres vivir deliciosamente?

Desde Sinaloa, Chivo Negro, disfrazados como sacerdotes místicos reparte sonidos disonantes y profundos que más que llevarte a la inminente conmoción mental —a la locura— te envuelven en un manto negro y te invitan a vivir deliciosamente, para liberar tu lado oscuro, provocando calma en vez de angustia.

Las sensaciones que Chivo Negro deja escapar desde sus ominosas guitarras son inefables y pueden llevarte a ese punto sin retorno… en el que puedes extraviarte en tu propia conciencia o ir directo al stand de merchandise para comprarte una playera.

La noche inició poderosamente bien, desde los primeros acordes hasta los últimos feedbacks, todo fue nada más que pura satisfacción.

¡Ph'nglui mglw'nafh Cthulhu R'lyeh wgah'nagl fhtagn!

Con sonoridades monstruosas provenientes de antiguos horrores primigenios, el dúo capitalino Terror Cósmico se sube al escenario para liberar la hórrida potencia de sus instrumentos y recordarnos esas insoportables emociones de principio de los tiempos cuando reinaba nada más que oscuridad en el universo.

Sus acordes lentos e hipnóticos que a la vez desesperan por incrementar su ritmo, convierten su presentación en un ritual de invocación perfecto. Cuando por fin logran elevar la velocidad, los que estamos abajo comenzamos a sacudir los cráneos y nos volvemos parte del culto a los viejos dioses.

Aquí, los decibeles aumentan considerablemente en comparación a la primera presentación de la noche.

Terror Cósmico Doom of the Dead Jaime Fernandez

La escalofriante conclusión...

Hablando de decibeles, cuando Thou se apodera del escenario, el alto voltaje de sus acordes empieza a taladrar nuestros sesos y a escarbar en nuestros oídos para contribuir con nuestra sordera por exceso de conciertos. No hay que olvidar que son provenientes de Luisiana, aunque se hayan presentado en un español muy chileno.

Entre oscuridad tocaron “Restless River” y “By Endurance We Conquer”, pero al tratar de rasgar los acordes de una tercera canción tuvieron que gritar que encendieran las luces; porque, aunque su música se escucha aún mejor cuando no ves nada, ellos lucharon demasiado por interpretar sus elaboradas composiciones rítmicas con poca visibilidad.

El concierto de Thou fue rápido y contundente, muy poca plática y mucho sludge. Aunque con muchos silencios entre canciones y desesperación por parte del público, se lograron escuchar con alta nitidez los riffs en guitarras, los motivos del bajo, la potente rítmica en batería y la estridencia de la voz.

A fuera, hubo quienes iban por otra experiencia y no terminaron de conectar con la agresión de Thou, esperando a fuera a que se acabara su cerveza en mano e irse a la siguiente fiesta. El concierto termina poco antes de las 00 H.

Bob Moses en Auditorio BlackBerry

Posted on noviembre 3, 2018 by -

Fotos Jesús Contreras

Bob Moses regresa a la línea de batalla.

24 hours Zombie People, una fiesta de disfraces que tuvo como sede el Auditorio BlackBerry se engalanó con la presencia de Bob Moses, que con motivo al estreno de su segundo álbum, Battle Lines, nos traerían a la CDMX sus nuevos temas montados en su show en vivo.

Previo a que la banda principal se hiciera presente, Wolffer comenzaba a calentar la pista de baile, con un set que conectó rápidamente con los primeros asistentes en tomar su lugar. La pista del Auditorio se veía bastante vacía en ese momento, pues las inclemencias del clima retrasaron a muchísimos de los que ya venían en camino, pero eso no impedía que la fiesta siguiera su curso, ahora con Rocco Desentis en las tornamesas, con un set electrónico industrial que fue bastante bien recibido.

Luego de estos dos breves teloneros, la mayoría del público comenzó a llegar, así que, pese a pensar que la asistencia del público sería algo reducida, de un momento a otro la pista y la barra del auditorio se encontraba bastante concurrida.

La emoción por ver de nuevo a Bob Moses se sentía en el ambiente, pues ante cualquier pausa entre la música que ambientaba la espera, los gritos auguraban su próxima aparición, situación que se repitió varias veces hasta que finalmente, la banda apareció frente a nosotros.

El set comenzó con “Heaven Only Knows”, tema bien ubicado por los fanáticos que inmediatamente comenzaron a cantar. “Battle Lines”, tema homónimo a su nuevo álbum generó una atmósfera densa, que al mezclarse con la penumbra del venue nos puso en un trance suave.

La adrenalina sube cuando suenan los primeros acordes de “Too Much is Never Enough”, donde volvimos a entregarnos a Terpsícore, aquella musa de la danza de la mitología griega que agradecida continuó con nuestro goce al mandarnos “Talk”, uno de los temas que causaron mayor euforia.

El ambiente era de lo mejor, la gente tenía espacio suficiente para bailar libremente, brincar y disfrutar de “Back Down”, “Nothing But You” y bajar un poco las revoluciones con “Enough To Believe” y “Eye for an Eye”, dándole al público capitalino la oportunidad de disfrutar de estos estrenos sus presentaciones en la Ciudad de México.

La conexión que tuvo Bob Moses con nosotros fue increíble, pues la interacción fue constante, entre aplausos a ritmo de “Selling My Sympathy”, las pausas y acentos en “Like It Or Not” y los cantos en “Listen to Me”.

Esta noche cerró de forma agradable, pues su éxito “All I Want” enloqueció a todos en la pista, dejándonos en ascuas tras la pausa que la banda tomó, para que finalmente regresaran al escenario a ofrecernos dos temas más: “Grace” y “Tearing Me Up”, estos temas que fueron los primeros que flecharon nuestro gusto por este proyecto musical.

¡Gran concierto! Una de las cosas más destacables fue el audio, un ambiente grato y una banda entregada en todo momento con su audiencia.

Helloween en la Arena Ciudad de México

Posted on noviembre 3, 2018 by -

Fotos Germán García

El epílogo de la celebración del día de muertos a manos de tres grandes del metal.

La Arena Ciudad de México fue sede de un autentico combo triple, Pumpkins United World Tour a cargo de Helloween ahora contó con la participación en el escenario de otros dos grandes, Arch Enemy y Kreator.

El concierto no pudo haber sido en mejor fecha. El dos de noviembre fue la atmósfera perfecta para este show encabezado por Helloween, banda alemana que es pionera en géneros como el power y el speed metal desde el año 1983.

Al rededor de las 20:00 H, Kreator fue la encargada de dar la bienvenida a la noche. Los asistentes que íbamos entrando al recinto, pudimos escuchar, desde los accesos, una contundente demostración de trash metal alemán, puro y duro.

El slam no tardó en hacerse presente, el cual, traído por canciones como "Enemy of God" y "Phobia" se podía ver en varios círculos de la cancha; los puños se alzaban en el aire y el lugar se llenaba de los coros pertenecientes a la canción "Satan Is Real". Ni la banda ni el público bajó el ritmo durante esta presentación, largas cabelleras se veían agitarse desde la cancha hasta los palcos medio vacíos.Una obertura dinámica y enérgica que tuvo una duración aproximada de una hora con diez minutos.

La banda Arch Enemy fue la siguiente en salir en escena. El público parecía eufórico e hipnotizado por el juego de guitarras de "World is Yours"; y claro, por la belleza y presencia en el escenario de Alissa White-Gluz. Desde distintas partes del lugar se escuchaba el grito de "¡Te amo Alissa!", mientras la vocalista hacía gala de su voz, uno de los guturales más atractivos y brutales en el terreno del metal. "La neta no me gusta mucho el ladrido... pero se oyen con madre", dijo mi amigo George Loaeza.

Un sonido impecable en la voz, la guitarra y la batería. El slam se hizo presente hasta "The Race" y el público mostraba su euforia al ritmo de canciones como "We Will Rise", "Nemesis" y "Eagle Flies Alone".

Es así como el momento que muchos esperaban, llegó. La aparición de Helloween en el escenario fue anticipada por una cortina con el logo de la banda, la cual cubría todo el escenario. Repentinamente, las luces bajaron y un sonido de teclado interrumpió el intermedio musical, "Halloween" fue la encargada de comenzar el show. Mientras la cortina caía al ritmo de la batería, la gente brincaba y gritaba mostrando quienes fueron los protagonistas de la noche.

Ciertamente el tracklist fue el mismo del año pasado, lo cual no demerita la gran presencia en el escenario de Andi Deris y Michael Kiske. Ambos, vocalistas de la banda, interactuaban bastante con el público y platicaban acerca del Día de Muertos, los asistentes se emocionaban cuando Deris hablaba en español: "¡Feliz día de los muertos!...¿Cuántos días?...¿Cuatro días de fiesta tomando en la celebración de los muertos?".

Los grandes éxitos de la banda se hicieron presentes "Are You Metal?", "Eagle Fly Free", "Keeper of The Seven Keys" y "Future World".

El grand finale de la noche llegó musicalizado por "I Want Out", un nostálgico cierre en el que grandes globos con rostro de calabaza rebotaban en toda la cancha. Un show bastante especial que llegó para  cerrar con broche de oro la celebración del Día de Muertos.

Festival Neutral 2018

Posted on noviembre 2, 2018 by -

Fotos Ignacio Hipólito

Con muchos nuevos talentos que descubrir y redescubrir.

El Festival Neutral llegó a México una vez más (después de su ausencia en 2017) con sede en el Foro Indie Rocks! con un cuadro interesante conjugando nombres y talentos nuevos, así como otros ya más consolidados en la hermandad de México y Chile, firmados —la mayoría— por el sello Quemasucabeza Records y, especialmente porque de aquel país sudamericano han estado llegando en los últimos años excelentes nombres como prueba de una escena que está pasando un gran momento.

El cartel aunque modesto, parecía adecuado para un foro ciertamente pequeño pero quizá no apto para colgarle la etiqueta de "Festival", pues no es como aquella versión del 2015 de tres noches o no han incluido un headliner que sencillamente sea capaz de vender todas las entradas y resultar entonces en un lleno garantizado y en atraer gente para los actos menos conocidos; pero vaya, que sin duda la propuesta no es mala para los que están muy al pendiente de los nombres emergentes, para los que sin duda, seudónimos como Armisticio o Fármacos, ya les son familiares en estatus de "promesas" más que cumplidas. Niños Del Cerro son quizá (porque para quien escribe esto lo es) el disco revelación en español del año y quizá el mejor. Pedropiedra un nombre más que consolidado y con cientos de fans mexicanos. Lanza Internacional por su parte, ser secuela espiritual de Los Bunkers con los hermanos Durán al mando no es poca cosa y, Spiral Vortex aunque llevan ya un tiempo sin nuevas cosas, quedaría como ese toque psicodélico al final para los que ya han mezclado el suficiente alcohol y desvelo a altas horas de la noche.

Como lo he dicho, no era un mal cartel, no eran malas bandas, todas traían muchas cosas con qué sorprender, pero muchas cosas jugaron en contra para que esta vez ni el público lo pudiera salvar y dejarlo con una experiencia que a futuro, sí o sí, tendrá que repetirse. Será que faltó difusión general, será que entonces los nombres aún no son tan conocidos en México para causar un grado mayor de revuelo, será que un creciente Alex Anwandter en SALA quizá se llevó más atención de fans que pudieron venir acá... no sabemos, pero el hecho es que muchos pases dobles se comenzaron a regalar desde 72 horas antes por varios lados, e incluso así, el foro, nunca tuvo una asistencia medianamente aceptable (para un festival).

Desde el comienzo los retrasos y problemas afectaron a Armisticio que le puso color a la noche con esa combinación de synths y pop electrónico, minutos muy amenos con una propuesta que aunque desconocida por muchos, fue a los mismos que convenció. Más, después de haber logrado un disco tan homogéneo y cuidado como Superficial 3 del cual se presentaron aquí algunos temas.

Con Fármacos las cosas subieron el nivel, pues, Diego Ridolfi y los suyos ya han cosechado varios fans en tierras aztecas, y entre los presentes en el Foro Indie Rocks! había algunos fans que soltaban gritos de emoción entre canción y canción y además, eran parte de la interacción. Aún para algunos incautos, el proyecto chileno resultó cautivador por la familiaridad que tienen con sonidos de bandas locales que, por si fuera poco, también fue posible constatar que las nuevas canciones de Ridolfi como "Cuando quieras" tendrán un gran potencial de ser reconocidas en México.

Tiempo para que Niños Del Cerro tomaran el escenario y para que sus seguidores —porque los había— se hicieran notar mediante la explosividad que alcanzan algunos de sus temas, el quinteto de Chile que este año estrenó Lance prosiguiendo a Nonato Coo vino a afirmar que son una de las propuestas más fuertes que existen actualmente en todo Latinoamérica y a reafirmarlo con su poderío y ejecución sobre el escenario. Con "Sufre" develando la cadencia y epicidad que pueden contrastar de un segundo a otro. "Contigo" y "Flores, labios, dedos" de lo mejor de toda la noche, momentos enérgicos, donde Simón Campusano no perdía oportunidad para saltar, bailar y por detrás, José Mazurett parecía tener más de dos brazos golpeando con rapidez y destreza su batería. "Lance", y sus casi 10 minutos de ejecución fueron impresionantes y para cerrar, rescatando el tema homónimo de su primer álbum complementaron una actuación donde la intensidad, baile y buena vibra fueron el común denominador.

Vaya Futuro fue llevando la noche hacia sus puntos más altos, aunque hay que decir que había muchos indiferentes, había otros totalmente expectantes a su presentación. Mención especial para el fan que se llevó un saludo por llevar una playera estampada con el single de "Sueco en África" (canción que no tocaron). Desafortunadamente fue la actuación más accidentada por problemas técnicos con los instrumentos, donde prácticamente sobre la marcha, los integrantes tenían que dar indicaciones a los ingenieros de sonido para solicitar o arreglar cosas de audio. Sin embargo, resultó extraordinario omitir del set sus más nuevos singles que poco tienen que ver con el sonido que llevó a Vaya Futuro a la fama. Hubo cortes de su Tips para ir de viaje pero estos fueron desde "Las muertas", "+ y +", "Autostop a Tlaxcala" hasta "Abismo", pero sin duda y a pesar de todos los problemas, el largo trance de "El Hombre sin cabeza y la danza de los resignados" con sus más de 10 minutos, con sus sacudidas, misterio e introspección, fue único, como para enmarcarlo y volverlo a vivir.

El de la noche fue Pedropiedra, por momentos parecía ser un concierto en solitario por los fervientes aplausos y gritos que recibía, porque la mayoría cantaba sus canciones y actuaba con ademanes la letra, saltaban y brincaban. Se trató del momento climax, Pedro salió detrás de su teclado pero con un rollo muy particular para ser frontman; de gafas y bailando de manera escueta cada que la canción o el espacio se lo permitía, pero siempre dirigiendo bien a sus seguidores. "Vacaciones en el más allá", "Pasajero" encendieron el ánimo y las gargantas de todos. "Todos los días", "Lluvia sobre el mar" y "La Balada de J. González" dejaron claro que las canciones de su más reciente Ocho ya son clásicos de su autoría.

A partir de acá las cosas cambian porque literalmente Pedropiedra se robó y se llevó el show. Cuando éste salió del escenario más del 90% de la gente salió de la sala para ir a tomar y seguir con el festival por fuera, de modo que cuando salió Lanza Internacional pocos eran los presentes, con muchos huecos donde se supone debía haber gente. Aunque pocos se dieron cita de vuelta, la banda mostró altura y profesionalismo al salir y emprender un show sin importar el número que poco a poco fue creciendo y que, pudieron presenciar la invitación de la banda para hacer dueto con Pedropiedra. Y era de esperarse, pues si algo tienen los hermanos Durán el curriculum, es: experiencia y siempre le dieron la entrega necesaria a cada canción que tocaron, todas de su álbum homónimo lanzado el año pasado.

Por último Spiral Vortex salió a concluir la noche sin importar el medio o el alrededor, y no era par amenos, pues son capaces de crear su propia atmósfera a pesar de las condiciones, vaya que hasta el eco del vacío en las inmediaciones eran hasta favorables para la resonancia, donde prácticamente la magia de temas como "Primavera" o "There's A Light" era abrasiva y alucinante. ¿No debieron venir a HIPNOSIS?

Es una pena que no se pueda decir con firmeza que el Festival Neutral 2018 en México fue un éxito, no por las bandas, el lugar, o la propuesta, si no porque esta vez la atracción de espectadores se ha quedado corta y habrá que replantearse ¿qué falló? porque todos los actores desde Armisticio hasta Spiral Vortex son nombres que sin duda merecían la respuesta calurosa con un Foro Indie Rocks! mucho más colmado pero que esta vez en el aspecto de "ambiente" flaqueó bastante. Esperemos que las cosas sean mejor para el siguiente año porque se trata de un festival muy particular que borra esa frase que le escuchado a alguno de decir que "No hay talento en Latinoamérica" ¿No? porque no has ido a Festival Neutral.